Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2011-2012 / "Cette étude a pour but de contribuer à l'analyse et à la compréhension de la situation d'emploi des travailleurs vulnérables ainsi qu'à ses implications sur l'accès aux protections sociales, et ce, à partir du cas des responsables d'un service de garde en milieu familial. Considérant que l'accès aux divers régimes de protection sociale passe par l'octroi du statut de salarié, elle vise à identifier les relations qui existent entre les critères juridiques de ce statut et la situation de travail réelle des RSG québécoises. Les résultats démontrent que ces femmes ne correspondent ni complètement à la définition de salarié, ni entièrement à celle du travailleur autonome et que ce sont ces difficultés à obtenir un statut d'emploi clairement défini qui contribuent à les maintenir dans une position de vulnérabilité. Cette recherche confirme que sur certains aspects les RSG s'apparentent davantage aux salariés, mais que la présence d'une marge d'autonomie réelle, quoique largement circonscrite, complexifie largement la qualification de ces travailleuses".

Peu connus de l'histoire de l'art, les rapports entre l'art et la mode se manifestent au moment où prennent forme les avant-gardes historiques. Parmi les liens les plus marquants : le Fauvisme (Paul Poiret et Raoul Dufy), le Bauhaus (Chanel), le Simultanéisme (Sonia Delaunay), le Futurisme italien, le Construstivisme russe, le Surréalisme et le Pop Art (Andy Warhol). Après ces nombreuses collaborations innovatrices, les artistes et créateurs de mode tendent dorénavant à favoriser des approches multidimensionnelles et interdisciplinaires, dont le prolongement se reconnaît dans la mode «post-moderne». Guy Scarpetta, Achille Bonito-Oliva, Germano Celant, Gilles Lipovetsky, etc, poursuivent cette réflexion théorique. Chez Jean Paul Gaultier, cette mode plurielle et éclectique s'exprime à travers une revision burlesque de la tradition vestimentaire. / Montréal Trigonix inc. 2018

Ecrivaine bolivienne des années 30 - oubliée jusqu'aux années 90- Hilda Mundy s'est fait connaître notamment à la fin de la guerre du Chaco (1932-1935) et dans l'immédiat après-Guerre comme chroniqueuse humoristique à Oruro, sa ville natale. Ses chroniques sont autant d'exemples d'une écriture des moeurs, critique et satirique de la bonne société de son temps et notamment à l'égard d'une morale hypocrite et bigote. Satire des puissants, les écrits d'Hilda Mundy viseront également les travers et les scandales de la vie politique de l'époque ainsi que la montée du militarisme qui se profilait à la fin de la guerre ; ceci marquera le destin de l'écrivaine sous le signe de la censure. Son seul livre Pirotecnia, ensayo miedoso de literatura ultraista, publié à La Paz en 1936, est la suite de cette écriture des formes brèves, centrée sur la désacralisation des symboles du pouvoir. Les thèmes de la ville moderne, de la technique, du jeu et de l'attaque contre la tradition, présents aussi dans ses écrits parus dans la presse, constituent l'univers avant-Gardiste de Pirotecnia. Mouvement et méfiance sont au coeur de cette littérature moderne qui dit moi. Le moi de l'écriture mundyenne, riche de son hétéronymie, est porteur d'un projet poétique propre à une esthétique des arts scéniques où le masque dont on parle le plus est celui de la parole. / A Bolivian writer in the thirty's - forgotten until the 90's - Hilda Mundy became known especially at the end of the Chaco War (1932-1935) and in the immediate post-War period as a humouristic columnist in Oruro, the town where she was born. All her columns are instances of a literature of manners, on which she turns a critical and satirical eye. Her remarks on hypocritical and sanctimonious moral standards of her time are particularly scathing. Hilda Mundy's texts satirize the powerful and target the faults and scandals of political life, and the rise of militarism which was looming at the end of the war. This marked the destiny of the writer under the sign of censure. Her only book, Pirotecnia, ensayo miedoso de literatura ultraista, published in La Paz in 1936 remains loyal to this type of writing, favouring short texts and focused on deconsecration of power symbols. The themes of the modern city, of technology, games and gambling and the attack on tradition, which are also present in her press articles, made up the avant-Garde universe of Pirotecnia. Movement and mistrust are at the heart of this modern literature, which is written in the first person. The self of Hilda Mundy's writing is enriched by its heteronymy and continues a poetic project related to an aesthetics of scenic arts, where the most important mask is that of language.

