En cette époque de profonds bouleversements environnementaux, les motifs invoqués par la communauté internationale en vue de protéger la nature sont multiples. Si la préservation de la biodiversité est souvent mise à l’avant-plan, les préoccupations témoignent également d’une sensibilité omniprésente à la beauté des paysages. Cette thèse étudie donc le rôle de l’appréciation esthétique de la nature dans la désignation internationale d’aires protégées. Elle emploie pour cela l’exemple de la Convention concernant la protection du patrimoine mondial, culturel et naturel, adoptée en 1972 par l’UNESCO. Les préceptes de cet instrument de conservation de portée globale admettent l’importance de sauvegarder la beauté du monde naturel, sans toutefois prescrire de moyens clairs pour identifier et sélectionner les sites méritant protection à ce titre. Face à ce flou méthodologique, la thèse examine les facteurs historiques, structurels et techniques qui façonnent, de façon relativement implicite et spontanée, l’inscription d’aires naturelles d’une beauté exceptionnelle sur la Liste du patrimoine mondial. La thèse est constituée de six chapitres. Le premier chapitre introduit le problème et la question de recherche. La revue de la littérature pose ensuite les bases contextuelles et théoriques de la recherche en explorant différents facteurs historiques et philosophiques d’appréciation de la nature. Le troisième chapitre expose la méthodologie qualitative et historique employée dans la thèse. Il est suivi d’un chapitre qui retrace l’origine des préoccupations esthétiques qui ont été intégrées à la Convention du patrimoine mondial lors de sa création, avant de détailler le développement et l’application de ces idées durant les cinq décennies de sa mise en œuvre. Le cinquième chapitre est quant à lui dédié à l’étude spécifique de l’application du critère de sélection (vii), qui prévoit la reconnaissance « […] d’aires d'une beauté naturelle et d'une importance esthétique exceptionnelles ». Finalement, la conclusion renferme une synthèse et une discussion des résultats, appelant à une reconsidération de la valeur esthétique de la nature à travers une meilleure prise en compte de ses dimensions humaine et sociale. Elle aborde également la contribution et les limites de la thèse et suggère des pistes de recherches ultérieures. Les résultats de la recherche brossent un portrait précis des enjeux théoriques et pratiques qui caractérisent l’interprétation de la valeur esthétique des espaces naturels dans le cadre du patrimoine mondial. Celle-ci s’avère largement influencée par la séparation conceptuelle et disciplinaire entre culture et nature ainsi que par le paradigme scientifique, objectiviste et universaliste qui prédominent au sein de la Convention de 1972. Réalisée sans assise théorique claire, l’évaluation de la beauté naturelle est vulnérable aux jugements subjectifs et aux incohérences. Pour y conférer plus de structure et de rigueur, la thèse appelle à une meilleure prise en compte du rôle de la perspective humaine et des facteurs socioculturels dans la construction de la valeur esthétique de la nature. / In this era of substantial environmental disruption, incentives given by the international community to protect nature are many. While the preservation of biodiversity is often at the forefront, preoccupations also show an enduring sensitivity to scenic beauty. This thesis therefore examines the role of the aesthetic appreciation of nature in the international designation of protected areas, through the example of the 1972 UNESCO Convention concerning the Protection of the World Cultural and Natural Heritage. The principles of this global conservation instrument recognize the importance of safeguarding the beauty of the natural world, but do not prescribe clear means for identifying and selecting sites deserving protection as such. In the face of this methodological uncertainty, this thesis examines the historical, structural, and technical factors that shape, in a relatively implicit and spontaneous way, the inscription of natural areas of outstanding beauty on the World Heritage List. The thesis consists of six chapters. The first chapter introduces the problem and research question. The literature review then sets the contextual and theoretical basis for the research by exploring various historical and philosophical factors of nature appreciation. The third chapter outlines the qualitative and historical methodology used in the thesis. This is followed by a chapter tracing the origin of the aesthetic concerns that were incorporated into the World Heritage Convention at its inception, before detailing the development and application of these ideas over the five decades of its implementation. The fifth chapter is dedicated to the specific study of the application of selection criterion (vii), which provides for the designation of "...areas of outstanding natural beauty and aesthetic importance". Finally, the conclusion contains a synthesis and discussion of the results, calling for a rethinking of the aesthetic value of nature through a better consideration of its human and social dimensions. It also addresses the contribution and limitations of the thesis, and suggests avenues for further research. The results of the research provide a clear picture of the theoretical and practical issues that characterize the interpretation of the aesthetic value of natural areas in the context of World Heritage. This interpretation is largely influenced by the conceptual and disciplinary separation between culture and nature, as well as by the scientific, objectivist and universalist paradigm that prevail in the 1972 Convention. Carried out without a clear theoretical foundation, the assessment of natural beauty is vulnerable to subjective judgments and inconsistencies. To provide more structure and rigor, this thesis calls for a better consideration of the role of the human perspective in constructing the aesthetic value of nature.

