Depuis la nuit des temps, les autoconstructions médinales tunisoises ont été, souvent brutalement, rasées par les autorités. L’avènement de la révolution de 2011 a revivifié leurs réapparitions. Les dynamiter une nouvelle fois aggraverait l’hémorragie de leurs renouvellements. Les « valoriser », les regarder autrement au lieu de s’en débarrasser, pourrait ouvrir de nouveaux horizons. Les considérer dans un comparatisme avec le Déconstructivisme nous conduirait certainement vers de fructueuses voies. Comparer ainsi la complexité, le chaos, la bizarrerie formelle et géométrique déployée par la déconstruction architecturale et les caractères formels des autoconstructions de la médina, constitue l’hypothèse de travail qui nous a guidé. La problématique développée dans la thèse consiste à porter un autre regard sur les autoconstructions de la médina de Tunis, en convoquant l’esthétique du Déconstructivisme afin de le discuter, voire de l’enrichir, d’une part, et, d’autre part, de promouvoir une autre approche de l’habitat spontané dans la ville de Tunis qui serait susceptible de fournir une autre lecture du phénomène de son émergence. L’une des ressemblances de l’autoconstruction au regard de la déconstruction architecturale tient à sa non-réglementation. Il en découle des espaces totalement bizarres, des plans déformés, des angles insolites, des lignes brisées, des asymétries télescopées... L’« idée » de déréglementation des autoconstructions transgresse nos habitudes de voir l’architecture. Elles nous semblent plutôt « vides de règles » que « déréglementées » et apparaissent complètement non académiques, non architecturales et pratiquement sans architectes qualifiés. Une autre ressemblance entre les (auto-) et (dé-)constructions réside dans l’ « idée » de ruine. Témoins de déshérence générale, de précarité et de souffrances, les autoconstructions incarnent le lieu d’une défragmentation chaotique de l’architecture. Planchers abandonnés, poteaux inachevés, façades hasardeusement superposées, revêtements anarchiquement combinés, constructions complètement ou partiellement ruinées... ; tous ces fréquents aspects esthétiques entretiennent de curieuses résonnances avec beaucoup de réalisations déconstructivistes. Une troisième ressemblance réside dans l’aspect d’incomplétude. En parcourant les ruelles de la médina, nous rencontrons des talus de sables, des sacs de ciments, des graviers, des briques, des pierres, des tôles ondulées, des déchets de bois, etc. Les autoconstructions médinale tunisoise sont-elles en « voie de déconstruction » ? Pourraient-elles inspirer les architectes déconstructivistes ? Pourrions-nous proposer que le Déconstructivisme constitue le meilleur appui théorique pouvant valoriser les aspects esthétiques des autoconstructions tunisoises ? / Since the beginning of time, Tunisian autoconstructions of the medina had been brutally razed by the governement. The advent of the 2011 revolution revived the desire for their reappearances. The dynamiting them again aggravates the hemorrhage of their renewals. "Speculating", "valuing" them and looking at them differently instead of getting rid of them will open up new opportunities. In the present work, the comparative method between autoconstruction and Deconstructivism would certainly lead us to fruitful paths. The complexity, the chaos, the formal and bizarre geometry deployed by the architectural deconstruction and, from the outset, by the autoconstruction of the medina seem to us the first hypotheses. In these brief lines, we shall be content to develop other aspects. The problematic developed in the thesis is to take another look at the autoconstruction of the medina of Tunis, summoning the aesthetics of Deconstructivism to discuss it, even to enrich it, on the one hand, and on the other hand , to promote another approach to spontaneous housing in the city of Tunis that would be likely to provide another reading of the phenomenon of its emergence. One of the resemblances that combines autoconstruction with deconstruction is its ability to be deregulated. The result is totally bizarre spaces, distorted planes, unusual angles, broken lines, telescoped asymmetries, etc. The "idea" of deregulation of autoconstructions transgresses our habits of seeing architecture. More than deregulation, they seem "empty of rules" and remain completely non-academic, non-architectural and practically without qualified architects. Another resemblance between the (auto-) and (de-)construction lies in the "idea" of ruin. Witnesses general desertion, precariousness and suffering, autoconstructions embody the place of a chaotic defragmentation of architecture. Abandoned floors, unfinished posts, randomly overlapping facades, anarchically combined facades, completely or partly ruined buildings, etc ; all these frequent and current aesthetic aspects have strange resemblances to many deconstructivist achievements. A third resemblance resides in its incomplete appearance. Just by walking through the narrow streets of the medina, we come across sandy slopes, bags of cement, gravel, bricks, stones, corrugated sheets, wood waste, etc. The result is interminably open chantier. It also results in excessive use of precarious, urgent, essential building materials. Are the Tunisian autoconstructions of the medina in a "way of deconstruction"? Could they inspire deconstructivist architects ? Could we propose that Deconstructivism constitutes the best theoretical support that can enhance the aesthetic aspects of Tunisian autoconstructions ?

