Étudier le processus de transmission du répertoire de berceuses et formulettes enfantines, en évaluant son évolution entre la tradition et son actualisation dans le monde actuel, est le sujet de ce mémoire. Nous postulons que le répertoire que l'adulte offre au petit enfant de 0-5 ans est fonctionnel, et qu'il est toujours utilisé, car il permet à l'adulte d'interagir de façon efficace auprès du bambin, qui a besoin d'accompagnement pour trouver le sommeil, pour se consoler, ou pour apprendre la patience lors des soins, des déplacements ou des périodes d'attente, et qui adore les périodes de jeux au cours desquelles il se régale à créer des liens avec les personnes qu'il côtoie. Peu d'études ont été menées sur le sujet -- les ethnologues du siècle dernier ont même prédit la disparition du répertoire dédié à l'enfance -- et bien que la transmission soit étudiée dans sa globalité par de nombreux chercheurs multidisciplinaires, le processus de transmission lui-même a rarement été exploré. Pour ce faire, nous avons mené une enquête ethnographique au moyen d'entrevues semi-dirigées auprès de 23 participants et d'observations participantes dans un organisme famille sur le processus de transmission de chansons et formulettes enfantines. Les résultats de cette étude démontrent que le répertoire que l'adulte dédie à l'enfant est encore vivant et qu'il s'actualise en lien avec les modes de communication (tradition, littérature et médias) en action à travers les générations au sein desquelles il se meut. Il apparait que les voies de transmission intergénérationnelle et intragénérationnelle se chevauchent pour apprendre et transmettre ce répertoire, et que la principale transmission passe par la famille, mais qu'elle transite aussi par l'intermédiaire de la société (service de garde, écoles, camps de vacances, etc.). Les variables qui définissent le processus de transmission sont a) l'agencéité du transmetteur et du récepteur -- faisant référence à leur libre-arbitre --, b) la protomémorialité du répertoire, qui passe de latence à conscience à travers un mécanisme qui semble relié aux mémoires gestuelles de l'individu qui le porte, et c) divers facteurs mentaux se manifestent lors du processus de l'apprentissage et de la transmission d'un répertoire comme celui des formulettes enfantines.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / WAG! The Musical est la seconde comédie musicale d'Aleksey Shegolev ainsi que la première à être exécutée dans un théâtre off-Broadway à New York durant l'été 2013. Une des premières comédies de William Shakespeare, Peines d’amour perdues, a servi d’inspiration pour son partenaire Julian Silverman (dramaturge) et lui (compositeur et librettiste) dans la composition de WAG!. Afin de moderniser le sujet shakespearien traité dans les Peines d’amour perdues, plusieurs ajustements ont été nécessaires. Dans le but de maintenir l’attention des spectateurs, le niveau d'intensité dans l’action doit constamment s'élever. Cette thèse traitera notamment des divers procédés musicaux employés dans le but de soutenir l’action. Le rock ' n' roll, ainsi que le jazz furent les principaux langages musicaux à avoir une forte influence sur cette composition. Conséquemment, à travers une analyse détaillée, Shegolev explique comment le rythme, l'harmonie et la texture construisent sa comédie musicale. De plus, la manière de rendre l’humour en musique, si nécessaire au genre comique, sera également objet de discussion dans cette dissertation. La dissertation sera clôturée par un chapitre qui traitera de l'expérience personnelle que Shegolev a accumulée au cours des ateliers de lecture et des répétitions aux quelles sa pièce a été assujettie, afin de monter WAG! dans un théâtre de production à petite échelle à New York. / WAG! The Musical is Aleksey Shegolev's second full-length musical and it is the first to be performed in an off-Broadway theatre in New York during the summer of 2013. The idea for the plot was inspired by William Shakespeare’s Love’s Labour's Lost, and he and his partner, Julian Silverman, created a story fit for modern times. Shegolev was the composer and lyricist, while Silverman was the book writer. Good storytelling and strong songwriting depends on the characters having a goal to pursue as they overcome the obstacles in their paths. As the story progresses, the level of intensity must always rise to keep the audiences’ attention. Jazz and rock ‘n’ roll were the main musical influences on this piece and we will see how rhythm, harmony and texture played a part in creating WAG!. Musicalizing comedy by using various techniques in composition is another topic that will be explored. Finally, this dissertation will close with Shegolev's experiences during the workshop from dealing with the director to the endless revisions and cuts that had to be made before opening night.