De tout temps, plusieurs groupes sociaux ont tenté de subordonner la question de l’art, des artistes et de leurs œuvres à des impératifs idéologiques et des valeurs propres à leur époque, reconfigurant ainsi la place sociale de l’art et sa portée symbolique. De nos jours, certaines idéologies travailleraient à inscrire la valeur des formes sociales de l’art, mais également du savoir et de la connaissance, à l’émergence d’une économie dite créative et de ses logiques de marché. Depuis la Commission d’enquête sur l’enseignement des arts et la publication du rapport Rioux en 1968, la constitutionnalité d’un rapport esthétique au monde se développe essentiellement dans un cadre scolaire. Par l’entremise d’une quinzaine d’entrevues auprès d’enseignants en arts plastiques (AP), notre mémoire vise à investiguer sous quelles modalités se construit un rapport esthétique au monde chez les élèves des écoles secondaires du Québec. Pour ce faire, nous nous sommes particulièrement intéressés aux modalités sociales de la configuration des savoirs artistiques dans le programme des AP et à leur transmission par l’établissement de relations pédagogiques entre l’enseignant et les élèves. L’analyse de nos résultats nous a permis de constater que malgré une explicitation égalitaire de la distribution d’une connaissance de l’art envers tous les élèves, les enseignants effectuaient une différenciation implicite des capacités esthétiques des élèves, modulant en ce sens leurs interventions en classe. Deux modèles pédagogiques fondés sur cette catégorisation des élèves par les enseignants ont été relevés : un modèle basé sur la performance et un autre sur la compétence, affectant le développement d’une valeur cognitive chez les élèves et l’élargissement de leur champ des possibles. Conséquemment, il pourrait être avantageux d’instituer le cours d’AP sous une valeur formative du plaisir par la création, rejoignant ainsi une valeur poétisante de l’art, au détriment de la survalorisation de la valeur sommative des apprentissages artistiques en vue du développement de la valeur scolaire des élèves et ultimement, de leur valeur économique. / At any time, several social groups have tried to enforce the question of art, artists and their works to ideological imperatives and values specific to their time, thus reconfiguring the art’s social place and symbolic significance. Nowadays, certain ideologies work to limit the value of the social forms of the art, but also of the knowledge, to the emergence of a so-called creative economy and its logic of the market. Since the Commission of inquiry on arts education and the publication of the Rioux report in 1968, the foundation of an aesthetic relationship to the world develops essentially in school. Using fifteen interviews with visual arts teachers, our work aims to investigate the ways in which an aesthetic relationship to the world is formed among students in Quebec high schools. To do so, we were particularly interested in the social modalities of the configuration of artistic knowledge in the visual arts program and in their transmission through the pedagogical relationships between the teacher and the students. Our analysis showed that despite an egalitarian description of the distribution of the knowledge of art towards all the students, the teachers carried out an implicit differentiation of the aesthetic capacities of the students, which modulated their interventions in class. Two pedagogical models, based on this categorization of students by teachers, were identified: a performance-based model and a competency-based model. These are affecting the development of cognitive value in students and the expansion of their range of social possibilities. Therefore, it could be beneficial to institute the visual arts course under the formative value of pleasure through creation, thus reaching a poetizing value of art. This would prevent the overvaluation of the summative value of the artistic learning of the student, of the development of their academic value and ultimately, of their economic value.

