Cette thèse a pour objet d’étude théorique/pratique la performance et le performer. Il s’agit, plus précisément, de l’étude de l’utilisation de la mythologie personnelle du performer dans des processus de recherche, de créations de mises en scène et/ou des performances pour lesquelles le matériau de construction est l’univers personnel du performer. La problématique de ce projet est donc la mise en scène de la mythologie personnelle du performer qui donne son origine à une performance située entre l’autobiographie et l’autofiction. Il est question d’étudier la performance, plus précisément celle dite « autobiographique », en élargissant le champ de recherche à des créateurs qui associent le théâtre et la danse, mais également au champ des arts plastiques.A travers ce croisement des disciplines et le surgissement des nouvelles formes artistiques qui en découlent, l’objectif de ce travail est d’étudier le performer et la performance en tant que « signature » personnelle. Il est question ici de témoigner et de repérer un parcours singulier qui est à l’origine d’un processus artistique pratique/théorique lequel assume des formes esthétiques inévitablement individuelles, tout en dépassant l’affaire privée pour arriver à une notion plus large et collective. La tentative est celle d’assumer les influences et les métissages à travers lesquels nous nous sommes constitués. Elles ont ouvert la possibilité de regarder à l’intérieur de moi-même les chocs qui ont créé des itinéraires pour ensuite les accepter en tant que matériau pour ma propre création artistique. / This thesis aims to study the theoretical and practical performance of the performer. More specifically the study of “personal mythology” of the performer, from portrayals of creation and performance for which the building material is the personal universe of the performer. The challenge of this project is the staging of the personal mythology of the performer that gives origin to a performance somewhere between autobiography and self-fiction. I propose a study of the performance, specifically the so-called "autobiographical", expanding the search field to other artists who combine theatre and dance as well as in the visual arts field. Through these cross disciplines and the emergence of new artistic forms derived from it, the objective of this work is to study the performer and the performance as a "signature", analysing the creative process using autobiographical material, personal mythology, and the influence of that on my own creative process as a practitioner. Points such as the self, body, identity, signature, name, meeting and collaboration are approached to talk about personal mythology as a set of autobiographical events related to memory, the experiences and the dreams. The autobiographical material will serve as starting point for the construction of a work. The myth can then be the symbolic representation of a past time and a form created according to individual experiences.

Ma thèse de doctorat porte sur la mémoire et sur les modalités de transmission des connaissances en danse contemporaine. Pour réaliser mon étude, je me suis concentrée sur le cas de la compagnie du Tanztheater Wuppertal Pina Bausch et sur l’héritage artistique de la chorégraphe allemande Pina Bausch (1940-2009). Depuis 2009, une fondation qui porte son nom a été adjointe à l’institution historique de la compagnie de danse qui poursuit à représenter le répertoire Bausch dans le monde entier. La fondation - fondée par le fils de Pina Bausch, Salomon Bausch - a pour objectif la conservation et la diffusion de la connaissance des œuvres artistiques que sa mère a créées tout au long de sa vie : elle détient les archives Bausch, les droits de œuvres et les scénographies et les costumes créés par Rolf Borzik. La réflexion méthodologique est incorporée, à part entière, dans ma thèse. Pour les interviews que j’ai réalisées, j’ai adopté la méthodologie de l’histoire orale. Ma recherche est axée sur quatre domaines principaux qui correspondent à quatre différentes articulations de la mémoire : l’archive, le répertoire, la création et l’exposition. La perspective d’accès choisie pour observer la façon dont les chorégraphies et l’histoire du Tanztheater Wuppertal Pina Bausch sont transmises aux nouvelles générations à l’ère post-Bausch est celle des danseurs italiens qui ont intégré la compagnie entre 1973 et 2009. A ce propos, j’ai réalisé une série d’interviews avec : Beatrice Libonati, Antonio Carallo, Aida Vainieri, Cristiana Morganti, Damiano Ottavio Bigi et Marigia Maggipinto. Le témoignage de chacun des danseurs permet de questionner l’histoire du Tanztheater Wuppertal à partir d’un point de vue interne et donne des