Le rituel de l'offrande domestique, petite cérémonie intégrée aux activités quotidiennes de la quasi-totalité des familles balinaises permet, par une analyse approfondie puis une mise en rapport avec d'autres niveaux, rituels et non-rituel, de la culture balinaise, d'éclairer certains principes structurants les rites balinais. L'espace domestique balinais est une unité fortement structurée par des principes déterminant la culture balinaise et c'est un noeud essentiel de leur transmission et maintien. La tournée d'offrandes quotidienne y met en valeur une série d'éléments en créant une atmosphère spécifique qui présuppose l'attention d'une entité invisible. Sur cette pratique ininterrompue viennent s'ajouter des rites ponctuels. Une partie essentielle de ce qui fait la culture balinaise est ancrée dans l'espace domestique et rappelé par les offrandes au quotidien. C'est la cas des principes hiérarchiques cruciaux que sont l'oppositions haut/bas et les directions cardinales hiérarchisées, qui se reflètent même dans les pratiques non rituelles comme l'orientation ou la direction du sommeil. L'homologie entre microcosme du corps et macrocosme de Bali passe par le microcosme de l'espace domestique. Le principe d'ancestralité, socle de l'appartenance à toute une série de groupes sociaux et à l'île de Bali est ancré par l'autel des ancêtres, et la relation émotionnelle aux défunts y est intégrée par des rituels funéraires complexes. Le style esthétique et la structure des offrandes balinaises et de la danse se retrouvent dès les petites offrandes canang déposées. Cette exploration révèle une vie rituelle d'une richesse et complexité fascinantes ancrées dans des espaces domestiques urbains abritant des personnes respectables n'étant pas des professionnels de la religion. / The daily offering ritual, small ceremony integrated into the daily lives of most Balinese families, by its thorough analysis and comparison with other ritual and non-ritual levels of Balinese culture, helps shed light on some basic structuring principles of Balinese ritual life. The Balinese domestic space is a structured unit strongly determined by Balinese culture's essential principles, and it is also the knot that unites these principles and hence allows their transmission and maintenance. The daily domestic offerings create a specific atmosphere that presupposes the attention of invisible entities. An essential part of what constitutes Balinese culture is anchored into the domestic unit, and brought into attention by daily rituals. It is the case with the crucial hierarchical oppositions of high and low and the hierarchised cardinal directions, that are reflected even in non-ritual practice like daily orientation or the direction people turn when sleeping. The homology between the microcosm of the body and the microcosm of Bali or the Universe is mediated through the microcosm of the domestic space. The principle of ancestrality, the base through which Balinese are connected with a large series of social groups and even to the island, this principle is also anchored into the domestic space through the ancestor shrine, and the emotional bond connecting with the deceased ones is also integrated to it through complex funeral rituals. The aesthetic style and the structure of the offerings is there from the smallest canang offering, as is there the principle that leads to dance in larger ceremonies. This exploration reveals an incredibly rich and complex ritual life lead by ordinary respectable people who are not professionals in religion.

Cette thèse s’intéresse à la danse dabka, l’expression musico-chorégraphique la plus importante du paysage musical au Liban. Il s’agit d’analyser la dabka dans l’unité de son aspect musico-chorégraphique ; la danse étant analysée dans son lien avec la musique. Une autre dimension s’ajoute à cet aspect, il s’agit de l’aspect anthropologique de la dabka, la dabka en tant que manifestation sociale au Liban.Un choix méthodologique des enregistrements du terrain qui a duré pendant plus qu’une année au Liban, a permis de confronter les confirmations à priori de ce même terrain avec les résultats des analyses faites au cours de cette thèse pour les composantes ethnomusicologique et ethnochoréologique. / This thesis focuses on the dance dabka, the most important musico-choreographic expression of the musical landscape in Lebanon. The dabka is analyzed from a unified musico-choreographic standpoint where the dance is investigated in connection with music. The anthropological aspect is also considered, where the dabka is viewed as a social manifestation in Lebanon. A methodical selection of recordings, collected over a period of time of more than one year in Lebanon, allowed subjecting common beliefs to scientific scrutiny focusing on ethnomusicological and ethnochoreological aspects.