Le symbolisme, d’abord inféodé à la conception idéaliste de la vérité et du beau, expose en réalité, dans sapratique et dans ses oeuvres une position ambiguë. Le symbole compris comme le médium par lequel sedévoilerait une vérité idéale semble en fait valoir en et pour lui-même, indépendamment de tout principesupérieur. L’image de la femme, est, chez les symbolistes, le point nodal du basculement de la théorie de lavérité. De la Femme dans l’Art ! dit Charles Maurice, Elle en est l’objet et le but… L’image de la femme, loinde conforter la conception idéale de la vérité, manifeste au contraire une certaine forme de subversion. Lessymbolistes vénèrent la femme. Non pas parce qu’elle est « le signe du vrai », selon la formule de Plotin, maisparce qu’elle est le symbole même de la superficialité de la représentation. Chez les symbolistes, c’est donc parla représentation de la femme (fuyante, fardée, fatale…) que s’accomplit le renversement de l’idée même devérité. A cet égard, le symbolisme est donc bien davantage un anti-platonisme qu’un idéalisme. La vérité,débarrassée de son substrat s’affirme pour elle-même, dans sa complète autonomie. Ce renversement de lanotion de vérité ne peut s’effectuer, cependant, sans une remise en question radicale du sujet et sans unquestionnement fondamental sur le rôle de l’artiste dans le dévoilement de la vérité. C’est la raison pourlaquelle le symbolisme, au tournant du XIXème et du XXème siècle se tournera vers de nouvelles expériences(affirmation du moi, surréalisme, abstraction…) dont l’objectif sera d’éprouver les limites du moi et derenouveler ainsi le perpétuellement questionnement de l’art sur le réel. / Symbolism, first subservient to the idealistic conception of Truth and Beauty, actually exposes in its practiceand in its works an ambiguous position. The symbol seen as the medium unveiling an ideal truth appears to beindeed an autonomous object, giving up reference to any higher principle. The image of woman is among thesymbolists, the node of the failover of the theory of Truth. Women in Art! Charles Maurice said, she is theobject and the purpose of art... The image of woman, far from strengthening the ideal conception of Truth,rather shows some form of subversion. The symbolists worship women. Not because her beauty is "the sign ofTruth," to quote Plotinus, but because woman is the very symbol of the superficiality of representation. Withthe symbolists, the representation of women (evasive, fake, fatal...) accomplishes the reversal of the idea ofTruth. In this regard, the symbolism is much more an anti-Platonism than an avatar of idealism. Truth, strippedof its substrate, asserts itself in its full autonomy. This reversal of the notion of Truth can’t be done, however,without a radical rethinking of the notion of subjectivity and without a fundamental questioning on the role ofthe artist in the pursuit of Truth. That is why Symbolism, at the turn of the nineteenth and twentieth century,will experience new artistic ways (self-assertion, surrealism, abstraction...) with an objective to test the limitsof self and to renew the perpetual questioning of art on reality.