informations sur le fonctionnement de la mémoire et de la transmission. / My doctoral thesis deals with memory and the transmission of knowledge in contemporary dance. To prepare my study, I concentrated on the case of the dance company Tanztheater Wuppertal Pina Bausch and on the German choreographer Pina Bausch’s the artistic legacy (1940-2009). Since 2009, a foundation named after the choreographer was created alongside the historic dance company which continues to represent the Bausch repertory worldwide. The foundation’s goal - which was founded by Pina Bausch’s son, Salomon Bausch - is to preserve and spread the knowledge of his mother’s artworks which were created all her life long: it owns the Bausch archives, the dance works rights and the scenography and the costumes created by Rolf Borzik.The methodological reflection which support my thesis is fully embodied. For the interviews, I adopted the methodology of oral history. My research is based on four principal domains which correspond to four different articulations of memory: the archives, the repertory, the creation and the exhibition. The perspective I chose to access my object of study and to observe how the choreographies and the history of the Tanztheater Wuppertal Pina Bausch are transmitted to new generations at the post-Bausch era is that of the Italian dancers who integrated the company between 1973 and 2009. For this purpose, I’ve realized a series of interviews with: Beatrice Libonati, Antonio Carallo, Aida Vainieri, Cristiana Morganti, Damiano Ottavio Bigi et Marigia Maggipinto. The witnessing of each one of the dancers allows to question Tanztheater Wuppertal’s history from an internal point of view and it gives information concerning the functioning of memory and transmission.

A partir de la seule documentation disponible, à savoir l’iconographie, il a été dressé un corpus de 526 objets, tous supports confondus, à partir de l’Etrurie tyrrhénienne, de l’Etrurie campanienne et de l’Etrurie padane. Cette thèse propose dans un premier temps, en plus de justifier et de délimiter le corpus des scènes de la danse étrusque et de poser les fondements historiographiques, de penser et définir la représentation même de la danse. Quels éléments dans l’image permettent de définir une scène de danse comme telle ? S’agit-il véritablement de danse ? La confusion que l’on note dans les textes grecs et latins entre pratiques dansées, sportives et guerrières se rencontrent aussi dans l’image, ce qui a amené à appréhender la danse au sens large, en termes de performance et d’évènement. Cette première définition permet de délimiter les scènes de danse par rapport aux scènes de cortège, de parade, de duel, et de distinguer les danseurs d’autres personnages récurrents de l’iconographie étrusque comme les « orants ». Dans un second temps, l’étude typologique et l’analyse sérielle des scènes de danse permet de dresser un répertoire étrusque de 2143 positions corporelles, et ainsi de préciser la définition de l’image de la danse. Cet axe permet d’identifier les différentes positions corporelles, ainsi que les gestes, les accessoires des acteurs, leurs caractéristiques physiques, et les objets et les lieux de la danse. Cette identification systématique est accompagnée de l’étude des interactions corporelles, gestuelles, vestimentaires, ou colorés. Délimiter le répertoire iconographique de la danse étrusque implique aussi d’en définir les modalités d’élaboration et la porosité. Les données sont ainsi replacées dans un contexte géographique et historique afin de repérer les particularités de l’iconographie étrusque, de distinguer les modèles étrangers et les réélaborations. La mise en série révèle que la comparaison avec l’iconographie grecque s’impose pour certaines postures. Mais les imagiers sélectionnent et agencent selon une disposition qui s’adapte aux pratiques étrusques de l’image. Les Étrusques ont ainsi puisé dans un répertoire grec des postures puis les ont adaptées et enrichies, à l’image de l’adaptation de l’alphabet grec en Étrurie. La diffusion des éléments constitutifs de l’image étrusque de la danse d’une cité étrusque à une autre permet de délimiter un répertoire iconographique préromain commun, mais aussi des choix locaux. Nous relevons en particulier les cas de Chiusi et de Tarquinia. A côté d’un répertoire commun, les deux cités ont développé chacune des solutions différentes qui répondent à des constructions propres de l’image. Dans un dernier temps enfin, sont étudiés les différents types de danse relevés, ainsi que le statut et la fonction des différents acteurs. Il s’agit de comprendre, par une orientation historique et anthropologique, et lorsqu’il est possible de le