Doctorat en sciences psychologiques / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Ce travail de recherche a pour objectif de mettre en avant la rencontre cinéma-danse à partir d'une libération des soubassements métaphysiques de l'art, ce faisant un instrument de médiation d'un ordre supérieur à l'artiste dont l'activité se réglait à la lumière d'un idéal éthico-politique, source d'inspiration du thème de l'ailleurs. Le cinéma est ce nouvel espace où la danse s'invente un autre corps en dehors d'une réglementation des pratiques et des usages, d'une pédagogie par le biais de laquelle les affections du corps étaient corrigées en miroir des œuvres de l'esprit. Le fait que le cinéma soit apparu à un moment de réhabilitation de la valeur philosophique du sensible le rend complice d'une danse cherchant à accroître son expérience du mouvement et à s'affranchir des limites de la représentation classique. C'est cette complicité à l'égard d'une attitude en commun qui ressort des divers aspects que soulève la problématique de la danse contemporaine à l'épreuve du cinéma et de la vidéo. / This research work bas for objective to put forward the meeting cinema-dance from a liberation of the metaphysical bases of the art, making it an instrument of mediation of an order upper to the artist whose activity adjusted in the light of an ethical and political ideal, a source of inspiration of the theme of somewhere else. The cinema is this new space where the dance in vents another body except a regulations of the practices and the uses, the pedagogy by means of which the affections of the body were corrected in mirror of the works of the spirit. The fact that the cinema appeared at a moment of rehabilitation of the philosophic value of the sensitive makes it collusive in a dance trying to increase its experience of the movement and to free itself from limits of the classic representation. It is this complicity towards an attitude in common that takes out a gain diverse aspects which lifts the problem of the contemporary dance in the event of the cinema and the video.

Dans l’actuel Programme de formation au primaire (Gouvernement du Québec, 2001), la danse est définie comme une forme d’art fondée sur la création, l’interprétation et l’appréciation chorégraphique. Il s’agit de trois compétences artistiques qui contribuent à l’atteinte des visées d’éducation artistique, esthétique et culturelle que l’école québécoise s’est données au cours de la réforme de l’éducation des années 2000. La présente thèse vise à comprendre comment se développent les pratiques effectives de transposition didactique à la lumière des savoirs prescrits dans le programme de danse au primaire. La notion de transposition didactique (Chevallard, 1985/1991) sert de principale assise conceptuelle pour éclairer la compréhension des modes de transmission des savoirs dans la planification de situations d’apprentissage et d’évaluation (SAÉ) ainsi que dans l’enseignement de la danse. Une enquête socio-anthropologique (Olivier de Sardan, 2008) a été menée auprès de cinq enseignantes au moyen de quatre méthodes de production de données qualitatives (collecte de documents, entretien biographique (Demazière, 2003), entretien d’explicitation (Vermersch, 2006) et observation des pratiques). L’analyse des données, à l’aide de la méthode par catégories conceptualisantes (Paillé et Mucchielli, 2012) s’inscrivant dans la tradition de la grounded theory (Glaser et Strauss, 1967/2010), a permis de cerner des phénomènes transpositifs de diverses natures (processurales, temporelles et procédurales), de décrire des dispositifs didactiques favorisant les apprentissages artistiques (A), esthétiques (E) et culturels (C) ainsi que de développer un modèle théorique complémentaire à celui de Chevallard. Ce modèle illustre un mouvement d’alternance entre deux types de dialogue didactique (DD) : l’un intérieur, l’autre interactif. À la croisée de ce mouvement dialogique s’opère un processus d’actualisation de la SAÉ se déroulant selon trois phases didactiques (conceptualisation de la proposition dansée, mise en forme de la SAÉ et élaboration du scénario d’évaluation). La théorisation des pratiques effectives de transposition didactique propose des retombées dans la formation initiale et continue à l’enseignement de la danse, lesquelles peuvent profiter à d’autres disciplines scolaires de nature praxique.

