J'ai obtenu les autorisations de la part des trois maisons d'édition Points, le Castor Astral et White Pine Press pour la reproduction d'extraits de quelques poèmes qui figurent dans les recueils suivants: L'invention des désirades (Daniel Maximin), A little bird told me, Un pipiri m'a dit (Olive Senior) et With eyes and soul: Images of Cuba (Nancy Morejon). Il s'agit des trois œuvres qui composent mon corpus littéraire principal. / Dans ma thèse qui s’intitule, Poétiques des passerelles caribéennes et transcaribéennes : Résonances entre les musiques et les littératures, je crée un paysage de réflexion à travers une dynamique transdisciplinaire, à la croisée de l’histoire, de la musicologie, de l’économie et des enjeux écologiques de ces régions. À travers la mise en relation des poétiques littéraires et musicales du jazz caribéen et du latin jazz, je me demande dans quelle mesure les artistes articulent des sentiers communautaires pour envisager à travers une perspective à la fois caribéenne et transcaribéenne, des horizons communs de vivre-ensemble et d’engagement interreliant la diversité des vitalités écologico-culturelles et sociales. Par la même occasion, je réfléchis aux façons dont on peut déceler à partir de ces poétiques, l’expression des sensibilités méditatives des artistes qui se forment à travers un réseau de vibrations, composé des chants, rythmes poétiques, naturels et musicaux émis par ces communautés pour tisser une nouvelle partition de présence et de poté mannèv communautaire dans la Caraïbe et dans le monde. De la Martinique en passant par la Guadeloupe, la Dominique, Haïti, Cuba, la Jamaïque et Trinidad et Tobago, c’est avec ma conceptualisation des passerelles que je propose à travers les socles de l’intermédialité, de l’interculturalisme et des communautés écologico-culturelles de mettre en lumière les visions et contributions des artistes telles des sèves qui ne demandent qu’à éclore dans l’esprit des lecteurs et du public pour penser, imaginer et méditer à des façons d’habiter et de résister en conscience et en créativité dans les îles caribéennes et à plus large échelle relationnelle, dans le monde. / In my doctoral research, Poetics of Caribbean and transcaribbean bridges: Resonances between literature and music, I aim to create a reflexive and transdisciplinary landscape, intertwining history, musicology, economic and ecological challenges of those insular areas. Enlacing literary and musical poetics (particularly in Caribbean jazz and Latin-jazz), I reflect on the ways in which artists create new community paths to build through a Caribbean and transcaribbean prospective, common horizons of living together that unify ecological-cultural and social beings. Besides, with those artistic pieces, I stress the expression of meditative sensitivities which articulate themselves through a vibrant network composed of songs, poetic, natural and musical rhythms, coming from those communities to forge a new partition of presence and poté mannèv in the Caribbean and in the world. From Martinique, moving to Guadeloupe, Dominica, Haiti, Cuba, Jamaica, Trinidad and Tobago, I propose with my intermedial and intercultural concepts of bridges and ecological-cultural communities to envision the artistic visions and contributions like seeds that could potentially blossom in the spirit of the readers and listeners, leading them to imagine, think and meditate upon alternative ways of living and resisting with awareness and creativity in the Caribbean archipelago and through a wider scale, in the world.

