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Nous proposons dans ce travail une interprétation de la référence à la psychanalyse chez Adorno et Horkheimer, en partant de son usage dans un champ inattendu, quoique central : la critique de la rationalité. Adorno et Horkheimer affirment, notamment dans la Dialectique de la raison, que la raison, concept à la fois central et structurant pour la société moderne capitaliste, entre en conflit avec elle-même jusqu'à son autodestruction, qui doit être comprise comme passage dans la folie. Nous entendons soutenir que cette affirmation peut être comprise de manière non-métaphorique par le recours à la psychanalyse, à partir d’une double lecture de leurs écrits, à la fois génétique et micrologique. Nous situons la genèse du croisement entre psychanalyse et critique de la rationalité dans leurs premiers travaux, au moment de traiter du rapport entre psychologie et théorie de la connaissance, d’abord dans une perspective philosophique néokantienne, puis dans le cadre du programme de recherches interdisciplinaires des années trente. Ce croisement précoce conduit Adorno et Horkheimer à s’intéresser tant à la part inconsciente qui travaille les processus de connaissance, qu’à la logique des phénomènes apparemment les plus irrationnels. Nous réinterprétons ainsi les travaux des années trente et quarante comme la mise au jour d’une conjonction de formes spécifiques de rationalisation sociale avec la montée de phénomènes sociaux particulièrement irrationnels, notamment liés à l’émergence du fascisme. Cette conjonction mène alors à la thématisation psychanalytique de l’autodestruction de la raison. Notre thèse est que la mise au jour de ce paradigme critique singulier – qui associe approche psychanalytique, critique de la raison et théorie de la connaissance – révèle de façon cohérente et globale la fonction attribuée à la psychanalyse par ces auteurs : rendre compte de la déraison comme effet de la logique contradictoire que la société moderne capitaliste établit entre nature et histoire. Nous pouvons ainsi conclure notre travail en analysant à quelle condition une théorie de la connaissance dialectique et critique est susceptible de ne pas reconduire l’écueil que la psychanalyse a permis d’identifier au niveau social, à savoir la réduction du rapport entre histoire et nature à un rapport de domination. Nous entendons ainsi montrer les potentialités critiques de ce paradigme dans le cadre des débats contemporains sur les pathologies de la raison. / In this study, we will propose an interpretation of the psychoanalytic references in the works of Adorno and Horkheimer, by starting from the way they are used in an unexpected, and yet central, field: the critique of rationality. Especially in Dialectics of Enlightenment, Adorno and Horkheimer affirm that reason, a concept that is both central and structuring to the modern capitalist society, comes into conflit with itself to the point of its self-destruction, which should be understood as a passage to madness. We intend to defend that this affirmation can be understood, by having recourse to psychoanalysis, in a non-metaphorical manner, starting from a double reading, both genetic and micrologic, of their writings. We situate the genesis of the intersection between psychoanalysis and the critique of rationality in their early works, when they were dealing with the relationship between psychology and the theory of knowledge, at first in a neo-Kantian perspective, then within the framework of the program of interdisciplinary research in the thirties. This precocious intersection led them to become interested as much in the unconscious part which works through the process of knowledge, as in the logic of phenomena which are apparently the most irrational. We therefore interpret their works from the thirties and forties as the unveiling of a conjunction of specific forms of social rationalization with the rising of particularly irrational phenomena, especially related to the emergence of fascism. This conjunction then leads to the psychoanalytical thematisation of reason’s self destruction. Our thesis is that by disclosing this singular critical paradigm – which links together the psychoanalytical approach, the critique of reason, and the theory of knowledge – the function attributed to psychoanalysis by these authors can be revealed in a global and coherent fashion: accounting for unreason as an effect of the contradictory logic that the modern capitalist society establishes between nature and history. We can therefore conclude our work by analyzing on what condition a dialectical and critical theory of knowledge is likely to avoid the pitfall that psychoanalysis has allowed to identify at the social level, i.e. the reduction of the relation between history and nature to a relation of domination. In this way, the critical potentials of this paradigm within the framework of contemporary debates on the pathologies of reason can be brought to light.