Cette thèse se propose de dégager les enjeux esthétiques, éthiques et politiques des poésies et pratiques expérimentales de 1960 à 1980, à partir de l’étude des œuvres de J. Blaine, W. S. Burroughs et E. Miccini. Ce travail développe une réflexion sur les expérimentations poétiques qui ont lieu durant une période de fortes mutations sociétales, économiques et médiatiques. Après la mise en place d’une généalogie des pratiques expérimentales que sont le collage et le montage, il s’agit d’inscrire ces poésies expérimentales, généralement occultées des histoires littéraires, dans un modèle néo-avant-gardiste, qui implique une réévaluation de pratiques héritées du début du XXe siècle et un fonctionnement en réseau, faisant dialoguer l’individuel et le collectif. Dès lors, la thèse démontre que le renouvellement du poétique qui s’opère à l’ère d’une société de l’image est tributaire de l’évolution technique : il s’agit de créer avec et contre le livre. Le nouveau rapport entre création poétique et livresque et problématiques de la reproductibilité, favorisée principalement par l’offset, engendre une mise en perspective de l’œuvre avec la notion d’empreinte. L’empreinte constitue ainsi un nouveau paradigme entérinant le statut ontologique instable d’une œuvre qui travaille la matérialité de son support et qui altère une traditionnelle dimension uniquement verbale. La résistance aux formes traditionnelles implique ainsi un engagement, dans la forme et dans le fond : différentes stratégies sont alors développées par les auteurs, permettant d’établir des politiques esthétiques dont l’objectif est de proposer au lecteur/spectateur une expérience esthétique formatrice et éthique. / This thesis aims to identify the aesthetic, ethical and political issues of experimental poetry from 1960 to 1980. It deals with the works of J. Blaine, W. S. Burroughs and E. Miccini. This work offers a reflection upon the poetic experiments taking place during a period of strong societal, economic and media switch. After the establishment of a genealogy of the experimental practices of collage and montage, it is now about placing this experimental poetry in a neo-avant-garde model, which involves a re-evaluation of practices inherited from the beginning of the twentieth century and a functioning in a network, making the individual and the collective dialogue. Henceforth, the thesis shows that the renewal of the poetics that takes place in the era of a society of the image relies on on technical evolution : it is about creating with and against the book. The new relationship between poetic. The new relationship between poetic and book-based creation and issues of reproducibility, mainly by offset, creates a perspective of the work with the notions of imprint and ruin. Thus, the imprint constitutes a new paradigm which endorses the unstable ontological status of a work which works on the materiality of its support and which alters a traditional, only verbal dimension. Resistance to traditional forms implies a commitment, in form and substance : different strategies are then developed by the authors, which allow to establish aesthetic policies of which the aim is to make the reader / spectator access a formative and ethical aesthetic experience.

