La période qui s'étend de la fin des années 1950 à la fin des années 1970 est marquée, en France, par de profonds bouleversements sur le plan politique, économique et social ; bouleversements qui trouvent un écho dans les grandes questions qui traversent le champ architectural. On passera de la Reconstruction de la France toute azimut à la crise urbaine, et du constat d'échec de l'urbanisme moderne au retour à la question de la ville, de l'histoire et des fondements de la discipline architecturale. Cette mutation est vécue et nourrie par la génération des architectes-intellectuels formés dans les années 1960 à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts à Paris. Ayant contribués à la mise en abîme des structures pédagogiques de leur école, ces élèves-architectes sont devenus les acteurs principaux de la fondation des Unités Pédagogiques d'Architecture et de la naissance de la recherche architecturale en France. Portés par la question de l'autoreprésentation, ils revendiquent l'importance d'une ré-intellectualisation de leur discipline et se positionnent à l'encontre d'une pratique architecturale pragmatique. Leurs actions s'expriment, s'articulent et se concrétisent au sein d'une série de revues initiées, fondées et/ou investies par ces acteurs même. Si la question de l'autoreprésentation devient le référentiel et l'enjeu central de ces architectes, c'est au travers de leurs activités éditoriales qu'ils repensent leur enseignement, leur métier et leur pratique. L'objectif de la thèse est de mettre en évidence, d'une part le renouvellement des problématiques et des aspirations de ces architectes français, et d'autre part le rôle productif du dispositif éditorial dans la conception des nouvelles représentations qu'ils proposent. Si leurs activités éditoriales permettent d'articuler les relations entre le champ architectural, leurs positions et leurs aspirations, elles mettent également en évidence en quoi les outils éditoriaux à disposition construisent les différentes facettes de la figure de l'architecte-intellectuel qu'ils désirent devenir. La thèse vise à éclairer l'implication des activités éditoriales sur la pensée architecturale des années soixante, sur le décloisonnement de la pédagogie architecturale et sur la mutation de l'autoreprésentation des jeunes architectes. Elle démontre également en quoi ces revues ont contribué à la mise entre parenthèse de la pratique architecturale qui aboutit in fine à des architectes sans architecture / In France, the period that stretches from the end of the 1950s to the end of the 1970s is marked by major political, economic and social upheavals. These upheavals reverberate in the pressing questions that permeate the architectural field, which passes from the Reconstruction of France to urban crisis, and from the assessment of the failure of modern urbanism, to return to questions of the city, history and the foundations of the discipline of architecture. This transformation was experienced and fostered by the generation of architect-intellectuals trained in the 1960s at the Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. Having contributed to the critical evaluation of the pedagogical structures of their school, these student-architects became the principal actors of the foundation of the Unités Pédagogiques d'Architecture, and of the birth of architectural research in France. Driven by the issue of self-representation, these architects insisted upon the importance of a re-intellectualization of their discipline, and positioned themselves in opposition to a pragmatic architectural practice. Their actions were expressed, revolved around, and were concretized by a series of magazines initiated, founded and/or actively contributed to by these same actors. If the issue of self-representation became the frame of reference and the central concern for these architects, it is through their editorial activities that they rethought their teaching, their profession and their practice. The aim of this dissertation is to highlight on the one hand, the renewal of the issues and aspirations of these French architects, and on the other, the productive role played by the editorial apparatus in the elaboration of the new representations that these actors proposed. If their editorial activities enabled them to articulate the relationships between the architectural field, their positions and their aspirations, they also highlighted to what extent these available editorial tools constructed the different facets of the figure of the architect-intellectual that these young architects wished to become. The dissertation seeks to illuminate the implications of these editorial activities on architectural thought during the 1960s, on the breaking down of established architectural pedagogy, and on the transformation of the self-representation of these young architects. The dissertation also demonstrates to what extent these magazines contributed to the putting aside of architectural practice, and ultimately, to architects without architecture