Cette recherche s'inscrit dans le champ de la didactique de l'anglais et s'appuie sur une approche énactive qui met en résonance deux cadres théoriques : la phonologie anglaise et la théorie du mouvement (Laban). Le but est de définir en quoi une approche corporelle facilite l'apprentissage du rythme de l'anglais oral. L'hypothèse principale de recherche avance l'idée que, en revisitant les rythmes fondateurs incorporés depuis la naissance, l'acquisition du rythme en anglais pour l'élève de collège français peut être stimulé par : - Un apprentissage corporel basé sur le geste comme point d'appui à l'accentuation. - Un apprentissage spécifique de l'accentuation centré sur le phénomène de battement rythmique alternance des formes pleines et formes désaccentuées, ou réduites), le groupe rythmique, l'intensité et la i auteur. Trois phases d'expérimentation ont été conduites. La première phase exploratoire a permis de délimiter le cadre des seconde et troisième phases quasi-expérimentales. Les expérimentations ontété menées en classes de 4ème de collège entre septembre 2012 et mai 2013, et mettent également à jour les effets d'une pédagogie énactive sur la motivation des élèves. La première partie de la thèse explore un cadre théorique transdisciplinaire (théorie de l'énaction, théorie du mouvement, phonologie de la langue anglaise) et met en oeuvre ces théories par une démarche didactique basée sur l'expression dramatique. La seconde partie traite des questions méthodologiques : les étapes du processus de recherche, la transposition didactique, le protocole quasi-expérimental. Les résultats de l'analyse des données des deux phases d'expérimentation sont explicités dans la troisième partie. La conclusion propose une synthèse et une discussion des résultats, ainsi que des perspectives de recherche et d'implications pédagogiques pour l'utilisation du geste dans l'apprentissage de l'anglais oral. / This research undertaken in the field of TEFL (teaching English as a foreign language) is based on an inactive approach which draws on two theoretical frameworks : English phonology and Laban's theory of rnovement. The aim of the research is to look at how a physical approach to the study of English pronunciation facilitates the learning of the rhythm of spoken English. The central hypothesis is that by tapping into the learner's founding rhythms incorporated since birth, the acquisition of English rhythm can be facilitated for the French junior high school student by : - a physical approach to learning which uses gesture as the main support for accentuation - a specific approach to learning accentuation focused on the phenomenon of rhythmic beats (alternating full and reduced forms), rhythmic groups, intensity and pitch. The experiments which were conducted in classes of 8th-graders in France between September 2012 and May 2013 also highlight the effects of an enactive teaching style on student motivation. The first part of the dissertation explores an interdisciplinary theoretical framework consisting of enaction theory, Laban's theory of movement, and a teaching method based on drama. The second part deals with methodological issues such as the stages of the research, didactic transposition, and the quasi-experimental protocol. The results of the data analysis from two experimental phases are presented in the third part. The conclusion provides a synthesis and discussion of the results while suggesting prospects for future research as well as pedagogical implications for the use of gesture in the teaching of spoken English.

La présente étude s’établit dans le but d’approfondir compréhensions de la relation entre dynamiques de création de territoires politiques et la création de langages artistiques, à partir de l’analyse de l’oeuvre de Tatsumi Hijikata.Les questions centrales de ce travail émergent d’un parcours d’étude interdisciplinaire qu’implique fondements de la philosophie, esthétique, phénoménologie et sémiotique. Parmi les auteurs étudiés figurent principalement Bergson, Bachelard, Deleuze, Guattari, Uno, Tancelin et Greiner.Tout en se basant dans les concepts de déterritorialisation et reterritorialisation de Deleuze et Guattari, l’hypothèse est que devant un type de déterritorialisation que met un groupe de sujets dans une situation brusque de changement de contexte, il y aurait une conséquente reterritorialisation. Entre autres formes cette reterritorialisation pourrait se manifester à partir d’une insurrection des subjectivités vers le monde. Cette insurrection, dans certains cas, serait établie à travers l’actualisation de territoires esthétiques.Une fois ces manifestations partagées avec le public, il y aurait l’insurrection d’un nouveau territoire esthétique. Cette idée de territoire esthétique nous la développons pour nous aider dans l’évolution de la pensée de cette étude.A travers le butô et une vaste production écrite, Hijikata remet en question le concept du corps et la fonction de l’art, d’une manière qui semble confluer dans plusieurs aspects avec concepts crées et/ou développés par Deleuze et Guattari, relativement à la même époque. Concepts comme le corps sans organes, le devenir, et le plan d’immanence, sont mis en analyse dans le parcours de cette étude, avec les propositions développées