Cette thèse s’intéresse à l’action stratégique des artistes en arts visuels qui est dédiée à l’amélioration de leurs conditions de travail. Elle cherche à comprendre comment les centres d’artistes autogérés (CAA) situés à Montréal participent au développement, par les artistes, de stratégies visant à leur permettre de se maintenir dans des carrières marquées par la précarité. Cette recherche s’inscrit dans la problématique entourant l’émergence de nouvelles formes d’action collective qui visent à contrer la précarisation croissante des marchés du travail et de l’emploi. Sur le plan théorique, elle s’appuie sur trois grandes approches sociologiques : la sociologie interactionniste des mondes de l’art de H. S. Becker (1982), la sociologie structuraliste du champ de la production culturelle de P. Bourdieu (1993) et la socio-économie interactionniste des champs d’action stratégique de N. Fligstein et D. McAdam (2011). La posture épistémologique de cette recherche consiste à restituer la parole aux acteurs afin de cerner le sens qu’ils accordent à la précarité de leur travail et d’identifier les stratégies d’amélioration du travail dans lesquelles ils sont engagés. En nous appuyant sur des sources qualitatives, nous avons réalisé une étude de cas multiples correspondant à quatorze CAA situés à Montréal. Au total, cinquante-cinq personnes ont participé à cette recherche. Cette recherche souligne les effets structurants de l’encastrement du champ culturel dans le champ étatique sur les systèmes de distribution des ressources et des inégalités qui affectent les artistes intégré·e·s et les CAA. Elle montre aussi comment le passage du temps influence (1) le rapport que les artistes entretiennent face à la précarité de leur travail et (2) leurs stratégies d’amélioration du travail. Celles-ci revêtent généralement une nature spontanée et éphémère et elles mobilisent peu les outils formels de régulation prévus à cet effet, incluant la Loi sur le statut professionnel des artistes des arts visuels, des métiers d’art et de la littérature, ainsi que sur leurs contrats avec les diffuseurs (RLRQ, S-32.01). Leur impact sur l’amélioration durable et significative des conditions de travail des artistes apparaît limité. Cette recherche montre aussi que les CAA participent plus ou moins aux stratégies d’amélioration du travail des artistes. La nature et le degré de leur soutien varie notamment en fonction de leurs structures et de leurs politiques organisationnelles, ainsi que de la volonté des artistes de les impliquer dans ces processus. Plusieurs centres expérimentent cependant de nouvelles formes de soutien économiques et relationnelles aux artistes dans les limites de leurs contraintes organisationnelles. Au sein de ces CAA, on observe un recours croissant à des pratiques plus ou moins institutionnalisées qui relèvent de l’éthique féministe du soin. Les acteurs communautaires tels que les CAA, les associations professionnelles, les mouvements sociaux, etc., sont appelés à réfléchir à de nouvelles manières de générer des formes de solidarité et d’appartenance entre les artistes à partir des facteurs de précarité qui ont été identifiés dans cette recherche. Ce travail doit aussi prendre acte du fait que les artistes qui s’identifient à des groupes historiquement marginalisés rencontrent des enjeux de précarité spécifiques. Notre recherche révèle en effet la pertinence de procéder à la déconstruction des grandes catégories analytiques sur lesquelles se fonde l’analyse des mondes de l’art comme les « artistes intégré·e·s » (Becker, 1982), de manière à tenir compte de la manière dont les facteurs sociaux comme le genre, l’âge, la race, une situation de handicap, l’orientation sexuelle, etc., ont un impact sur les trajectoires de carrière des artistes en arts visuels. / This thesis investigates artists and art collectives’ strategic action aiming at the improvement of their working conditions. It studies how Montreal’s artist-run centres (ARCs) participate (or do not participate) in the development of « better work » strategies put in place by artists in order to persevere in their precarious careers. This research engages with the larger problem of increasingly precarious labour markets and employment, and with the new forms of collective action that are emerging in reaction to it. It draws on three theoretical approaches: the interactionist sociology of the art worlds (H. S. Becker, 1982), the structuralist sociology of the field of cultural production (P. Bourdieu, 1993) and the interactionist socio-economy of strategic action fields (N. Fligstein and D. McAdam, 2011). From an epistemological standpoint, our approach draws on pragmatism. It gives a voice to the actors to elevate their own perceptions of their precarity. This allows us to grasp its meaning and to identify the « better work » strategies in which they engage. This research draws on qualitative sources and corresponds to a multiple case study constituted of fourteen ARCs located in Montreal. A total of fifty-five persons participated in this research. This research highlights the structuring effects of the cultural field’s embeddedness in the state field on the distribution systems of resources and inequalities impacting artists and ARCs. It also reveals the importance of mobilizing a micro lens to study strategic action repertoires to consider the actors’ desires, values, and perceptions. Finally, it shows how the passage of time contributes to transforming how artists perceive their labour precarity. The prolonged experience of precarity shapes the « better work » strategies that are developed by artists. In general, these appear to be more of a spontaneous and ephemeral nature. Most of them do not draw on formal regulations such as the Act respecting the professional status of artists in the visual arts, arts and crafts and literature, and their contracts with promoters (RLRQ, S-32.01). Overall, their impact on a significative and sustainable improvement of artists’ working conditions appear to be limited. Our analysis also shows that ARCs participate in these strategies to various degrees. Their support depends on several factors, including ARCs’ organizational structure and politics, and the artists’ propensity to involve them in these processes. Several ARCs are experimenting with new forms of economic and relational support within the limits of their organizational constraints. Within those ARCs, we observe a increasing tendency to put in action more or less institutionalized practices associated with the feminist ethics of care. Community actors such as ARCs, professional associations, social movements, etc., are invited to (re)think about innovative ways to generate solidarity and belonging within artists by building on the precarity factors that have been in this research. This work should take into consideration that artists identifying to historically marginalized groups encounter specific forms of precarity to this day. This research also highlights the necessity to deconstruct the large analytical categories traditionally used to study the art worlds such as « integrated professionals » (Becker, 1982), to account for the influence of social factors such as gender, age, race, disability status, sexual orientation, etc., on visual artists’ career trajectories.