Fondé aux États-Unis fin 2012 par Malcolm Jarry et Lucien Greaves et se voyant comme une évolution de l’Église de Satan, groupe fondé par Anton LaVey en 1966, le Temple Satanique est à la croisée entre satanisme, sécularisme et religion non-théiste, en plus de s’appuyer sur un activisme politique explicite en faveur de la séparation entre Églises et État. Il s’appuie sur une lecture non-théiste de la figure de Satan comme symbole de libre-pensée et de compassion, inspirée notamment des lectures romantiques et de La Révolte des anges (1914) d’Anatole France. En se positionnant comme religion dans la sphère publique, l’organisation souhaite contrer l’hégémonie du christianisme et assurer le respect d’un réel pluralisme religieux, qui prendrait en compte les récentes mutations démographiques et culturelles américaines. Cette thèse emploie une approche interdisciplinaire. Sur le plan théorique, elle analyse ce groupe se disant religieux à l’aide de l’histoire des idées ainsi que d’une analyse sociologique, politique et médiatique. Elle met en œuvre une méthodologie qualitative et quantitative, documentant plusieurs aspects du groupe à l’aide d’entretiens et d’un questionnaire qualitatif en ligne. Les principales innovations de cette thèse sont les suivantes. Nous analysons le Temple Satanique comme un mouvement social mettant en avant le concept de communauté, et nous situons l’organisation dans un paradigme ultramoderne (concept de Jean-Paul Willaime), selon lequel un certain nombre de sous-cultures sont générées, cherchant à créer des ressources de sens. Ces sous-cultures émergent comme des systèmes de sens identitaires et politiques s’alimentant à des sources mythiques et esthétiques pour élaborer du sens, puisant largement dans les domaines religieux et spirituels. Il s’agit d’un laboratoire d’étude de la complexification du milieu séculariste et de ses profondes divisions, ainsi que du satanisme moderne et contemporain. Sa particularité est de proposer un satanisme politique rationaliste. Notre recherche se situe au croisement de trois champs d’études : celui des nouveaux mouvements religieux, celui du satanisme et de l’ésotérisme, ainsi que celui de la religion digitale. Cette religiosité, largement diffusée sur Internet, redéfinit les cadres institutionnels et de croyances, les adeptes ayant accès à des ressources presque illimitées, informant un mode du croire caractérisé par son individualité et sa méfiance institutionnelle, mettant en exergue une tension constante entre individualité et communauté. Par ses procédés ultramodernes, le groupe se pose en contre-mythe, afin de questionner l’héritage chrétien américain revendiqué par la Droite chrétienne comme une religion civile. En effet, par l’usage du symbole de Satan, l’organisation met en tension l’identité nationale américaine en posant la question de l’intégration des populations non-chrétiennes au sein d’un cadre culturel fortement imprégné de christianisme. Le Temple Satanique pose ainsi la question de l’intégration des communautés marginalisées, comme les athées, ou la population des sans-religion, dans la sphère publique, à l’heure où elles deviennent des forces politiques potentielles. C’est sans doute pour cette raison qu’il compte déjà des antennes dans d’autres pays. Le Temple essaye de dépasser l’aporie entre religion et mode de vie séculariste, en mettant en avant une religion non-théiste s’appuyant sur des valeurs partagées au sein d’une communauté. / Founded in the US by Malcolm Jarry and Lucien Greaves at the very end of the year 2012 and thought as an evolution of The Church of Satan, the first satanic organization created by Anton LaVey in 1966, The Satanic Temple is both a non-theistic religion, a secularist group and a satanic group fighting for the strict separation of Church and State. Drawing especially on romantic and Anatole France’s Revolt of the Angels (1914) readings of Satan as an embodiment of freedom, justice and science, The Satanic Temple uses its position as a religion in the public sphere to denounce what is considers the marks of Christian hegemony within public institutions or places, and stands for other discriminated groups by defending a respectful and inclusive religious pluralism for all faiths, and taking into account the recent cultural and demographic changes in the US. This dissertation uses an interdisciplinary approach. In order to analyze this aspiring religious group, it combines a sociological analysis, the study of history of ideas as well as political and media studies. It also uses a quantitative and qualitative methodology to understand several dimensions of the group, with interviews and an online survey. The main innovations of the dissertation are the following. The Satanic Temple is a social movement building a community of like-minded people and transforming the concept of religion. I consider it a direct result of the ultramodern paradigm described by Jean-Paul Willaime that gives birth to a number of subcultural movements that struggle to create sense for their members. I analyze these subcultural movements as political meaning systems creating a sense of identity. They draw on mythical and aesthetical sources to create meaning by using religious and spiritual resources. This paradigm enables us to analyze the increasingly complex secular milieu and its divisions, as well as the evolution of modern and contemporary Satanism. Political rationalist Satanism is one of its new developments. Our research stands at the crossroad of three areas of studies: new religious movements studies, esoteric and satanic studies, and digital religion studies. I shall analyze the individualization of religious beliefs on the Internet, and the growing mistrust towards institutions or the process of formalization, perceived as threats to the unlimited religious resources offered by digital platforms. The tension between individuality and community is constantly at stake for a group such as The Satanic Temple. As an ultramodern movement, The Satanic Temple takes the stance as a counter-myth in order to question the Christian legacy of the country claimed by movements, such as the Christian Right, that want to turn it into the one and only possible civil religion. Indeed, The Satanic Temple aims at raising the question of the integration of non-Christians as respectful and respected citizens within the public sphere, thus negotiating the tensions at the core of the American national identity and of its civil religion, both heavily influenced by Christianity, with the help of Satan’s symbol. The rise of the « nones » as a new political force also raises the issue of their integration, as The Satanic Temple asks the tough question of taking into account marginalized communities that want their voice to be heard in a changing public sphere. Despite being primarily US-based, the organization has chapters in other countries such as Canada, and in Europe.

