Redonner une vie à un objet et à un matériau destinés à la destruction et à la disparition est devenu une préoccupation pour maints créateurs. Ce phénomène de détournement de l'usage de l'objet passe par le truchement et l'ingéniosité des mains de l'artiste pour devenir un objet d'art ou être prétexte à faire œuvre de création artistique. Ce détournement en acte de l'objet illustre parfaitement la porosité entre la sensibilité de l'artiste et son milieu de vie ou d'extraction. À cet égard la perméabilité de l'artiste à son milieu de vie analyse le renouvellement des visions, des pensées et des sensibilités que permet ce nouvel agencement des matériaux. Preuve en est ainsi faite que ni la pauvreté, ni l'abondance ne peuvent être des obstacles à la création, encore moins des freins à celle-ci. Et si l'objet perd ainsi sa fonctionnalité pratique et sociale pour laquelle il a été pensé, conçu et confectionné, il n'en est pas moins un dispositif de renouvellement du regard. De la fonction utilitaire première, il acquiert d'autres fonctions formelles dont celle de support de création esthétique aux enjeux divers. L'étude a pris en compte les années succédant aux indépendances des pays africains en général et du Sénégal en particulier. Ces indépendances projetaient de bâtir des nations, de créer et de développer des systèmes éducatif et judiciaire, et de préserver l'intégrité territoriale de ces nouveaux pays.C'est dans ce contexte politique et à la lumière de la politique culturelle, ainsi qu'à l'évolution de la première génération d'artistes que nous avons tenté de montrer la manière dont l'art de la récupération s'est introduit dans le langage ou l'expression plastique des artistes sénégalais contemporains.

Comparé à l'art contemporain chinois qui ne cesse de caracoler en tête du marché de l'art, le design graphique est un objet artistique, industriel et populaire, modeste dans ses ambitions culturelles. Toutefois ses enjeux présentent un important intérêt scientifique dès lors que toutes les productions spécifiques du design s'adressent davantage au peuple chinois qu'aux étrangers. Soumis à des commanditaires économiques et politiques, le design graphique en tant qu'objet de recherche témoigne non seulement des luttes existant à l'intérieur du champ du design chinois mais également de celles qui se livrent en pleine Chine postmoderne. Dans le cadre théorique des Etudes Culturelles, cette thèse considère que le design graphique recèle une fonction sociale et politique significative en Chine, dont les enjeux excèdent ceux que l'on pense être susceptibles de répondre à une simple fonction de communication commerciale. A partir d'analyse de quelques productions graphiques emblématiques historiques, cette recherche s'interroge sur la réactualisation de l'identité culturelle chinoise, en crise aujourd'hui. Au cours des périodes moderne, maoïste et postmoderne, le design graphique n'a cessé de participer à l'esprit du temps dominant. En tant que dispositif actif, socio-formant l'esprit et relevant de la culture, le design graphique intervient dans les processus de construction identitaire individuelle et collective. Cette recherche, après avoir rendu compte des rapports parfois ambigus ou incertains, exercés par les modèles graphiques hégémoniques et concurrentiels, s'attache à décrypter les actuelles tensions révélatrices de valeurs et visions du monde contradictoires.

Ma démarche de recherche comme de création s'articule autour de l'animalité dans ses relations avec l'art d'une part et autour des notions-clés que sont l'anthropomorphisme animal, le zoomorphisme, la métamorphose, la figure animale et l'hybridation, constantes thématiques, iconiques et plastiques de mes travaux d'autre part. Comment et pourquoi l'artiste convoque-t-il l'animal de manière récurrente et diversifiée ? Comment ont pu se jouer entre l'homme et l'animal, mais aussi aujourd'hui de manière frappante, des complémentarités physiques et matérielles, des affinités mentales, des tensions exacerbées ? Si l'animal est le témoin excentré du fonctionnement de nos sociétés, tel un miroir déformant et critique, que révèle sa figure aux prises avec l'art de nos comportements de bête sociale et de la relation que nous entretenons avec lui ? Le recours à des concepts émanant de différentes disciplines, en particulier des sciences humaines, a irrigué et éclairé les analyses d'œuvres : les nôtres, celles de l'art d'hier et d'aujourd'hui. Il s'en est dégagé leur densité sémantique quant à la teneur du lien qui nourrit le binôme homme-animal, que les situations mises en scène soient fictives ou réelles. Le parallèle entre pratiques d'expression plastique (imitation, caricature, assemblage, mise en scène) et figures de style (métonymie, métaphore, comparaison, allégorie) au sein des processus cités plus haut vise à mettre en valeur le caractère discursif des œuvres choisies. La convocation de l'animal bénéficie ainsi, au sein de notre thèse, d'une triple définition. L'image de l'animal, reflet et mémoire de notre humanité, accompagne l'homme, tel le paradigme - modèle vivant ou image modèle -, d'une certaine identité de l'homme - ses fragilités, ses révoltes, ses excès, ses obsessions, etc. La figure de l'animal est aussi à entendre comme une médiation, réussissant là où l'attaque et le dialogue directs ne sont plus possibles, parvenant à concilier les contraires. Ainsi investie, l'image ambigüe ou ambivalente de l'animal donne lieu à la multiplicité, à une extraordinaire fertilité iconographique et artistique. Ses figures, au défi de la forme monolithique, sont rarement isolées ; elles se croisent, se mélangent et s'interpénètrent.

