Cette thèse propose de s’intéresser aux tensions entre la société occidentale contemporaine et le phénomène social, musical et dansant qu’est le rave. Plus spécifiquement, elle s’intéresse aux acteurs, enjeux et dynamiques de ce qui sera appelé le « conflit rave-o-lutionnaire ». Pour mener à bien cette exploration - qui, par défaut, devient une intervention vers sa pacification -, elle part d’une simple mais riche réflexion menée récemment par le théoricien des peace studies Wolfgang Dietrich : un conflit – ses acteurs, enjeux, dynamiques – ne se comprend qu’en comparant les « images » de la paix qui y flottent. Si l’image moderne et l’image morale, offertes en ouverture, sont les plus connues, permettant au lecteur de se faire une idée de l’histoire du conflit et de sa trame dramatique, leur position polémique, pour qui tient à l’apaisement, ne peuvent être suffisantes. Le « conflit » ne peut être seulement qu’une opposition, au nom de la « sécurité », entre l’hégémonie néo-libérale et ses « résistants », ni être une lutte, au nom de la « justice », entre les tenants de l’individualisme et les tenants de la communauté. Ce n’est que dans l’image post-moderne, développée avec les outils post-structuralistes, que la thèse s’accélère, brouille les pôles et offre, en termes musicaux, un « breakthrough ». Le « conflit » y apparaît être une infinité de polémiques spatialisées, incluant les ravers eux-mêmes, quant à la « vérité sur l’harmonie ». Le dernier mouvement termine l’exploration avec une réconciliation. Par l’image trans-rationnelle, élaborée par Dietrich et adaptée avec la sphérologie de Peter Sloterdijk, la thèse révèle l’ambition, des deux côtés, de supporter la si fragile et si atmosphérique expérience de l’harmonie. Le « conflit » se présente, à son fondement, comme une affaire de gestion climatique qui, nécessairement, sera localisée et ponctuelle.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

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Expressions culturelles en vogue parmi les jeunes adultes (25-35 ans) issus des milieux privilégiés, la haute gastronomie à base péruvienne et les fêtes de musique électronique se sont fait rapidement une place centrale dans l’offre de loisirs culturels de la ville de Lima. L’analyse de la construction sociale du prestige autour de ces activités mondialisées révèle que, bien que la valeur accordée à ces pratiques puisse être éphémère dans la mesure où il s’agit de champs culturels traversés par des effets de mode, elle est pourtant fondée sur des mécanismes de distinction sociale faisant appel à des significations profondément enracinées dans la société péruvienne. Une immersion dans ces milieux « exclusifs « et « branchés « montre que ces mécanismes, très subtiles et fortement articulés à des logiques marchandes, véhiculent des valeurs et des attitudes contribuant à la construction (ou reconstruction) de la « culture bourgeoise liménienne » / Popular cultural expressions among young adults (25-35 years old) from privileged social groups, Peruvian-based high gastronomy and electronic music parties have quickly obtained a central place in the offer of cultural leisure activities of the city of Lima. The analysis of the social construction of reputation around these globalized activities reveals that, although the value granted to these practices may be short-lived as far as it is about cultural fields crossed by fashion effects, it is nevertheless founded on mechanisms of social distinction appealing to meanings firmly implanted in the Peruvian society. An immersion in these « exclusive » and « trendy » circles demonstrates that these mechanisms, very subtle and strongly articulated with trade logics, convey values and attitudes contributing to the construction (or reconstruction) of « Lima’s bourgeois culture ».

