La présente étude vise à dégager les paramètres élémentaires d’une analyse phénoménologique de la danse. D’emblée, la pensée de Maurice Merleau-Ponty s’impose comme cadre privilégié pour révéler l’expérience vécue de cet art qui met en scène un savoir corporel complexe. À partir de sa théorie de la perception, dont découlent les phénomènes relatifs au corps moteur, à l’espace et à l’intersensorialité, notre étude aménage les contours d’une analyse existentielle du geste dansé. Ce faisant, nous nous heurtons à un constat : le phénomène de la danse se présente comme un élément perturbateur de la pensée merleau-pontienne. En effet, il incite à en questionner les aspects fondamentaux, voire à en constater certaines limites. Informée par les études de Rudolf Laban, instigateur de la « danse libre » allemande et par les celles des philosophes contemporains Maxine Sheets-Johnstone, Michel Bernard, Laurence Louppe et Renaud Barbaras, notre étude démontre en effet que la thèse merleau-pontienne de la perception empêche de cibler le travail kinesthésique du corps propre dans l’empire du « sentir » qui l’anime et de reconnaitre sa constitution profondément dynamique. Pour combler cette carence, nous invitons à une phénoménologie de la danse qui puisse embrasser sa nature poétique, la sensibilité créatrice qu’elle requiert et le travail sensible qu’elle habilite. Nous envisageons alors, avec le philosophe de la sensation Renaud Barbaras, de nous inspirer d’une heuristique aux traits vitalistes pour réhabiliter certaines notions battues en retraite par la tradition phénoménologique. En nous tournant vers les concepts de force, de désir, d’intensification, nous tentons de retrouver dans la logique de la sensation elle-même un dynamisme fondamental que l’expérience esthétique amplifie. La recherche nous montre que la danse est l’art qui, mieux que nul autre, rend compte de ce phénomène complexe. / In the present essay, we intend to establish and describe fundamental parameters apt to form the basis of a phenomenology of dance. The lived experience of this art, which flourishes via complex corporeal knowledge, can be approached through the Phenomenology of Perception of Maurice Merleau-Ponty. The latter’s phenomenology, from which derive recognizable behaviors linked to the moving body, space and intersensoriality, will guide us in outlining the existential elements of the dancing body. In pursuing our study of Merleau-Ponty, we will further show that the philosopher’s system proves incapable of sustaining the requirements intrinsic to the qualitative dimensions of dance. In fact, our study shows that Merleau-Ponty’s “body consciousness” is one that ontologically fails to reach the qualia that compose the dynamics specific to the movements of dance. Conversely, we adumbrate herein a phenomenology of dance forms that embraces its poetical nature, the creative sensibility that they require, and the sensuous “work” that they unfold.

Depuis ses débuts, l'anthropologie du tourisme a connu de profonds changements : d'abord dénonciateurs d'un phénomène jugé destructeur pour les cultures étudiées, les anthropologues ont peu à peu souligné que le tourisme pouvait aussi être un moyen de définir les identités locales et, pour les minorités politiques, de faire valoir certaines revendications. Comme d'autres phénomènes liés à la mondialisation, les pratiques touristiques sont ainsi traversées de tendances contradictoires, entre uniformisation et particularisation culturelle. Cette thèse propose de comprendre et d'expliquer comment les « performances touristiques » tongiennes et maori permettent de donner du sens à ces tensions pour des acteurs sociaux aux attentes et aux représentations diverses, voire contradictoires. Pour cela, il est nécessaire de comprendre les spécificités des performances touristiques, en tant que type d'action qui permet de délivrer des messages divers à des publics tout aussi divers (touristes et danseurs) par le recours à des moyens variés : langage, expérience corporelle et manipulation d'objets notamment. / Since its beginnings, the anthropology of tourism has undergone major changes : after having accused tourism of destroying cultural authenticity, anthropologists started to underline that tourism can be an empowering tool for minorities to assert their particular identities. Tourism, as other globalisation-related phenomena, is imbued with two opposite tendencies : cultural homogeneization one the one hand and reconstitution of indigenous cultures and traditions on the other. This thesis aims to understand and explain how Māori and Tongan tourist performances help social actors to make sense of, and cope with, those contradictory tendencies. In order to do that, it is necessary to understand what the particularities of tourist performances are and how, as sequences of specific events and actions, they can deliver different messages to different audiences by using a range of mediums such as body and verbal languages, corporeal and object-mediated actions.

