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Les chansons populaires grecques sont imprégnées d’une profonde religiosité qui apparaît à la fois comme cadre et comme vecteur d’action. Le poète populaire entretient une relation multidimensionnelle avec le Dieu de la Bible et de l’Ancien Testament et fait des saints et des anges des personnages actifs et récurrents dans les textes ; ils évoluent parallèlement avec les héros et leurs destinées s’entrecroisent. Charos est une figure mythique qui joue un rôle fondamental dans l’ensemble des chansons. Personnage mythologiquement et symboliquement sophistiqué, Charos constitue le pilier des mirologues. Ses relations ambiguës avec la divinité déterminent celles qu’il entretient avec l’homme et fait de lui un être à part. A la fois incarnation du mal et agent de la mort, son riche parcours historique dévoile ses nombreuses facettes, ainsi que ses liens avec certaines figures héroïques ambigües telles que Digenis ou Tsamados. La nature et les animaux détiennent un rôle significatif, caractérisé d’une sacralité profonde, et ils accompagnent l’homme des chansons dans tous les aspects de sa vie personnelle et sociale. Leur capacité de métamorphose et leur rôle d’annonciateurs dans les ballades, placent les animaux sur le devant de la scène et leur accordent un rôle de première importance dans le déroulement de l’action. Le poète accorde une importance particulière à l’aspect social du sacré en explorant la notion de la trahison divine mais également celle de l’obéissance de l’homme à son dieu. La vie monacale et le clergé comme l’altérité religieuse, deviennent l’objet d’une critique d’ordre social et une source d’humour. Les chansons populaires véhiculent en les adaptant un nombre important de mythes qui ont une logue présence sur le territoire hellénique : le mythe de Tantale, de Calypso et d’Adonis en font partie. L’héritage antique de l’expression publique du deuil, du rachat du mort et du tombeau du héros vient former les bases de la philosophie populaire et fait de la mort un véritable croisement de cultures. / Greek folk songs are infused with a profound religiosity that appears both as a framework and as a means of action. The folk poet has a multidimensional relationship with the God of the Bible and of the Old Testament and makes saints and angels active and recurrent personalities in his texts; they evolve in parallel with the heroes, and their destinies intertwine. Charos is a mythical figure that plays a fundamental role throughout the songs. A mythologically and symbolically sophisticated personality, Charos is the pillar of the lament songs. His ambiguous relationship with the divine determines his relationship with man, and makes him a separate being. Both incarnation of evil and agent of death, his rich historical journey reveals his many faces, as well as his links with some heroic and ambiguous figures such as Digenis or Tsamados. Nature and the animals hold a significant role, characterised by a profound sacredness, and they accompany man in all aspects of his personal and social life. Their ability to transform and their role as announcers in the ballads, place the animals on the front of the stage and grant them a major role in the unfolding of the action. The poet attaches particular importance to the social aspect of the sacred by exploring the notion of divine betrayal but also that of obedience of man to his god. Monastic life and the clergy, as well as religious diversity, become objects of social criticism, and a source of humour. Folk songs preserve an important number of myths by adapting them, that have a literary presence in the Hellenic territory: the myths of Tantalus, Calypso and Adonis belong to them. The ancient heritage of the public expression of grief, of the redemption of the dead and of the hero's tomb, forms the basis of folk philosophy and makes death a true crossroads of cultures.