Jean Cousin a suscité différentes formes de réception, révélatrices des enjeux discursifs des historiographes. De même, l'analyse critique des textes qui ont été produits sur l'Eva prima Pandora a fait émerger plusieurs problématiques inhérentes au processus de l'interprétation des œuvres d'art, au discours produit sur la peinture. À partir d'un contexte documentaire lacunaire, qui concerne autant le peintre que son tableau, les auteurs ont crée des fictions révélatrices de leur orientation méthodologique et des attentes de leur époque d'expression.Nous porterons donc un regard critique sur la construction mythique de l'image de l'artiste qui s'est opérée dans les différents textes consacrés à la vie et à l'œuvre de Jean Cousin. De même, à travers les propositions sémantiques qui ont été faites de la peinture, nous mettrons en évidence les présupposés théoriques et méthodologiques du discours produit par les interprètes, afin de montrer les limites de leur démarche. Partant de ce constat, prenant en compte les différentes pistes de réflexion récemment ouvertes par l'histoire de l'art, nous étudierons l'Eva prima Pandora, en portant notre attention sur le VOIR, sur le processus de création picturale, sur la nature des intentions de Jean Cousin alors qu'il peignait l'Eva prima Pandora.

Le sujet traite de l'originalité de l'atelier de sculpture des Rosset de Saint-Claude dans le Jura (France) actif du XVIe au XIXe siècle. Original par sa production familiale d'objets d'art en ivoire et en marbre qui connut une diffusion européenne grâce aux portraits de Voltaire. Sculpteurs d'intérieur et "en petit", engagés dans le débat des Lumières, les Rosset sont aussi des statuaires comtois renommés et des peintres locaux. Le sujet est centré sur le XVIIIe siècle autour de l'œuvre de Joseph Rosset (1706-1786) âme de l'atelier, créateur de modèles réputés et que ses cinq fils, tous artistes, produiront en série avec lui et, après sa mort de manière indépendante, adaptant leur œuvre à l'évolution des goûts : Jean François alias Joseph Rosset (1734-1783) orfèvre, Jean-Joseph-Nicolas Rosset (1737-1809) prêtre et peintre, Jacques-Joseph Rosset (1741-1826), François-Marie Rosset (1743-1824) peintre voyageur en Turquie d'Asie et sculpteur et Claude-Antoine Rosset (1749-1818) peintre et sculpteur. Le volume I (265 pages). Le premier chapitre retrace l'histoire de l'atelier présent à Saint-Claude depuis le XVIe siècle, analyse le contexte du travail et la position sociale bourgeoise de la famille de Joseph Rosset au XVIIIe siècle. Le chapitre deux présente de manière critique la biographie de Joseph Rosset, dégage les caractères de son œuvre à tête de Janus, le sacré et le profane, à l'image de ses convictions, de sa foi religieuse catholique et de ses idées politiques libérales, qui met son art au service des Lumières. Enfin, un troisième chapitre, analyse l'œuvre de ses fils dans la continuité politique de l'idéal de leur père ; ils participent en citoyens à la mise en œuvre des réformes libérales de la Révolution. Le volume II (587 pages) présente le catalogue raisonné de l'œuvre de Joseph Rosset (1706-1786), tome 1, les œuvres religieuses, tome 2, l'œuvre en ivoire de l'atelier Rosset et, tome 3 l'œuvre profane en marbre. Le volume III (491 pages) est le catalogue raisonné de l'œuvre sculpté et peint de ses fils : tome 1, l'œuvre graphique et sculpté de Jacques Rosset (1741-1826) ; tome 2, l'œuvre peint et sculpté de François Rosset (1743-1824) ; tome 3 l'œuvre sculptée d'Antoine Rosset (1749 - 1818).

Résumé. L'art intègre parfois dans ses processus créatifs les témoignages corporels, sexuels, personnels et subjectifs/subjectivants de l'artiste, mais aussi de sujets sociaux qui s'opposent aux constructions sociales et culturelles imposées par le(s) biopouvoir(s) hégémonique(s). Cette thèse présente un art biocritique capable de reconnaître la potentialité esthétique et artistique des témoignages et des vécus qu'il intègre en tant que matériel plastique à sa biocritique artistique. Elle a pour objectif de proposer une théorie et une méthode de déconstruction esthétique permettant d'observer et de rendre observable les potentialités esthétiques des corporalités et sexualités subjectivantes considérées comme " abjectes " par le biopouvoir en tant qu'actions biocritiques esthético-politiques. Pour ce faire, le présent travail a mis en valeur la potentialité esthétique de l'autoérotisme et de l'orgasme, en tant qu'actions biocritiques menées dans le cadre de " l'Œuvre multiorgasmique collective ".

Mediante la lectura de las revistas “Film Ideal” y “Nuestro Cine” y el testimonio de quienes fueron responsables o críticos de ambas, en esta tesis se determinan las características de las tendencias más significativas dentro de la crítica cinematográfica especializada en España durante la década de los 60.

Originally presented as the author's Thesis (doctoral)--Universität Münster, 1991. / Includes bibliographical references (p. 349-361) and index.

Thesis--Paris I, 1976. / Includes bibliographical references (p. 2-20).

Originally presented as the author's Thesis (doctoral)--Universität Münster, 1991. / Includes bibliographical references (p. 349-361) and index.