relever, l’enchaînement de ces danses, leur fonction, leurs différentes phases et leur place dans les pratiques rituelles de l’Italie préromaine. De cette étude découlent des questions quant à l’utilisation de l’image étrusque de la danse. Il s’avère en effet qu’une sélection des types de danse et des postures est opérée par les imagiers. Dans ce cadre, c'est sur le fonctionnement et le système de l'image, comparée à un langage, que nous avons mis l'accent. La direction adoptée dans ce troisième axe est aussi iconologique et vise à déchiffrer l'image de la danse étrusque en s'orientant vers le structuralisme et la sémiotique. L’étude a abouti à la conclusion selon laquelle les postures et les éléments visuels qui composent l’iconographie étrusque de la danse étaient sélectionnés et agencés dans des programmes iconographiques donnés, selon leur signification, leur portée discursive, et la fonction et la temporalité du rituel auquel ils font référence, puis adaptés à la fonction rituelle du médium sur lequel ils sont agencés. / From the iconographical sources, the only available, a corpus of 526 objects has been selected, irrespective of the medium, and from Tirrenian, Campanian and Po plain Etruria. Besides explaining and delineating the corpus of the representations of Etruscan dance and posing the historiographical bases, this thesis proposes in the first instance to think and define the representation itself of dance. Indeed, which elements in pictures permit to define a scene of dance as such ? Can we really consider it as dance ? The confusion we note in Greek and Latin texts between danced, sports and war practices are also present in pictures. This brings to consider dance in a large sens, in terms of performance and event. This first definition permits to delineate the scenes of dance from the scenes of processions, of dueling, and to draw a distinction between dancers and other recurrent actors in the Etruscan iconography such as the « orans ». In a second phase, the typological and serial analysis of representations of dance has permitted to raise an Etruscan repertoire of 2143 body postures, and thus to precise the definition of the pictures of dance. This axis has thus contributed to identify the different body positions, but also the gestures, the actors’ props, the actors’ physical features, the objects and places of dance. This systematic identification is accompanied by the study of coloured, clothing, gestural, and body interactions. Delineating the iconographical repertoire of Etruscan dance also implies to define the conditions of its elaboration and its porosity. The datas are thus replaced in a geographic and historic – Ancient Mediterranean – context in order to identify the foreign patterns and the reworked ones. The connection in series reveal that the comparison with Greek iconography is necessary to better understand some body positions. But the painters select and dispose according to the Etruscan practices of pictures making. Thus, the Etruscans digged into a Greek repertoire for some postures and then adapted and enriched them, such as their adaptation of the Greek alphabet in Etruria. The spread of the constitutive éléments of the Etruscan pictures of dance from a city to another permits to delineate a mutual and shared Preroman iconographical repertoire, but also local choices and adaptations. On this point, the cases of Tarquinia and Chiusi has been studied. Besides a common iconographical repertoire, in the two cities different visual solutions has been developped, linked to own pictures constructions. As a final step, the different types of dance previously delineated are studied further, such as the status and the function of the different actors. It aims to understant, thanks to an anthropological and historical approach – and when it’s possible –, the sequences and chaining of the different dances, their diffent phases and their place in the ritual practices of Preroman Italy. From this point, the question of the use of the Etruscan pictures of dance has been raised. And it has been highlighted that a precise selection of types of dance and of body positions has been made by the artists. In this frame, it’s the functioning and the system of the pictures – compared to a language –, which have been emphasized. The orientation taken in this third axis is also iconological and aim to decrypt and better understand the Etruscan pictures of dance in which the visual elements and the body postures are selected and disposed, in the iconographical program in which they are used, according their signification and their discursive dimension, and adapted to the ritual function of the medium on which they are disposed.