Depuis les années 80, le développement rapide des nouvelles technologies microélectroniques a donné naissance à une nouvelle génération d’oeuvres d’art musicales. Souvent, ces oeuvres profitent d’une approche analytique provenant de la théorie des médias. En même temps, de nouveaux courants dans la philosophie ainsi que dans les études culturelles ont engendré une nouvelle notion de genre (anglais : gender), qui vient s’établir dans la musicologie anglo-américaine et, de manière plus conscrite, dans la musicologie allemande ; jusqu’ici, elle ne s’établit guère dans la musicologie française. Cette thèse entreprend une investigation théorique d’oeuvres d’art électroniques, tout en utilisant la notion de gender : gender + electronic = gendertronics. Pour cette investigation, des notions sont employées dérivant de la lecture féminine : une approche pluridisciplinaire associée à l’écriture féminine d’Hélène Cixous (* 1937), écrivain et théoricienne poststructuraliste. Puisque ni la lecture féminine ni la théorie des médias ne prend en compte des éléments musicaux, cette investigation incorpore également des aspects de l’analyse musicale. Trois artistes sont considérées : Gerhard Stäbler (*1943), Terre Thaemlitz (*1968) et Miss Kittin (*1973). L’investigation trace le développement des notions de « sujet » et de « matériau musical » depuis la théorie poststructuraliste et la musique contemporaine jusqu’à des notions philosophiques émergentes du « corps ». Une considération particulière est le genre musical electronica, repérant ses antécédents dans la musique électronique expérimentale en Europe du vingtième siècle et dans les musiques populaires de danse aux Etats-Unis dans les années 80 et 90. L’investigation cherche à joindre les recherches récentes dans ces domaines. Elle ouvre de nouvelles pistes et propose des nouveaux outils pour explorer plus profondément le domaine émergent des gendertronics / Since the 1980s, rapid development of new micro-electronic technologies has spawned a new generation of musical art works employing electronic means. These artworks are often theoretically approached using media theory. Contemporaneously, new developments in philosophy and in cultural studies have given rise to the new notion of gender, which has since found its way into Anglo-American musicological and, to a more limited degree, into German musicology, though not at all into French. The present work undertakes a gendered theoretical investigation of electronic art works – gender + electronics = ‘gendertronics’. For the investigation, notions stemming from lecture féminine are employed, a pluralistic reading approach associated with écriture féminine of the poststructuralist theorist/writer Hélène Cixous (born 1937). Since neither lecture féminine nor abovementioned media theory takes musical elements into account, this investigation also draws on music analysis. Aspects of the works of three artists are considered: Gerhard Stäbler (born 1943), Terre Thaemlitz (born 1968), and DJ Miss Kittin (born 1973). The investigation traces the development of the topics ‘Subject’ and ‘musical material’ from poststructuralist and New Music theory of the 20th century to emerging new philosophical notions of the body. Particular attention is given to the development of the musical genre ‘electronica’, tracing its antecedents from European experimental electronic music of the 20th century and from American popular dance music of the 80s and 90s; subgenres treated include rave, glitch, clicks-and-cuts, electroclash, techno, electro, ambient, and house. The investigation complements recent research addressing lacunae in these areas and offers new paths and tools for future investigation in the emerging area of gendertronics

Les moyens technologiques de la musique électronique reconfigurent les pratiques musicales. Du fait des procédures de computation et d’automation inhérentes aux machines qui médiatisent le phénomène sonore, ces moyens ont notamment la particularité d’introduire une rupture dans le rapport causal entre le geste instrumental et le son produit. Que signifie alors jouer de la musique électronique ? Comment comprendre ici les concepts de geste et d’instrument de musique qui sont traditionnellement mobilisés pour analyser les pratiques musicales ?Pour répondre à ces questions, nous avons mené entre 2010 et 2016 un travail de terrain auprès de musiciens professionnels dans des contextes musicaux variés : musique savante avec électronique en temps réel, performance audiovisuelle et musique électronique populaire. Cette approche, focalisée sur l’instrument, permet de questionner la matérialité des pratiques électroniques en la plaçant au premier plan, par-delà les esthétiques musicales. Ce travail consiste donc en une « enquête organologique » sur les pratiques des musiciens ou des groupes suivants : Robert Henke, Alex Augier, Brain Damage, High Tone, Pierre Jodlowski, Jesper Nordin, John MacCallum et Teoma Naccarato, Nicolas Mondon, Greg Beller et le collectif Unmapped. La méthode ethnographique permet de circonscrire l’usage particulier des technologies musicales à différents moments du processus de création : conceptualisation de l’œuvre, collaboration technique, réalisation artistique et performance scénique. À partir de l’analyse de l’activité musicale au prisme des configurations instrumentales, nous proposons une typologie des instruments électroniques dont le critère de classification est le geste, unique résidu du modèle acoustique de l’interaction instrumentale. L’activité corporelle permet donc d’ordonner la diversité matérielle des technologies musicales en même temps qu’elle constitue un vecteur stratégique d’expression de l’interaction instrumentale. / Technological means of electronic music reconfigure musical practices. Because of the machines’ computation and automation capacities that mediate the sonic phenomenon, the causal relationship between instrumental gesture and sound is altered. Therefore, what does it mean to play electronic music? The concepts of gesture and musical instrument are traditionally employed for the analysis of musical practices, but how should they be understood in this context? To address these issues, we conducted an extensive fieldwork between 2010 and 2016 with professional musicians in various contexts: art music with real-time electronics, audiovisual performance, and popular electronic music. Our instrument-focused approach allows us to consider the materiality of electronic music itself, beyond aesthetics. Thus, this work is an “organological inquiry” on the following musicians or bands: Robert Henke, Alex Augier, Brain Damage, High Tone, Pierre Jodlowski, Jesper Nordin, John MacCallum and Teoma Naccarato, Nicolas Mondon, Greg Beller, and the Unmapped collective. The ethnographic method sheds a light on the use of music technologies at different stages of the creative process: conceptualization of the work, technical collaboration, the making of the music and its performance. From this analysis of musical activity captured through instrumental configurations, we offer a typology of electronic music instruments, based on a gestural criterion, which is the only residual aspect of the acoustic instrumental interaction model. The corporeal activity leads to organise the material diversity of music technologies, as well as it constitutes a strategic way to express instrumental interaction.