par Hijikata.Au-delà des résonances esthétiques d’une période de crise dans une culture, ce que nous analysons sont des possibles échos dans le panorama politique à long terme, provoqués à partir d’expériences esthétiques. / The present study comes with the intention of deepening understandings of relations between political dynamics of territorial creation and the creation of artistic languages, from the analysis of the Tatsumi Hijikata’s work.The central question of our work come into sight through an interdisciplinary study that implicates foundations of philosophy, aesthetics, phenomenology and semiotics. Among the studied authors represent mainly Bergson, Bachelard, Deleuze, Guattari, Uno, Tancelin and Greiner.Based in concepts of deterritorialisation and reterritorialisation of Deleuze and Guattari, our hypothesis is that in front of a type of deterritorialisation, which puts a group of people in an abrupt changing contexts situation, there would be a consequent reterritorialisation. Between other forms this reterritorialisation could manifest itself through the insurrection of subjectivities towards the world. This insurrection, in certain cases, would be established through the actualisation of aesthetic territories.When these manifestations are shared with public, it would be as if the insurrection of a new aesthetic territory comes to light. This idea, of an aesthetics territory, we developed during this study, to help with our thought’s évolution.Through butô and a large written production, Hijikata questions the concept of the body, and the functions of art, in a way which seems to meet in a several ways with concepts created and/or developed by Deleuze and Guattari, relatively at the same epoch. Concepts as body without organs, devenir, and immanence plan, are brought into analysis in the course of this study, with proposals developed by Hijikata.Beyond the resonances of a period of crisis in a culture, what we want to analyse is possible resonances into political panorama in long term, provoked by aesthetics experiments. / O presente estudo surge com a intenção de aprofundar compreensões da relação entre dinâmicas de criação de territórios politicos e a criação de linguagens artísticas, à partir da análise da obra de Tatsumi Hijikata.As questões centrais deste trabalho surgem de um percurso de estudo interdisciplinar que implica fundamentos da filosofia, estética, fenomenologia e semiotica. Entre os autores estudados figuram principalmente Bergson, Bachelard, Deleuze, Guattari, Uno, Tancelin e Greiner.Baseando-se nos conceitos de desterritorialização e reterritorialização de Deleuze e Guattari, nossa hipótese é de que em frente a um tipo de déterritorialização que coloca um grupo de sujeitos em uma situação brusca da modificação de contexto, haveria uma consequente reterritorialização. Entre outras formas, essa reterritorialização pode se manifestar através de uma insurreição da subjetividade em relação ao mundo. Esta insurreição, em certos casos, seria estabelecida por meio da atualização de territórios estéticos.Uma vez ques estas manifestações são compartilhadas com o público, haveria uma insurreição de um novo território estético. Este conceito, nos o desensoveremos para nos ajudar na evolução do pensamento deste estudo.Através do butô e de uma grande produção escrita, Hijikata problematisa o conceito do corpo, e a função da arte, de uma maneira que parece confluir em vários aspectos com conceitos criados e/ou desenvolvidos por Deleuze e Guattari, relativamente à mesma época. Conceitos como o corpo sem órgãos, o devir, e plano de imanência, são colocados em análise com propostas desenvolvidas por Hijikata no decorrer deste estudo.Além das ressonâncias estéticas de um período de crise em uma cultura, o que analisamos é a possível ressonância no panorama político à longo prazo, produzida à partir de experiências estéticas.

Ce travail analyse les processus de personnalisation dans les trajectoires de 23 danseurs improvisateurs, dans une approche psychologique. La danse improvisée est associée à un partage intersubjectif (Bigé, 2015) et à un état d’écoute (Guisgand, 2006) : le développement de cette écoute est ici étudié. Ses dimensions d’incertitude (Azaïs, Bachir-Loopuyt & Saint-Germier, 2010) et de recherche de liberté (Kintzler, 2006) associent l’improvisation à une pratique personnalisante, en référence aux théorisations de ce processus (Malrieu, 1979 ; 1994 ; 1995 ; Baubion-Broye, Dupuy & Prêteur, 2013). Des entretiens semi-directifs sont menés ainsi que des analyses thématique et par catégories conceptualisantes (Paillé & Mucchielli, 2012). Nous avons mis en exergue des tensions, des activités de signification et des réorganisations psychologiques et physiques dans les parcours de ces improvisateurs. Leur réflexivité vis-à-vis de leur pratique pousse ces danseurs à des prises de conscience et des analyses critiques : certains ne veulent plus répéter des mouvements ni improviser sans objectif. L’improvisation leur permet alors, par sa dimension de création, de se singulariser. Certains d’entre eux rencontrent des doutes sur leur capacité ou celle des autres à communiquer, à se connecter aux autres. Ils donnent alors à leur pratique de la danse des sens nouveaux : se lier aux