Cette recherche s’intéresse à l’interrelation entre l’expérience de l’art public et celle du paysage. Elle se penche sur l’art public utilitaire, plus précisément sur le cas de quatre œuvres-banc situées dans le Parc linéaire de la rivière Saint-Charles, à Québec. La position assise suggérée par ces productions artistiques occasionne un contact sensoriel direct avec l’œuvre, mais surtout, elle orchestre un retournement du regard vers le paysage selon une posture et un angle de vue définis. L’activation de la fonction de banc par l’action de s’y asseoir, ou du moins la compréhension de cette possibilité d’usage, donne alors accès à une expérience du paysage environnant qui, loin d’être fortuite, fait partie intégrante de l’œuvre-banc. Cette étude analyse ainsi les œuvres-banc afin de mieux comprendre comment elles sont reçues par le public, mais également comment elles participent à l’expérience paysagère. Les réponses obtenues à la suite d’un questionnaire en ligne ont permis d’évaluer les différents aspects de la compréhension et de l’exploration de la fonction de banc des œuvres, selon une grille d’analyse conçue en adaptant certains postulats de la théorie des affordances de Gibson (1979; 2014), de la matrice de préférences de Kaplan & Kaplan (1989a, 1989b) et du modèle environnemental de Carlson (1979) aux enjeux de la recherche. Les données cumulées et traitées ont ensuite permis de démontrer que les œuvres-banc participent à une expérience paysagère de qualité. Cette contribution est principalement liée à la position assise suggérée par l’œuvre, elle qui invite les usagers du parc à s’immerger dans la scène tout en offrant une perception multisensorielle du paysage. En somme, cette recherche a fait émerger des constats sur l’apport des œuvres d’art à l’aménagement de l’espace public et à la qualité de l’expérience vécue par les citadins, deux volets sous-explorés de la recherche en art public. / This research questions the relationship between the experience of public art and that of the landscape. It focuses on utilitarian public art, more specifically on the case of four artistic benches located in the Saint-Charles River Linear Park, in Quebec City. The seated position suggested by these artistic productions causes direct sensory contact with the work, but above all, it orchestrates a reversal of the gaze towards the landscape according to a defined posture and angle of view. The activation of the bench function by the action of sitting on it, or at least the understanding of this possibility of use, then gives access to an experience of the surrounding landscape which, far from being fortuitous, is an essential aiming of the artistic bench. This study thus analyzes artistic benches in order to better understand how they are received by the public, but also how they participate to the landscape experience. The answers obtained following an online questionnaire allowed to evaluate the different aspects of under-standing and exploring the bench function in the art piece. An analysis grid was designed by adapting certain postulates of Gibson's affordance theory (1979; 2014), Kaplan & Kaplan's preference matrix (1989a, 1989b) and Carlson's environmental model (1979). The data ana-lyzed according to this grid then made it possible to demonstrate that the artistic benches contribute to a quality landscape experience. This contribution is mainly linked to the seated position suggested by the work, which invites park users to immerse themselves in the scene while offering a multisensory perception of the landscape.