Ce mémoire traite de l’enseignement de la danse africaine en France et au Canada. Cette recherche a débuté en 2007, lorsque l’auteur a participé à un échange étudiant. À la fin de cette expérience, l’auteur en était arrivé à la conclusion que la danse africaine au Québec était abordée comme un bien de consommation et/ou une production socioculturelle relevant de l’imaginaire. La présente analyse explore les avantages et les limites de l’approche méthodologique adoptée par l’anthropologue (qui est, dans ce cas-ci, une ancienne danseuse classique), et les conditions de la rencontre entre les Africains et les occidentaux par la danse. Tandis qu’il reste à démontrer que les critiques postmodernes de l’art de masse s’appliquent dans ce cas-ci, l’analyse montre ici clairement que l’on trouve dans les cours de danse africaine au Québec une forme de conscience professionnelle. Les critiques de la danse et de d’autres formes de démocratisations artistiques tendent à se confondre dans la peur du discours populaire. L’objectif principal de cette recherche est par conséquent d’établir les limites du fétichisme par rapport à la danse africaine et d’explorer en détail les implications de la « hantise du Troisième Homme » communiquée par la recherche ethnographique et l’analyse anthropologique / This thesis deals with the teaching of African dance in France and in Canada. The research for this thesis began in 2007, when the author took part in a student exchange and ended with a consideration of African dance in Quebec as a consumer good and/or an imaginary sociocultural production. The analysis explores the benefits and the limits of the methodological approach embraced by the anthropologist (who is, in this case, a former dancer with training in classical dance), and the terms of the encounter between Africans and Westerners through dance. While it remains to be shown that the post-modernist critiques of mass art apply to this context, the analysis here points to the presence of a professional consciousness in African dance lessons in Quebec. Critiques of dance and other arts as democratization tend to get lost in the fear of popular discourse. The main objective of this research is therefore to establish the limits of the fetishism associated with African dance and to discuss in further detail the « hantise du Troisième Homme », communicated by ethnographic research and anthropological analysis

Ce mémoire traite de l’enseignement de la danse africaine en France et au Canada. Cette recherche a débuté en 2007, lorsque l’auteur a participé à un échange étudiant. À la fin de cette expérience, l’auteur en était arrivé à la conclusion que la danse africaine au Québec était abordée comme un bien de consommation et/ou une production socioculturelle relevant de l’imaginaire. La présente analyse explore les avantages et les limites de l’approche méthodologique adoptée par l’anthropologue (qui est, dans ce cas-ci, une ancienne danseuse classique), et les conditions de la rencontre entre les Africains et les occidentaux par la danse. Tandis qu’il reste à démontrer que les critiques postmodernes de l’art de masse s’appliquent dans ce cas-ci, l’analyse montre ici clairement que l’on trouve dans les cours de danse africaine au Québec une forme de conscience professionnelle. Les critiques de la danse et de d’autres formes de démocratisations artistiques tendent à se confondre dans la peur du discours populaire. L’objectif principal de cette recherche est par conséquent d’établir les limites du fétichisme par rapport à la danse africaine et d’explorer en détail les implications de la « hantise du Troisième Homme » communiquée par la recherche ethnographique et l’analyse anthropologique / This thesis deals with the teaching of African dance in France and in Canada. The research for this thesis began in 2007, when the author took part in a student exchange and ended with a consideration of African dance in Quebec as a consumer good and/or an imaginary sociocultural production. The analysis explores the benefits and the limits of the methodological approach embraced by the anthropologist (who is, in this case, a former dancer with training in classical dance), and the terms of the encounter between Africans and Westerners through dance. While it remains to be shown that the post-modernist critiques of mass art apply to this context, the analysis here points to the presence of a professional consciousness in African dance lessons in Quebec. Critiques of dance and other arts as democratization tend to get lost in the fear of popular discourse. The main objective of this research is therefore to establish the limits of the fetishism associated with African dance and to discuss in further detail the « hantise du Troisième Homme », communicated by ethnographic research and anthropological analysis