La franc-maçonnerie spéculative s’est répandue en Europe de l’ouest durant tout leXVIIIe. Bien que les Constitutions d’Anderson interdisent catégoriquement l’admission des femmes dans les loges maçonniques, il s’avère que des femmes furent initiées en France et en Allemagne. La présente étude part du constat que nous sommes confrontés à un double phénomène en ce qui concerne la franc-maçonnerie et les femmes. D’un côté leur exclusion formelle des loges instituées pour les hommes dotées de règlements délivrés par leurs obédiences respectives. D’un autre côté l’existence prouvée de l’initiation des femmes dans des loges maçonniques. L’organisation de ces loges nous renvoie immédiatement à d’autres constats. Plusieurs questions se posent d’emblée. Quelles sont les raisons précises de cette exclusion et d’où tirent-elles leur origine? La définition de la femme fut-elle la même dans les sociétés anglaise, française et allemandes du XVIIIe siècle ? Si l’on parvient à identifier les causes, pourrons nous établir si elles sont intrinsèques à la franc-maçonnerie ou plutôt liées à la délimitation entre sphère publique et privée ? Enfin comment expliquer dès lors que cette exclusion ait pu être dépassée et contournée et qu’un modèle d’intégration des femmes ait pu être inventé? Dans une première partie la recherche repose sur les mentalités existantes dans les trois pays au vu des paroles des francs-maçons au sujet des femmes. Dans la deuxième partie sont analysés avec détail les arguments qui ont justifié l’exclusion des femmes de la franc-maçonnerie. La troisième partie est accordée aux loges féminines. Une attention particulière est apportée aux discours prononcés dans les loges féminines ainsi qu’aux différents rituels utilisés. Les sources à l’appui sont principalement des sources primaires, tels que des ouvrages du XVIIIe siècle, les articles de presse, mais aussi les chansons et les poèmes. / Freemasonry spread throughout Europe in the eighteenth century. Although the Constitutions of Anderson barred women from membership right from the beginning, women were initiated in France and Germany. The present research starts from the observation that we are confronted to a double phenomenon. On the one hand the formal exclusion from male lodges according to the regulations of the Grand Lodges. On the other hand the proved existence of the initiation of women in masonic lodges. The organization of these lodges suggests other remarks and several issues have arisen. What are the precise reasons of this exclusion and what are its origins? Are women defined in the same way in England, France and Germany? If we can identify the reasons of this exclusion, are they intrinsic to freemasonry itself or rather linked to the definition of the public and private spheres? How can we explain that these rules of exclusion could be overcome and that a model of integration be invented? In the first part of this study the research is based on the mentalities existing in the three different societies with regard to the freemasons’ opinions on women. The second part is analysing the arguments brought forward to justify women’s exclusion from freemasonry. The third part deals with women's lodges and particular attention is given to the speeches delivered in these lodges as well as to the rituals in use. The documentation consists mostly in primary sources, such as books published in the eighteenth century, press articles, but also masonic songs and poems.

Cotutelle de thèse. Cette thèse rédigée en espagnol contient une synthèse et des conclusions rédigées en français (voir le sommaire). / Cette thèse porte sur la traduction de comédies musicales en Espagne entre 2001 et 2021. Elle vise à mieux cerner la norme de traduction dans le contexte évoqué et à mettre en œuvre un modèle d'analyse descriptif et fonctionnel de la traduction chantable de comédies musicales. L'hypothèse de la traduction-recréation (Etkind 1982) y devrait aussi être confirmée : les chansons cible analysées sont censées transmettre en grande partie les synergies créées par la musique et les paroles source. Au niveau de la culture, cette hypothèse est justifiée par la littérature (Mateo 2008 : 333 337, Patterson 2010 : 24). Après le développement d'un état de l'art et d'un cadre théorique descriptif queer et fonctionnel multimodal, un modèle d'analyse descriptif et fonctionnel est proposé afin d'étudier la réception des comédies musicales et la traduction chantable de celles ci. Une fois que le lieu et l’époque sont définis, l'analyse de la réception passe par la prise en compte d'un échantillon de comédies musicales produites en première ou reprises ainsi que de documents sur le secteur des comédies musicales. Cette analyse tourne autour de cinq axes (Mateo 2008) : 1) la culture et la langue source, 2) la réception productive et la pertinence sociale, 3) les facteurs commerciaux et médiaux, 4) les facteurs économiques, humains et écologiques, 