Le vide existe-t-il ou n’est-il rien ? Est-il possible de répondre à la question de la nature de l’espace ? La thèse répond à ces problèmes en les abordant d’un point de vue inédit en philosophie, celui de la chorégraphie contemporaine. En effet, la chorégraphie a peu été perçue comme un art de l’espace. Pourtant danseurs et chorégraphes détiennent une expérience de l’espace qui nous permet une lecture critique de la philosophie. Tandis que le concept de vide a été accepté en Occident au prix de sa stricte application au domaine des sciences physiques, l’œuvre chorégraphique de Cunningham en particulier place le spectateur devant une perception paradoxale : le vide n’est rien mais le chorégraphe le rend visible. Dès lors, le caractère paradoxal de cette perception bouleverse les distinctions conceptuelles : comment la phénoménologie de Husserl pourrait-elle admettre qu’il existe une perception du vide ? Car s’il y a perception, c’est bien qu’il y a intuition de quelque chose ; mais en ce cas, ce quelque chose n’est pas du vide. En nous appuyant sur le Heidegger tardif, Maldiney, les philosophies de l’Extrême-Orient, il est apparu que le vide pouvait pourtant bien se décrire comme l’ouverture même de l’espace. Le rapport au corps s’avère alors décisif : tant qu’il conçoit le corps comme quelque chose qu’il a, le sujet perçoit l’espace comme celui de ses possibles. Au contraire, percevoir le vide implique une attitude de détachement. Nous participons d’un tout spatial et temporel dont la perception dépend aussi d’une conscience globale de nous-mêmes. Nous sommes corps et esprit, de même que le monde offre à notre regard son essentiel vide et son plein. / Does empty space exist or not? Could we answer the question of the nature of space? This thesis deals with these problems treating them from an original point of view, which is contemporary dance. Indeed choreography has not been so much studied as an art of space. However dancers and choreographers experienced the notion of space, this allowed us to bring a critical approach to philosophy. While the concept of emptiness was admitted in the Occident at the cost of its sole validity in Physics, Cunningham’s choreographic work in particular lead the public to a paradoxical perception: emptiness is nothing but the choreographer makes it visible. From then on, the paradoxical nature of this perception disrupted the conceptual distinctions: how could Husserl’s phenomenology admit that emptiness can be experienced ? If there is perception, it is because there is the intuition of something, but in this case it is not nothing. Focusing on the late Heidegger, Maldiney and the Far Eastern philosophies, it became clear that emptiness could yet be described as the very opening of space. Our relationship to our body proves then to be decisive: as long as we consider the body as something we own, we perceive space as a space in which we find a range of possibilities. On the contrary, to perceive emptiness implies a kind of detachment. We are part of a spatial and temporal all whose perception depends on our full awareness of ourselves. We are body and mind, as well as the world offers us to see its essential emptiness and fullness.