Introduction : L’objectif de cette étude était de vérifier s’il existe une différence entre la perception de l’esthétisme du sourire chez les patients porteurs de fente labiale et/ou palatine (FL/P), qui sont plus à risque de présenter des anomalies dentaires, et celle des patients non porteurs. Méthodes : Une série de photos d’un sourire a été altérée avec Adobe Photoshop© et comprend sept différentes catégories d’asymétrie. Les photos ont été évaluées à l’aide d’une échelle visuelle analogue de 0 à 10 sur un questionnaire en ligne par des patients porteurs de FL/P et des patients non porteurs âgés entre 14 et 21 ans. Les notes attribuées par les deux groupes ont été comparées pour chaque sourire et le seuil de détection de chaque catégorie d’asymétrie pour les deux groupes a été calculé. Résultats : Cinquante-six participants dans chaque groupe (FL/P et contrôle) ont été appariés selon l’âge et le genre et ont été inclus dans l’analyse statistique. Pour la perception de l’esthétisme du sourire, les patients du groupe FL/P étaient plus critiques pour la hauteur du collet gingival des incisives latérales au même niveau que les centrales, mais ils étaient cependant plus tolérants d'une déviation de la ligne médiane. Le seuil de perception de six catégories d'asymétrie a pu être déterminé pour le groupe FL/P. Leurs seuils de perception étaient légèrement plus élevés que ceux des patients du groupe contrôle. Les hommes étaient légèrement plus critiques que les femmes en général de l’esthétisme du sourire. Conclusion : Il existe des différences de perception de l'esthétisme du sourire entre les patients porteurs de FL/P et les patients non porteurs. Les patients porteurs de FL/P ont une moins bonne capacité à détecter de plus petites asymétries dentaires. Les hommes sont plus critiques de l’esthétisme du sourire. / Abstract Introduction: The aim of this study was to determine if there is a difference between the perception of smile esthetics of patients with cleft lip and/or palate (CL/P), who are at higher risk of dental anomalies, and the perception of patients without CL/P. Methods: A series of smile photos were altered with Adobe Photoshop© to create seven different categories of dental asymmetry. Patients with CL/P and patients without CL/P aged between 14 and 21 years old evaluated the smiles on a 10-point visual analogue scale in an online survey. The value attributed by the two groups was compared for each smile and the threshold for acceptance of smile anomalies was calculated. Results: Fifty-six participants in each group (CL/P and control) were matched for gender and age and included in the statistical analysis. Patients with CL/P were more critical of the gingival margin height of the lateral incisors being at the same level as the central incisors, however, they were more tolerant of a deviated midline. The threshold for six dental asymmetries were determined for the CL/P group. Their thresholds were slightly higher than the control group’s thresholds. Men were also more critical than women, in general, for the smile esthetics. Conclusion: The perception of smile esthetics of patients with CL/P is different from the perception of patients without CL/P. The thresholds to detect small dental asymmetries is higher for patients with CL/P. Men are more critical of smile esthetics.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2014-2015 / Situé aux frontières entre les études de réception et les travaux sur l’histoire des idées, notre mémoire propose qu’en temps de crise épistémologique, la critique acquiert une fonction heuristique qui permet de se réapproprier le réel ébranlé par les changements paradigmatiques et désormais inconcevable. Nous étudierons donc comment une œuvre emblématique de la modernité – Le Sacre du printemps de Stravinsky – participe à la transformation de l’acte critique en forçant l’élaboration d’outils discursifs et épistémologiques qui pourront rendre compte de la nouveauté que représente la musique de Stravinsky, de sorte qu’elle répondra aux nouveaux besoin de l’époque et sera intégrée à l’horizon d’attente. Grâce à de nouveaux moyens critiques par eux élaborés, mais aussi par une mise au point esthétique, Jacques Rivière, Jean Cocteau et Boris de Schlœzer parviendront à ce qu’on appellera la « normalisation » esthétique de Stravinsky, à travers laquelle ils parviendront à nouveau à lire leur époque.