5) les types de comédie musicale produits. Pour analyser la traduction chantable, il faut définir un corpus de chansons d'une comédie musicale donnée, contextualiser les comédies musicales source et cible et les chansons choisies, et étudier la structure et la sémiose des chansons source afin de les comparer avec celles des chansons cible respectives. L'étude des documents sur les comédies musicales et d'une liste de 188 comédies musicales produites pour la première fois ou reprises permet de caractériser la traduction de comédies musicales en Espagne entre 2001 et 2021. Ainsi, l'industrie des comédies musicales moyen ou grand format s'appuie sur : l'importation de pièces anglo américaines et mondialisées, des idées progressistes libérales, des œuvres à succès au théâtre ou dans d'autres médiums, deux grandes maisons de production, Madrid et Barcelone, et une attitude révérencielle vis à vis des comédies musicales source, qui sont souvent des franchises. À l'exception de La llamada (2013), les comédies musicales autochtones n'ont que peu de pertinence sociale. Les études de cas renforcent les hypothèses énoncées. Notre Dame de París (2001) et Grease (2011) ont un pourcentage de traduction recréation supérieur à 86,58 %, alors que les traductions chantables de Grease (2006) sont un peu plus libres quant à la fonction du texte source, avec un pourcentage de traduction recréation de 65,85 %. En termes de structure, Notre Dame de París (2001) suit un peu moins strictement que Grease (2006, 2011) le nombre de syllabes, l'accentuation et les rimes originaux, ce qui s'explique en partie par le genre de Notre Dame, sa langue source et sa réception. Les textes cible n'ont guère d'accents mal placés. Le corpus montre que les traductions chantables sont possibles et que leur similarité vis à vis de la fonction textuelle source est plus élevée que celle des adaptations chantables (Low 2017). / The present doctoral thesis is about the translation of stage musicals in Spain from 2001 to 2021. It seeks a better understanding of the translation norm in the aforementioned context and the implementation of a descriptive and functional model of analysis for singable translation of musicals. At the same time, the hypothesis of translation recreation (Etkind 1982) is expected to be confirmed: target songs are supposed to transfer to a large extend the synergies achieved by the music and the lyrics of the source song. Regarding culture, this hypothesis is justified by literature (Mateo 2008: 333 337, Patterson 2010: 24). After a state-of-the-art review and the development of a descriptive queer and functional multimodal theoretical framework, a descriptive and functional model of analysis for the reception and singable translation of musicals is suggested. Once a place and a period are defined, the analysis of the reception requires considering a sample of premiered musicals or revivals and any documents that provide information about the musicals sector. This analysis is centred on five polysystemic factors (Mateo 2008): (1) source culture and language, (2) productive reception and social relevance; (3) commercial and medial factors; (4) economic, human and ecologic factors and (5) the kinds of musicals that are produced. The analysis of singable translation requires defining a corpus of songs from a given musical, contextualizing the source musical, the target musical and the selected songs, and studying the structure and the semiosis of source songs in order to compare them with their target counterpart. Documents providing information about musicals in Spain and a list of 188 premiered musicals or revivals are studied here and allow us to characterize the translation of musicals in Spain between 2001 and 2021. The mid size and big size musicals industry in this country is based on the importation of Anglo-American and global musicals, liberal progressive ideas, blockbusters or successful works in other media, two big production companies, Madrid and Barcelona, and a reverential attitude towards original musicals, which are usually franchises. Spanish musicals, except La llamada (2013), have little social relevance. The present case studies reinforce the aforementioned hypothesis. Notre Dame de París (2001) and Grease (2011) show a degree of translation recreation higher than 86,58 %, while singable translations from Grease (2006) are a little bit freer with regard to source text function, with a translation recreation percentage of 65,85 %. Concerning structure, Notre Dame de París (2001) follows a bit less thoroughly than Grease (2006, 2011) the number of syllables, the accentuation and the rhymes of the source text. This is partly due to Notre Dame’s specific genre, its source language and its reception. Target texts contain barely any incorrect stress accents. The present corpus brings to light the possibility of distinguishing between singable translations and singable adaptations (Low 2017). The