Submitted by Melina Garcia Gorjon (gorjon.melina@gmail.com) on 2018-10-17T21:26:54Z No. of bitstreams: 1 gorjon_dissertação.pdf: 5402891 bytes, checksum: 2ba39321324f80167076d272356b672d (MD5) / Approved for entry into archive by Maria Luiza Carpi Semeghini (luiza@assis.unesp.br) on 2018-10-17T23:52:06Z (GMT) No. of bitstreams: 1 gorjon_mg_me_assis_int.pdf: 5402891 bytes, checksum: 2ba39321324f80167076d272356b672d (MD5) / Made available in DSpace on 2018-10-17T23:52:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 gorjon_mg_me_assis_int.pdf: 5402891 bytes, checksum: 2ba39321324f80167076d272356b672d (MD5) Previous issue date: 2018-09-11 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq) / Junto às leituras do feminismo decolonial, incorporo uma parte do meu processo artístico ao texto, além das obras de algumas artistas intercessoras. Busco com a obra de arte evidenciar aspectos críticos às configurações de colonialidade. Para tanto, entendo que, como pontua Nochlin (2016, p.23),"a arte não é a atividade livre e autônoma de um indivíduo dotado de qualidades", a arte e o artista são construídos dentro de um contexto social e todos os elementos que os circundam passam e são mediados por estruturas sociais. A colonialidade são os ecos do poder instituído durante a colonização, se diferindo de colonialismo que é o tempo histórico, político e econômico. A colonialidade atua nos processos de subjetivação, nas relações entre os sujeitos, na constituição e difusão do conhecimento e pensamento, isso quer dizer que essas estruturas são generificadas, racializadas e nortistas. O objetivo geral dessa pesquisa foi empreender a discussão dos efeitos da colonialidade de gênero por meio das autoras, Silvia Cusicanqui, Maria Lugones, Ochy Curiel, entre outras, conjugando tais produções à processos artísticos que também pensam as questões de opressão de gênero, raça e cultura ao mesmo tempo produzem resistência por meio da radicalidade própria da imagem, do próprio corpo como instrumento crítico de expressão de si e do mundo. Consoante com Yuderkys Spinosa, a qual traz uma definição que cabe aqui, o feminismo decolonial é antes de tudo uma aposta epistêmica pois, faz uma crítica ao feminismo que se pretende universal e uno, não levando em conta as assimetrias e diferenças marcadas pelas categorias de cultura, raça, classe, opção sexual e cisgeneridade. É importante ressaltar que o feminismo decolonial não é uno, existe uma pluralidade de autoras/ativistas com similaridades e distâncias. Eu, enquanto mulher branca, dentro do que elabora Maria Lugones (2008) a respeito da colonialidade de gênero, tenho tudo para ser instrumento de reprodução da dominação colonial elaborada pelo sujeito colonial, criando um feminismo universal e generalizante que não leva em conta as assimetrias de mulheres trans., negras e indígenas. Por ter a pretensão em atuar como psicóloga e seguir pesquisando em psicologia acredito que preciso produzir questionamentos no que tange a colonialidade, afinal a psicologia é uma ciência e enquanto tal está emaranhada nos jogos de opressão alimentados pela colonialidade de saber, poder e ser. / Along with the readings of decolonial feminism, I incorporate a part of my artistic process into the text, in addition to the works of some intercessory artists. I seek with the artwork to evidence critical aspects to the configurations of coloniality. For that end, I understand that, as Nochlin (2016, p.23) points out, "art is not the free and autonomous activity of an individual endowed with qualities", art and the artist are built within a social context and all elements that surround them pass and are mediated by social structures. Coloniality is the echoes of power instituted during colonization, differing from colonialism, which is historical time, political, and economic. Coloniality acts in the processes of subjectivation, in the relations between the subjects, in the constitution and diffusion of knowledge and thought; this means that these structures are generalized, racialized and northerly. The general objective of this research was to discuss the effects of the coloniality of gender through the authors, Silvia Cusicanqui, Maria Lugones, Ochy Curiel, among others, combining such productions with artistic processes that also think about the oppression of gender, race and culture at the same time produce resistance through the radicalness of the image itself, of the body itself as a critical instrument of expression of self and of the world. According to Yuderkys Spinosa, which brings a definition that fits here, decolonial feminism is above all an epistemic bet because it makes a critique of feminism that is universal and one, not taking into account the asymmetries and differences marked by the categories of culture, race, class, sexual choice and cisgenerity. It is important to note that decolonial feminism is not one, there are a plurality of authors / activists with similarities and distances. I, as a white woman, in what Maria Lugones (2008) elaborates on the coloniality of gender, I have everything to be an instrument of reproduction of colonial domination elaborated by the colonial subject, creating a universal and generalizing feminism that does not take into account asymmetries of trans, black and indigenous women. Because I have the pretension to act as a psychologist and continue researching in psychology, I believe that I need to raise questions about coloniality, after all, psychology is a science and as such is entangled in the games of oppression fueled by the coloniality of knowledge, power and being