Cette mémoire est une analyse du subtexte immanent dans le roman « 1979 » (2001) de Christian Kracht, auteur suisse, qui est le plus connu pour son début « Faserland » (1995). Ces oeuvres sont situées dans le mouvement de la littérature Pop allemande des années 1990 et en résultent en même temps. Dans ce contexte, le climat socio-politique après la réunification, notamment le Literaturstreit, jouera un rôle important dans mon interprétation comme fond de la poésie de Kracht. J’exposerai les difficultés que le discours de la littérature Pop porte en ce qui concerne l’œuvre de cet auteur, qui, même s’il est vu en général comme fondateur de ce genre littéraire en Allemagne, ne considère pas ses textes comme littérature Pop dans ses déclarations notoirement problématiques. Je devrais objecter que Kracht est en combat avec la littérature Pop d’une façon stylistique et pas rarement ironique, ce qui traverse la définition étroite dominante. Il fait cela en adoptant sur l’un côté le trait le plus signifiant du genre, à savoir le caractère superficiel extrêmement descriptif et en transmettant sur l’autre côté un message moral profond, ce qui rend impossible la classification de ses textes comme Pop, signifiant seulement le divertissement ou l’archivisme de Moritz Bassler. En fait, la fréquence de signifiants de Pop dans les textes de Kracht créent par leur arrangement un réseau de sens qui, dans le paradigme post- moderne, peut être décrit le mieux avec le terme « rhizome » de Gilles Deleuze et Félix Guattari. En faisant ça, Kracht suit une autre tradition qui traverse les limites de la littérature Pop, comme il se sert de la décadence, de l’esthétisme et du symbolisme du fin-du-siècle d’un Hugo von Hofmannsthal, d’un Stefan George et d’un Joris-Karl Huysmans avec leurs pointes de mise en garde contre les déficits du modernisme, du libéralisme et du capitalisme, d’une façon nommée « fondamentalisme esthétique » par le sociologiste Stefan Breuer. Cette recherche se référera aux interprétations originales des textes source, aux évaluations de littérature d’accompagnement, à savoir des manuels scolaires en critique littéraire, en sociologie et en histoire allemande, aux comptes rendu, dissertations et entrevues et aux textes philosophiques. Cette mémoire est écrit en allemand. / This master's thesis is an analysis of the subtext immanent in the novel "1979" (2001) by Swiss author, Christian Kracht, who is best known for his debut, "Faserland" (1995). These works are situated in and result from the 1990's movement of German pop literature. In that context, the socio-political climate after the re-unification, most notably the Literaturstreit, plays an important role in my interpretation as the background to Kracht's poetics. I delineate the difficulties that the pop literature discourse carries both, as a literary category and in regard to this author's work, taking into consideration his notoriously problematic statements to the effect that he does not consider his texts to be pop literature, in spite of being commonly regarded as the founder of this literary form in Germany. I shall argue that Kracht engages in a stylistic and more often than not ironic play with pop literature, which transgresses the dominant narrow definition of it. He does so by adopting on the one hand its most-defining feature of extreme descriptive superficiality, yet by conveying on the other hand a moral message of profound dimensions, which renders impossible the classification of his texts as pop, neither in the sense of mere entertainment nor in the sense of Moritz Bassler’s archivism. In fact, the very arsenal of pop signifiers present in Kracht's texts create through their arrangement a web of meaning, which in the post-modern paradigm can be best described with Gilles Deleuze's and Félix Guattari's term “rhizome." By doing so Kracht follows in the footsteps of another tradition which transgresses the boundaries of pop literature, as he reaches back to the aestheticistic décadence and symbolism at the fin-de-siècle of a Hugo von Hofmannsthal, a Stefan George, and a Joris-Karl Huysmans, with their strong undertones of warnings against the shortfalls of modernism, liberalism, and capitalism, in a fashion that is termed “aesthetic fundamentalism” by Stefan Breuer. This research draws on original interpretations of the source texts, on evaluations of secondary literature such as scholarly works in German literary criticism, sociology and history, on book reviews, essays and interviews, and on philosophical texts. The thesis is written in German. / Gegenstand der vorliegenden Arbeit ist der narrative Subtext im Roman 1979 (2001) des Schweizer Autoren Christian Kracht, der vor allem mit seinem Romandebüt Faserland (1995) bekannt wurde. Seine Texte stehen im Zusammenhang mit der Neuen Deutschen Popliteratur der 90er Jahre. In diesem Kontext hat auch das soziokulturelle Klima nach der Wiedervereinigung eine wichtige Rolle, das