Québec Université Laval, Bibliothèque 2015

La thèse définit ce qui pourrait être une saisie du mouvement et interroge la possibilité d'écrire et de lire la danse. La belle danse, dont l'origine, la contextualisation, et la définition en tant que style sont présentés dans le premier chapitre est prise comme cas d'école. Le second chapitre est rédigé dans la perspective du scripteur et il présente une analyse de la notation Beauchamps-Feuillet. Le troisième chapitre, qui adopte le point de vue du lecteur, définit les règles implicites de la belle danse, déductible de l'analyse des sources, et propose une analyse de la "Türkish Dance" (c.1725), due au chorégraphe Antony L'Abbé et au notateur François le Roussau. La thèse se réfère aux recherches de Guillemette Bolens pour la compréhension de l'usage de l'empathie kinesthésique pour l'écriture et la lecture, comme à des recherches cognitivistes récentes (Alva Noë). Elle se réfère aux recherches d'Etienne Darbellay et à leur cadre théorique, par exemple la théorie de la métaphore (Jakoff & Johnson; Zbikowski pour son usage en musicologie) et la compréhension des processus mémoriels (Croisile). Elle prend en compte certaines études, cruciales pour la compréhension de la belle danse, de son écriture et de sa lecture (Francine Lancelot et Marina Nordera par exemple). / This thesis defines if dance could be grasps, and how. Belle danse is taken as a "cas d'école" for unswering this question. Belle danse's origin, contextualisation and definition are given in the first chapter. The second chapter embraces the scriptwriter perspective to analyse Beauchamps-Feuillet notation. The third chapter adopts the reader's perspective (if "reading" can mean "decode", " analyse", "interpret" and "perform".) This chapter explicits some of belle danse's rules that are implicitly explained in the sources. It analyses the "Türkish Dance" (c. 1725). This score —and this dance— has been choreographed by Antony L'Abbé, and notated by François le Roussau. This thesis is written in reference to Guillemette Bolens researches that takes in acount the use of kinesthesis for writing and reading actions. It points to Etienne Darbellay's research based both on "théorie de la métaphore" (Lakoff and Johnson) and memory's process understanding (Croisile), and to crucial researches on belle danse writing and reading, particularly those of Marina Nordera.

Ce projet de recherche en danse est né du désir et du besoin de questionner ma propre pratique artistique en danse contemporaine, en la mettant en perspective et en conversation avec celle de deux autres artistes chorégraphes, Monica Klingler et Barbara Manzetti. L'étude de ces (nos) pratiques, que j'ai qualifiées de "mineures" (au sens deleuzien) a été réalisée en les approchant par le "milieu", dans leur devenir, en les "accompagnant" pendant une période délimitée, celle de la durée de la thèse. Les questions qui dynamisent la recherche concernent les notions de présent et de vivant, contenues dans le terme "processus" : comment rendre compte de processus créatifs au moment même de leur surgissement? Comment se positionner pour pouvoir les décrire, les analyser? Une autre question explorée à travers différentes pratiques d'écriture, dont la thèse, est celle du rôle de l'écriture dans un projet de danse. Quelles pratiques d'écriture mettre en place pour accompagner la danse, pour la penser et pour la partager à travers le langage? L'analyse des démarches artistiques des trois artistes étudiées a été réalisée à l'aide de concepts issus de théories féministes. Elle s'appuie sur la notion de "hors de soi", du choix d'exacerber la vulnérabilité (Judith Butler) ; sur le positionnement des artistes comme des sujets non unitaires, des "sujets nomades" et en devenir (Rosi Braidotti) ; sur la mise en mouvement de formes fluides, changeantes et non réductibles à une œuvre, à l'"un" (Luce Irigaray).La recherche, considérée comme un "processus de danse", a donné forme à différents projets artistiques, Materia Viva, Figuras, Avec le masque, ainsi qu'à l'écriture de la thèse.

