La thèse aura pour objectif premier de relire les discours scientifiques sur la danse à travers quelques démarches considérées comme illustratives d’une discipline. Ce parcours a pour vocation seconde d’interroger les modes de construction de l’objet danse au sein des études en arts du spectacle vivant. Comment les sciences ont-elles pensé la danse ? Fallait-il penser la danse ? A travers quels questionnements peut-on appréhender la performance dansée sans englober un paradigme plus vaste ? Toutes problématiques qui conduisent non seulement à saisir de manière critique les regards sur la danse mais à élaborer un modèle propre qui pose à la fois la question de l’identité et des processus énonciatifs de la danse au sein du paradigme des « arts du spectacle vivant ».

Avant d'accéder au langage, la pensée se développe et s'élabore dans les lieux multiples et les réseaux complexes du corps. Il s'ensuit des arrêts, des glissements, des fractures de ce qui cherche à se structurer pour devenir langage. Celui-ci peut aussi bien être libération de l'expression que mensonge et détournement de ce qui ne peut être entendu. Ces lieux de tension où le chaos cherche un ordre se retrouvent à la fois au théâtre (rapport au texte et sous-texte) et en danse (langage chorégraphique et intentionnalité). Le non-dit apparaît donc comme une possible passerelle entre les deux arts. Cette passerelle est la préoccupation première qui anime la réflexion théorique qui a nourri, stimulé et orienté le processus de création. La partie création de ce mémoire a été intitulée Les mots de là!. L'intuition, qui demande à être confirmée, est que le non-dit prend les chemins du corps. « La science n'est pas là pour découvrir, mais pour confirmer l'intuition. » (Reeves dans le film Conteur d'étoile de Cadrin-Rossignol, 2002.) Afin de vérifier que c'est bien le corps qui détient le non-dit, il a été primordial de définir le concept du non-dit et il s'est avéré nécessaire de préciser non seulement les bases neurobiologiques du langage, mais aussi les enjeux d'une définition du langage comme espace relationnel. Nous avons cherché à définir la perception du non-dit dans ses dimensions conscientes et inconscientes afin de situer le besoin de dire dans une approche corporelle globale. Le non-dit se définit par rapport au dit et se manifeste dans le corps à notre insu. La juxtaposition du théâtre et de la danse semblait faciliter la perception du non-dit. Un espace scénique où cohabitent le texte dramatique et le mouvement dansé a donc été exploré. La recherche théorique préalable a servi à construire une banque de connaissances qui a alimenté le travail d'exploration et a permis de diriger des acteurs dans un cadre chorégraphique et théâtral où le non-dit est l'enjeu principal de la création. Le phénomène du non-dit y est amplifié par l'entremise de la danse en situation de représentation théâtrale. « Comment réunir sur la même scène le théâtre et la danse à partir du concept du non-dit? » est la question principale de cette recherche. Les sous-questions ont été analysées comme suit: Comment peut-on rendre le non-dit perceptible? En l'exprimant par des mouvements dansés? Comment l'implicite est-il exprimé par la voix et le corps? Comment un comédien peut-il exprimer les tensions, qui sont sous-entendues dans le texte théâtral, par le biais de la danse? Comment le non-dit dansé est-il perçu par le spectateur? Comment manifester des mouvements dansés au théâtre? Quelles sont les transitions les plus efficaces pour passer de la danse au théâtre? Faut-il choisir de travailler avec des danseurs ou des acteurs? Faut-il trouver l'inspiration dans le mouvement dansé ou dans le texte théâtral? La plupart de ces questions ont été explorées dans la partie création. Les difficultés rencontrées dans la démarche de cette recherche résident dans le besoin de trouver des stratégies d'exploration en ateliers, le désir d'innover, le besoin de décrire et d'isoler le non-dit à l'intérieur de situations théâtrales et d'en présenter les convergences et les divergences avec le non-dit en danse afin de voyager du théâtre à la danse.