Cette recherche s’intéresse aux pratiques, aux valeurs et aux représentations des amatrices de rap francophones qui vivent à Montréal dans le but de saisir ce qui caractérise leur amateurisme. Une série d’entretiens de type récit de vie a été réalisée auprès de quinze amatrices de rap qui écoutent du rap de manière régulière et depuis plusieurs années. Plusieurs thématiques ont été explorés avec les amatrices, dont leur découverte du rap, leurs pratiques d’écoute actuelles et passées, leur rapport intime à la musique, leurs valeurs, leur identité ou encore leurs rapports et interactions avec les autres amateur.trice.s. J’ai pu observer que les femmes qui aiment le rap en écoutent majoritairement seules ou en petits groupes et qu’une partie importante d’entre elles ont été introduites à la culture hip-hop et au rap par le biais de leur grand frère. Les amatrices entretiennent un rapport intime à la musique et se servent de l’écoute du rap pour extérioriser leurs émotions. Le sentiment le plus souvent ressenti par les femmes lorsqu’elles écoutent du rap est l’empowerment. L’écoute du rap s’avère être positive pour les femmes et leur donne de la confiance et de la puissance. Cependant, les interactions sociales que les amatrices entretiennent avec les hommes amateurs de rap font état d’un phénomène de boys’ club qui touche aussi bien le groupe des amateur.trice.s que celui des autres acteur.trice.s de la scène rap montréalaise. Les points de vue et le travail des femmes sont souvent délégitimés ou minimisés par les acteurs du monde du rap. Ma recherche a également révélé la pertinence de l’intersectionnalité dans la compréhension des vécus et des points de vue des amatrices. En effet, l’inscription différenciée des amatrices dans les rapports sociaux de race et de classe segmente certaines des expériences qui caractérisent leur amateurisme, notamment en ce qui a trait à leurs représentations sociales. Les femmes noires et/ou racisées sont davantage conscientes des structures de domination et des dynamiques de pouvoir qui structurent les expériences des acteur.trice.s à l’intérieur du monde du rap au Québec que les femmes blanches. / This research focuses on the practices, values and representations of female francophone rap fans living in Montreal to understand what characterizes their amateurism. A series of life story interviews was conducted with fifteen female rap fans who have been listening to rap music regularly for several years. Several themes were explored with them, including their discovery of rap, their current and past listening practices, their intimate relationship with music, their values, their identity, and their relationships and interactions with other fans. I was able to observe that women who like rap music mostly listen to it alone or in small groups, and that a significant portion of them were introduced to hip-hop culture and rap music through their older brother. Female fans have an intimate relationship with music and listen to rap to express their emotions. The feeling that women most often experience when listening to rap music is empowerment. Listening to rap music is shown to be positive for women and gives them confidence and power. However, the social interactions that female fans have with male rap fans reveal a boys' club phenomenon that affects both the fan group and other players in the Montreal rap scene. Women's views and work are often delegitimized or minimized by the male actors of the rap world. My research also revealed the relevance of intersectionality in understanding the experiences and perspectives of female fans. Indeed, the differentiated inscription of female fans in social relations of race and class segments some of the experiences that characterize their amateurism, particularly regarding their social representations. Black and/or racialized women are more aware of the structures of domination and power dynamics that structure the experiences of actors within the Quebec rap scene than white women.

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Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Après le concile Vatican II, le développement du concept ecclésiologique de la communion a établi de nouveaux rapports entre les membres du Peuple de Dieu. Par rapport à la mission de l'Église à laquelle tous les membres sont invités à participer, nous avons interprété ces rapports comme étant des apports de coresponsabilité. La coresponsabilité entre les prêtres et les laïcs offre les meilleures conditions pour découvrir la signification profonde, la spécificité et le sens dynamique de la ministérialité de l'Église entière au service d'une mission ecclésiale dont tous sont solidairement responsables dans la complémentarité des charismes et des services. L'analyse de contenu de quelques documents du Magistère authentique de l'Église nous aidera à montrer que dans la diversité des ministères et la complémentarité des services, un nouveau visage de l’Église se dessine. Dans ce nouveau visage, ce qui est important, ce n'est pas le fait que les laïcs feront demain ce que les prêtres font aujourd'hui, mais le fait de prendre conscience que les prêtres et les laïcs sont invités à participer ensemble à la mission de l'Église, à travailler dans la complémentarité et la collaboration en tenant comte e la vocation, du charisme et de l'état de vie de chacun.