De l'inscription dans la loi française de la reconnaissance de son statut d'auteur (le 11 mars 1957) à la publication de la définition légale de sa fonction au Journal Officiel (le 1er janvier 1984), une génération de chorégraphes a construit les contours, les modalités et les conditions d'un métier. Ce combat s’est traduit par un engagement syndical de longue haleine pendant les années 1960 et 1970. Réuni au sein du Syndicat national des auteurs et compositeurs (SNAC), un groupe de chorégraphes a travaillé à l’élaboration de rapports, d’enquêtes et d’études qui ont abouti à l’organisation professionnelle du champ chorégraphique, permettant ainsi à la « nouvelle danse française » qui lui succèdera dans les années 1980, d'obtenir une considérable visibilité esthétique et de marquer de son empreinte l'histoire culturelle et artistique. Rendre compte des progrès sociaux, comme des configurations et reconfigurations du métier de chorégraphe, c’est aussi rendre compte de la structuration du champ chorégraphique dans son ensemble. Cette thèse interroge l’historiographie juridique du droit d’auteur des chorégraphes pour clarifier la notion de statut d’auteur en danse. Elle propose une généalogie de la politique culturelle en danse pour démythifier l’idée d’un désert administratif et chorégraphique, constitutif de l’ère pré-Lang. Enfin, l’étude des différents projets de réglementation de l’enseignement de la danse permet de révéler les enjeux politiques et esthétiques qui ont contribué, pendant près de vingt-cinq années de négociation, à exacerber les oppositions au sein du champ chorégraphique. Ainsi, s’élabore une histoire administrative, réglementaire et politique de la danse en France qui éclaire une période de l’histoire contemporaine de la danse encore trop peu étudiée. / From the registration of an author status' recognition within the French law (March 11th, 1957), to the publication of its function's legal definition in the January 1st, 1984 Journal Officiel (official gazette of the French Republic), a whole generation of choreographers created the outlines, modalities and conditions of a profession. This struggle was the result of a long term trade union commitment between the years 1960 and 1970. Brought together under the National Syndicate of Authors and Composers (SNAC), a group of choreographers worked on drafting reports, surveys and studies which resulted in the professional organization of a choreographic field, thus allowing what was to become “the new 80s French dance” (nouvelle danse française) to obtain a substantial aesthetic visibility and to leave its mark within the cultural and artistic history. To give a full account of the social progress, such as configurations and reconfigurations of the profession of choreographer, is to also give a full account of the structuring of the choreographic field as a whole. This thesis questions the legal historiography regarding choreographers' copyright law in France (droits d'auteur) so that the notion of author's status in dance can be clarified. It suggests a genealogy of cultural politics in dance in order to demystify the idea of an administrative and choreographic deserted landscape, constitutive of the pre-Lang era (Jack Lang, French minister of culture). Finally, the study of the different projects on the regulation of dance education makes it possible to reveal political and aesthetic issues which, during a negotiation period of almost twenty five years, has contributed to the exacerbation of opposition within the choreographic field. Thus, an administrative, regulatory and political history of dance in France is able to develop, which reveals an era of contemporary history of dance still insufficiently researched.