Ce mémoire porte sur la transposition et l'application de la Théorie des Intelligences Multiples (lM) de Howard Gardner, à la classe technique de Ballet. Plus particulièrement, l'étude avait pour buts de concevoir, décrire et illustrer des stratégies visant à stimuler et développer, chacune des intelligences décrites par Gardner (1983), dans la classe technique de ballet. Ce travail découle d'un désir de renouveler la pratique pédagogique de la classe traditionnelle de ballet. La méthodologie a suivi les étapes suivantes: 1) Un examen de la littérature portant sur chaque intelligence selon les angles de leurs identité et caractéristiques: 2) De cet examen a découlé une grille d'analyse appliquée à quatre sources d'informations: a) observation de classes technique de ballet, b) littérature portant sur l'enseignement de la danse et de l'éducation physique, c) mes expériences professionnelles en tant qu'élève, professeur et interprète et d) littérature portant sur les stratégies susceptibles de stimuler les intelligences en contexte académique: 3) L'ensemble de ces informations a été synthétisé dans une discussion théorique du quand et comment chacune des intelligences sont sollicitées en classe technique de ballet: 4) Soixante-cinq stratégies d'enseignement ont été décrites et illustrées, sur la base de la discussion théorique. Ce mémoire conclut qu'en examinant la classe de ballet à travers la lentille de la théorie des lM, un éventail de possibilités d'innovation pédagogique émerge. En diversifiant leurs stratégies pédagogiques, les enseignants peuvent offrir à leurs élèves un enseignement personnalisé. Les élèves sont susceptibles de découvrir et développer leur plein potentiel dans la classe de ballet. Cette façon d'enseigner peut créer un apprentissage approfondi et de longue durée, développer les compétences intellectuelles autant que transversales, tout en créant des liens entre la classe de ballet avec d'autres domaines. Ces retombées sont aussi celles des modèles d'apprentissage constructiviste et de la "critical pedagogical theory", qui mettent l'accent sur des perspectives variées, des activités authentiques et un environnement d'apprentissage reflétant la vie réelle (Fosnot 1996; Ottey, 1996). ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Intelligences multiples, Stratégies d'enseignement, Classe, Technique de ballet.

Ce projet de création est le résultat de mes 30 ans d'expérience professionnelle comme musicien brésilien. Pendant cette période et mon passage à travers plusieurs pays, j'ai compris le besoin de créer un outil pour aider à enrichir le vocabulaire musical de ceux qui aiment ou qui travaillent avec la musique et plus spécialement la samba. Le résultat de cette entreprise est un cédérom interactif (un didacticiel ludique d'initiation à l'interprétation des mélodies de samba) avec lequel nous pouvons développer un langage plus élaboré pour interpréter n'importe quelle mélodie dans le style musical brésilien samba. Il ne s'agit pas d'apprendre à jouer un instrument de percussion, mais plutôt de rendre naturel à l'oreille un ensemble de lignes rythmiques qui font partie du vocabulaire de l'interprétation mélodique de la samba. Ce projet est inspiré par l'univers sonore, visuel et communicationnel des habitants des bidonvilles autour de Rio de Janeiro. Ils sont les créateurs et les personnages indispensables dans le processus de formation de cette musique, la samba. Ce cédérom interactif contient huit modules avec lesquels nous pouvons pratiquer des lignes rythmiques de la samba. Ces modules sont divisés en trois niveaux : pratique de base, intermédiaire et avancée. Les niveaux de base et intermédiaire sont pratiqués avec le clavier de l'ordinateur (il fonctionne comme une prothèse) et nous sommes invités à utiliser notre instrument ou la voix pour pratiquer avec les modules avancés. Le but n'est pas la perfection de la performance. En cherchant à imiter les lignes rythmiques déjà enregistrées dans le programme, nous plongeons dans cet univers sonore. Il faut se laisser aller et s'amuser avec l'aspect ludique du programme. Car c'est comme ça que s'est établie la communication entre les grands interprètes et la samba elle-même. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : samba, rythmes, lignes rythmiques, histoire de la samba, bossa nova, samba de roda, cédérom interactif