Notre recherche-création porte sur la problématique que représente l’adaptation d’un texte narratif au théâtre lorsqu’il s’agit d’y incorporer les possibilités offertes par les médias numériques, et d’adopter la forme d’écriture élargie qui en découle. Pour ce processus d’adaptation qui s’éloigne de la façon de procéder traditionnelle, nous optons pour une approche intermédiale. Nous nous penchons plus particulièrement sur le théâtre hypermédia, ce qui nous permet de nous interroger sur les connexions qui surviennent entre les écritures visuelles, sonores, spatiales et textuelles, ainsi que sur leurs dynamiques de coprésence dans la scène théâtrale. Une partie essentielle de la méthodologie de cette recherche-création repose sur l’élaboration d’une série de laboratoires de recherche scénique dans lesquels ont été créés des dispositifs vidéographiques, sonores et spatiaux. Ces dispositifs ont été intégrés dans la création dramaturgique, présentée sous la forme d’une écriture intermédiale. Les chapitres 1 et 2 touchent le cadre conceptuel. Dans le premier chapitre, nous présentons les concepts d’intermédialité, de théâtre comme hypermédia, d’écriture intermédiale ainsi que d’autres notions qui nous permettent de discuter l’adaptation et sa relation avec les médias. Dans le deuxième chapitre, nous étudions la vidéo, le son, l’espace et le texte en relation avec les médias numériques. De plus, nous réfléchissons à la composition dramaturgique de chacun de ces éléments expressifs et aux points de repère qui peuvent contribuer à concevoir la dramaturgie. Les chapitres 3 et 4 discutent le volet pratique et la création. Dans le troisième chapitre, nous décrivons les dispositifs scéniques créés dans les quatre laboratoires de recherche scénique et les processus de création. Nous en faisons une analyse intermédiale. Nous présentons également un modèle de protocole de recherche en création qui a émergé de ces expériences pratiques réalisées au Laboratoire des Nouvelles Technologies de l'Image, du Son et de la Scène (LANTISS). Enfin, dans le quatrième chapitre, nous présentons l’œuvre dramaturgique intitulée Le monde n’arrête pas et son processus de création. / Our research-creation addresses the problematic of adapting a narrative text to the theater when it comes to incorporating the possibilities offered by the digital media, and adopting the expanded text that follows. For this adaptation process, which is moving away from the traditional process, we opt for an intermedial approach. We focus more particularly on the hypermedia theater, which allows us to question the connections that occur between the visual, sonic, spatial and textual writings, as well as on their dynamics of co-presence in the theater scene. An essential part of the methodology of this research-creation rests on the development of a series of scenic research laboratories in which videographic, sound and spatial devices have been created. These devices have been integrated into the dramaturgical creation presented in the form of an intermedial script. Chapters 1 and 2 touch on the conceptual framework. In the first chapter, we present the concepts of intermediality, theater as hypermedia, intermedial writing and other concepts that allow us to discuss adaptation and its relationship with the media. In the second chapter, we study video, sound, space and text in relation to digital media. In addition, we reflect on the dramaturgical composition of each of these expressive elements and the points of reference that can contribute to the conception of dramaturgy. Chapters 3 and 4 discuss the practical and creative aspects. In the third chapter, we describe scenic devices in the four scenic research laboratories and creative processes. We make an intermedial analysis. We also discuss the working protocol that emerged from these practical experiences in the Laboratory of New Technologies of Image, Sound and Scene (LANTISS). Finally, in the fourth chapter, we present the dramaturgical work entitled “The World Does Not Stop” and its process of creation.