sich am prägnantesten im Literaturstreit äußerte, weshalb dieser in der hier vorgenommenen Intepretation von Krachts Poetik seinen Platz findet. Außerdem soll aufgezeigt werden, inwieweit die Neue Deutsche Popliteratur sowohl als gattungstechnische Kategorie als auch im Bezug auf Krachts Werk problematisch ist. Dies entspricht den Beteuerungen des Autors, dass er keine Popliteratur schreibe, obwohl er als ihr Gründer gilt. Das Argument dieser Arbeit ist, dass Kracht auf stilistische und oft ironische Weise mit Popliteratur spielt, wodurch er die bestehende enge Definition dieser transgressiert. Da er einerseits das bezeichnenste Merkmal von Popliteratur, nämlich die Oberflächenbeschreibung, übernimmt, andererseits aber dadurch eine tiefe moralische Aussage macht, lassen sich seine Texte nicht als Pop verorten,weder als Unterhaltung, noch im Sinne von Moritz Baßlers Archivismus. Vielmehr ergeben die von Kracht versammelten Pop-Signifikanten in ihrer Vernetzung ein Sinngebäude, das in postmoderner Parlanz mit Gilles Deleuze und Félix Guattari als „Rhizom“ bezeichnet werden kann. Indem Kracht so verfährt, knüpft er ebenfalls an eine Tradition jenseits von Popliteratur an, und zwar an die ästhetizistische décadence und den Symbolismus des fin de siècle eines Hugo von Hofmannsthal, Stefan George und Joris-Karl Huysmans, sowie deren Warnungen vor den Mängeln des Modernismus, Liberalismus und Kapitalismus, wobei diese Einstellung von Stefan Breuer als ästhetischer Fundamentalismus bezeichnet wird.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de l'Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Cette thèse portant sur le potentiel musical des analyses sonores consiste en une recherche créative et artistique portant sur des propriétés caractéristiques du comportement sonore mis en lumière via divers types d'analyses et susceptibles d'assister la composition musicale. Ce travail présente l'élaboration des outils d'analyses programmés et utilisés à cette fin, en plus d'un corpus de 6 oeuvres dont l'ordre de présentation correspond à leur chronologie d'écriture, et dont la conception et l'analyse musicales sont inégalement exposées (du bref aperçu au survol exhaustif). Au fur et à mesure de la recherche, le répertoire ci-développé intègre, par élargissement conceptuel, des considérations analytiques pour d'autres phénomènes vibratoires (comme la lumière ou l'harmonie des sphères) et, esthétiquement, toute cette démarche est fondée sur le concept aristotélicien de la mimesis, où l'idéal artistique consiste en la sublimation de la nature. / This thesis about the musical potential of sound analysis consists in an artistic and creative research on characteristic properties of sound behavior revealed by various types of analysis and likely to assist musical composing. This work presents the elaboration of analysis tools programmed and used on purpose, in addition of a corpus of six works which the order of presentation corresponds to their chronology of writing, and which both conception and musical analysis are unevenly exposed (from brief to exhaustive overviews). As the research occurs, the featured repertory integrates, by a conceptual enlargement, some analytic considerations for other vibratory phenomena (as light or the harmony of the spheres) and, aesthetically, all that approach is founded on the aristotelician concept of mimesis, in which the artistic ideal consists in the sublimation of nature.

Cette mémoire est une analyse du subtexte immanent dans le roman « 1979 » (2001) de Christian Kracht, auteur suisse, qui est le plus connu pour son début « Faserland » (1995). Ces oeuvres sont situées dans le mouvement de la littérature Pop allemande des années 1990 et en résultent en même temps. Dans ce contexte, le climat socio-politique après la réunification, notamment le Literaturstreit, jouera un rôle important dans mon interprétation comme fond de la poésie de Kracht. J’exposerai les difficultés que le discours de la littérature Pop porte en ce qui concerne l’œuvre de cet auteur, qui, même s’il est vu en général comme fondateur de ce genre littéraire en Allemagne, ne considère pas ses textes comme littérature Pop dans ses déclarations notoirement problématiques. Je devrais objecter que Kracht est en combat avec la littérature Pop d’une façon stylistique et pas rarement ironique, ce qui traverse la définition étroite dominante. Il fait cela en adoptant sur l’un côté le trait le plus signifiant du genre, à savoir le caractère superficiel extrêmement descriptif et en transmettant sur l’autre côté un message moral profond, ce qui rend impossible la classification de ses textes comme Pop, signifiant seulement le divertissement ou l’archivisme de Moritz Bassler. En fait, la fréquence de signifiants de Pop dans les textes de Kracht créent par leur arrangement un réseau de sens qui, dans le paradigme post- moderne, peut être décrit le mieux avec le terme « rhizome » de Gilles Deleuze et Félix