Principal centre d’imprimerie du XVIe siècle, rassemblant les auteurs et les forces artistiques du royaume, Paris offre un échantillon parfait pour l’étude de l’illustration à la Renaissance. De 1530 à 1580, la typographie parisienne intègre des influences issues des éditions humanistes italiennes et des particularités artistiques de l’école de Fontainebleau. La participation des peintres à la préparation des illustrations est un fait clairement établi : les noms des dessinateurs sont parfois cités sur les pages de titre et dans le texte des éditions. Cependant, les modalités de leur collaboration avec les différents métiers du livre restent à préciser. Soumis à la commande des éditeurs et au contrôle des auteurs, contraints par la technique de l’élaboration du livre imprimé, les illustrateurs étaient amenés à s’adaptent à ce nouveau médium. Par ailleurs, la diffusion massive des images imprimées a, elle-même, bouleversé les pratiques artistiques. Associant l’étude des œuvres et la recherche des témoignages d’archives, cette étude se retrouve à l’intersection de l’histoire de l’art et de l’histoire du livre. Cette approche croisée permet de déterminer plus précisément la place des peintres dans le monde du livre imprimé parisien et d’analyser en détail leurs réseaux professionnels. La reconstitution des corpus d’illustrations permet l’étude plus précise d’un certain nombre d’artistes particulièrement actifs dans ce domaine, tels que Jean Cousin père, Baptiste Pellerin, Geoffroy Ballain et Charles Jourdain. / Paris presents a prefect example for the study of the book illustration as the main center of printing in the 16th century and where the prolific authors and the artistic forces of the Kingdom concentrated. From 1530 to 1580, Parisian typography integrated the influence of Italian humanist editions and the artistic particularities of the Fontainebleau school. The participation of painters in the preparation of illustrations is a well-known fact: we can sometimes find their names on the title pages and in the texts of books. However, the terms of their collaboration with other book printing trades are still to be clarified. Dependent on book publishers’ command, subjected to the authors’ control and limited by the book printing techniques, the illustrators had to adjust to this new medium. Besides, the massive diffusion of printed images profoundly changed artistic practices. Combining the study of artworks and archives, this research is at the junction of art history and book history. This complex approach highlights the place of painters in the world of the Parisian book printing and allows an analysis of their professional networks. The reconstruction of illustrations corpuses enables the study of the career of some Parisian artists who were particularly active in this field, such as Jean Cousin the Elder, Baptiste Pellerin, Geoffroy Ballain and Charles Jourdain.

Cette thèse porte sur l’étude des sanctuaires antiques arméniens depuis la période hellénistique jusqu'à la période chrétienne, qui marque le changement de religion et l’abandon progressif des temples païens. Ce travail est basé sur l’étude des sources historiques et sur les données de fouilles archéologiques. Il s’agit de savoir où se trouvaient les temples païens en Grande Arménie. En corollaire, différentes interrogations sont venues progressivement s’ajouter à cette première question. Il fallait, une fois ces temples identifiés, les étudier en les classant par catégorie et par type afin de comprendre leur statut dans la société païenne. Enfin, leur disparition pose la question de leur destinée et engage à étudier plus généralement la destruction des sites païens lors de la christianisation de l’Arménie. / This thesis deals with the study of ancient Armenian sanctuaries from the Hellenistic to the Christian period, which marks the change of religion and the gradual abandonment of pagan temples. This work is based on the study of historical sources and data from archaeological excavations. The question is knowing where the pagan temples stood in Great Armenia. As a corollary, various questions have gradually been added to this first one. Once these temples had been identified, they have to be studied by classifying them by category and type in order to understand their status in the pagan society. Finally, their disappearance raises the question of their destiny and commits to study more generally the destruction of the pagan sites during the Christianization of Armenia.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal. / Dans le cadre de ce mémoire, nous étudions les artistes en tant que public des arts et de la culture au Québec. Nous allons donc principalement nous intéresser à leur consommation culturelle et non à leur création. C'est en posant l'hypothèse que les artistes constituent un public spécifique face aux arts que nous abordons cette recherche. Leur spécificité, à la différence de certaines autres catégories socioprofessionnelles, tiendrait à leur compétence due à une plus grande familiarité avec le monde de la culture, puisqu'ils en sont aussi des producteurs. Pour cerner les différentes approches qui étudient les pratiques culturelles d'une population, nous avons choisi de présenter dans une première partie, les enquêtes qui nous semblaient les plus pertinentes pour notre étude comme celle dirigée par Rosaire Garon au Québec et celle dirigée par Olivier Donnât2 en France. Dans ces enquêtes, on nous expose quelles sont les pratiques culturelles les plus répandues au sein de la population. En les comparant avec celles des artistes interrogés dans le cadre de notre recherche, nous voulons montrer que les différences notées dans leur consommation culturelle, tiennent en partie à une conception spécifique qu'ils se font de la culture. Cette conception à laquelle s'ajoute une formation scolaire élevée engendreraient un comportement culturel typique à la profession d'artiste, qui se caractériserait par la volonté d'établir une certaine qualité dans la relation à l'objet culturel ou encore par la recherche d'une certaine authenticité dans ce rapport. La contribution de ce mémoire dans le champ de la sociologie de l'art a pour objectif de mettre en lumière sous un angle nouveau, la façon de considérer le rapport à l'art et à la culture afin de mieux comprendre les disparités qui existent entre les goûts chez certains groupes sociaux.