Nous nous pencherons tout au long de notre thèse, sur la question de la construction poétique dans les pensées de Mallarmé concernant la Danse, et ce, à partir des modifications syntaxiques et lexicales que celui-ci a effectuées sur certaines de ses œuvres. À travers l’analyse du processus par lequel Mallarmé affinera ses pensées dans ses écrits poétiques et ses critiques de la Danse, nous essaierons de définir le rôle pris par la Danse dans la dernière partie de sa vie. Tout en cherchant à contextualiser ses critiques, nous procèderons à un examen minutieux des pièces que Mallarmé a vues et dont il a précisément établi la critique. Puis, en nous penchant sur la réécriture de texte opérée entre « Notes sur le Théâtre » et « Crayonné au Théâtre » qui se trouve compilé dans son ouvrage Divagations, nous analyserons les évolutions potentielles de ses pensées et nous tenterons d’apporter une lecture des concepts de « regard », du « voile » et de « la nudité » à travers les œuvres poétiques de Mallarmé comme L’Après-midi d’un faune ou bien Hérodiade. Au sein du genre même de la Danse, nous nous concentrerons sur la place privilégiée du Ballet chez Mallarmé et, tout en définissant la vision que celui-ci avait de cet art, nous effectuerons une interprétation de sa prose poétique. Cela nous permettra de faire ressortir le caractère novateur et profondément singulier des écrits que Mallarmé a consacrés à la Danse, et de définir finalement tout ce que cet art représentait pour lui. Le concept de la Danse chez Mallarmé sort du cadre où il est ordinairement relégué, et est défini comme quelque chose revêtant une grande valeur et une haute signification dans le processus créatif de cet auteur. Cette thèse se propose de circonscrire les passerelles et les continuités entre les poèmes et les critiques de Mallarmé, afin de tenter de bâtir la conception que celui-ci avait de la Danse. / The question of the poetic construction in the lines Mallarmé wrote about Dance will be examined throughout this thesis from the point of view of the modifications he made on some of his works. Through the analysis of the process by which Mallarmé has been able to refine his thoughts in his poetic writings and his critics of the Dance, we will try to define the role taken by the Dance in the last part of his life. Focused on the privileged place occupied by the Ballet, we will try to give an interpretation of his poetic prose while defining the vision that Mallarmé had of this art. The highly innovative and singular nature of his writings dedicated to the Dance will be highlighted and we will be able to finally define what this art represented for him. The concept of Dance for this poet, comes out of its ordinary framework, and it is defined as something of high value and high significance in Mallarmé’s creative process. With this thesis, we will circumscribe the continuities between the poems and the critics of Mallarmé, in order to seize more precisely how he came to think about Dance the way he did.

Ce travail de recherche traite d’un phénomène culturel marquant de la modernité européenne : le ballet-pantomime. A mi-chemin entre la danse et la pantomime, ce nouveau produit théâtral, qui prétend représenter un récit par le seul concours du geste, se place au centre des réflexions esthétiques sur le théâtre, la peinture, la musique et interroge la relation entre la parole et le corps. Alors qu’il est en plein essor sur les scènes européennes, une controverse éclate entre deux maîtres de ballets le Français Jean-Georges Noverre, et l’Italien Gasparo Angiolini. Se disputant le titre de « réformateur de la danse », Angiolini et Noverre soutiennent des principes esthétiques opposés et leurs divergences font l’objet d’une querelle qui intéressera vivement les villes de Milan et Vienne entre 1773 et 1776. A partir d’une analyse des dramaturgies élaborées par les deux maîtres de ballets rivaux et en prenant en compte leurs modèles culturels respectifs, cette thèse étudie les questionnements esthétiques et sémiotiques soulevées par la polémique et propose de relire la « Querelle des Pantomimes » dans sa dimension sociale en privilégiant deux directions : d’une part elle est interprétée comme un symptôme significatif des relations entre l’Italie et la France, permettant d’examiner ainsi les modalités de dialogue entre ces deux cultures ; d’autre part elle met au jour les termes d’une lutte sociale menée à Milan par les hommes de lettres et elle est envisagée comme un signe du processus de « démocratisation » de la culture que le ballet-pantomime alimente. / This research concerns the emergence of a cultural phenomenon of European modernity: the ballet-pantomime. Between dance and mime, this new theatrical product claims to represent a story done only by gestures and is at the center of the aesthetic reflections on theater, painting, music by inquiring the relationship between word and body. Along its development in the European stages, a controversy broke out between two ballet masters, the French Jean-Georges Noverre and the Italian Gasparo Angiolini. Vying for the title of "reformer of dance," Angiolini and Noverre support opposites aesthetic principles, whose differences are the subject of a literary feud that excites a large interest in Milan and Vienna between 1773 and 1776. Starting from an analysis of dramaturgy developed by the two rivals in masters-ballet and taking into account their cultural patterns, this thesis explores the aesthetics and semiotics issues raised by the controversy and offers a reading of the "Quarrel of Pantomimes" in its social dimension focusing on two directions: on the one hand it is interpreted as a significant symptom of relations between Italy and France and it allows to examine the conditions for dialogue between the two cultures; secondly it manifests the terms of a social struggle that took place in Milan among men of Letters and it is seen as a sign of the process of "democratization" of culture that ballet-pantomime feeds.