Mémoire en recherche-création. / À partir d’archives diffusées sur YouTube, ce mémoire s’intéresse à la catastrophe naturelle du Verglas de 1998. Les vidéos sont l’occasion d’une réflexion sur l’esthétique des images d’information journalistique de catastrophes naturelles, sur le support VHS qui a permis leur premier enregistrement (la création d’une mémoire), et sur la télévision, médium qui les a d’abord diffusées. Conjointement à l’analyse de ces images est exposée la démarche de leur réemploi qui a mené à la réalisation d’un essai filmique. Le réemploi s’est notamment effectué en altérant des archives avec des magnétoscopes, fruits de la technologie de l’époque, qui avaient permis d’enregistrer les images télévisées. Avec ce geste de réemploi sont apparues des perspectives esthétiques qui permettent de voir la catastrophe autrement. D’autre part, ce projet a conduit l’auteur, muni d’une caméra VHS, à aller sur les lieux de l’événement, filmer les pylônes reconstruits, mais aussi au-delà, à la Baie James. Ce travail de recherche-création procède d’une méthode non systématique mais qui suit des chemins ouverts par les archives, par les technologies rencontrées ou par les images créées. Il envisage la question fondamentale que posent les catastrophes naturelles : celle du rapport qu’entretient l’homme avec la nature. / From archives released on YouTube, this thesis aims to explore the natural disaster of Ice Storm of 1998. The videos offer an opportunity to reflect on the aesthetic images of journalistic information on natural disasters, but also on the VHS medium that allowed their first recording (the creation of a memory), as well as on television, the medium that first distributed them. Alongside the analysis of these images, this thesis presents the process for reusing them, which led to the production of a film essay. Archives were altered thanks to video recorders, the technological advancement of the time, which allowed the recording of televised images. With reuse, came aesthetic perspectives that allow us to see the disaster differently. On the other hand, this project led the author, equipped with a VHS camera, to go to the scene of the event, to film the reconstructed pylons, but also to go beyond, to James Bay. This research-creation work was developed through a non-systematic method, rather following the paths opened up by the archives, technologies encountered or images created. It considers the fundamental question posed by natural disasters : that of the relationship between man and nature.

Inscrite dans une approche esthétique, cette recherche-création croise deux méthodologies afin de déterminer ce qu'il y a de commun dans la perception des atmosphères. D'abord, une étude de cas a mené à l'identification de générateurs d'ambiance. Ces générateurs ont servi d'intrant dans un processus de création menant à la conception d'un projet architectural. De manière plus développée, cinq atmosphères différentes présentes dans les thermes de Vals ont fait l'objet d'une analyse au travers du livre L'Eau et les rêves de Gaston Bachelard. Cette lunette bachelardienne, celle des images oniriques de la matière, a servi l'identification de quelques générateurs communs d'ambiances sensibles. Les symboles littéraires explicités par Bachelard résonnent dans l'eau contenue dans les murs massifs de pierres de Vals. Dans un second temps, la construction de ce dialogue entre Gaston Bachelard et Peter Zumthor mène à l'élaboration d'un parcours de dégustation de Scotch whiskey par une architecture volontairement émotionnelle qui introduit les éléments générateurs d'ambiances, identifiées avec l'étude de cas, comme des formants de l'ambiance sensible. Cette recherche-création s'appuie sur la théorie des formants de Grégoire Chelkoff comme étant des vecteurs de transmission de l'atmosphère, préexistante à l'expérience du lieu, à l'ambiance, résultat sensible de la perception de l'espace sensible. Ce mémoire interroge le rôle de l'eau comme vecteur sensible, de l'architecture au visiteur. Son but est de déterminer comment l'eau, sous diverses formes, peut être utilisée par l'architecte pour créer la « mise en scène » (Gilsoul 2009) d'une architecture volontairement émotionnelle. / As part of an aesthetic approach, this design-driven research crosses two methodologies to determine what is common in the perception of atmospheres. First, a case study led to the identification of ambiance's generators. These generators were used as an input into a creative process leading to the design of an architectural project. In a more detailed way, five different atmospheres present in the Vals' thermal baths were analysed in the book L'Eau et les rêves by Gaston Bachelard. This bachelardian bezel, that of the oneiric images of matter, served to identify some common generators of sensitive atmospheres. The literary symbols explained by Bachelard resonate in the water contained in the massive stone walls of Vals. Secondly, the construction of this dialogue between Gaston Bachelard and Peter Zumthor leads to the development of a Scotch whiskey tasting path through a deliberately emotional architecture that introduces the elements that generate ambience, identified with the case study, as formants of the sensitive atmosphere. This design-driven research is therefore based on Grégoire Chelkoff's theory of formants as vectors of transmission of atmosphere, pre-existing to the experience of a place, of an ambiance, which itself is understood as a sensitive result of the perception of the space. The present work therefore questions the role of water as a sensitive vector, from the architecture to its visitor. The goal is to determine how water, in varying manifestations, can be used by architects to create a “mise en scène” for a voluntarily emotional architecture.