Dans cette étude, nous analysons les évolutions des modèles contemporains de féminité dans le cadre des débats sur l’identité de genre à travers l’étude de la danse orientale. Nous envisageons la danse orientale à la fois comme un terrain de confrontation, de partage et d’hybridation de différentes conceptions et vécus du corps et comme une possibilité d’exploration empirique et conceptuelle de différentes identités de genre, culturelles et esthétiques. Ce sujet d’étude nous permet de réfléchir sur l’imaginaire du ventre féminin comme symbole genré, depuis les Orientalistes jusqu’à la pratique d’aujourd’hui dans les cours de danse parisiens. Le corps dansant et ses ressentis ont été traités comme les moyens expressifs à partir desquels structurer notre réflexion incarnée sur le féminin. Une enquête de terrain dans le milieu des cours de danse parisiens actuels nous a permis d’analyser les formes de partage culturel qui s’y produisent. Cela a mis en lumière les changements que la pratique de cette danse produit dans les relations des femmes à leur intimité physique et sexuée et les influences occidentales des hybridations multiples de cette danse avec d’autres styles de danse. Dans le milieu de cours de danse orientale, les femmes qui la pratiquent sont amenées à expérimenter dans des espaces clos et exclusivement féminins la stratification de conceptions traditionnelles du corps et de différents systèmes philosophiques et esthétiques. La danse orientale modifie-t-elle donc en Occident les catégories et les formes du corps désirable ? Qu’est-ce que les femmes recherchent dans cette pratique aujourd’hui ? / This study traces the evolution of contemporary models of femininity in virtue of the mindset and self-perception of contemporary French women. My work focuses on the practice of oriental dance with respect to the question of gender identity. I intend to look at oriental dance as the catalyst of cultural confrontation and hybridization of Eastern and Western concepts of the body. Because this dance is primarily designed for women, I consider it an empirical vehicle for exploring issues of gender identity (notions of what is female, feminine, and femininity) through the investigation of the belly and the pelvis. Incorporating a qualitative survey among women practicing oriental dance today in Paris, my work seeks to understand how this dance influences the relationship a women has with her body and intimate self as well as how the Western outlook has altered and influenced oriental dance. What do contemporary dancing bodies in Paris share between themselves in the practice of this dance? How does oriental dance influence or become altered by the predominant dance forms in French culture? How do these different aesthetic concepts of the female body influence each other through Oriental dance, and how does this dance form modify the idea of what is the desirable female body? What are women searching for through the practice of Oriental dance today?

Cette recherche s’intéresse au travail de yoga, tel qu’il est enseigné à des adultes amateurs dans le cadre de l’enseignement de la danse contemporaine de Toni D’Amelio, à l’école Peter Goss (Paris 10e). C’est la nature de l’expérience corporelle vécue par les élèves ainsi que les modalités de sa construction qui font l’objet de cette analyse. Ancrée dans une approche anthropologique, elle se caractérise par l’utilisation de la technique de l’entretien d’explicitation – méthodologie inédite dans la recherche en danse – pour interroger l’expérience subjective des acteurs.Les propos des élèves ont fait émerger le rôle central des consignes, ainsi que la manière dont ce travail de yoga s’articule autour d’un « dispositif savant », qui cristallise pour les élèves l’idée d’un savoir adéquat. Or, ce dispositif s’est avéré insuffisant pour expliquer la nature de l’expérience corporelle qu’il produit. L’étude met ainsi en évidence la manière dont ce dispositif est concrètement mis en œuvre et dont les consignes fonctionnent, dans la pratique, comme « embrayeurs d’action et de perception ». Enfin, l’analyse montre comment la parole de l’enseignante, à l’insu pour ainsi dire des élèves et d’elle-même, crée un véritable enchantement du dispositif. / This research focuses on the work of yoga, as taught to amateur adult pupils in the context of the contemporary dance teaching of Toni D’Amelio, at the Peter Goss school in Paris. It is the nature of this corporeal experience as lived by the pupils, as well as the modes of its construction, which form the subject of this analysis. Grounded in an anthropological approach, this analysis is characterized by the use of the explicitation interview to investigate the subjective experience of the pupils.The central role of the teacher’s instructions emerged from the pupils’ own words, as well as the way this yoga work is articulated around a scholarly “apparatus”, which crystallizes for the pupils the idea of an adequate knowledge. However, this “apparatus” proved insufficient to explain the nature of the corporeal experience it produces. The study thus underscores the way this “apparatus” is brought into play and the way the instructions function as triggers for action and perception. Finally, this analysis demonstrates how the speech act of the teacher, without either the pupils’ or her own knowledge, creates a real enchantment of the “apparatus”.