Dans les années 1990, le rock britannique revient sur le devant de la scène, porté par des groupes tels Blur, Oasis, Pulp et Suede, que la presse rassemble sous l'étiquette Britpop. Non contents de s'inspirer des grands groupes locaux des années 1960, comme les Beatles, ces musiciens se distinguent par une écriture et une image profondément ancrées dans leur propre identité britannique, et évoquent volontiers dans leurs chansons le mode de vie de la jeunesse comme la culture de la classe ouvrière. Cette renaissance sur les plans musical et culturel (participant au phénomène Cool Britannia) est contemporaine de la rénovation de l'idéologie et de l'image du Parti travailliste, qui devient New Labour sous la férule de Tony Blair, intéressé par la vision positive de la britannicité dépeinte par la Britpop. Dans la course aux élections législatives de 1997, le chef de l'opposition cherche à présenter son parti comme jeune et moderne, et se rapproche des acteurs de la scène rock de l'époque dans le but de courtiser l'électorat jeune qui fait défaut à la gauche depuis les années 1980. L'utilisation du rock en tant qu'outil de soutien politique pourrait néanmoins paraître contre-Nature à cause du rôle traditionnel de ce genre musical, lié aux sous-Cultures et mouvements contestataires. L'étude des excroissances du mouvement Britpop, visibles jusqu'à l'accession de Gordon Brown au poste de Premier ministre en 2007, permettra de dégager l'existence d'une veine critique et contestataire au sein de cette même scène rock, proposant une vision plus réaliste de la société, rappelant l'idée de Broken Britain mise en avant par les Conservateurs à cette époque. / In the 1990s, a string of successful bands such as Blur, Oasis, Pulp and Suede, inspired by glorious forefathers like the Beatles, revived the British rock genre. The press was quick to dub this new scene "Britpop", to describe the way these bands drew their inspiration from their own sense of Britishness, both in their appearance and in their lyrics, which documented several aspects of youth and working-Class cultures in Britain. Meanwhile, the Labour Party was undergoing a similar kind of rebirth under the influence of Tony Blair, who rebranded his party as New Labour. Since Britpop offered a positive, near-Patriotic vision of Britishness in line with the spirit of "Cool Britannia", Blair sought to obtain a very visible support from the Britpop scene in the run-Up to the 1997 general election. This was conceived as a way to help rejuvenate the Labour Party's image and to secure the youth vote which had eluded the left since the 1980s. However, the traditional view of rock music (as a type of protest music, prone to generating subcultures) hardly seems compatible with the idea that it could be used to support a mainstream political party. As the Britpop format went on to influence homegrown rock music into the next decade, with Gordon Brown succeeding Blair as Prime Minister in 2007, it seems several bands took British rock back to its primary, subversive function by painting a realistic picture of British society, closer to the concept of "Broken Britain" than to that of "Cool Britannia".