This is a study of the physical manifestation of the cult of the Virgin Mary in Late Antique Egypt, that is, of the point at which Marian veneration, which scholars generally agree coalesced in the fifth century, spilled over into the physical sphere. Three diverging source materials (papyri/inscriptions, archaeology and iconography) are explored in order to answer the central question, which asks: to what extent does the evidence for the physical materialization of the cult of Mary reflect its geographical and chronological diffusion in Late Antique Egypt? Each of the sources materials are collected and analyzed in an independent chapter. The study begins with the papyrological/epigraphical evidence, as it represents the largest body of materials and offers the most substantial datable evidence. Although the papyri and inscriptions are not themselves tangible manifestations of the cult of Mary, they nevertheless mention at least 23 churches or monasteries that were dedicated to her. In Chapter 2, the extant archaeological evidence supplements the data collected in the textual materials by providing an analysis of the layout and iconographical programmes of the few churches of Mary that are actually preserved. Chapter 3 collects 43 wall paintings that depict Mary and analyzes their varying iconographic patterns and immediate spatial contexts. The individual source materials are then brought together for a broader geographical and chronological investigation, which demonstrates that despite the assumed presence of a cult of Mary by the fifth century, this was only the starting point for the consolidation and diffusion of her cult, which reached its peak in the sixth and, especially, the seventh century. This study is the first synthesis of the physical output of the cult of Mary in Late Antique Egypt and thus advances our knowledge of her integration into the society of Christian Egypt on both the chronological and topographical axes. As such, it is also of importance to studies of her cult elsewhere in the Late Antique world, where sources may not be as plentiful and varied.

Cette recherche se propose de mettre en exergue la place du péché dans les discours déclinés dans le duché de Bretagne du XIIe au début du XVIe siècle. Elle se fonde aussi bien sur les sources écrites (productions pastorales,textes normatifs de l’Église et l’État breton, oeuvres littéraires et moralisantes de la cour ducale) que sur l’iconographie, à travers les sculptures de l’époque romane et de la fin du Moyen Âge.Le péché y apparaît comme une clef de compréhension du monde et de son évolution : présenté comme une causalité historique majeure depuis le début de l’humanité, son instrumentalisation permet de représenter lesvices de l’altérité, liée à l’ethnie ou à la religion, d’appréhender les identités collectives de tout ordre (professionnelles, de classe, d’ordre, de genre), en même temps qu’il rappelle la place de l’individu dans la société. L’association constante des dominés avec les péchés du corps, ainsi que la mise en place d’une véritable géopolitique des princes « pécheurs » ennemis de la Bretagne (cupides, paresseux, homosexuels…), ne sont que deux exemples d’une utilisation socio-Politique des vices.Instrument de culpabilisation issu de la morale chrétienne, le recours massif au péché dans les discours dominants en Bretagne est d’abord lié à la réforme « grégorienne » du XIIe siècle, avant que les lettrés de la courducale des Montfort ne s’approprient ces discours pour légitimer le pouvoir de leur prince. Dans tous les cas, le péché s’impose comme un vecteur essentiel dans l’effort de normalisation morale de la société et du pouvoir au Moyen Âge / This research aims to highlight the place of sin in discourses in the Duchy of Brittany from the 12th to the early 16th century. The study is based on both written and iconographical sources (pastoral care production, normative documents of the Church and the State Breton, literary and moralistic works of the ducal court, sculptures from Romanesque period and late Middle Ages).Sin appears to be a key to understanding the world and its evolution : it is a major historical causality since the beginning of mankind ; it serves the representation of the ethnic or religious otherness ; it is an useful device to apprehend collective identities of any kind (professional, class, order, or gender identities) ; finally, it establishes the place of the individual in society. The recurring association of dominated classes with the sins of the flesh and the appearence of a ‘political geography’ of princes ‘sinners’ enemies of Britain (greedy, lazy, homosexual...) are two examples of a such socio-Political use of vices.As an instrument of guilt trip from Christian morality, the massive use of sin in the dominant discourses in Britain come up from the "Gregorian" reform of the twelfth century. Later, the scholars of the ducal court of Montfort begin to use these discourses to legitimize the power of their prince. In both cases, sin becomes a powerful agent in theeffort to moral normalization of society and power in the Middle Ages

Ce sujet consiste en l'étude des monuments et des images des provinces dans l'empire romain. il n'a jamais été traité dans la bibliographie scientifique dans la perspective de ce travail ce qui rend son approche innovante. il ne s'agit pas seulement de comprendre et d'expliquer la signification ou la typologie de l'iconographie des provinces de l'empire, mais aussi le contexte urbain et architectural de ce type de décoration., et l'histoire qui est à son origine. la mise en rapport entre les représentations et les divers monuments sur lesquels elles s'installent est très importante. a cela on peut également ajouter le contexte urbanistique de ces architectures transmettant l'image provinciale. la nature du monument a toujours un rapport direct avec les représentations qui y figurent, permettant à la fois de définir la nature du monument par rapport à l'iconographie présente ou l'interprétation des images à travers la fonction du bâtiment.sans renoncer aux aspects techniques, ni au catalogue, indispensables pour l'étude générale, cette recherche propose d'étudier l'ensemble de la documentation (iconographique, épigraphique, textuelle) , et d'analyser également la dimension sociale, urbanistique et historique des images des provinces à l'époque romaine.cette recherche est un complèment de la thèse de fabiola salcedo intitulé africa iconografia de una provincia romana, soutenue en 1996, qui est un travail complet sur l'iconographie de la province de l'afrique / This subject consists of the study of monuments and images of provinces in the Roman Empire.