Aquest tesi doctoral es presenta com una aportació dins de l'activitat d'investigadora corresponent a la història de l'art valencià. Gràcies a l'anal'tica i l'estudi en profunditat de la documentació es pretén recuperar un buit historiogràfic, especialment dels pintors, però també d'altres artífexs i les seues obres, dintre del marc històric de la València dels segles XIII al XV. Per la qual cosa, i en primer lloc, hem recollit les fonts d'informació publicades, fent una exhaustiva revisió de les mateixes per a extraure aquells documents publicats, a més d'exhumar nombrosos documents inèdits per desenvolupar aquesta investigació sobre els pintors valencians i altres artífex, gràcies a lo qual hem pogut realitzar un discurs sobre l'activitat artística, social i particular de tots ells, resultant poder dispondre d'una nombrosa quantitat de fitxes d'artífexs, amb la sua documentació, per a futures investigacions. / Mocholi Roselló, A. (2010). Estudi dels documents dels pintors i altres artífexs valencians. Segles XIII, XIV i XV (1238-1450) [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/8606

Si plusieurs femmes surréalistes ont reçu une attention méticuleuse dans les dernières décennies, Mimi Parent reste toujours méconnue du grand public et de la sphère académique. Puisqu’il n’existe pas encore de monographie à propos de l’artiste surréaliste d’origine montréalaise, ce mémoire se veut une première tentative de compte-rendu sur sa carrière. Ainsi, selon une perspective féministe, l’absence de Parent dans les grands récits artistiques du surréalisme et de l’histoire de l’art est interrogée de façon critique. Ce projet consiste donc à recontextualiser sa carrière par une approche biographique et chronologique. Par une analyse approfondie de sa production artistique et de ses manifestations contestataires, leurs aspects politiques, collaboratifs et surréalistes sont soulignés et expliqués. Parallèlement, l’originalité et la complexité narrative de ses œuvres sont dévoilées. Grâce à un examen attentif de la littérature surréaliste, les concepts psychanalytiques et alchimiques qui sous-tendent sa production sont mis en évidence. Par ailleurs, ce mémoire s’insère également, en second plan, dans une révision académique du surréalisme français qui atteste de son activité artistique et politique effervescente de la fin de la Seconde Guerre mondiale jusqu’à sa dissolution « officielle » en 1969. Enfin, grâce aux études de genre, l’existence subversive de Parent est mise en lumière. En ce sens, tout au long de sa carrière, même de façon inconsciente, elle conteste les structures patriarcales et binaires de la société et du groupe surréaliste. De ce fait, elle s’oppose également aux impératifs politiques et sociaux que subissent les femmes. De surcroît, son identité féminine perturbe les normes masculines associées au statut d’artiste. / Although a growing number of surrealist women artists have received serious critical attention, this has not yet been the case for Mimi Parent, who remains relatively unknown. No monograph has yet been published dedicated to this major surrealist artist. This dissertation is therefore intended to provide the first scholarly overview of her career. Born in Montreal, Parent would subsequently base herself in Europe where she was an important member of the surrealist movement, yet she is frequently marginalized in histories of surrealism. Through adopting a feminist critical framework combined with biographical insights and close analyses of artworks from across her career, this monograph questions why her contributions have been sidelined. The close readings of specific artworks explore their political, collaborative, and