La thèse porte sur la poésie de Marguerite de Navarre et Vittoria Colonna. Elle se concentre sur la codification de leurs poésies spirituelles et examine comment des formes littéraires traditionnelles sont combinées avec des idées religieuses nouvelles et transformées. Pour ce faire, la partie théorique de cette thèse développe une conception du code qui est ensuite appliquée aux poèmes des deux poètes. Dans une partie historique, la thèse explore l’évangélisme en Italie. Elle examine s’il existe en Italie un code évangélique comparable au code évangélique français. La thèse examine ensuite les sonnets spirituels de Vittoria Colonna. Ces poèmes sont édités et traduits en annexe. L’étude analyse également le poème "Le Balladin" de Clément Marot. Le corpus des textes analysés de Marguerite de Navarre comprend les rondeaux, les dizains ainsi que les chansons spirituelles. La thèse se focalise sur l’analyse de la codification et de l’interdépendance de la forme littéraire et de la pensée religieuse. / The thesis deals with the poetry of Marguerite of Navarre and Vittoria Colonna. It focuses on the codification of their spiritual poetry and examines how traditional literary forms are combined with new religious ideas and how they are transformed. To do this, the theoretical part of this thesis develops a conception of code that is then applied to the poems of the two poets. In a historical part, the thesis explores evangelism in Italy. It examines whether there is an evangelical code in Italy comparable to the French evangelical code. The thesis then examines the spiritual sonnets of Vittoria Colonna. These poems are edited and translated in an appendix. The study also analyses Clément Marot's poem "Le Balladin". The corpus of texts by Marguerite of Navarre includes the rondeaux, the dizains and the chansons spirituelles. The thesis focuses on the analysis of the codification and of the interdependence of literary form and religious thought.

This study is the first step toward a better understanding of the introduction of pervasive imitation at the end of the fifteenth century. The focus is on selected works of Loyset Compère: the ténor motet Omnium bonorum plena, two motetti missales cycles and twenty chansons. Four types of repetition have been identified in these works: imitation, free repetition, repeated modules and doubling. The main analysis is based on the statistical frequency of the different types of repetition. Percentage tables allow us to observe stylistic changes between early and late chansons and also underline some resemblances between late chansons and motetti missales. Different types of repetition tend to vary in length; imitation generally uses longer melodic lines than other types of repetition. I also studied pitch intervals of repetition used by Compère. I have noticed that unlike some composers of the time, Compère used pitch intervais other than the octave and unison, mainly the fifth and principally in his late chansons. Finally, I have constructed a System of modular classification which allowed me to identify unifying devices used by Compère in his motetti missales. The results presented in this thesis suggest that Loyset Compère was a major contributor to the evolution of pervasive imitation.

A central focus of this thesis is the word-music relationship in the devotional-song-repertory of Hildegard of Bingen (1098-1179). Surrounding this focus is an examination of aspects of her life and work that relate to the production of her seventy-seven monophonic songs. This examination commences with a review of biographical sources, collation and discussion of parchment sources of her music, and identification of her music scribes. The theme of Hildegard’s music scribes is then developed, including their influence upon the liturgical genres in which her songs are cast and the melodic behaviour of her music. It is argued that, as a result of the rendering of her melodies on the medieval gamut, the surviving sources of her songs represent corruptions of orally produced chant. / The word-music relationship in Hildegard’s songs is then introduced. Her views on the role of music and her own role as monastic preacher form the basis of an examination of the relationship between rhetoric and her songs. This examination draws on contemporary modes of rhetorical criticism, and an approach which treats her songs as musically articulated rhetorical discourse is developed. A selection of her songs is then examined through this approach, and particular attention is given to songs which preserve unusual melodic behaviours. It is argued that her songs represent iubilatio responses to both the grammatical and rhetorical syntagms of her song texts, and melodic characteristics which suggest traces of her pre-redacted melodies are identified. / As a codicil to this study, a critique of ‘new’ and ‘unusual’ monastic practices in Germany by Anselm of Havelberg (c.1100-1158) forms a point of departure for discussion of a small number of surviving songs which surrounded the production of Hildegard’s music - the five monophonic songs comprising the Epithalamia to the Speculum virginum (c.1140), and a twelfth-century canticle setting emanating from the monastic home of her music scribes. This examination points towards a tradition of ‘new’ and ‘unusual’ musical practices in Southern Germany during the twelfth century and provides one possible context for Hildegard’s devotional-song repertory.

Mémoire (M.Ling.)--Université du Québec à Chicoutimi, 2000. / Document électronique également accessible en format PDF. CaQCU

Thesis--Columbia University. / Without thesis statement.