Les rues et les places de Barcelone à l'époque moderne -période assez peu étudiée dans l'histoire de la grande ville méditerranéenne- ont reflété les conséquences d'une série d'événements souvent tragiques tels que la Guerre des Segadors ou les révoltes de 1714. Cette étude a choisi de donner la préférence à l'iconographie comme support original pour évoquer la vie quotidienne. Les documents présentés ici, provenant des archives de la ville s'ajoutent aux études relatives à l'évolution démographique, à l'immigration, aux fêtes civiles et religieuses, à la vie des congrégations et des corporations, au rôle des femmes ou aux grands évènements historiques qui ont marqués l'histoire de la ville. Il est montré comment, tout au long d'une période plus chaotique que "stagnante", la ville a affirmé son identité différente. / The streets and squares of Barcelona in the early modern era - period rather little explored in the history of the Mediterranean big city – have reflected the consequences of a series of often tragic events such as the War of Segadors or the revolts of 1714. This study has chosen to give the preference to the iconography as original support to evoke the everyday life. The documents presented here, proceeding from the city archives add up to studies relative to demographic evolution, immigration, civil and religious celebrations, life of the congregations and the corporations, the role of women or the historical great events which marked the history of the city. It is shown how, throughout one period more chaotic than “stagnant”, the city asserted its different identity.

Esta pesquisa tem como foco a investigação das formas de expressão dos grupos familiares a partir dos espaços da morte da pólis ateniense no período inscrito entre aproximadamente 430 e o final do século IV a.C. Definido em função de um conjunto de mudanças significativas no conjunto arqueológico de contexto funerário no referido intervalo, o recorte cronológico adotado segue, portanto, as pistas de fenômenos da cultura material profundamente interligados e que nos sugerem uma forma peculiar dos grupos familiares se apresentarem e serem vistos nestes espaços. De fato, o desenvolvimento progressivo de novas formas de enterrar, de estruturas tumulares tipicamente clássicas e o surgimento de uma nova série de monumentos funerários com um repertório iconográfico tão original quanto padronizado, constituíram as bases para um estudo da categoria histórica ‘família’ (para aplicarmos um termo genérico, embora desconhecido na cultura clássica helênica em questão, senão como múltiplos termos e conceituações). Partindo majoritariamente de uma documentação de natureza arqueológica, procuramos, no decorrer do trabalho, identificar os principais conceitos e valores produzidos ao longo da trajetória de uso dos espaços funerários pelas famílias e como estes significados resultantes da intervenção direta em tais espaços remetem à dinâmica de reprodução dos próprios grupos e podem ser compreendidos à luz da conjuntura histórica de Atenas do século IV, principalmente. / The research that follows is focused on the investigation of the ways in which family groups expressed themselves within the funerary contexts of the Athenian polis from about 430 to the end of the fourth century. Defined by a set of remarkable changes registered in the archaeological material precisely in this period, the chronological span adopted follows thus the hints of material culture phenomena, all of them deeply interwined, suggesting that the family groups came up with a particular way of exposing themselves to social gazes. As a matter of fact, the development of new ways of burying, the equally new typical Attic tomb structures, as well as a freshly arising series of funerary monuments with new imagery (original and standardized at the same time) set the framework for the study of the historical category so-called ‘family’ by contemporary scholarship. We have chosen a set of archaeological evidences as a starting point so that it might help us to identify the main concepts and values created and performed by the families. We are interested in clarifying how the intervention of families in these spaces can lead us to the dynamic of its own reproduction and ultimately may be articulated to the fourth-century Athens and its particular historical moment.