Orientador(a): Lalada Dalglish / Banca: Ricardo Gomes Lima / Banca: Sônia Carbonell Alvares / Abstract: This master's dissertation has a narrative about the pottery of Tracunhaém, a small town in the Zona da Mata of the state of Pernambuco, also known as the sugar cane zone. The clay handicrafts emerged as an alternative to the harsh conditions of labor exploitation in sugarcane cutting. Modeling saints, pots and clay pots has become a tradition in the city. A brief contextualization is developed focusing on the investigation of the ceramics processes made in Tracunhaém. Field research was carried out, observing two nuclei of artisans; The first of these is recognized by a patrimonial program of the State of Pernambuco, the Register of Living Heritage; Maria Amélia, Zezinho, and Mestre Nuca are part of this group. The second group is formed by the oldest potters of the city, Mestre Da Hora, Amaro de Tracunhaém and Mestre Jair. The theoretical reference transits between aesthetics, anthropology and cultural history. From the theoretical anthropological approach that problematizes the Eurocentric structure of the understanding about art, aspects of the processes of creation in Tracunhaém are discussed. In this way, we seek to understand the perspectives of artisans, so that we can broaden our understanding of the meanings of artisan making in this community. Using the theoretical assumptions of cultural history, approximations are made with the book The Cavern, (2010) by José Saramago, a work that presents questions related to the studied universe / Resumo: Esta dissertação de mestrado tece uma narrativa sobre a cerâmica de Tracunhaém, pequena cidade da Zona da Mata pernambucana, também conhecida como zona canavieira. O artesanato de barro surgiu como uma alternativa às duras condições de exploração do trabalho no corte da cana-de-açúcar. Modelar santos, potes e panelas de barro tornou-se uma tradição na cidade. É desenvolvida uma breve contextualização com foco na investigação dos processos da cerâmica feita em Tracunhaém. Foram realizadas pesquisas de campo, observando-se dois núcleos de artesãos; O primeiro deles é reconhecido por um programa patrimonial do Estado de Pernambuco, o Registro do Patrimônio Vivo; Maria Amélia, Zezinho, e Mestre Nuca fazem parte deste grupo. O segundo grupo é formado pelos oleiros mais velhos da cidade, Mestre Da Hora, e a Família de Amaro de Tracunhaém e Mestre Jair. O referencial teórico transita entre estética, antropologia e história cultural. A partir da abordagem teórica antropológica que problematiza a estrutura eurocêntrica do entendimento sobre arte, são discutidos aspectos sobre a cerâmica de Tracunhaém. Desse modo, busca-se compreender as perspectivas dos artesãos, para que assim possamos ampliar nosso entendimento acerca dos sentidos do fazer artesanal nesta comunidade. Utilizando-se os pressupostos teóricos da história cultural, são realizadas aproximações com o livro A Caverna, (2010) de José Saramago, obra que apresenta questões relativas ao universo estudado / Mestre