Cette étude est consacrée à la critique contemporaine occidentale de la rhétorique initiée par la critique nietzschéenne de la philosophie métaphysique. La rhétorique se présente comme une remise en cause et une ré-vision profonde et radicale de la nature du langage lui-même, et par la suite, de tous les aspects de la vie sociale et culturelle. Cette étude traite principalement de la pensée rhétorique chez quatre penseurs, Jacques Derrida, Michel Foucault, Paul de Man and Roland Barthes. Dans leurs héritage commun et leur critique de l'approche critique nietzschéenne, ils ont mis en lumière une double nature de la rhétorique : celle-ci non seulement caractérise le mécanisme de la métaphysique, mais aussi conduit tout usage du langage, y compris le discours critique, à un « piège » de déconstruction. Dans leur exposition de la nature et du mécanisme de la rhétorique, ils ont consacré leurs efforts, d'une part, à la réfutation d'une conception aristotélicienne du langage et de la rhétorique; et d'autre part, à une critique d'un certain aveuglement dont faisaient preuve les critiques de la métaphysique. Leur pensée critique sur la rhétorique se résume alors à deux questions: qu'est-ce que la nature de la rhétorique et à partir de là, du langage ? Comment la pensée critique — sur celle-ci et avec celle-ci — est-elle possible ? S’engageant dans une double tâche — une critique (démystification) et une auto-critique — la pensée critique se transforme alors à une « critique de la critique » en tant qu'une réflexion sur la limite de la pensée critique elle-même. C'est-à-dire, une critique — dans le sens kantien du mot — de l'[im]possibilité de la pensée rationnelle. Notre étude se concentre alors sur deux points : premièrement, la nature de la rhétorique telle que l'expose chacun de ces penseurs depuis sa propre perspective intellectuelle. Deuxièmement, la stratégie critique proposée et employée par chacun d'entre eux. / This thesis is a study of the contemporary Western critical approach to the problem of rhetoric pioneered by Nietzsche, in which rhetoric presents itself as a profound and radical questioning as well as a re-vision of the nature of language itself, and consequently of all aspects of social and cultural life. This study mainly addresses the rhetorical thinking of four critics — Jacques Derrida, Michel Foucault, Paul de Man and Roland Barthes — who, in their common inheritance from and critique of Nietzsche’s own critical approach, have revealed a dual-nature of rhetoric which not only characterizes the mechanism of metaphysics, but also inevitably enmeshes all human thinking — including critical thinking — in a trap of deconstruction. This double-edged character of rhetoric sets a dual-task for critical thinking: an endless criticism [demystification] and self-criticism. Critical thinking thus turns out to be a “critique of criticism” as a reflection on the limit of critical thinking itself, that is, a critique — in the Kantian sense of the word — of the [im]possibility of rational thinking. Accordingly, this study focuses on two points: firstly, the dual-nature of rhetoric as expounded by each one of the critics from his specific intellectual perspective; secondly, the strategy for critical thinking proposed and employed by each of them.

La composition et la formation du corpus pseudo-clémentin constitue un problème littéraire et historique qui n'a toujours pas trouvé de solution satisfaisante, malgré un nombre considérable de travaux consacrés à la question. Dans cette thèse, nous avons mis de côté ce problème, qui touche les origines des Pseudo-Clémentines et donc la définition des différents niveaux rédactionnels, pour étudier le texte, tel qu'il se présente sous la forme des Homélies et des Reconnaissances, et le mettre en rapport avec une sélection de documents contemporains et d'un genre semblable. Le but de l'exercice se limite à mieux déterminer la nature et l'originalité du propos pseudo-clémentin. Nous avons choisi, pour mener à bien cette étude, un thème capable de supporter une analyse comparative, celui de l'opposition entre l'apôtre Pierre et Simon le magicien.

L’objectif général de cette thèse est de contribuer à l’enrichissement des connaissances sur la vie culturelle et musicale des années 1920. En s’appuyant sur l’œuvre de Roméo Beaudry, il s’avère qu’un corpus typiquement associé à la culture anglophone états-unienne peut constituer un jalon déterminant de l’histoire de la chanson populaire canadienne-française. Pour rendre possible une telle équation, les deux premiers chapitres dressent le portrait des lieux de productions et de réception en insistant sur la place octroyée à la diffusion de la chanson. Certaines habitudes et conventions, bousculées au début du XXe siècle, allaient avoir un impact significatif sur le développement des rapports entre les auditeurs, les œuvres, les lieux de réception et les médias. Le chapitre 1 décrit la façon dont ces rapports ont ébranlé les frontières géographiques, langagières et génériques tout en multipliant la diversité musicale et en offrant une plus grande diffusion. Le chapitre 2 suggère que des facteurs dynamiques et complexes tels que les temps de loisirs et les modalités de l’écoute ont pu modifier la réception des œuvres. La pluralité des lieux et des médias contribuait alors à la constitution d’un public hétérogène du point de vue de sa condition sociale et de son mode d’écoute de la chanson. En prenant acte de l’abondance de la musique états-unienne et des chansons traduites en français, la deuxième partie de la thèse démontre que cet imposant répertoire peut signifier autre chose qu’une américanisation, autre chose qu’une forme d’assimilation. Au chapitre 3, j’emprunte à la traductologie, à la littérature et à la musicologie des modèles d’analyse qui permettent l’identification des processus de transformation menant à la traduction d’une chanson. L’adaptation ciblée de la transtextualité de Gérard Genette montre que la transposition d’un texte et la transcription d’une mélodie peuvent maintenir ou modifier radicalement le sens d’une chanson. L’élaboration du modèle et l’analyse spécifique de trois œuvres de Beaudry au chapitre 4 présentent un acteur important du monde de la chanson populaire canadienne-française et font voir comment la traduction