Due sono le questioni che bisogna porsi per analizzare la “cultura di miniera nelle Alpi”: in che modo i fattori politici ed economici influenzarono la gestione e l’organizzazione mineraria? Esistono espressioni culturali specifiche della categoria professionale dei minatori? Pur nella loro diversità, le due questioni sono tra loro complementari. La presente ricerca è divisa in due parti: la prima prende in esame i sistemi di gestione e di organizzazione estrattiva nelle Alpi; a tal proposito sono stati comparati i contesti socio-economici delle seguenti comunità minerarie: del distretto minerario di Vipiteno-Colle Isarco ed in particolare della miniera di Ridanna-Monteneve in alto Adige; dell’Alta Val Trompia in provincia di Brescia; di Brosso e di Pont Canavese in provincia di Torino e di Premana in provincia di Lecco. La seconda parte di questo lavoro analizza le espressioni culturali della categoria professionale dei minatori che comprendono le leggende di miniera, i canti e le feste. Queste fonti sono importanti dal punto di vista antropologico in quanto esprimono i desideri, le ansie, le attese, in breve la coscienza dei minatori. I testi folklorici, soprattutto i canti, gettano luce sui loro modi di vita e di pensiero. Si tratta dunque di fonti autentiche per la conoscenza delle condizioni morali, oltre che materiali, dei minatori. / Dans l’analyse de la culture minière dans les Alpes, il faut se poser deux questions: comment les facteurs politiques et économiques influencèrent la gestion et l’organisation minière? Est-ce qu’il existe des expressions culturelles spécifiques de la catégorie des mineurs ? Bien qu’elles soient très différentes, les deux questions sont complémentaires. Ce travail est divisé en deux parties : la première concerne les systèmes de gestion et d’organisation du travail minier dans les Alpes ; pour bien les analyser, on a comparé les contextes socio-économiques des communautés minières suivantes : le district minier de Vipiteno-Colle Isarco et en particulier la mine de Ridanna-Monteneve en Alto Adige. La Haute Val Trompia en province de Brescia ; Brosso et Pont Canavese en province de Turin et Premana en province de Lecco. La deuxième partie de ce travail analyse les expression culturelles de la catégorie professionnelle des mineurs comprenant les légendes minières, les chants et les fêtes. Ces sources sont très importantes du point de vue anthropologique, car elles expriment les inquiétudes, les désirs, les attentes, en bref la conscience des mineurs. Les textes folkloriques, surtout les chants, permettent de comprendre leurs vies et leurs pensées. Il s’agit donc de sources authentiques pour connaitre les conditions morales et matérielles des mineurs.

Interactions between polyphonic motets and monophonic trouvère song in the long thirteenth century have been characterised in a number of different ways. Mark Everist and Gaël Saint-Cricq have focused on motets' use of textual and musical forms usually thought of as typical of song. Judith Peraino, on the other hand, has explored the influence of motets on a range of pieces found in manuscripts that mainly contain monophonic songs. This thesis re-examines motet-song interaction from first principles, taking as its basis the 22 cases in which a voice part of a polyphonic motet is also found as a monophonic song. The thesis's analysis of this corpus has two central themes: chronology and quotation. In addressing the first, it develops a music-analytical framework to address the compositional processes involved in these case studies, arguing that in some of them a monophonic song was converted into a motet voice, while in others a motet voice was extracted from its polyphonic context to make a song. It also emphasises, however, that chronology is often more complicated than these two neatly opposed categories imply, showing that different song and motet versions can relate to each other in ways that are dynamic, complex, and often hard to recover from the extant evidence. The conversion of song material for motets and vice versa is placed within a larger context of musical quotation and re-use in the thirteenth century, showing that many of these case studies play with the pre-existence of their song or motet material: some transfer their voice parts from one medium to another in a way that consciously foregrounds their previous incarnations, whereas others mask the pre-existence of the voice part by absorbing it into new textual and musical structures. The thesis closes with a consideration of the wider implications of the motet-song interaction it analyses. It examines the generic boundary between songs and motets and suggests a model of generic analysis that centres on the complexities of manuscript transmission. Finally, it considers the use of refrains within its corpus of motets and songs, demonstrating that these short passages of music and text are often quoted in ways similar to those analysed in motets and songs earlier in the thesis.