surrealist dimensions. This dissertation foregrounds Parent’s originality and the narrative complexity of works such as her tableaux boxes. Through a careful examination of Surrealist literature, the psychoanalytic and alchemical concepts that inform her artistic practice are highlighted. This monograph also reveals Parent’s subversive engagement with issues of sexual difference, showing ways her works can be read as challenges to patriarchy and to binary notions of gender. Her art actively disrupts masculine social norms and standards associated with artmaking and the figure of the artist. Finally, this dissertation also contributes to the ongoing academic revision of French surrealism, attesting to the movement’s important postwar artistic and political activities until its “official” dissolution in 1969.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2019 / Le présent mémoire porte sur un aspect encore peu étudié de l’art de Paul Sérusier (1864-1927), peintre originaire de Paris, théosophe et fondateur du groupe des nabis. L’étude se concentre sur l’art essentiellement gynophile de l’artiste au cours de sa « période Huelgoat », c’est-à-dire sur les figures féminines réalisées entre 1891 et 1893 lors de ses séjours estivaux au Huelgoat, en Bretagne. Un ensemble de soixante-quinze œuvres a été collecté et analysé de manière comparée et systématique. Ces productions sont d’ordinaire associées à cette seule région de France, dont elles offriraient un portrait supposément authentique. Une analyse détaillée de l’œuvre et de l’univers intellectuel du peintre permet de montrer que Sérusier développe des archétypes à travers ses représentations de Bretonnes. Trois se distinguent parmi le lot d’images observées : la « jeune fille à la faucille ou la Fiancée de la Mort », la « grand-mère ou Mamm-gozh », ainsi que la « Bretonne à la cruche ou l’Épouse ». Dépassant l’interprétation courante de ce corpus comme étant le fruit d’une imagerie bretonne en vogue, l’auteure estime qu’il faut en considérer la dimension symbolique. Peintes sous une apparence prosaïque, ces femmes semblent poser la question la plus fondamentale de la condition humaine : celle des Origines de l’Homme. Par elles, Sérusier tenterait de répondre aux interrogations répandues à la fin du XIXe dans les milieux symbolistes : d’où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ? Cette étude s’applique à replacer le peintre dans le contexte du symbolisme artistique et du renouveau spirituel qui caractérisèrent l’aube du XXe siècle.

Ce mémoire dégage une réflexion sur le concept de beauté et sur la quête d'un idéal. Trois notions sont développées et dévoilent mes principales préoccupations : Le beau, l'hybridité et l'androgynie. Ce qui m'anime dans cette recherche, ce sont les relations étroites entre ces trois idées. L'étude des genres et de l'identité sexuelle est proposée et engendrée par les caractères opposés qui découlent de ces trois concepts. Du beau il y a l'étrange et le monstrueux, de l'hybridité il y a fusion de deux entités, et de l'androgynie, il y a évidemment les genres masculins et féminins mais aussi le caractère monstrueux de l'hybride puis la pureté (reliée au beau) de l'être asexué. De ce fait, le sujet de l'androgynie est une synthèse qui unit les points d'ancrage de cette recherche. À partir de lectures philosophiques et sociologiques, j'établis un parallèle entre mon travail et les différentes symboliques de ces idées. Tout en puisant dans un univers de références mythiques, l'élaboration de mon oeuvre oscille entre le fictif et le réel, par des rencontres fortuites entre la bande-son et les trois tableaux vidéographiques présentés en triptyque.