et l’imitation peuvent mener à l’appropriation créative d’une œuvre reflétant à la fois une culture locale et continentale. / The overall objective of this thesis is to contribute to the development of knowledge on cultural and musical life in the 1920s. Based on the work of Roméo Beaudry, a repertoire of songs typically associated with the culture of the United States can serve as a milestone in the history of the French-Canadian popular song. In this regard, the first two chapters describe the locations of song production and reception with a focus on the role of music distribution. Habit changes at the beginning of the twentieth century would have a significant impact on the development of relations between auditors, works, reception venues and media. Chapter 1 describes how these relations have shaken geographical, language and generic boundaries while increasing musical diversity and offering a wider music circulation. Chapter 2 suggests that dynamic and complex factors such as leisure time and listening habits may have altered the reception of popular songs. The plurality of locations and medias also contributed to the formation of a heterogeneous public. Noting the abundance of popular music in the United States and the numerous songs translated into French, the second part of the thesis shows that this imposing repertoire can mean something other than Americanization, something other than a form of assimilation. In Chapter 3, translation, literature and musicology studies provide analysis models that allow the identification of the transformation process leading to a song’s translation. The adaptation of Gérard Genette’s transtextuality shows that the transposition of a text and the transcription of a melody may maintain or radically change the meaning of a song. In Chapter 4, the model is applied on three specific songs. At the outcome, Beaudry is defined as an important player in the world of French-Canadian popular songs and it is shown how translation and imitation can lead to a creative appropriation of a work reflecting both local and continental cultures.

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Le genre filmique – moteur par excellence de la cinématographie hollywoodienne – s’est imposé, au cours des dernières décennies, comme un champ théorique à part entière des études cinématographiques. Or, sa reconnaissance tardive au sein de la recherche universitaire témoigne du paradoxe structurant le champ cinématographique hollywoodien. En effet, la tension qu’entretient Hollywood entre l’industrie du divertissement et le cinéma d’art se révèle d’une façon particulière à travers la notion de genre cinématographique, qui s’avère à la fois un canevas de fabrication et un espace de création. Ce mémoire vise l’étude du genre filmique selon trois articulations : d’un point de vue institutionnel, d’abord, en questionnant les enjeux du champ cinématographique hollywoodien ; d’un point de vue théorique, ensuite, au moyen d’une plongée au sein des conventions et des procédés de trois genres filmiques ; et finalement, à travers l’analyse d’un corpus de films du réalisateur David Lynch. Ainsi, l’œuvre de Lynch, par son caractère marginal, inclassable et profondément étrange, donnera lieu à un parcours, certes, atypique, mais néanmoins significatif de ces trois niveaux de l’étude du genre filmique, dictant par le fait même une division en deux parties du travail. Dans un premier temps, le mémoire s’attardera à mettre en perspective la définition du champ hollywoodien et la trajectoire de Lynch, ce qui nous permettra d’identifier trois genres filmiques qui présentent un ancrage particulier au sein de la filmographie lynchienne, soit le thriller, le film noir et l’horreur. Dans un deuxième temps, nous procéderons à l’analyse filmique de Blue Velvet (1986), Lost Highway (1997) et Mulholland Drive (2001), trois films qui adoptent la logique de la trilogie en proposant, reprenant, puis aboutissant à un certain nombre de motifs issus des conventions génériques. Ainsi, les grilles de lecture des genres filmiques explorés par le cinéaste permettront d’observer la dimension à la fois classique et expérimentale de l’œuvre lynchienne par rapport à la cinématographie hollywoodienne tout en exposant les innovations du cinéaste à l’égard d’éléments génériques spécifiques. / The film genre – the driving force par excellence of Hollywood cinematography – has established itself in recent decades as a theoretical field in its own right in Film Studies. However, its late recognition within academia testifies to the paradox underlying Hollywood cinematography. Indeed, the tension that Hollywood maintains between the entertainment industry and art cinema is revealed in a particular way through the concept of cinematographic genre, which turns out to be both a canvas for production and a space for creation. This thesis aims to study the film genre according to three articulations: first, from an institutional perspective by questioning the challenges within the Hollywood cinematographic field from a theoretical point of view; second, by exploring the conventions and processes of three film genres; and thirdly, through the analysis of a corpus of films by director David Lynch. Thus, Lynch's work, by its marginal, unclassifiable and profoundly strange character, will lay the foundation for an admittedly atypical, but nevertheless significant analysis of these three levels of study of the film genre, thereby dividing this work in two parts. Initially, the thesis will focus on putting into perspective the definition of the Hollywood field and Lynch's trajectory, which will allow us to identify three significant film genres within Lynch’s filmography, namely the thriller, film noir and horror. In a second step, we will proceed with the filmic analysis of Blue Velvet (1986), Lost Highway (1997) and Mulholland Drive (2001), three films which adopt the logic of a trilogy by proposing, summarizing then culminating in a certain number of motifs from generic conventions. Thus, the analytical perspectives from the film genres explored by the filmmaker will allow us to observe both the classical and experimental style of the Lynchian work in Hollywood cinematography while exhibiting the filmmaker's contribution to certain elements of filmic genre.