former are more similar to the source text function than the latter. / La presente tesis doctoral trata de la traducción de musicales escénicos en España en el período 2001 2021. A través de ella se busca conocer mejor la norma de traducción en el contexto señalado y poner en práctica un modelo de análisis descriptivo y funcional de la traducción cantable de musicales. Se espera, además, confirmar la hipótesis de la traducción recreación (Etkind 1982): las canciones meta analizadas transmitirán en alto grado las sinergias que se producen entre la música y la letra de la canción origen. En el nivel de la cultura, esta hipótesis se justifica por la literatura (Mateo 2008: 333 337, Patterson 2010: 24). Tras un estado de la cuestión y el desarrollo de un marco teórico descriptivo queer y funcional multimodal, se propone un modelo de análisis descriptivo y funcional para analizar la recepción de los musicales y la traducción cantable de musicales. Una vez definidas una época y un lugar, el análisis de la recepción pasa por considerar una muestra de musicales estrenados o repuestos y documentos sobre el sector de los musicales basándonos en los factores polisistémicos de Mateo (2008): 1) cultura y lengua origen, 2) recepción productiva y relevancia social; 3) factores comerciales y mediales; 4) factores económicos, humanos y ecológicos; 5) los tipos de musical producidos. El análisis de la traducción cantable pasa por establecer un corpus de canciones de un musical dado, contextualizar el musical origen y el meta y las canciones seleccionadas, y estudiar la estructura y la semiosis de las canciones origen para compararlas con las de las canciones meta respectivas. El estudio de los documentos que aportan información sobre los musicales en España y de una lista de 188 musicales estrenados o repuestos permite caracterizar la traducción de musicales en España entre 2001 y 2021. Así, la industria de los musicales de mediano y gran formato se basa en la importación de musicales angloamericanos y globales, en ideas progresistas-liberales, en obras que han sido éxitos de taquilla o en otros medios, en dos grandes productoras, en Madrid y Barcelona, y en una actitud reverencial hacia los musicales origen, que a menudo son franquicias. El musical autóctono, salvo La llamada (2013), tiene poca relevancia social. Los estudios de caso refuerzan las hipótesis planteadas. Notre Dame de París (2001) y Grease (2011) tienen un porcentaje de traducción recreación superior al 86,58 %, mientras que las traducciones cantables de Grease (2006) son algo más libres en cuanto a la función del texto origen, con un porcentaje de traducción recreación del 65,85 %. En cuanto a la estructura, Notre Dame de París (2001) sigue algo menos escrupulosamente que Grease (2006, 2011) el número de sílabas, la acentuación y las rimas originales, lo que se explica en parte por el género de este musical, su idioma origen y su recepción. Apenas hay acentos mal colocados en los textos meta. El corpus pone de manifiesto la posibilidad de distinguir entre traducciones cantables y adaptaciones cantables (Low 2017), siendo las primeras más similares a la función textual origen.

Cette thèse de musicologie historique utilise la programmation radiophonique du poste CKAC de Montréal dans l’entre-deux-guerres afin de remettre en question une homogénéité présumée de la chanson folklorisée chez les grandes figures que sont Madame Bolduc, Charles Marchand, Ovila Légaré et l’abbé Gadbois. L’analyse proposée se focalise sur les pratiques de la chanson métissées au folklore canadien-français dans les domaines du chant, de la danse et du conte. Cette démarche est combinée à l’identification d’émissions de radio où les artistes ont des pratiques du répertoire en commun. La thèse met ainsi en évidence deux réseaux de collaborations. Le premier réseau d’artistes, les « Lyriques », assez près de L’Heure provinciale à CKAC, favorise des voix de type classique et bénéficie d’un appui de la critique, surtout à la revue La Lyre. On y retrouve notamment Charles Marchand et ses Troubadours de Bytown, le Quatuor Alouette, le Trio lyrique de Lionel Daunais et La Bonne chanson de l’abbé Gadbois. L’esthétique de la chanson des « Lyriques » est tournée vers l’Europe dans une pratique hybride entre opérette et chanson montmartroise, dans l’esprit de Théodore Botrel et de la diseuse Yvette Guilbert. Le deuxième réseau d’artistes est celui des « Veillées », associé de près à la Living Room Furniture à CKAC, en écho aux artistes des Veillées du bon vieux temps de Conrad Gauthier sur la scène du Monument national. En plus de ce dernier, le groupe des « Veillées » rassemble notamment Ovila Légaré, Madame Bolduc, le violoneux Isidore Soucy et une série de comédiens. L’esthétique de la chanson du groupe des « Veillées » est tournée vers les Amériques dans un métissage de théâtre burlesque et d’orchestres de musique de danse instrumentale canadienne-française, jusqu’à