Private funerary stelae are a vital bundle of material in Egyptological research that may reveal plenty of information in terms of e.g. social structures, religious practices and linguistics. This study examines one stela in particular (NM18) from Museum Gustavianum, Uppsala, that has not yet undergone a full analysis, nor been put into its proper context of the late Middle Kingdom. The present study aims to provide for such a contextualization by identifying and discussing certain features on the stela, such as iconography and orthographic elements. By thoroughly analyzing these elements and putting them in relation to analogous stelae, one may find as to what extent there are unique, conventional and/or modified features on NM18. The study shows that NM18 may be considered a significant object for research that involves late Middle Kingdom stelae. A qualitative approach is applied in order to thoroughly analyze the textual and iconographical content of the stela. / Privata gravstelar utgör ett essentiellt källmaterial inom egyptologisk forskning som kan avslöja stora mängder information gällande exempelvis sociala strukturer, religiös praxis och lingvistik. I denna studie undersöks en specifik stele (NM18) från Museum Gustavianum, Uppsala, som ännu inte genomgått en full analys eller blivit placerad i sin rätta kontext i det sena Mellersta Riket. Med studien ämnas att bidra med en sådan kontextualisering genom att identifiera och diskutera specifika drag på stelen, såsom ikonografi och ortografiska element. Med en grundlig analys av dessa element och genom att sätta dem i relation till jämförbara stelar, kan man utröna i vilken mån det finns unika, konventionella och/eller modifierade drag på NM18. Studien visar att NM18 kan anses vara ett betydelsefullt objekt i studier som involverar sena Mellersta Riket stelar. Ett kvalitativt tillvägagångssätt används för att ingående analysera det textuella och ikonografiska innehållet på stelen.

On connaît le personnage de Mezzetin grâce au portrait qu'en a fait Watteau. C'est sans doute le personnage le Commedia dell'arte le plus représenté dans l'iconographie des XVII et XVIIIe siècles. Ce fut Angelo Costantini qui le rendit célèbre. Or, que sait-on de ce comédien et de son personnage? Né à Vérone en 1654, fils d'un comédien-musicien italien, il débute le théâtre en Italie avant d'arriver en France dans la troupe royale en jouant Arlequin en alternance avec Biancolelli. Celui-ci ne lui laissant pas l'occasion de briller, Costantini songea à jouer des interventions fragmentées, imaginant un nouveau type de personnage, mi-aventurier, mi-serviteur, et surtout musicien: Mezzetino, diminutif de mezzetta, c'est-à-dire "demie-portion". Ce nouveau zanni, entre Scapin et Brighella le rendit populaire et le public, appréciant son visage agréable et son jeu expressif, le poussa à jouer sans masque, à visage découvert. Mais le personnage est-il véritablement de l'invention de Costantini? Cette recherche s'attache à déjouer les préjugés qui accompagnent traditionnellement les écrits sur l'acteur. On ne connaît de lui que son histoire parisienne, il a pourtant marqué son époque, ayant été appelé à jouer dans les grandes cours européennes comme celle de Varsovie, Dresde, Madrid ou encore Londres. Nous avons suivi ses traces dans une première partie pour étudier ensuite le personnage de Mezzetin et des particularités. L'un et l'autre furent-ils indissociables? / .We know the character of Mezzetino thanks to Watteau. He is without doubt the character of the Commedia dell'arte the most painted in the 17th and 18th century iconography. It was Angelo Costantini who made him famous. But what do we know exactly about this comedian and his character? Born in Verona in 1654, son of an italian comedian and musician, he starts to play the theater in Italy before coming in France in the royal troupe. To emphasize, he invents a new type adventurer and servant, but mostly musician : Mezzetino, short for mezzetta, which means half portion. This new zanni between Scapino and Brighella made Costantini famous in Paris. The audience liked him very much and forced him to play without a mask because he was handsome. But the character is it really his invention? In this thesis, we attempt to thwart the prejudices which accompany traditionally the papers on the actor. Costantini marked his time, he was called to play in the biggest european courts (Varsovia, Dresden, Madrid or London). We followed his tracks in a first part to study then the character of Mezzetino and his peculiarities. Were both inseparable?

The subject of this study is to chronicle and elaborate on the existing mural paintings in our territory depicting Passion of Christ in the first half of the 14th century in particular, from the iconographic perspective. The cycles from the first half of the 14th century in this thesis are follows: (i) The Passion Cycle in St. Wenceslas church in Bubovice; (ii) The Passion Cycle in St. George church in Čebín; (iii) The Passion Cycle in St. Peter and St. Paul church in Dalešice; (iv) The Passion Cycle in St. Martin church in Dolní Město; (v) The Passion Cycle in castle Houska chapel; (vi) The Passion Cycle in St. John the Baptist church in Jindřichův Hradec; (vii) The Passion Cycle in St. James the Greater church in Křeč; (viii) The Passion Cycle in Church of the birth of the Virgin Mary in Starý Plzenec; (ix) The Passion Cycle in the Former Johanit Commandery and the Church of St. Prokop at Strakonice. Keywords: mural painting, 14th century, The Passion of Christ, iconography