Peut-on envisager une analyse des productions littéraires des femmes au lendemain des années 60 affranchie de la tutelle féministe? Quelles (ré)flexions des problématiques de l'exil et de la ·mémoire·dans le roman féminin francophone? Quels lieux de rencontre entre le texte africain et le texte occidental? Ces questions ont toute leur pertinence dans la perspective d'un travail qui associe dans une même étude des auteures aussi différentes de style, de parcours, d'objets et de cultures que Anne Hébert, Aminata Sow Fall et Marguerite Duras, et provenant de pays aussi éloignés et différents que le Québec, le Sénégal et la France. Questions pertinentes, mais édulcorées par des aspects communs aux trois auteures tels que la langue d'écriture, les liens coloniaux avec la France, une vague de changements sociaux à partir des années 60 et, surtout, une pratique littéraire inscrite dans un contexte de modernité historique et esthétique. S'appuyant sur une approche sociopragmatique, cette recherche démontre qu'un certain nombre de romans d'Anne Hébert, d'Aminata Sow Fall et de Marguerite Duras, publiés à partir des années 70, interrogent une condition humaine déterminée par l'exil intérieur de l'être, et réécrivent des discours sociaux dominants de l'époque et.encrés dans la mémoire commune. L'approche sociopragmatique, qui inspire les trois parties de la thèse, réunit la sociologie institutionnelle et des théories du discours, et établit une interrelation dynamique entre le texte et son contexte de production. La première partie retrace la trajectoire sociale des trois auteures en termes de dispositions, de positions et de prises de positions. Elle met à jour les éléments majeurs de leurs habitus, notamment la jouissance d'un capital social et symbolique élevé, un décentrement prudent vis-à-vis des pôles dominants et un investissement esthétique total. La Deuxième partie analyse le fonctionnement narratif et énonciatif de l'exil intérieur dans les romans. Les personnages sont d'abord des sujets clivés, intérieurement divisés et socialement décalés. Les indices de leur exil sont perceptibles dans les discours autoréférentiels (ou prodomiques), les incipits et les monologues intérieurs. Ils dévoilent une écriture auto graphique qui dégénère dans une polyphonie énonciative, obscurcie la fonction onomastique et défait les bases du roman. La Troisième Partie étudie les figurations du "discours social" tel que défini par Marc Angenot. Ayant partie liée avec les faits de mémoire, le discours social se spécifie par ses caractères "polysémique", "polémique" et "dialogique", et emploie des relais médiatiques et institutionnels réels à travers lequels il occupe la sphère sociale pendant un temps donné. Cependant, la mise en texte des discours de la charité musulmane et de l'immigration (Sow Fall), de la Shoa (Duras) et de l'aliénation identitaire (Hébert) s' effectue de "manière spécifique". Elle dévoile tour à tour une refiguration intertextuelle, une resémantisation ironique et une déstructuration narrativeé En conclusion, la recherche prouve qu'une analyse comparée des productions littéraires francophones est possible, à condition qu'elle transcende tout préjugé lié au genre ou à l'essence. Pour se faire, la romancière francophone et son roman appellent à être considérés pour ce qu'ils sont d'abord: une écrivaine et un texte littéraire.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2005-2006 / À partir d'un ensemble de tragédies créées entre 1680 et 1704, nous abordons l'inflexion élégiaque perceptible dans la dramaturgie de la fin du XVIIe siècle. Plus particulièrement, nous analysons les rapports poétiques et dramaturgiques entre élégie et tragédie afin d'établir l'inflexion élégiaque des pièces françaises comme une des lignes directrices du renouveau de la poétique tragique, tout en y relevant certaines filiations avec les grandes œuvres de la période précédente. Dans un esprit de juste retour, les œuvres ainsi réunies permettent un éclairage nouveau sur certaines notions clés de la poétique théâtrale, telle la catharsis tragique, de même que sur le fonctionnement et l'articulation des différentes composantes de la tragédie classique, à savoir l'exposition, le nœud, la péripétie et la catastrophe.