un certain point similaires à ceux de jazz swing, de tango et de rumba. Les ensembles identifiés n’étant pas non plus parfaitement homogènes, il ressort enfin des groupes des « Lyriques » et des « Veillées » quelques artistes en marge ou à la croisée des deux esthétiques. Il s’agit d’une part des chanteurs de variétés Ludovic Huot, Georges Beauchemin, Fernand Perron, Albert Marier et Jean Lalonde, qui combinent l’opérette, les chansons américaines et latines. On pense d’autre part au théâtre lyrique de Jeanne Maubourg, Caro Lamoureux, Roméo Mousseau et Gaston Saint-Jacques, qui oscille entre la chanson sur le mode lyrique léger et les sketches dramatiques. Il y a encore un nombre important de petits et grands orchestres qui accompagnent la musique de danse des hôtels, cabarets et théâtres de Montréal. L’insistance sur les pratiques hybrides de la chanson permet au final de nuancer une perception généralement unidimensionnelle des artistes de la chanson à l’époque, Charles Marchand le folkloriste ou Madame Bolduc la turluteuse, par exemple. / This music history thesis studies chanson radio broadcasting at CKAC station in Montreal during the interwar period. The data collected challenges an assumed homogeneity of French Canadian folk-influenced chanson legendary icons such as Madame Bolduc, Charles Marchand, Ovila Légaré and priest Charles-Émile Gadbois’ songbook La Bonne chanson. The analysis focuses on chanson influences that meld French Canadian folk music with the performing arts of singing, dancing, and telling tales. The research seeks to point out radio programs where chanson artists share a common repertory. This thesis thus argues that two artist networks coexist. The first network gathers Art Song performers featured on CKAC program L’Heure provinciale. It favours classically trained voices and benefits from the approval of local music critics, especially from magazine La Lyre. This network includes such featured singers as Charles Marchand and the Bytown Troubadours, Quatuor Alouette, Lionel Daunais and his Trio lyrique as well as priest Gadbois’ songbook La Bonne chanson. Chanson æsthetics among Art Song performers is primarily influenced by Europe. The practices blend opera, operetta and Montmartre chanson, in the spirit of Théodore Botrel and French diseuse Yvette Guilbert. The second network is the one of Veillées (Evenings), featured on CKAC program Living Room Furniture. The name itself echoes the fiddle musicians and actors from Conrad Gauthier’s Veillées du Bon Vieux Temps, presented at Monument National. In addition to Monsieur Gauthier, the Veillées network gathers Ovila Légaré, Madame Bolduc, fiddler Isidore Soucy and several actors. Chanson æsthetics of Veillées performers is largely defined by the Americas in a blend of local burlesque comedy and French Canadian fiddle dance music orchestras, similar to those for jazz swing, tango and rumba. Both networks aren’t homogeneous. One finds among Art Song and Veillées artists a few performers standing on the edge of the two æsthetics. A first category features pop romance singers like Ludovic Huot, Georges Beauchemin, Fernand Perron, Albert Marier and Jean Lalonde, combining operetta, American pop songs and Latin rhythms. A second, with Jeanne Maubourg, Caro Lamoureux, Roméo Mousseau and Gaston Saint-Jacques, performs chansons mixing a sweet lyrical tone and drama sketches. A third category gathers all small and large orchestras that perform dance music in Montreal hotels and theaters. In the past, Charles Marchand has usually been depicted in a simple folk performer style. Madame Bolduc has herself been personified as a mere diddling performer during the Stock Market Crash. The thesis focus on cross-pollinating chanson practices enables one to move beyond a general perception that these artists are mostly one-dimensional.

La chanson québécoise actuelle paraît réconcilier la chanson dite «à texte» et la chanson populaire, comme ce fut le cas pour la chanson engagée des années 1970. Si le thème de l’engagement soutenait plusieurs œuvres chansonnières de cette décennie, celui de la mélancolie semble pouvoir définir une certaine tendance actuelle. Ce mémoire s’intéresse au thème de la mélancolie dans la chanson québécoise contemporaine et plus précisément dans les albums Tu m’intimides de Mara Tremblay, La forêt des mal-aimés de Pierre Lapointe et À Paradis City de Jean Leloup. À la fois auteurs, compositeurs et interprètes, ces trois artistes s’inscrivent dans le champ populaire de la chanson québécoise en créant des œuvres où le texte et la musique mettent la mélancolie en valeur. Dans cette étude, la mélancolie est étudiée en fonction de trois aspects, soit l’être mélancolique, la temporalité mélancolique et l’espace mélancolique. C’est à travers l’exploration de ces trois aspects que sont analysées les chansons du corpus, surtout à partir des textes, mais en considérant aussi certains éléments musicaux.