Les trois ballets grecs de Stravinsky et de Balanchine s’unissent autour de l’agonisme − qui trouve son origine dans l’agôn, en grec « lutte » − que nous définissons comme étant la conciliation entre l’apollinien et le dionysiaque. Nous tentons de montrer comment le ballet manifeste la recherche d’un équilibre entre les qualités apollinienne et dionysiaque, essence même de la trilogie, par sa représentation et sa dramaturgie. Nous proposons pour cela une méthodologie afin d’étudier la coexistence des arts. Un mémoire sur les écritures du mouvement est joint à la thèse. Il part d’une réflexion menée sur les supports matériels qui conduisent au ballet – enregistrements vidéo, DVD, dessins, photographies, captures d’écran, dessins, partitions chorégraphiques, initiées dans ce travail. En dégageant la signification profonde de la trilogie, nous en proposons une interprétation et une production nouvelles. / Les trois ballets grecs de Stravinsky et de Balanchine s’unissent autour de l’agonisme − qui trouve son origine dans l’agôn, en grec « lutte » − que nous définissons comme étant la conciliation entre l’apollinien et le dionysiaque. Nous tentons de montrer comment le ballet manifeste la recherche d’un équilibre entre les qualités apollinienne et dionysiaque, essence même de la trilogie, par sa représentation et sa dramaturgie. Nous proposons pour cela une méthodologie afin d’étudier la coexistence des arts. Un mémoire sur les écritures du mouvement est joint à la thèse. Il part d’une réflexion menée sur les supports matériels qui conduisent au ballet – enregistrements vidéo, DVD, dessins, photographies, captures d’écran, dessins, partitions chorégraphiques, initiées dans ce travail. En dégageant la signification profonde de la trilogie, nous en proposons une interprétation et une production nouvelles.

Cette thèse propose de s’intéresser aux tensions entre la société occidentale contemporaine et le phénomène social, musical et dansant qu’est le rave. Plus spécifiquement, elle s’intéresse aux acteurs, enjeux et dynamiques de ce qui sera appelé le « conflit rave-o-lutionnaire ». Pour mener à bien cette exploration - qui, par défaut, devient une intervention vers sa pacification -, elle part d’une simple mais riche réflexion menée récemment par le théoricien des peace studies Wolfgang Dietrich : un conflit – ses acteurs, enjeux, dynamiques – ne se comprend qu’en comparant les « images » de la paix qui y flottent. Si l’image moderne et l’image morale, offertes en ouverture, sont les plus connues, permettant au lecteur de se faire une idée de l’histoire du conflit et de sa trame dramatique, leur position polémique, pour qui tient à l’apaisement, ne peuvent être suffisantes. Le « conflit » ne peut être seulement qu’une opposition, au nom de la « sécurité », entre l’hégémonie néo-libérale et ses « résistants », ni être une lutte, au nom de la « justice », entre les tenants de l’individualisme et les tenants de la communauté. Ce n’est que dans l’image post-moderne, développée avec les outils post-structuralistes, que la thèse s’accélère, brouille les pôles et offre, en termes musicaux, un « breakthrough ». Le « conflit » y apparaît être une infinité de polémiques spatialisées, incluant les ravers eux-mêmes, quant à la « vérité sur l’harmonie ». Le dernier mouvement termine l’exploration avec une réconciliation. Par l’image trans-rationnelle, élaborée par Dietrich et adaptée avec la sphérologie de Peter Sloterdijk, la thèse révèle l’ambition, des deux côtés, de supporter la si fragile et si atmosphérique expérience de l’harmonie. Le « conflit » se présente, à son fondement, comme une affaire de gestion climatique qui, nécessairement, sera localisée et ponctuelle.

Cette étude retrace, à partir des archives des danseurs et chorégraphes ainsi que des institutions culturelles et politiques, l’évolution de l’espace de la danse en roumanie dès sa création dans les années 1920 jusqu’à la chute du régime communiste en 1989 et interroge, à travers une approche socio-historique, le lien complexe entre danse et politique qui caractérise la configuration du champ chorégraphique roumain au vingtième siècle. / Starting from archives of dancers, choreographers, cultural and political institutions, this study shapes the history of the romanian field of dance since its creation in the early 1920s until the end of the communist regime in 1989. its main focus is an analysis of the complex connection between dance and politics that defines the romanian world of dance during the twentieth century.