Ce mémoire étudie le traitement médiatique de l'Afrique à travers la presse écrite de référence francophone (PERF). Pour ce faire, il prend le contrepied des conclusions d'études portant sur la télévision et la radio. Conclusions qui soutiennent que ce traitement est, la plupart du temps, négatif Afin d'y répondre, le mémoire propose deux méthodes : une quantitative et une qualitative qui se fondent sur les écrits de Kerbrat-Orecchioni, Gauthier, Naville-Morin et Chartier et l'utilisation de huit indicateurs (adjectifs qualificatifs, noms substantifs et prédicatifs, verbes occasionnellement et intrinsèquement subjectifs, adverbes de degré et de manière et expressions métaphoriques). Un corpus de presse de 2215 articles permet d'appréhender ces deux méthodes. Son analyse montre que, le traitement médiatique de l'Afrique dans la PERF n'est pas inférieur, en termes de quantité, au traitement accordé aux autres continents. En revanche, cette même analyse abordée sous l'angle qualitatif démontre que ce traitement médiatique de l'Afrique tend à être souvent déséquilibré en faveur des occurrences négatives.

Ce mémoire a pour ambition d’étudier la démarche revivaliste des musiciens qui font appel à la musique Gnawa avec une vision cosmopolite, en prenant comme cas le maître Gnawi Mustapha Bakbou et la contribution de Marcus Miller. L’objectif de ce mémoire est d’étudier la créativité personnelle puisée des sources de la tradition ancestrale des anciens descendants d’esclaves de l’Afrique subsaharienne. La question de recherche est, par conséquent, en quoi les musiciens revivalistes Gnawa réinterprètent et reproduisent-ils les composantes traditionnelles Gnawa pour perpétuer l’ancestrale tradition dans le présent ? Dans ce contexte, on comprend bien que leur but est d’être des agents qui agissent pour le revivalisme musical de la musique Gnawa, issue d’une pratique traditionnelle, ce faisant, le point d’interrogation est mis sur : De quelle manière procèdent-ils pour se démarquer par leur pratique musicale revivaliste ? Quels sont les éléments utilisés en tant que moyens opérateurs pour faire revivre la tradition et quelles sont leurs motivations personnelles à travers ce revivalisme ? Sur quelle perspective esthétique se basent-ils pour présenter l’art gnawi sur une nouvelle forme particulière et innovante ? Notre étude présente les fondements caractéristiques d’une expression esthétique, exposée par des musiciens d’un groupe typique revivaliste, représentant une culture d’une communauté spécifique, et ce dans un contexte cosmopolite. En exprimant leur propre façon de recréer une tradition à travers la nouvelle stylisation du répertoire traditionnel et en explorant d’autres éléments musicaux tels que les rythmes, les notes, les instruments, et la performance vocale. Pour comprendre la démarche revivaliste de ces musiciens, le concept du cosmopolitisme esthétique élaboré par le sociologue Ulrich Beck a été employé. En effet, celui-ci indique que le cosmopolitisme est une caractéristique déterminante de la modernité réflexive, il suggère qu’il s’agit de la perspective la plus adéquate pour donner, aux réalités et contradictions globales, interconnectées et continuellement floues de l’ère moderne, une perception plus claire (Beck 2006). / This memoir aims to study the revivalist approach of musicians who use Gnawa music, taking as a case the master Gnawi Mustapha Bakbou and the contribution of Marcus Miller. The objective of this essay is to study personal creativity drawn from the sources of the ancestral tradition of the ancient descendants of slaves from sub-Saharan Africa. The research question is therefore the following: How do Gnawa revival musicians reinterpret and reproduce the traditional Gnawa components to perpetuate the ancestral tradition in the present? In this context, we understand that their goal is to be agents who act for the musical revivalism of Gnawa music from a traditional practice, in doing so, the question mark is put on what way do they proceed to stand out by their revivalist musical practice? What are the elements used as operative means to revive the tradition and what are their personal motivations through this revivalism? What aesthetic perspective are they using to present Gnawi art on a new, creative, and innovative form? Therefore, our study presents the characteristic foundations of an aesthetic expression exhibited by musicians from a typical revivalist group representing a culture of a specific community. By expressing their own way of recreating a tradition through the new stylization of the traditional repertoire by exploring other musical elements such as rhythms, notes, instruments, vocal performance. To understand the revivalist approach of these musicians, the concept of aesthetic cosmopolitanism developed by sociologist Ulrich Beck was used. Indeed, this indicates that cosmopolitanism is a defining characteristic of reflective modernity, it suggests that it is the most adequate outlook to give to the global, interconnected and continually blurred realities and contradictions of the modern era a clearer perception (Beck 2006).