Dans cette recherche, nous voulons démontrer comment Félix Leclerc, poète et chansonnier, est devenu une figure rassembleuse au sein de la collectivité québécoise. Après avoir jeté un regard sur son parcours biographique, nous analysons principalement les textes de ses chansons. Cette étape nous permet de dégager les principaux référents identitaires auxquels Leclerc fait fréquemment appel, tels que le coureur de bois, la liberté, la langue ou la nature. Ces référents contribuent grandement à forger un lien entre le poète et son public. Nous étudions ensuite le rôle des médias dans la construction du «personnage» de Félix Leclerc, sans oublier d'aborder l'implication politique du poète et ses répercussions sur sa carrière. Nous verrons ainsi comment le poète en est venu à occuper une place particulière dans la mémoire collective des Québécois. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2013

Ce mémoire de maîtrise porte sur un projet de création dont le fruit consiste en trois œuvres instrumentales récentes ayant pour source d’inspiration les timbres percussifs. Ces trois œuvres sont : 1. Et pourtant elle tourne ! pour quatuor à cordes ; 2. Obsession pour mezzo-soprano, flûte, clarinette, vibraphone, piano, violon et violoncelle ; 3. Au bord de l’eau pour orchestre. De manière générale, ce mémoire présente mes réflexions sur les manières dont le timbre peut servir d’élément de cohésion du discours musical. Plus spécifiquement, ce mémoire traite de mon souci de produire des timbres percussifs par des instruments de non percussion et des timbres non percussifs par des instruments de percussion, le tout en des discours cohérents et intéressants. Quant à la structure même du mémoire, suite à une introduction où sont exposés les origines du projet de création et son cadre théorique, le premier chapitre présente un survol historique de l’évolution du paramètre du timbre et de la place des percussions dans les musiques occidentales. Ce premier chapitre dévoile également un système permettant d’évaluer la qualité percussive d’une sonorité. Le deuxième chapitre présente, à l’aide de nombreux exemples tirés des œuvres à l’étude, les diverses incarnations du timbre percussif aux instruments de non percussion, ou son évitement aux instruments de percussion. La conclusion traite de l’incidence du projet de recherche sur mon langage musical. / This master’s thesis examines three of my recent instrumental compositions that use percussive timbres as inspiration. These three pieces are: 1. Et pourtant elle tourne ! for string quartet; 2. Obsession for mezzo-soprano, flute, clarinet, vibraphone, piano, violin and violoncello; 3. Au bord de l’eau for orchestra. This thesis presents my reflections on the parameter of timbre as a mean of strengthening the cohesion of the musical discourse. More specifically, this thesis explores how to generate percussive timbres by non-percussion instruments, as well as non-percussive timbres by percussion instruments, in the context of a coherent and interesting musical discourse. Following an introduction where the origins, objectives and theoretical framework of this creative project are presented, the first chapter lays out my preparatory research, outlining the history of the evolution of timbre and the role of percussion instruments in Western music, as well as building a system to identify and qualify sounds for their percussive qualities. In the second chapter, the pieces are examined and examples are provided. These examinations illustrate how percussive and non-percussive timbres were used. The conclusion discusses the impacts of this creative project on my musical language and future works.