Ce travail a pour objectif de mettre en évidence les effets de la simulation mentale guidée sur l’apprentissage, sur la performance et sur l’image du mouvement en danse. Dans la revue de littérature, nous présentons les principales théories de l’apprentissage cognitif et socio-cognitif, ainsi que les mises en œuvre des méthodes d’apprentissage issues de ces deux champs théoriques. Puis, à partir des spécificités de la danse « didactisée », des transformations visées en milieu scolaire et universitaire, et de la place des images mentales en danse, nous envisageons la simulation mentale guidée par des consignes rythmiques, motrices et métaphoriques. Nous présentons ensuite une étude préliminaire visant la construction d'outils d'évaluation de la performance en danse, ainsi que deux études expérimentales menées auprès de sujets adultes novices portant sur l'apprentissage lors de tâches de reproduction de forme et d'improvisation-composition. Les résultats dans ce qu'ils ont d'essentiel montrent (1) que la simulation mentale est une méthode d'apprentissage plus efficace que l'observation à partir du moment où elle est guidée, (2) que les consignes rythmiques sont fondamentales dans l'apprentissage en danse parce qu'elles permettent d'organiser et de structurer le mouvement, (3) que les consignes métaphoriques apparaissent particulièrement adaptées à la dimension expressive et artistique de la danse. Dans leur ensemble, ces résultats soulignent l'importance de guider la simulation mentale à l'aide de consignes pour s'assurer de son efficacité dans l'apprentissage. / This study aims to highlight the effects of mental simulation of guided learning, performance and image of the movement in dance. In the literature review, we present the main theories of cognitive and socio-cognitive, and implementations of learning methods from these two theoretical fields. Then, from the specifics of the dance "didactical" transformations referred by schools and universities, and the place of mental images in dance, we consider the mental simulation guided by rhythmic and metaphorical instructions. Afterwards, we present a preliminary study for the tool construction for assessing performance in dance, and two experimental studies conducted with novice adult subjects on learning tasks during reproduction of form and improvisation-composition. The results in their essence show (1) that mental simulation is a more effective method of learning than observation, from the moment it is guided 2) that the rhythmic instructions are fundamental in dance learning because they help to organize and structure the movement, (3) that the metaphorical instructions seem particularly suited to the expressive and artistic dimensions of dancing. Taken together, these findings emphasize the importance of guided mental simulation with instructions to ensure its effectiveness in learning.

A partir de la définition de l’autisme par F. Deligny comme le modèle d’une existence anonyme et non assujettie, nous avons tenté de saisir les concepts inventés par l’éducateur, permettant de décrire le mode d’existence autistique. Si notre approche est essentiellement philosophique, elle s’appuie néanmoins sur une pratique en institution, en répondant aux trois axes principaux qui fondent notre être-au-monde : quel est le rapport à l’espace et au temps de l’autiste ? Quel rapport a-t-il avec lui-même et autrui ? Quel rapport a-t-il avec son corps ? Quel type de raisonnement et de comportement met-il en place face au monde environnant et aux sensations qu’il éprouve ? Ainsi, à partir de la clinique, mais également de témoignages écrits de personnes autistes, essentiellement atteintes du syndrome d’Asperger, nous avons tenté de répondre à ces questions. A partir de deux approches phénoménologiques qui se complètent (F. Deligny et H. Maldiney) et d’une approche anthropologique (B. Latour) et esthétique (G. Deleuze, mais surtout le corps dans la danse), l’étude de la façon d’être-au-monde de l’autiste met en évidence des éléments existentiels et anthropologiques, qualifiant l’existence de tout humain. / From F. Deligny’s definition of autism as the model of an anonymous form of existence, not subjected, we have attempted to roll out the concepts invented by the educator to describe the autistic people’s way of living. If our approach is mainly a philosophical one, it feeds from clinical practicing, and try to answer to the three main axes of our way of being in the world : what is his relationship with space and time ? Which is his relationship to himself and the other ? What is his relationship to his body ? Which type of reasoning and behaving does he build facing the surrounding world and the feelings he gets from outside ? Based on a clinical approach, but on written testimonies of autistic people too, suffering from Asperger’s syndrome, we have attempted to answer to these questions. From two phenomenological approaches that complete each other (F. Deligny and H. Maldiney), from an anthropologic one (B. Latour) and an aesthetic one (G. Deleuze, but mainly the body in the dance), studying the way of being in the world of the autistic person shows the existential and anthropological concepts that qualify the existence of any human being.