Cette thèse porte sur les représentations filmiques de la guerre de Libération(1964-1974) et de la Révolution mozambicaine (1975-1987) et vise à analyser les enjeux esthétiques et politiques du cinéma révolutionnaire de ce pays. La compréhension de cette problématique passe dans un premier temps par un examen des différentes logiques qui ont présidé aux positionnements de la théorie anticoloniale à l’égard de la culture pour ensuite interroger la politique du cinéma d’État et ses contradictions. Les représentations filmiques de es deux processus historiques furent un instrument essentiel pour la formation de l’identité nationale, à l’intérieur d’un dispositif épistémique historiographique. En reconstituant les principes d’une culture de libération transnationale, cette thèse envisage de considérer les conditions politiques, idéologiques et technologiques qui conduisirent à la fondation de l’Institut national de cinéma mozambicain (INC) en mars 1976 et l’orientation que le Front de libération du Mozambique (FRELIMO) tenta d’imprimer au cinéma.La délimitation des trois phases du cinéma révolutionnaire mozambicain mettra en exergue les déséquilibres entre la coexistence d’un projet de production cinématographique collective, l’expérimentation formelle et les postulats du programme étatique. La notion de «forme-événement » nous permettra de concilier deux dimensions de la production esthétique :celle qui envisage l’art comme reflet ; celle qui le considère à partir de ses effets. À travers l’analyse esthétique formelle et historique d’un ensemble de films singuliers réalisés entre 1966et 1987, nous chercherons à mettre en évidence les positions prises par les cinéastes, les résistances et les rapports successifs et contradictoires entre le cinéma collectif, d’auteur et d’État. De l’étude approfondie du film Mueda, Memória e Massacre (1979-1980) de Ruy Guerraet de son histoire matérielle émergera une connaissance archéologique et critique du programme politique et culturel mozambicain.Cette thèse envisage également une insertion du cinéma révolutionnaire mozambicain dans son contexte historique et culturel en élaborant une cartographie du cinéma de Libération en relation avec la conjoncture politique des années 1960 et 1970. La notion de « cinéma de Libération » se trouve dans un cadre historique, géographique et catégoriel par rapport à l’histoire du cinéma politique, d’avant-garde et expérimental et de l’histoire du cinéma en général. L’étude d’une série d’oeuvres filmiques nous permettra d’établir une cartographie extensible du cinéma de Libération, englobant le cinéma révolutionnaire portugais (1974-1982)et l’« état de la forme » de ce cinéma. / The dissertation focuses on the filmic representations of the War of Liberation(1964-1974) and of the revolution (1975-1987) in Mozambique, and aims to analyse the aesthetic and political issues of Mozambican revolutionary cinema. To understand this question,the various logics that guided the positions of anti-colonial theory with regard to culture are examined in the first instance, while the State cinema policy and its contradictions are reassessed in the second instance. The filmic representations of these two historical processes were an essential instrument for the construction of national identity, within an epistemic historiographical apparatus. By reconstructing the principles of a culture of transnational liberation, the dissertation intends to consider the political, ideological, and technological conditions which led to the foundation of Mozambique’s National Institute of Cinema (INC) inMarch of 1976, and the orientation that the Mozambique Liberation Front (FRELIMO) attempted to ascribe to cinema.The identification of three phases of Mozambican revolutionary cinema will highlight the discrepancy between the coexistence of a project for the collectivisation of film production,formal experimentation and the premises of the State programme. The notion of ‘form-event’will allow us to reconcile two dimensions of the aesthetic production: one, which considers art as a reflection; another, which considers it in terms of its outcomes. Through the formal aestheticand historical analysis of a set of singular films produced between 1966 and 1987, we will seekto problematize the positions adopted by the filmmakers, the points of resistance, as well as the succession of contradictory forms of relation between collective, auteur and State cinema. Anarchaeological and critical knowledge of the Mozambican political and cultural programme will emerge from the comprehensive analysis of Ruy Guerra’s Mueda, Memória e Massacre(1979-1980).The dissertation purports to replace Mozambican revolutionary cinema in its historicaland cultural context by drawing a cartography of the Cinema of Liberation in relation to the political situation of the 1960s and 1970s. The concept of ‘Cinema of Liberation’ is sited in a historical, geographical and categorial framework with respect to the history of political, avantgarde,and experimental cinema, and to the history of cinema in general. The analysis of a selection of films will allow us to extensively map the Cinema of Liberation, including the cinema of the Portuguese Revolution (1974-1982) and the ‘state of the form’ of this cinema.