El documento digital no refiere asesor / Publicación a texto completo no autorizada por el autor / Realiza un estudio sobre la obra de Julia Codesido, para reconocer su aporte al arte peruano del siglo XX, referido específicamente, al tema del cóndor, lo que conlleva a analizar de manera minuciosa, las seis obras que la artista plasmó sobre la majestuosa ave, indispensable para mantener el equilibrio biológico del ecosistema. El interés para investigar sobre el cóndor en la obra de Julia Codesido, fue conocer con detalle, un aspecto del trabajo artístico de la pintora, así como precisar y descubrir la relevancia de esta ave, ligada desde épocas pretéritas a la cultura peruana. / Tesis

Magíster en artes mediales / Los artistas y poetas se caracterizan por ser especialistas en el uso del lenguaje: el escrito en el caso de los poetas, el visual en el caso de los artistas; y entre ambos, el lenguaje del sonido. Considerando esta especialización en el trabajo con el lenguaje, la llegada de los nuevos medios y su masificación trajo consigo nuevos modos de abordar dichas materialidades. Esta tesis profundiza en el aspecto híbrido de los lenguajes y sus soportes, mediante la traducción de un poema escrito en lenguaje humano a lenguaje de programación. Dicho proceso no es lineal ni unidireccional y se basa en la metodología de traducción intersemiótica, ya utilizada por los poetas y artistas brasileños desde los años 80’ para expandir el sentido de los poemas concretos. La especificidad de las traducciones acá expuestas radica en el énfasis de su aspecto textual como reflejo del código de programación, el cual posee carácter algorítmico y procedural. Como resultado, las traducciones digitales toman forma simultáneamente en dos soportes: computador y libro impreso. En la especificidad de dichos soportes se logran expresar los sentidos latentes que albergaba la versión original del poema

Esta tesis se presenta como un estudio sobre la imagen de la genitalidad de la mujer dentro la práctica artística contemporánea. Su hipótesis es que esta imagen podría servir como herramienta para la lucha por la autonomía del cuerpo en la sociedad peruana contemporánea. La metodología desarrollada comprende un estudio antropológico comparado entre las obras de las artistas multidisciplinarias de la ciudad de Lima - Raquel Esquives (2012), Carla Montalvo (2013) y Liliana Albornoz (2014) - y entrevistas a 74 jóvenes estudiantes de la Escuela de Arte Corriente Alterna, la Escuela Nacional Autónoma de Bellas Artes del Perú y la Facultad de Arte y Diseño de la Pontificia Universidad Católica del Perú. El análisis de aquellos procesos que sostienen la imagen de la genitalidad de la mujer, junto con información teórica y visual desde diferentes plataformas, me servirá para exponer los discursos que se insertan en estas imágenes dentro del contexto local actual. Y, como resultado, su implicancia en mi práctica artística como un ejercicio de introspección y creación al que denomino “ritual genital feminista”. / Tesis

Publicación a texto completo no autorizada por el autor / Analiza los escritos sobre arte de Teófilo Castillo en la serie de ensayos “En viaje. Del Rímac al Plata” escrita entre 1917-1918 a partir del recorrido del crítico en Perú, Bolivia, Chile y Argentina. En ella convergen la valoración a artistas latinoamericanos, europeos y asiáticos en diferentes disciplinas, activos, referidos o cuyas obras fueron vistas en los citados países, mediante conceptos estéticos, artísticos y extra-artísticos. Las reflexiones se entrelazan con otros temas como la problemática de un adecuado museo peruano, las colecciones privadas, el desarrollo/estado de la crítica de arte, la enseñanza del dibujo, las instituciones oficiales de enseñanza artística y el arte del antiguo Perú y virreinal. La finalidad es ampliar la perspectiva entorno a la crítica de de arte de Teófilo Castillo, razón por lo cual se presenta un aporte a la crítica de arte peruano y latinoamericano. / Tesis