En utilisant le processus et le résultat de quatre études chorégraphiques comme terrain de recherche, ce mémoire-création se propose de réfléchir sur l'hypothèse de l'ambiguïté du corps de l'interprète comme étant apte à produire la sensation - au sens deleuzien du terme - chez un spectateur générique. Elle suggère que, pour que s'épanouisse la sensation, l'œuvre devrait éviter le passage dans le repérable et le connu et ce, afin d'empêcher son classement catégoriel. Pour dégager le chemin qui permet à l'œuvre et au spectateur d'accéder à la sensation, j'ai ainsi présumé que l'artiste devrait éviter d'illustrer des images interpelant un trop grand symbolisme, et s'abstenir d'orienter l'œuvre de manière trop flagrante vers une idée, une émotion ou un message à transmettre. Il s'agit d'une recherche qualitative qui s'appuie principalement sur mon observation et expérience en cours de processus créatif. Pour faire surgir l'ambiguïté et, par ricochet, la sensation, cette recherche-création s'est attachée à défricher des pistes qui touchent principalement à la direction d'interprètes et à diverses stratégies de création et d'écriture chorégraphique. Cette recherche-création a utilisé comme outils d'investigation les concepts de force, du devenir et de transformation du corps et s'est penchée sur des façons possibles de déjouer l'organisation de la cohérence chez le spectateur. Par ailleurs, cette recherche a montré que l'ambiguïté pouvait être stimulée par divers paramètres esthétiques tels la forme, la notion d'états de corps, une attention particulière portée aux pré-mouvements, ainsi que par diverses indications physiques données aux interprètes. Par ailleurs, elle s'attarde au fait que le surgissement de l'ambiguïté semble étroitement lié à un certain positionnement des sensations physiques et psychiques du danseur, à l'intérieur de la proposition. Cette recherche-création démontre également l'étroite imbrication et entrelacement de tous ces paramètres et suggère que leur relation transductive aboutit à une "esthétique de l'hésitation". Finalement, cette recherche-création laisse planer le doute sur ce qui produirait réellement la sensation, soit l'ambiguïté comme telle, ou bien l'affect généré par l'esthétique de l'hésitation et tel que perçu dans l'œuvre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Danse contemporaine, interprétation, hésitation, création, sensation, ambiguïté, perception, état de corps.

Le but de cette étude de pratique est de comprendre le travail de danseurs experts confrontés à l'apprentissage d'un duo chorégraphique comportant du travail de partenaire. Pour révéler la démarche d'apprentissage et les moyens utilisés par ces danseurs confrontés à une tâche commune, il a été demandé à trois couples de danseurs d'apprendre un extrait chorégraphique à partir d'un document vidéo. L'observation, l'entretien d'explicitation (Vermersch, 2003) et le rappel stimulé (Tochon, 1996) ont été les moyens privilégiés pour diriger cette investigation. La théorisation ancrée (Strauss et Corbin, 1990) a servi pour sa part d'outil d'analyse. Les résultats de la recherche soulignent l'importance des processus cognitifs mobilisés dans le travail des danseurs. Pour les danseurs experts, l'apprentissage d'un duo chorégraphique serait essentiellement une quête d'information puisque la grande majorité des problèmes rencontrés ont été résolus par l'apport d'informations nouvelles. Ainsi, grâce à différents types d'information acquis à partir de différentes sources, les danseurs se construisent progressivement une représentation de plus en plus claire, détaillée et juste de la chorégraphie. C'est cette représentation qui guide leurs choix de stratégies d'exécution, la conduite de leurs mouvements et l'évaluation de leur exécution. Lorsqu'un danseur travaille en duo, sa représentation de la chorégraphie doit tenir compte des actions de son partenaire. De plus, les représentations de chacun se confrontent et les danseurs doivent s'entendre sur un objectif commun vers lequel faire converger leurs actions individuelles. Cette difficulté suppose que les partenaires entretiennent un réseau de communication, verbal et non verbal, dont l'efficacité serait mieux servie par l'usage d'une terminologie appropriée au travail de partenaire, un outil de communication qui reste encore à développer dans le milieu de la danse. L'apprentissage d'un duo chorégraphique correspondrait à un processus de réduction des possibilités convergeant vers une représentation stable pour chaque danseur. Or, à partir du moment où les danseurs possèdent une maîtrise cognitive (savoir quoi faire) et une maîtrise corporelle (pouvoir le faire) des mouvements, on assiste à un phénomène inverse, la chorégraphie s'ouvrant sur de nouvelles possibilités. Les danseurs éprouvent alors un sentiment de liberté qui leur permet de vivre l'expérience de la danse et de faire les choix propices à une interprétation signifiante de la chorégraphie. ______________________________________________________________________________

Diss.--Göttingen, 1996--Georg-August-Univ. / Sources et bibliogr. p. 307-334. Index.

Diss.--Fakultät für Kulturwissenschaft--Tübingen--Ebehard-Karls-Universität, 1998. / Notes bibliogr. Index.

Texte remanié de: Diss.--Stuttgart--Universiẗat, 2001. / Bibliogr. p. 239-263.

Diss.--Philosophy--New York--Columbia university, 1934. / L'éd. ancienne a paru dans les "Publications of the Institute of French studies" Bibliogr. p. 282-301.