autres, aider et coopérer. Créer dans l’instant les centre sur leur corps au moment présent et coopérer favorise l’écoute : ceci consolide la conscience de soi. Le fait de créer leurs propres mouvements et de dépasser ce qu’ils ont appris nourrit leurs besoins de dépassement et de liberté. Improviser permet donc à ces danseurs de se singulariser et de prendre conscience d’eux-mêmes : c’est une pratique personnalisante qui participe à la construction de soi. / The present study aims to analyse personalization processes in the trajectories of 23 improvisational dancers. Improvised dance refers to intersubjective sharing (Bigé, 2015) and listening state (Guisgand, 2006): the development of this listening is studied here. Through its dimensions of uncertainty (Azaïs, Bachir-Loopuyt & Saint-Germier, 2010) and quest for freedom (Kintzler, 2006), improvisation combines with a personalization practice in reference to the theorizations of this process (Malrieu, 1979, 1994, 1995; Baubion-Broye, Dupuy & Prêteur, 2013). Semi-structured interviews were conducted. Two types of results analysis were used: thematic and through conceptualizing categories (Paillé & Mucchielli, 2012). These results highlight tensions, meaning activities and psychological reorganizations. Becoming aware of formatting, these dancers critically analyse their practises, in order not to repeat learned movements neither improvise without precise goal. The rejection of standard movements leads them to stand out through a personalizing process of creation. Some of them doubt about their ability or the ability of others to communicate, to interconnect. Those of them who are concerned with the lack of communication are trying to bring closer to others through danced improvisation : they cooperate. Cooperation makes them improve their listening and create spontaneously makes them centered on their bodies, which tends to consolidate their self-awareness. Creating their own movements and going beyond what they have learned feeds their need for overtaking and freedom.Through these processes of self-awareness and singularization, they personalize and build themselves.

La « petite fille modèle » conserve, encore de nos jours, une image valorisée au sein de certaines classes sociales. Partant de cet engouement, il est possible de percevoir quel serait, pour certains, une féminité légitime. Quels modèles constituent la représentation de la ballerine, personnage irréel et fantasmé des ballets, et l’image plus concrète de la danseuse professionnelle dans la socialisation des pratiquantes enfants de loisirs et les stratégies éducatives des mères ? L’approche socio-anthropologique soutenue par un apport historique vise à apporter des éléments de compréhension sur ce que font réellement les pratiquantes quand elles entrent dans la « maison des femmes » que constitue l’école de danse. Les mères interviewées semblent parfois parler d’une seule voix. Bien conscientes des stéréotypes de genre ayant cours dans notre société, proposer cette activité à leur(s) fille(s) serait pour elles une manière d’offrir à ces dernières des moyens d’action. La danse classique apparaît comme une activité « rentable ». La transmission de la féminité associée et l’apprentissage d’autres acquis transposables rentrent dans le cadre d’un projet beaucoup plus vaste : c’est un investissement pour le futur en ce qui concerne la scolarité, la profession, le lien social, la santé, la culture, la famille, etc.. Tout se joue alors dans la tension entre : ce qui serait positif dans cette pratique, l’acquisition de stratégies féminines, et ce qui y serait négatif, toucher au paroxysme des stéréotypes de genre. Dotées d’atouts et d’une connaissance fine des attentes de notre société envers elles, les nouvelles générations pourraient ainsi composer avec les règles du jeu social. / These days "little miss perfect" promotes an image within specific social classes. This bold statement, makes it possible to experience what would be, for some, real femininity. The ballet dancer represents an unreal figure, a fantasy from ballet and the most stereotypical image of the professional dancer in children socialising during their spare time and mother’s educational strategies ? The socio-anthropological approach supported by a historical contribution aim to bring comprehensive elements on what ballet dancers really do when they enter the « women house » that provide dancing schools. Interviewed mothers seem to sometimes speak with a single voice. Being well aware of gender stereotypes occurring in our society, suggesting this activity to their daughters may be a way for them to offer the most recent form of action. Ballet dancing appears to be a « profitable » activity. The display of femininity associated and learning other transposable knowledges fit within the framework of a much more global project: it’s an investment in the future of schooling, occupation, social issues, health, culture, family, etc… All will be decided in relations between: what will be positive in this practice, gaining femininity strategies, and what will be negative, such as gender stereotypes paroxysm. Rich in assets and excellent knowledge of societies expectations towards them, new generations could re write the social rules.