Ce mémoire de maîtrise vise à comprendre le symbolisme de la mosaïque de Ganymède de la Maison de Dionysos à Néa Paphos (Chypre) datée de la fin du IIe ou du début du IIIe siècle p.C. et à préciser le contexte d’utilisation de la salle. Ce double questionnement découle de l’observation des motifs géométriques associés à la scène qui représente l’enlèvement de l’éphèbe troyen par un aigle. D’une part, la nature du « fleuron », associé au panneau figuratif, est analysée à l’aide de documents iconographiques et de textes anciens. Les résultats de cette analyse permettent de discuter du sens symbolique, idéologique ou philosophico-religieux que ces motifs confèreraient à la scène. D’autre part, la disposition des « fleurons » et des autres motifs géométriques suggère que la salle aurait pu être utilisée dans un contexte précis. Outre ces indices décoratifs, la fonction de la salle est aussi discutée selon les données architecturales et planimétriques. Certaines conclusions sur le symbolisme, qui découlent de l’étude de la mosaïque de Ganymède, sont ensuite confrontées à certains pavements figurés de la domus. / This masters essay aims to understand the symbolism of the Ganymede mosaic of the House of Dionysus in Nea Paphos (Cyprus) dated to the end of the 2nd or the beginning of the 3rd century AD and to determine the room’s use. This double inquiry arises from the observation of the geometric details associated with the scene representing the rapt of the Trojan ephebe by an eagle. Firstly, the nature of the "rosette" associated with the figurative panel is analyzed with the iconographic documents and the ancient texts. The results of this analysis allow us to discuss the symbolic, ideological or philosophical-religious meaning that motifs would confer on the scene. Secondly, the arrangement of the "rosette" and other geometric patterns suggests that the room could have been used in a specific context. In addition to these decorative clues, the function of the room is also discussed according to architectural and planimetric data. Some conclusions about the symbolism that emerge from the study of the mosaic of Ganymede are then confronted with certain figured pavements found in the domus.

Ce mémoire tente de répondre à la question suivante : quelle est la fonction culturelle de l'art chez le jeune Nietzsche et quel est son aboutissement ? Afin d'y répondre, nous avons choisi de nous attarder tout d'abord aux Considérations inactuelles dans lesquelles Nietzsche aborde les problèmes que pose la culture de son époque. Suit ensuite dans notre mémoire les analyses de La naissance de la tragédie. Nietzsche y aborde la notion de culture chez les Grecs, plus particulièrement les concepts de culture artistique, culture tragique et culture socratique. Dans le chapitre 3, nous analysons la figure du surhomme qui est, selon nous, au cœur du projet nietzschéen. L'art se trouvera analysé dans tous les chapitres, car il est le moteur même de la culture. Les grands artistes sont les puissances à l'œuvre dans celle-ci et une vision artistique tragique de la vie est ce qui anime Nietzsche lui-même.

Le mémoire a pour objectif de déterminer la position de l'encadrement juridique face aux expressions artistiques. Ainsi, il s'agit de déterminer les implications de la morale dans le droit entourant les expressions artistiques. Plus précisément, il conviendra de déterminer, si à l'aune de la jurisprudence et des textes en vigueur, le droit se présente comme un protecteur des expressions artistiques face à des attaques teintées de la morale. Ainsi, toutes les expressions artistiques seront prises en compte afin d'étudier l'amplitude de la liberté de création et les différences de traitement que chacune implique. Dès lors, l'angle de la propriété industrielle sera laissé de côté pour se focaliser sur ces expressions artistiques. En effet, sans nier l'implication de la morale dans le domaine de la propriété industrielle ; ces limitations ne feront pas l'objet d'une étude. Selon le constat réalisé, le projet de recherche a pour objectif de présenter des solutions ou de rappeler l'existence de dispositifs existant et permettant d'isoler morale et art. Notamment, le droit positif offre des outils pertinent afin de plaider en faveur des expressions artistiques tels que le droit d'auteur, la fiction qui a un régime favorable devant les tribunaux, les libertés fondamentales mais aussi la théorie de l'autonomie de l'art. De plus, le projet de recherche s'inscrit dans une dynamique de droit comparé entre le système juridique Français et Canadiens. Cette approche comparée permettra de mettre en lumière des causes communes de limitation de la liberté de création et des mécanismes communs. De même, l'étude de la jurisprudence et de la doctrine des deux pays sera l'opportunité de découvrir des solutions aux limitations excessives à la liberté de création.