Guattari. En faisant ça, Kracht suit une autre tradition qui traverse les limites de la littérature Pop, comme il se sert de la décadence, de l’esthétisme et du symbolisme du fin-du-siècle d’un Hugo von Hofmannsthal, d’un Stefan George et d’un Joris-Karl Huysmans avec leurs pointes de mise en garde contre les déficits du modernisme, du libéralisme et du capitalisme, d’une façon nommée « fondamentalisme esthétique » par le sociologiste Stefan Breuer. Cette recherche se référera aux interprétations originales des textes source, aux évaluations de littérature d’accompagnement, à savoir des manuels scolaires en critique littéraire, en sociologie et en histoire allemande, aux comptes rendu, dissertations et entrevues et aux textes philosophiques. Cette mémoire est écrit en allemand. / This master's thesis is an analysis of the subtext immanent in the novel "1979" (2001) by Swiss author, Christian Kracht, who is best known for his debut, "Faserland" (1995). These works are situated in and result from the 1990's movement of German pop literature. In that context, the socio-political climate after the re-unification, most notably the Literaturstreit, plays an important role in my interpretation as the background to Kracht's poetics. I delineate the difficulties that the pop literature discourse carries both, as a literary category and in regard to this author's work, taking into consideration his notoriously problematic statements to the effect that he does not consider his texts to be pop literature, in spite of being commonly regarded as the founder of this literary form in Germany. I shall argue that Kracht engages in a stylistic and more often than not ironic play with pop literature, which transgresses the dominant narrow definition of it. He does so by adopting on the one hand its most-defining feature of extreme descriptive superficiality, yet by conveying on the other hand a moral message of profound dimensions, which renders impossible the classification of his texts as pop, neither in the sense of mere entertainment nor in the sense of Moritz Bassler’s archivism. In fact, the very arsenal of pop signifiers present in Kracht's texts create through their arrangement a web of meaning, which in the post-modern paradigm can be best described with Gilles Deleuze's and Félix Guattari's term “rhizome." By doing so Kracht follows in the footsteps of another tradition which transgresses the boundaries of pop literature, as he reaches back to the aestheticistic décadence and symbolism at the fin-de-siècle of a Hugo von Hofmannsthal, a Stefan George, and a Joris-Karl Huysmans, with their strong undertones of warnings against the shortfalls of modernism, liberalism, and capitalism, in a fashion that is termed “aesthetic fundamentalism” by Stefan Breuer. This research draws on original interpretations of the source texts, on evaluations of secondary literature such as scholarly works in German literary criticism, sociology and history, on book reviews, essays and interviews, and on philosophical texts. The thesis is written in German. / Gegenstand der vorliegenden Arbeit ist der narrative Subtext im Roman 1979 (2001) des Schweizer Autoren Christian Kracht, der vor allem mit seinem Romandebüt Faserland (1995) bekannt wurde. Seine Texte stehen im Zusammenhang mit der Neuen Deutschen Popliteratur der 90er Jahre. In diesem Kontext hat auch das soziokulturelle Klima nach der Wiedervereinigung eine wichtige Rolle, das sich am prägnantesten im Literaturstreit äußerte, weshalb dieser in der hier vorgenommenen Intepretation von Krachts Poetik seinen Platz findet. Außerdem soll aufgezeigt werden, inwieweit die Neue Deutsche Popliteratur sowohl als gattungstechnische Kategorie als auch im Bezug auf Krachts Werk problematisch ist. Dies entspricht den Beteuerungen des Autors, dass er keine Popliteratur schreibe, obwohl er als ihr Gründer gilt. Das Argument dieser Arbeit ist, dass Kracht auf stilistische und oft ironische Weise mit Popliteratur spielt, wodurch er die bestehende enge Definition dieser transgressiert. Da er einerseits das bezeichnenste Merkmal von Popliteratur, nämlich die Oberflächenbeschreibung, übernimmt, andererseits aber dadurch eine tiefe moralische Aussage macht, lassen sich seine Texte nicht als Pop verorten,weder als Unterhaltung, noch im Sinne von Moritz Baßlers Archivismus. Vielmehr ergeben die von Kracht versammelten Pop-Signifikanten in ihrer Vernetzung ein Sinngebäude, das in postmoderner Parlanz mit Gilles Deleuze und Félix Guattari als „Rhizom“ bezeichnet werden kann. Indem Kracht so verfährt, knüpft er ebenfalls an eine Tradition jenseits von Popliteratur an, und zwar an die ästhetizistische décadence und den Symbolismus des fin de siècle eines Hugo von Hofmannsthal, Stefan George und Joris-Karl Huysmans, sowie deren Warnungen vor den Mängeln des Modernismus, Liberalismus und Kapitalismus, wobei diese Einstellung von Stefan Breuer als ästhetischer Fundamentalismus bezeichnet wird.