Ce document vise à répondre à un discours sur la conservation du patrimoine culturel immatériel, qu’est la danse.A partir d'un postulat philosophique esthétique, nous étudierons les problèmes qui se posent avec un art dont l'essence réside dans l’éphémère.Une nouvelle perception du temps et de l’espace entrent en jeu et font que la danse est plus adaptée que les autres arts à l'évolution de ce siècle fluide et remplie de dichotomies.Pour bien comprendre l'importance de la préservation de ces biens, nous avons consacré un chapitre à la législation sur le patrimoine culturel immatériel, en référence notamment à la danse et aux droits d'auteur, point essentiel, lorsque nous allons aborder les problèmes liés aux archives, thème sur lequel se concentre une grande partie de notre travail.Après avoir enquêté sur les matériaux de la danse (avec une attention particulière sur le corps du danseur, le nouvelle technologies et sur le rapport avec les arts plastiques), nous traiterons la problématique de la préservation de la danse. Les principales questions concernent l'avenir, la préservation dans l'ère numérique, avec une référence particulière aux changements des musées et des archives.Nous prendrons pour exemples des cas européens et italiens pour étudier la situation de la protection de la danse et comprendre son évolution. Le critère qui a guidé ce choix fut précisément celui de souligner le danseur (nous nous somme appuyé sur la collaboration d’importants danseurs, comme les Dupuy, aussi avec de les entretien).De cette façon, nous avons jeté les bases théoriques d'un centre idéal pour l'étude et la préservation de la danse en Italie. / This paper aims to discuss the difficulties involved in the preservation of the an intangible cultural heritage: the Dance.We shall begin from an aesthetic and philosophical premise as we investigate the problems that arise with an art form whose virtual essence lives in the ephemeral. However, this quality and the different perception of time and space that the dance create, that allows this art form to adapt to the fluidity of the 21st century - an era encumbered by dynamic dichotomies.In order to fully understand the importance of preserving this cultural heritage, an entire chapter has been devoted to “intangible cultural heritage legislation” which includes particular reference to dance works and copyright laws. An understanding of this aspect is essential - especially when confronting problems related to exploring and researching within dance archives - a prominent theme in this work. The thesis then moves onward to define the element of dance itself, with particular attention placed on the dancer’s instrument (the body) and the new technology. Only after thoroughly exploring this fundamental aspect, we will then discuss the sensitive issue of dance archive preservation.The preliminary exploration and definition in the thesis then brings us to the main question: How can we preserve and protect dance masterpieces in the digital era, especially with respect to current changes in National museums and archive conservation.Specific examples with regards to dance conservation and its evolution have been hued from selected European Institutions and in particular, those in Italy. One of the overriding concepts throughout this thesis has been to focus on the topic from the dancers point of view and therefore, collaborating with important dance figures such as the French master, Dupuy, has offered invaluable insight. It is the hope of this thesis to lay the ground work of a theoretical basis for an ideal center to study and preserve the evolution of dance in Italy. / Il presente lavoro ha come obiettivo quello di affrontare un discorso conservativo di un bene culturale immateriale, qual è la danza.Partendo da una premessa estetico filosofica, si indagano le problematiche che si pongono in essere con un’arte la cui essenza risiede nell’effimero. Questa caratteristica, insieme alla diversa percezione di spazio e tempo che si ha con la danza, fanno sì che si adatti meglio di altre arti ai cambiamenti di questo secolo fluido e pieno di dicotomie.Per comprendere appieno l’importanza della salvaguardia di tale bene è stato dedicato un capitolo alla legislazione dei beni culturali intangibili, con particolare riferimento alla danza e al diritto d’autore, fondamentale anche quando si vanno ad affrontare le problematiche riguardanti gli archivi, punto su cui è incentrato molto del lavoro. Tema cardine è infatti la questione della conservazione della danza sia nelle sue componenti materiali, ma soprattutto nella sua immaterialità. Ruolo centrale è rivestito dal corpo del danzatore, elemento sfuggente come in tutte le arti performative. Particolare attenzione viene data alle nuove tecnologie (fotografia, cinema e video) senza tralasciare la documentazione e la conservazione che si ha con la scrittura e le immagini (con specifico riferimento al rapporto con le arti plastiche). Vengono presi in esame poi specifici esempi europei e italiani per indagare la situazione inerente la conservazione della danza. Un criterio che ha guidato la scelta è stato proprio quello di dare risalto al danzatore. In questo modo si sono volute gettare le basi teoriche per un ideale centro per lo studio e la conservazione della danza in Italia sul modello francese del CND.