The aim of this study is to describe the evolution of knowledge and representation of an animal – elephant – from Antiquity to the Middle Ages up to the 13th century in the West and to demonstrate continuity and changes, from one civilization to another, especially in its visual representations. We tried to introduce the fruits of contemporary study of philosophical and ethical thought on the animal and its relationship with man, represented especially by Jacques Derrida and Giorgio Agamben. The study therefore, discusses not only the relationship between man and the elephant, but also includes a consideration of the attitude of man toward the animal in general, a theme discussed already by Philon and Plutarch. The study takes a similar approach with the study on the monster which became more popular after the 1980s. Study of the monster raises questions on the relationship between "ourselves" and "the others" and on the boundary between them. The relation between "us human beings" and "monsters" can be projected on the relation between "us human beings" and "the animals except men". In Judaism and Christianity, man is created in the image of God and placed at the pinnacle of the hierarchy of the creatures. He is allowed by God to exercise dominion over other animals (and to eat them). Domination of other peoples (including monstrous races) is justified by the idea that other peoples lack reason just as animals lack it. Because of its huge size, peculiar appearance, and remarkable intelligence, the elephant is one of the most surprising pieces of the evidence of God's marvellous Creation. That is why scenes of the "creation of the animals", "Adam naming animals" and Noah's Ark often included the elephant. In particular, the elephant's trunk was praised as a mystery of creation from the time of Aristotle and Pliny. However, the elephant was often considered half animal, half monster, and in consequence "other" par excellence. It is illustrated on the Souvigny Pillar with monsters and monstrous races. Therefore, the elephant was used sometimes as a symbol of "appropriation" of other peoples and their culture by Europeans, as in portraits of Alexander the Great and the Diadokoi wearing exuviae elephantis, head dresses made from elephant's scalp. To analyse visual images, we took into consideration various factors that form an image, such as artists' scientific knowledge of the animal, influence from the words (written or pronounced), use of model books, transmission of iconography among itinerant artists and ateliers, and the imagination of artists and programme makers who tend to fill any lack of information by knowledge of other animals, etc. Minute observation on some details of the visual representation of the elephant helped to reveal some aspects of the inter-relationship of various factors, especially between text and image. / Ce travail cherche à suivre le fil de l'évolution des connaissances sur un animal- l'éléphant- et sa représentation de l'Antiquité au Moyen Age dans l'Occident pour en éclaircir les continuités et changements notables. Nous avons cherché à situer nos recherches sur l'iconographie concernant l'éléphant dans le courant contemporain de pensée philosophique et éthique sur les animaux, représentée par Jacques Derrida et Giorgio Agamben notamment. C'est pourquoi les considérations sur l'attitude de l'homme contre l'animal en général, à partir de Philon et Plutarque occupe une partie assez importante de notre thèse. Nous avons adopté une approche similaire à l'étude sur le monstre qui a connu un développement remarquable surtout après les années 80. Les études sur les monstres adressent des questions concernant les rapports entre "soi " et "les autres" et les limites entre eux. Les rapports entre "nous" et "les monstres" sont une projection des rapports entre le "nous homme" et les "autres animaux excepté l'homme". L'homme est créé à la ressemblance de Dieu dans le Judaïsme et le Christianisme. Mettre sous la domination les autres peuples, dont aussi les peuples monstrueux se justifie par leur identification aux animaux dépourvus de raison. L'éléphant constitue une évidence de la grande variété de l'œuvre créatrice de Dieu par excellence, mais dans le même temps il a été considéré mi animal mi monstre à cause de sa dimension et de sa forme particulière. Il a été connu presque toujours comme africain ou indien et donc "étranger", et en conséquence "autre". La représentation visuelle de l'éléphant est donc utilisée quelquefois comme symbole d'appropriation d'un autre peuple et de sa culture par les Européens. Notre travail reconnait que les représentations visuelles de l'éléphant n’oscillent pas seulement entre les deux pôles de " réel" et "non réel", mais qu'elles consistent plutôt en divers éléments. Ces éléments sont: la connaissance scientifique sur l'animal, l'influence directe des mots (écrits et émis par la voix), l'usage de modèles visuels (carnet des modèles), la transmission par les artistes itinérants, l'action de l'imagination de l'artiste ou du programmateur iconographique qui essaie de combler l'information manquante par la connaissance sur d'autres animaux, etc. On ne connait pas bien les rapports entre celui qui a commandé l'objet d'art ou l’édifice, l'auteur du programme iconographique et l'artiste ou constructeur au Moyen Age, et vérifier les relations entre ces éléments n'est pas facile, mais l'observation de certains détails a permis d'en mettre au clair quelques éléments. / Doctorat en Histoire, art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished