O recrudescimento das críticas aos paradigmas teórico-conceituais e ao próprio modus operandi da musicologia histórica, a partir da década de 1980, fomentou seu reposicionamento em direção a processos, temas e métodos característicos das disciplinas não musicais, tais como a antropologia, linguística, etnomusicologia, crítica literária e a teoria cultural, dente outras. Como a Historiografia da segunda metade do século XX, tenta desenvolver uma crítica aos seus enunciados e práticas baseada na consciência de suas formas de construção e significação e da historicidade de seus postulados. Tal fenômeno de inquirição ontológica deu-se, majoritariamente, nos países de língua inglesa, onde recebeu o nome de New Musicology. Sob este contexto, portanto, será analisado como três didáticas de ensino de História da Música, amplamente utilizadas nos cursos de graduação em música dos Estados Unidos, têm se apropriado destes discursos críticos. Tratar-se-á, pois, de desvelar como um material comumente caracterizado por uma postura historiográfica mais tradicionalista, cuja tendência é apresentar uma História da Música que coaduna contextualização geopolítica, \"evolução\" dos estilos, gêneros e formas musicais a aspectos biográficos das \"grandes personalidades\", tem inserido e articulado em suas narrativas e estratégias pedagógicas as propostas da New Musicology. / The upsurge of the critics on historical musicology as a discipline, since the 1980s, fostered its repositioning towards processes, themes and methods belonging to non-musical disciplines such as anthropology, linguistics, ethnomusicology, literary criticism and cultural theory, among others. In the same way as historiography did from the second half of twentieth-century, it criticizes its own practices and ideas based on awareness of its construction and meaning models, as well as of the historicity of its postulates. This ontological inquiry took place, mainly, in Englishspeaking countries, where it was called New Musicology. Under this context, therefore, the intent of this text is to analyze how three widely used Music History textbooks had adopted this critical discourses into their texts. In other words, this dissertation intend to reveal how books who, normally, has a traditional and noncritical approach regarding music history, insert in their textual narratives and pedagogical strategies the ideas of New Musicology.

Orientador: Helena Jank / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-12T10:19:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Boni_FlavioFernando_M.pdf: 28120714 bytes, checksum: ee9f5fcd21cd515dda4241ec6334495b (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Ao nos depararmos, inicialmente, com um método de instrumento, podemos fazer algumas perguntas para nos auxiliar na forma de estudá-lo: O que este método quer nos ensinar? Qual é a sua essência? No que ele mais focaliza? Quais são os tipos de exercícios e que repertório ele contém? Até o início do século XVI, o trompete não era considerado um instrumento perfeito e harmonioso, no sentido de se fazer boa música ou como um instrumento que possuía musicalidade, mas apenas para se fazer sinais e toques religiosos, civis ou militares. Vinte e quatro anos após a doação do primeiro método de trompete, "Volume di Tutta l'arte della Trombetta" por Cesare Bendinelli (1542-1617), o músico italiano Girolamo Fantini (1602-c1675) publicou o "Modo per imparare a sonare di Tromba", com uma proposta de aplicação sistemática e musical de novos princípios técnicos que determinaram a inclusão do trompete entre os instrumentos considerados perfeitos. Os principais objetivos deste trabalho são: realizar uma tradução do texto introdutório do 'Modo per Imparare a Sonare di Tromba (1638)', de Girolamo Fantini; possibilitar propostas interpretativas aos exercícios e às peças musicais contidas neste método de trompete natural; realizar intercâmbio de informações com profissionais e professores de trompete natural e do trompete barroco. / Abstract: When one initiates an investigative study of a particular method, for the playing of an instrument, it is necessary to ask some fundamental questions: What does this method intend to teach the reader? What is the work's essence? What aspect or aspects does it empathizes? What is the nature of the exercises and repertoire that contains? Prior to the 16th century the trumpet was primarily utilized to perform signals within a religious, civic or military context and was not considered a viable instrument for the production of "art music". Twenty-four years after the donation of the first manuscript of an trumpet method, "Volume di tutta l'arte della trombetta" by Cesare Bendinelli (1542- 1617), the Italian musician, Girolamo Fantini (1602-c1675), published his "Modo per imparare a sonare di Tromba". Fantini's method, applying new technical principles, outlined a musical and systematic approach which determined the inclusion of the trumpet as an art instrument. The main objectives of this work are: to accomplish a translation of the introductory text from Girolamo Fantini's "Modo per Imparare a Sonare di Tromba"(1638), recommend plausible interpretations of the exercises and musical pieces contained within the method, and to initiate an exchange of information regarding natural trumpet performance from professionals and teachers of the instrument. / Mestrado / Mestre em Música

Orientador: Esdras Rodrigues Silva / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-12T09:27:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fiammenghi_LuizHenrique_D.pdf: 1743453 bytes, checksum: 6aa367a617dff2e91b8d987596fe3088 (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Este trabalho aborda as mudanças de parâmetros interpretativos no âmbito musical ocorridas a partir da segunda metade do séc. XX. Toma como exemplo e reflexo destas mudanças, a obra de José Eduardo Gramani e suas pesquisas sobre a rabeca brasileira e o movimento de interpretação histórica da música antiga. Tem como ponto de referência o ensaio Em defesa de Bach contra seus admiradores de Theodor Adorno (1951), que discute o papel do intérprete contemporâneo face à música escrita no passado, em especial a de J. S. Bach, e a questão da autenticidade e do historicismo. A presente tese toma este ensaio do filósofo de Frankfurt como um ponto divisor, de onde pode-se vislumbrar as mudanças ocorridas no âmbito da interpretação musical dentro do que se convencionou chamar de pós-modernismo. Partindo do pressuposto da visão do intérprete musical, na qual incluo minha própria experiência enquanto intérprete do violino barroco e das rabecas brasileiras, bem como minha relação profissional direta com o músico José E. Gramani, analiso as mudanças do eixo que oscila entre subjetividade e objetividade na interpretação da obra musical, e que implicam decididamente na relevância do papel do intérprete como intermediário entre a obra musical e o ouvinte - de um lado o campo poiético, representado pela cultura do autor e do texto, e de outro o estésico, que considera a performance de uma obra como o resultado da colaboração entre o compositor e seus intérpretes, conforme sustenta o semiólogo Jean-Jacques Nattiez (2005). Ao abordar os princípios encampados por músicos alinhados com a musicologia aplicada, ou seja, que recuperaram a prática de música antiga em instrumentos de época, utilizo como porta-voz o músico, regente e pesquisador Nikolaus Harnoncourt que, a partir do início da década de 50, direcionou seus esforços para uma abordagem fenomenológica da interpretação musical, onde a praxis procura um equilíbrio em relação a theoria. A incômoda pergunta - porque instrumentos históricos? - implícita na crítica contida no ensaio de Adorno aos puristas, subsiste também de forma latente no questionamento da retomada de interesse pela cultura popular e seus agentes, nesse caso representado pelas rabecas brasileiras. Como resposta, analiso os processos que permitiram a esses instrumentos emergirem e redefinirem os seus estatutos dentro do contexto da cultura hegemônica de matriz erudita, não como indícios de uma nova onda nacionalista, aos moldes do espírito romântico de busca do puro e das origens, mas como renovação da linguagem erudita contemporânea, espelhando-se na criação literária de Guimarães Rosa. Procura-se definir de que forma a crise de centralidade característica do pós-modernismo e a questão do hibridismo e da autonomização de elementos da cultura popular, representados pela rabeca, foram musicalmente colocados na obra de José Eduardo Gramani, e de que forma seu interesse pelas rabecas é também tributário de seu enfoque inovador no ensino de rítmica e reflexo das mudanças nas práticas performáticas musicais ocorridas nas últimas décadas do séc. XX. / Abstract: This study examines changes in ways of performing music that took place in the second half of the 20th century. As an example and reflection of these changes, it takes the opus of José Eduardo Gramani and his research on the Brazilian rabeca and the context of "historically informed performance" (HIP). My point of reference is Adorno's essay 'Bach Defended against his Admirers' (1951), which discusses the role of contemporary performers in relation to music written in the past, particularly Bach's, and the question of authenticity and historicism. This thesis takes the Frankfurt philosopher's argument as a watershed for showing the changes in musical interpretation posed by what is conventionally called post-modernism. Based on the point of view of the musical performer, including my own experience playing Baroque violin and Brazilian rabecas, and my professional relationship with the musician José E. Gramani, I set out to analyze these changes on an axis that fluctuates between subjectivity and objectivity in rendering musical works, one which points to the key role of performers as intermediaries between listener and musical work - poietis represented by the culture of author and text, and esthesis examining the performance of a work as the outcome of collaboration between composer and performers, as posed by the semiotician Jean-Jacques Nattiez (2005). To look at the principles posed by musicians aligned with applied musicology, meaning those playing early music on period instruments, I have used the emblematic figure of Nikolaus Harnoncourt, the musician, conductor and researcher who strove to develop a phenomenological approach to playing music in the early 1950s, in which praxis is balanced by theory. The disturbing question - why historical instruments? - raised by Adorno's essay and its critique of purists is also latent in the questioning of renewed interest in popular culture and its agents, in this case Brazilian rabecas. As a response, I analyze the processes leading to the emergence of these instruments and redefine their status within the context of the hegemonic culture of the classical matrix, not as signs of a new wave of national consciousness on the lines of the Romantic spirit's pursuit of purity and origins, but as a renewal of contemporary classical language, as in the literary work of Guimarães Rosa. The study looks at the way in which the crisis of centrality characteristic of post-modernism and the question of hybridism and autonomization of elements of popular culture, represented by the rabeca, were posed musically in the work of José Eduardo Gramani, and how his interest in rabecas also derived from his innovative focus on teaching rhythm while reflecting the changes in musical performance practices that occurred in the late 20th century. / Doutorado / Praticas Interpretativas / Doutor em Música

Examensarbete på kandidatnivå om den svenska nationaloperan Gustaf Wasa. Arbetet går igenom operans olika formtyper och kategoriserar dessa, såsom rent fransyska, italienska, eller allahanda kombinationsformer deremellan.

Denna studie undersöker hur det privata vardagslyssnade av musik ser ut idag hos studenter. Studien har särskild fokus på hur lyssnandet påverkas av studenternas tillgång till musik via tjänsten Spotify. Uppsatsen presenterar, diskuterar och analyserar fem semi-strukturerade intervjuer utifrån tidigare forskning samt psykologen James Gibsons teori om affordance. Undersökningen är strukturerad efter ett antal teman som exempelvis: musik som tröst, musik för att kontrollera en social situation och musik och identitet. Materialet från intervjuerna jämförs och analyseras utifrån teorin om affordance. Resultatet visar att vardagslyssnandet idag ser annorlunda ut på grund av den mängd av musik som idag finns tillgängligt för studenterna, till skillnad från innan streamingstjänsterna slog igenom.

The thesis presents annotated transcriptions and detailed analyses of four improvised solos by jazz saxophonist Ornette Coleman, a leading figure within the free jazz movement. The four solos, all of which were recorded in 1959, are: "Ramblin', " "Lonely Woman," "Congeniality," and "Free." -The focus of the analyses is upon Coleman's techniques for creating melodic continuity and development. Introductory chapters survey Coleman's career and examine his original theoretical system, "Harmolodics. " The thesis concludes with an annotated bibliography and discography.

In this essay, I want to achieve an accessible and applicable entrance to Alexander Technique as a method for learning to use the body in such a way as to allow emotional expression in music. It is necessary to see the real need of Alexander Technique for the active musician, and therefore important components of music-making will be presented. These components are presented from an Alexander-perspective in order to produce a clear picture of the method of application.The prerequisite for emotional expression in music is musicians and music listeners with the ability to generate, and respond after emotional impressions. Alexander Technique provides an approach to make it easier for musicians, especially guitarists, to express emotions in a performance situation.After years of practice and obtaining musical knowledge and practical skills at the instrument, it is common that muscle tension and ingrained patterns contribute to limited expression. Muscle tensions arising from pressured situations such as auditions, competitions and concerts. Repetitive movements contribute to this, and lays the foundation for an insufficient technique. It is clear that traditional learning methods need to be complemented with an approach that treats body awareness as an essential part of musical performances. The notion that the use of the body affects mental states is now a truism, and one can see an opening towards new approaches that facilitate learning as well as performance of musical works. The emotional expression is in focus here, and this study deals with musical production based on the philosophy that music should be driven by decisions involving emotional expression.

I am a practising classical soprano. After more than 20 years of professional singing, I re-trained my voice according to principles of the old Italian school of singing. In this essay, I examine the origins and priciples of bel canto, with special focus on appoggio and chiaroscuro, two key ingredients in the bel cantao tradition. I explore the relationship between science and the craft of singing, and what modern voice science has to say about the efficiency and health aspects of this technique, I also describe the profound effect it has had on me as an artist.

This study analyzed the reader's relationship to the sounds embedded in a written text for the purpose of identifying those sounds' contribution to the reader's interpretation of that text. To achieve this objective, this study negotiated Heideggerian phenomenology, Freudian and Lacanian psychoanalysis, linguistics, and musicology into a reader response theory, which was then applied to Edgar Allen Poe's "The Raven." This study argues that the orchestration of sounds in "The Raven" forces its reader into a regression, which the reader then represses, only to carry the resulting sound-image // away from the poem as a psychic scar.

Den här uppsatsens syfte är att visa hur Folkmusikkommissionens arbete och utgivning av Svenska låtar påverkade tonsättare i Sverige. Folkmusikkommissionen samlade in folkmusik i Sverige i början av 1900-talet, de hade som mål att nå ut till tonsättare som skulle använda materialet och därmed skulle det spridas än mer. Hugo Alfvéns Dalarapsodi och Hilding Rosenbergs Svit över svenska låtar tas upp som exempel på verk med melodier som tidigare sagts varit hämtade ur Svenska låtar. Dessa analyseras så vi ser hur de använt låtmaterialet på varsitt sett. Wilhelm Peterson-Berger fungerar som motvikt till dessa tonsättare. Han använde sig inte av Svenska låtar men har skrivit mycket om musik och kan ge oss en bild av hans uppfattning om folkmusik och Folkmusikkommissionen. Peterson-Berger kritiserade urvalet av låtar i Svenska låtar och det kan vara en anledning till att han inte använde sig av dem. Han använde sällan befintliga melodier, detta kan också vara en del av förklaringen till att inte använda Svenska låtar. Det visar sig också att hans definition av begreppet 'folkmusik' är olik andra. Alfvén skriver tydliga harmonier och kadenser i sin musik medan Rosenberg skriver en polyfon sats där ackorden inte följer funktionsanalytiska mönster och inte alltid ens går att urskilja. Trots sina olikheter är de två tonsättarna lika i att de låter melodierna introduceras oförändrade innan de bearbetas. Att de är olika har sannolikt ökat chansen till spridning av materialet från Svenska låtar, vilket var vad Folkmusikkommissionen önskade.