Dans ce travail nous analysons le rapport de l’individu au mimétisme dans l’œuvre de l’écrivain Chilien Roberto Bolaño (1953-2003). La notion du mimétisme est étroitement liée à celle du désir. En effet, selon le penseur français René Girard, l’individu ne désire pas par soi-même, mais il imite un modèle. Le désir est ainsi déterminé par ce médiateur. Cette forme de désir opère de manière inconsciente car le sujet est sûr de l’autonomie de son choix. Jacques Lacan enrichi cette lecture inspiré d’une idée typiquement hégélienne : le désir de reconnaissance. Pour Lacan, l’individu, avec une idée figée de soi-même (que Lacan appelle l’Imaginaire) est investi par le désir en forme de pulsion. Le mimétisme est double, non seulement l’individu imite des modèles pour tenter de correspondre à cette image figée, mais il destine son effort à être reconnu par les autres (que Lacan appelle le grand Autre ou le Symbolique). Cette étude utilise l’approche méthodologique que nous venons de décrire pour analyser l’œuvre de Roberto Bolaño. Bolaño, un des écrivains le plus importants de la littérature hispano-américaine des dernières années, est un auteur qui place au cœur de ses textes la problématique de l’autonomie du sujet. Cette problématique est surtout visible dans les deux thématiques, à notre sens dominantes, de son œuvre : l’art et le Mal. En effet, dans les textes de Bolaño il est toujours question d’artistes qui luttent pour faire reconnaître leur autonomie (c’est pour cette raison que ces artistes s’inscrivent souvent dans les mouvements d’avant-garde opposés à la tradition). De même, dans l’œuvre de l’écrivain chilien la violence est causée soit par la violence mimétique (les rivalités causées par une lecture erronée de la nature du désir : l’autre est un obstacle à la satisfaction du désir et non un médiateur de celui-ci) soit par les actes répondant à l’obsession d’un manque chez l’individu : généralement celui de ne pas pouvoir arriver à satisfaire une pulsion ayant son origine dans l’Imaginaire. / In this work we analyze the link between the subject and mimetic desire in the works of Chilean writer Roberto Bolaño (1953-2003). The concept of mimetic is closely related to the notion of desire. In fact, for French thinker René Girard, the individual doesn’t desire by himself, but he imitates a “model”. Desire is thus determined by the mediator. This type of desire operates in an unconscious way, because the subject is confident about the autonomy of his choice. French psychanalyst Jacques Lacan enhances this theory in a typically Hegelian way: the desire of recognition. For Lacan, the individual projects himself in a fixed image (called by Lacan the Imaginary); this fixation assails him in the form of a drive. Here mimetic desire is doubled: it doesn’t only imitate models to try to match with this fixed image, but also aims its effort to be recognized by others. Our work uses this methodological approach to study the works of Roberto Bolaño. Bolaño, one of the most important Hispanic American writers of the last years, puts the issue of the autonomy of the subject in the heart of his writings. This topic is mainly noticeable at the two main themes of his work: art and Evil. As a matter of fact, Bolaño’s writings always highlight the struggle of the artist who wants his autonomy recognized by the Other (for this reason, Bolaño’s artists are often members of the avant-garde, thus opposed to tradition). Correspondingly, violence can be caused in one hand by mimetic desire (rivalries provoked by an erroneous interpretation of desire’s nature: the Other is saw more as an obstacle for desire’s satisfaction than its mediator) or, on the other hand, by acts that meet the obsession of a lack: one that generally consist in a drive (originated in the Imaginary) that can’t be satisfied.

L'art comme jeu n'est pas une simple métaphore. Il correspond à la forme que prennent de nombreuses œuvres d'art notamment les maquettes et miniatures contemporaines et aujourd'hui le jeu est représenté ou mis en scène dans de nombreuses expositions. Cependant l'artiste n'est pas un joueur comme les autres mais un joueur professionnel qui s'oppose à la figure du non-artiste ou de l'artiste amateur défendue par les artistes des avant-gardes qui avaient élevé le jeu au rang d'art. Alors que la consommation de l'art prend la forme d'un divertissement à grande échelle et que l'on assiste à une Disneylandisation des musées, l'art contemporain comme jeu ne semble plus aussi subversif que celui des années soixante. Pourtant l'art comme jeu en tant que modèle et outil de changement social perdure. C'est un art d'attitude, héritier des dernières avant-gardes, se tenant en dehors des frontières habituelles de l'art et réalisant le dépassement souhaité par les situationnistes ou Allan Kaprow. / Art as play is not only a metaphor. It is the particular form of many works of art, especially contemporary models and miniatures. Play itself is nowadays represented or staged in numerous exhibitions. However, the artist is not a player like any other but a professional player in contrast to the figure of the non-artist or amateur artist defended by avant-garde artists who had raised play to the level of art. While the consumption of art takes the form of large-scale entertainment and we witness a Disneylandisation of museums, contemporary art as play no longer seems as subversive as it did in the sixties. Yet art as play as model and tool for social change endures. It is an art of attitude, heir to the last avant-gardes, standing outside the usual boundaries of art and an art that achieves the desired by Allan Kaprow and the Situationists.