Au début des années 2000 un phénomène de transgression des représentations corporelles conventionnelles envahit les scènes chorégraphiques. Autonomie, indiscipline, réflexivité, expérimentation, tendance protéiforme, performativité, intégration sociale et attitude participative, ne sont que quelques dimensions que le corps dansant favorise. D’où provient-il ce phénomène ?Cette thèse, en mettant la question en perspective historique, examine comment les revendications chorégraphiques à orientation politico-artistique du milieu des années 1990, qui visaient à défier les limites propres de la danse, les limites entre les autres arts, mais aussi entre l’artiste, l’œuvre et le spectateur, la danse et les schémas institutionnels du pays, ont trouvé toute leur légitimité et porté leurs fruits dans les années 2000.Dans la lignée de l’analyse critique qui a récemment élargi son champ d’intérêt, interrogeant les frontières traditionnelles de la danse, cette thèse propose d’explorer les transformations du corps, de la pensée, de l’image et du regard, opérées dans le champ chorégraphique, en examinant : la (ré)formation du corps dansant, le processus d’historicisation du domaine, la mutation du visuel due aux démarches transdisciplinaires et transversales, ainsi que le projet de démocratisation de la discipline qui engendre des (ré)formations du corps-public. Trois questions principales traversent l’étude : Quel corps ? Quelle danse ? Qui danse ? A la fois panoramique et monographique, cette thèse développe une méthodologie qui se prête à offrir une sensibilisation à l’analyse pluridimensionnelle du domaine ainsi que des outils adéquats pour une historiographie des œuvres. / In the early 2000s, a phenomenon of transgression in the conventional representations of bodies invades the choreographic scenes. Autonomy, indiscipline, reflexivity, experimentation, protean tendency, performativity, social integration and participative attitude are some of the dimensions favored by the dancing body. Where does this phenomenon come from? Within a historical perspective, this PhD thesis examines how these choreographic claims with a politico-artistic orientation of the middle 1990s, aiming to challenge the proper limits of the dance, the boundaries among the other arts, the frontiers between the artist, his work and the audience, as well as the dance and the French institutional frame, found their legitimacy and started showing results in the years 2000. In line with the critical analysis which recently expanded its field of interest by questioning the traditional borders of the dance, this PhD thesis proposes to explore the transformations of the body, the thinking, the image and the view by examining: the (re)formation of the dancing body, the process of historicisation of the domain, the mutation of visuals stemming from transdisciplinary and transversal approaches, as well as the discipline’s democratisation which generates the (re)formation of the audience. This study deals with three main questions: Which body? Which dance? Who is dancing?Panoramic as well as monographic, this research develops a methodology which intends to raise awareness in favour of the multidimensional analysis of dance, as well as for the most adequate tools for the historiography of related works.