Une somme considérable de légendes véhiculent des images éculées d’Henri IV et Louis XIII. Au premier d’être alors évoqué comme un personnage débonnaire, guerrier, vert galant, préférant les joies populaires de la poule au pot et des chansons licencieuses du Pont Neuf aux fastueux spectacles de cour, quand son fils est appréhendé comme un monarque taciturne, dominé par sa mère puis par le tout-puissant Richelieu. Rarement l’intérêt se porte alors sur leurs personnalités politiques qui pourtant, animées par la passion de la gloire, pleinement conscientes de leur rôle de souverains du royaume, usèrent toutes deux de l’art à des fins d’autorité, ouvrant la voie à leur illustre descendant : Louis XIV. Notre étude a pour ambition première d’analyser quel fut l’initiation, voire l’édification, de ces deux souverains. Les usages politiques des spectacles de cour ont pour beaucoup été mis en exergue, mais le lien entre éducation artistique et politique est, quant à lui, bien moins étudié. Or, apprentissage politique et enseignement artistique passent par la ‘‘rencontre’’ entre l’enfant et les spectacles. De cette rencontre, le prince pourra envisager les potentialités du fastueux et utiliser ces premières expériences comme une référence qu’il accommodera par la suite, à son profit. Quelle place fut alors donnée à la musique dans la formation humaniste que reçut le jeune Henri de Navarre ? Quel fut le rôle confié aux arts dans l’éducation de Louis XIII, tandis que sa mère, digne représentante de la dynastie Médicis, mettait un point d’honneur à entourer sa cour de fêtes perpétuelles ? Ce sont en effet les femmes, c’est indéniable, qui jouèrent un rôle de tout premier plan dans la mise en place et le développement des spectacles utilisés pour servir la propagande royaliste. C’est cette réflexion, autour de la place de ces ‘‘muses’’ dans la formation des souverains au mécénat artistique et plus encore à l’utilisation politique des arts, qui nourrit notre première partie. La seconde est entièrement consacrée à l’utilisation propagandiste de l’art. Sous les premiers Bourbons, la musique se développa sous ses aspects les plus divers, psaumes, cantiques, chansons populaires ou airs de cour, ballets, tous utilisés afin d’ancrer plus fortement leurs règnes au cœur de la tradition monarchiste française. Sous ces souverains, au pouvoir bien controversé, les fêtes firent partie intégrante de la stratégie gouvernementale ; elles ne jouèrent plus seulement le rôle décisif, mais désormais connu, de consolidateurs du pouvoir en place mais le légitimèrent, l’assirent. Ainsi naquit la dynastie Bourbon. / A considerable amount of legends conveys hackneyed images of Henri IV and Louis XIII. The first one was then evoked as a good-natured, warlike figure and a Green Gallant who preferred the popular enjoyments of the boiled chicken and the bawdy songs of the Pont Neuf to the celebrations of the Valois court. His son was, as for him, considered as a taciturn monarch, dominated by his mother or by the almighty Cardinal Richelieu. Curiosity is then rarely aroused by their political personalities which, nevertheless livened up by the passion of the glory, conscious of their role as Kings of France, used both the art for authority purposes, opening the way to their illustrious descendant: Louis XIV.The first purpose of this study is to explore the initiation, if not the edification, of these sovereigns. The political uses of the splendoures were largely underlined, but the link between arts and political education is not much studied. Yet political learning and art education are conveyed by the "encounter" between the child and these shows. This encounter enables the prince to consider the potentialities of the luxurious, and to use these early experiences as a reference that he will accommodate to his profit afterward. Then what place was given to the music in the humanist formation received by the young Henri de Navarre? What was the role assigned to arts in the education of Louis XIII, while his mother, deserving representative of the Medici dynasty, made it a point of honor to provide her court with perpetual celebrations? Women undeniably played a first rank role in the implementation and the development of the court’s shows used to serve the royalist propaganda. This reflection around the role of these "muses" concerning the education of the sovereigns in the artistic sponsorship in addition to the political use of the arts will be the main focus of the first part. The second part is entirely dedicated to the propagandist use of the art. Under the first Bourbons, music developed as a wide range of appearances, psalms or hymns, popular songs or ‘‘airs de cour’’, ballets. All these forms emerged, anchoring more strongly their reigns in the tradition of the French monarchy. Under Henri IV and under his son, asserting a controversial power, the fêtes were part of the governmental strategy; they did not only play a decisive role in strengthening the power any more, they legitimized it, they consolidated it. This is how the dynasty of Bourbons was born.

Rossignolet des bois pour chœur à quatre voix mixtes, Pièce concertante pour saxophone alto, percussion et 24 cordes, et Rives pour orchestre sont des œuvres réalisées au cours des trois dernières années dans le cadre de la maîtrise en composition. Des rapports entre les protagonistes et la musique sont établis dans la pièce pour chœur. Ces protagonistes sont représentés par les différents solistes et les regroupements vocaux. Le contenu poétique correspond à la forme musicale et à la série utilisée dans la pièce pour orchestre. La Pièce concertante s’inspire du motif musical de l’œuvre The Unanswered Question de Charles Ives. Ces compositions font appel à divers langages musicaux : modalité, chromatisme et sérialisme. La Pièce concertante et Rives sont construites à partir d’une organisation de la durée, du tempo, de la métrique, de l’orchestration et du jeu instrumental. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2019