Nous présentons dans ce mémoire un modèle d'interaction outil-roche qui calcule les efforts de forage en fonction du déplacement dans la roche d'un outil de forage de type PDC, et permet d'évaluer ses propriétés directionnelles, à savoir, son indice d'anisotropie (steerability) et son angle de walk. Le mouvement de l'outil est défini par une translation suivant trois axes et une rotation suivant deux axes. L'angle de tilt, qui définit l'inclinaison de l'outil par rapport à l'axe du trou en cours de forage, est pris en compte dans le calcul des surfaces d'interactions effectives entre les différentes composantes de l'outil (structure de coupe, garde active et garde passive) et la roche. Ce modèle outil est établi à partir d'une modélisation de la coupe de roche par un taillant. Ce modèle de coupe élémentaire est construit de manière à être applicable aux différentes parties de l'outil. Les efforts élémentaires de coupe sont intégrés sur toute la structure de l'outil de forage afin de calculer ses propriétés directionnelles. Le modèle d'interaction outil-roche est validé à partir d'essais de forage directionnel réalisés sur un banc spécialement conçu pour reproduire le comportement des systèmes de forage dirigé existants. Il constitue un outil d'aide à la décision pour la sélection de l'outil de forage en fonction du système au bout duquel il sera fixé. Ce modèle pourra aussi être intégré dans une boucle de régulation automatique ou semi-automatique de contrôle et de correction de la trajectoire en temps réel. / This work deals with the formulation of global relationships between kinematic variables describing the penetration of a PDC bit into the rock and drilling forces acting on it. This allows us determine the bit directional properties in terms of steerability, which corresponds to the bit lateral aggressiveness, and walk, which describes the bit azimuth displacement with respect to the side force. The bit kinematic quantities are divided into a three-axis penetration vector and a two-axis angular penetration vector. The bit tilt, which describes the angle between the bit revolution axis and the borehole tangent, is used to compute the effective interaction surface between the bit's different components (cutting structure, active gauge and passive gauge) and the rock. A new cutter-rock interface law is set up and experimentally validated in order to compute elementary forces acting on all parts of a drill bit. Bit directional properties are computed after the integration of these elementary forces. The bit-rock interaction model is experimentally validated with directional drilling tests held on a full-scale drilling bench developed to reproduce Rotary Steerable Systems (RSS) directional behavior. Tests and theoretical results enabled us to fully understand the roles of tilt angle, bit design, operating parameters and rock properties in the deviation process of a PDC bit. The bit-rock interaction model is a decision support tool for optimal drill bit selection according to the RSS being used. It could also be embedded in a real-time Closed-Loop Guided Directional Drilling controller in order to correct the drilling direction or follow a planned borehole trajectory.

Thomas G. Winner (1917 in Prag geboren; ab 1939 in den USA; 2004 in Cambridge, Massachusetts gestorben) zählte zu den wichtigsten Vertretern der Semiotik in Amerika, gründete er doch an der Brown University das erste Semiotik-Zentrum der Vereinigten Staaten (Research Center for Semiotic Studies).1 Sein nicht minder großes, mit zunehmendem Alter noch wachsendes Interesse galt der tschechischen Avantgarde und dem Prager Strukturalismus,2 dem er in vorliegender Arbeit nicht nur auf inhaltlicher Ebene, sondern auch von seinem methodologischen Zugang her verpflichtet ist. Davon legt bereits ein kurzer Blick in die beigegebene Bibliographie (pp. 179–193) beredtes Zeugnis ab, in der neben Karel Teige, „the Breton of Czechoslovakia“ (p. 18), Roman Jakobson – er zählte zu Winners Lehrern, Freunden (p. 9) und seit 1975 auch Untersuchungsgegenständen – und Jan Mukařovský die am prominentesten vertretenen Autoren sind.

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