Ce mémoire de maîtrise s’intéresse aux nouvelles expressions protestataires qui ont émergé après les soulèvements connus sous le « printemps arabe » en prenant, comme objet d’analyse, Uprising of Women in the Arab World (UWAW), une page Facebook qui œuvre pour les droits des femmes à travers le « monde arabe ». Ce travail propose de saisir cette page Facebook à travers les croisements d’enjeux d’arabité et de genre, dans une perspective discursive critique. La notion d’arabité désigne une appartenance commune au « monde arabe » qui reposerait sur la production de référents religieux et linguistiques partagés par l’ensemble des pays arabes. Le genre est abordé comme un langage privilégié pour signifier les rapports de pouvoir (Scott, 1988). Afin de mettre en lumière les différentes intersections de l’arabité et du genre, je propose de recourir au concept d’articulation (Hall, 1980). Ce dernier réfère à l’assemblage de différentes pratiques de production qui constituent un discours. Cette mise en relation, non-nécessaire, s’effectue dans une conjoncture régie par les forces hégémoniques du moment. Ainsi, le concept d’articulation permet d’explorer ce que font dans leur (co)présence les discours hétérogènes par et dans lesquels l’arabité et le genre sont rendus visibles dans et à travers la page UWAW. Ces articulations sont questionnées à partir du concept de chaine d’équivalence de Laclau (2008) qui désigne une condensation de revendications hétérogènes, à travers des relations d’équivalence et de différence. Ces dernières se produisent à travers l’affirmation des particularités des revendications, tandis que les relations d’équivalence sont basées sur la mise en avant de la communalité des revendications. Cette recherche est guidée par la proposition de recherche suivante : UWAW peut être comprise comme un espace discursif traversé par des chaines d’équivalences où les articulations de l’arabité et du genre se matérialiseraient selon des relations d’équivalence et de différence. Elle fait l’objet d’une analyse critique de trois campagnes ayant eu cours sur l’UWAW en 2014. Ces dernières sont abordées comme des lieux de discours, soit des espaces construits dans et par un recours à des discours spécifiques qui participent à la production de savoirs situés dont ils sont aussi, de quelque manière, les produits. Ainsi, l’analyse s’attarde à comprendre comment la production de sens repose sur des discours concurrentiels qui puisent dans des savoirs différents qu’ils contribuent à faire circuler. L’analyse démontre la grande hétérogénéité de l’arabité qui s’est manifestée sous un visage distinct dans chaque campagne. Elle est homogénéisée et universalisée dans Do You know, clivée dans Israël Apartheid Week, et citoyenne dans « Je ne resterai pas silencieuse ». Le genre est davantage stabilisé, puisqu’il agit principalement comme force universalisante dans les trois campagnes. / This master’s thesis is concerned with the aftermath of the popular protests that have emerged in light of the « Arab Spring ». It addresses these issues by means of an analysis of the « Uprising of Women in the Arab World », a Facebook page that deals with women’s rights in the « arab world ». From a critical discursive standpoint, the research attempts to grasp the dynamics of this feminist collective through the lens of arabity and gender. On the one hand, the notion of arabity refers to a common belonging to the « arab world » that stems from the production of common religious and linguistic signifiers. On the other hand, gender refers to a privileged language used to signify power relations (Scott, 1988). I examine the intersections of gender and arabity through the concept of articulation (Hall, 1980) considered as the non-necessary assemblage of different production practices and hegemonic forces of a particular epoch that constitute a discourse. I use this concept of articulation to explore the intersections of different discourses through and by which gender and arabity are produced in the UWAW page. These articulations are analysed through the concept of chains of equivalence (Laclau, 2008), a concept that designates the aggregation of competing claims based on relations of equivalence and relations of difference. The latter are produced through the affirmation of the claims ‘particularity, while the former are constituted through the display of the claims' communalities. This research is guided by the following research proposal: UWAW can be understood as a discursive space constituted by chains of equivalence where articulations of arabity and gender are materialized through relations of difference and relations of equivalence. This proposal is explored through a critical discourse analysis of three of the campaigns that took place on the UWAW in 2014. Focusing on these campaigns as discursive spaces where competing and heterogeneous statements emerge, I examine how the production of meaning is both impacted and informed by the competing knowledges brought to the fore by UWAW. The analysis suggests that arabity is configured differently in each campaign. It is homogenized and universalized in « Do You Know », cleaved in « Israel Apartheid Week » and framed in civic terms in Je ne resterai pas silencieuse. Gender appears to be much more stable as it operated, for the most part, as a universalizing force throughout the campaigns.