Esta investigación se centra en demostrar que el programa iconográfico de la serie de pintura quiteña colonial conocida como El Alabado, custodiada en el Monasterio de la Santísima Trinidad ubicado en Santiago, se encuentra en estrecha relación con la oración que se despliega a lo largo de los once lienzos que la componen construyendo un pensado, original y necesario sistema mnemotécnico. Primeramente, se sitúa el contexto histórico al que pertenecen los cuadros a partir de la historiografía latinoamericana y local que se ha ocupado de la pintura colonial –sobre todo quiteña- y el desarrollo de ésta a lo largo del tiempo. A continuación, se aborda la historia y desarrollo del Arte de la Memoria y su introducción en el Nuevo Mundo como herramienta doctrinal, además de tratar la imagen como sistema mixto de comunicación. Finalmente se realiza el análisis iconográfico de la serie estudiada, además de adentrarnos en la procedencia de la oración y la importancia que mantuvo durante la colonia la defensa de la Eucaristía y la virginidad de María, pasando por la relación existente con la serie realizada por Miguel de Santiago y su posible autoría. Concluyendo que el Alabado es un premeditado, innovador y elaborado sistema iconográfico utilizado como un aparato mnemotécnico específico que conjuga la imagen y la palabra para instar a la meditación piadosa

Esta investigación se ha enfocado en el análisis respecto del concepto arte social, el cual se referiría a expresiones cuyas principales motivaciones se alejarían de la especificidad del campo artístico, para involucrarse en ámbitos de la sociedad que resultan de interés para el artista, en cuanto temática como destino principal de la obra. Teniendo como punto de partida los antecedentes teóricos y experiencias artísticas que serían inscribibles en este concepto –principalmente a nivel latinoamericano y con énfasis en el contexto chileno durante la dictadura iniciada en 1973-se reflexionó sobre su posible aplicación a cuatro obras realizadas en el Chile contemporáneo, específicamente en la última década, teniendo en cuenta los cambios que ha enfrentado la sociedad chilena desde entonces. Actualmente, el contexto social otorga motivaciones políticas diferentes, pero existen de todos modos conflictos de desigualdad social, y de relación con la memoria de los acontecimientos pasados. Todo esto es considerado por algunos artistas, para desarrollar propuestas que se relacionen con el espacio público, en sus posibilidades de experiencia abierta y de comunicación con sus habitantes. En las obras de arte social, el entorno es fundamental en la obra, es parte de ella en tanto problema, campo de interacciones y material significante. Las propuestas abordadas se llevaron a cabo en el espacio público, por lo cual resultó fundamental considerar los códigos que los artistas usaron para generar estrategias de validación social, así como también las posibilidades de relación de la obra con el espacio público y la ciudadanía, tomando en cuenta que las obras de arte social dialogan con una multiplicidad de variables: contexto histórico, político, económico, social y urbano. A lo anterior se incluyó el análisis de las eventuales reacciones de los transeúntes respecto de la obra, las cuales no estarían preestablecidas y que podrían, en ocasiones, articularse como respuestas e incluso indicios de diálogo con el problema planteado

Como punto de partida para la realización de esta Tesis considero necesario preguntarse ¿cómo pudo Teodoro de Bry haber representado América sin jamás haber viajado a este continente? Reflexionando sobre la capacidad de proyección del ser humano, dependiente siempre de su materialidad y de su experiencia histórica, creo que la creación de la imagen que de Bry realizó sobre América se constituyó como tal en la reflexión cultural europea del siglo XVI, imbricando elementos de su pasado y presente con relatos maravillosos que llegaban desde el Nuevo Mundo.De modo que, las ilustraciones de este grabador constituirían un aporte fundamental en la formación de la imagen que acompañó el proceso ideológico de la invención de un continente recién descubierto, entendiendo éste como una entidad específica con nombre propio: América. En este sentido, considero que, en sus grabados, Teodoro de Bry expone un discurso histórico por medio de los acontecimientos que retrata, un discurso ideológico por los temas que escoge, y un discurso poético por la mezcla perfecta entre dos universos culturales tan diversos como eran entonces Europa y América. El análisis de estos tres discursos será fundamental para comprender el valor de su obra en un sentido histórico, ideológico y artístico. Es por esta razón que, por medio del análisis de la historia del grabado y el rol que en ella cumplía Teodoro de Bry, del estudio del soporte visual de la imagen de que creó de América, y del análisis su discurso teórico-ideológico frente a la conquista de América, pretendo dar a conocer, a través de su obra, el proceso por medio del cual Europa se formó una imagen de América

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