Ce mémoire en recherche-création se décline en deux parties; un roman et un essai. Le roman et l'essai se répondent, en traitant tous les deux de la période des années 50, qui représente le contexte du roman On the Road qui sera analysé dans l'essai, mais aussi le moteur créatif qui a inspiré le roman Cuvée 44. Le roman, Cuvée 44, s'inspire de la filiation des romans de route et de quête personnelle dont On the Road est un des précurseurs. Il relate la vie mouvementée de Francine Boudreau, une jeune femme de quinze ans qui quitte son Québec natal en 1959 pour un monde de possibilités qui s'offrent à elle aux États-Unis, durant les années 50 et 60. Le lecteur est transporté un peu partout au pays, alors que la jeune femme tente de se poser quelque part. L'essai, quant à lui, traite de la réception de l'œuvre phare de Kerouac, On the Road, afin d'observer comment elle a évolué selon les décennies. En faisant ressortir les diverses critiques du roman de l'écrivain de la Beat Generation, on peut ainsi ressortir les différentes postures qui lui sont accordées au travers des époques, pour en voir les constantes et les disparités.

Montréal Trigonix inc. 2018

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2016-2017 / Cette thèse propose de voir comment les romancières des années 1930 poursuivent un mouvement collectif d'accès à la vie littéraire amorcé depuis la fin du XIXe siècle, tout en ouvrant le chemin à de nombreuses voies inexplorées dans la littérature canadienne-française. Dans la foulée de la démarche sociopoétique proposée par Alain Viala, elle emprunte aux travaux en sociocritique des textes, en histoire littéraire et culturelle et aux études sur le genre afin de retracer la trajectoire des écrivaines et d'examiner, à travers les romans et les textes intimes (lettres, journaux intimes), les modulations d'un ensemble de discours, tant publics que privés, tenus par les femmes qui font le choix d'une carrière littéraire. Après avoir présenté l'ensemble des dynamiques ainsi que l'imaginaire générique qui structurent et encadrent la production littéraire féminine durant l'entre-deux-guerres, l'analyse est resserrée autour de trois auteures : Jovette-Alice Bernier, Éva Senécal et Michelle Le Normand. L'étude des archives révèle comment les discours épistolaires et diaristiques figurent des laboratoires du texte en gestation, tout comme ils dynamisent l'infusion de plusieurs postures tendant à négocier et à légitimer l'action et le discours des écrivaines ; postures qui trouveront leur prolongement dans les fictions. Puis, l'analyse des formes narratives, des motifs et des figures à l'œuvre dans les romans publiés en volumes esquisse les contours d'un imaginaire qui problématise la place du féminin dans la société canadienne-française. Enfin, l'analyse de la réception des romans entend démontrer comment le discours critique se borne à déconsidérer la production des femmes et invite ces dernières à interrompre leur carrière ou à bifurquer vers d'autres pratiques discursives. Dans un contexte où « modernité culturelle » rime autant avec « révolution » qu'avec « crise », et où les conditions politiques, socioéconomiques et culturelles transforment l'action, la place et la parole des femmes dans l'espace social, cette étude entend ainsi montrer comment les écrivaines et leurs textes participent d'un renouvellement des pratiques d'écriture, tout en étant les témoins, les critiques et les acteurs privilégiés des tensions et des contradictions qui agitent le Québec des années 1930.

Cette thèse vise à préciser les fonctions sociales du mysticisme par 1’analyse d’oeuvres d’art sacré. Par le biais de la méthode d’analyse phénoménologique et structurale adaptée à la représentation plastique du divin, sont identifiés les facteurs de régulation sociale actualisés au sein du comportement mystique et visualisés à travers l’art sacré. Les résultats obtenus témoignent d’un lien entre la représentation plastique du divin et la nature de 1’équilibre social inhérent au contexte de production en plus d’étayer 1’hypothèse selon laquelle la pensée religieuse adulte est fonctionnellement analogue à la pensée symbolique enfantine. / Montréal Trigonix inc. 2018