Comment penser aujourd’hui le grand oeuvre de Gioacchino Rossini (1792-1868), datée de plus de deux siècles, aux couleurs ambivalentes, partagée, voire profondément double, sujet de tant de débats esthétiques ? Afin de tenter de percer à jour les enjeux musicaux, littéraires, philosophiques, graphiques et même cinématographiques que soulèvent le « discours rossinien » polymorphe, il convient d’indiquer les nombreuses ramifications de l’OEuvre rossinienne.La figure du miroir ou celle du prisme, entités tournées dans un premier temps vers l’intérieur et cependant éminemment ouvertes sur l’extérieur, vers d’autres horizons artistiques, permettent une approche renouvelée de la production rossinienne et de ses enjeux. En prenant appui sur les liens que tissent ensemble musiques, textes et mise en scènes, puis en mettant en lumière les nombreux échos des opéras rossiniens dans l’art et la pensée moderne, notamment la psychanalyse, il est possible de mieux comprendre le langage et le génie de cet « éternel incompris » qu’est Gioacchino Rossini.Il est opportun de commencer par situer l’artiste de Pesaro dans son temps avant d’aborder ses particularités stylistiques, en insistant sur le rôle de son orchestre en lien avec l’action scénique et sur les nombreux « auto-emprunts » présents dans sa musique, sorte de « galerie des miroirs » de son OEuvre. Par ailleurs, les approches philosophiques, psychanalytiques balisées notamment par Emmanuel Kant (1724-1804), Georg Wilhelm Friedrich Hegel (1770-1831), Sigmund Freud (1856-1939) et Jacques Lacan (1901-1981), permettent de mieux comprendre l’articulation des différents arts au sein des opéras en questionnant la place du « mot », du « signifié » et du « son ».Enfin, un parallèle avec les peintures de Salvador Dalí (1904-1989), et René Magritte (1898-1967), offrent un questionnement possible du « cadre » del’oeuvre susceptible de déployer la pluridisciplinarité foisonnante du matériau rossinien. Le cinéma de Stanley Kubrick (1928-1999), amorce une voie d’accès au « regard » que le spectateur pose sur l’oeuvre et sur lui à travers elle, en mesurant toujours son rapport avec l’opéra rossinien, révélant ainsi sa profonde modernité, miroir du XXIe siècle. / Not available / Come pensare oggi l’Opera di Giacchino Rossini (1792-1868), vecchia di più di due secoli, dai colori ambivalenti, “divisa” anzi profondamente doppia, oggetto di numerosi dibatti estetici ? Per tentare di svelare le problematiche musicali, letterarie, filosofiche, grafiche e anche cinematografiche, suscitate dal suo discorso polimorfo, è opportuno definire le numerose ramificazioni dell’opera rossiniana.Le figure dello specchio o del prisma, forme rivolte dapprima verso l’interno e in un secondo tempo aperte principalmente verso l’esterno, verso altri orizzonti artistici, permettono un approccio nuovo alla produzione rossiniana e alle sue problematiche. Basandosi sui legami che tessono assieme le musiche, i testi e le messe in scena, e ponendo ascolto ai numerosi echi suscitati dalle opere rossiniane , perfino nell’arte e nel pensiero moderno –in particolare la psicoanalisi – è possibile capire meglio il linguaggio e il genio dell’ « eterno incompreso » che è Gioacchino Rossini.E’ opportuno anzitutto situare Rossini nel suo tempo prima di affrontare le questioni del suo stile particolare, insistendo sul ruolo della sua orchestra in legame costante con l’azione scenica e suoi con i numerosi “autoprestiti” presenti nella sua musica, sorta di « galleria di specchi » della sua opera. Inoltre, le teorie filosofiche e psicoanalitiche di Emmanuel Kant (1724-1804), Georg Wilhelm Friedrich Hegel (1770-1831), Sigmund Freud (1856-1939) e Jacques Lacan (1901-1981), ci aiutano a capire meglio l’articolazione delle diversi arti in seno alle opere di Gioacchino Rossini, portando a interrogarci sulla posizione della « parola », del « significato » e del « suono ».Inoltre, un parallelo con i quadri di e Salvador Dalí (1904-1989) e di René Magritte (1898-1967) consente di porre la questione del «quadro» dell’opera e di definirene la pluridisciplinarità. Infine, il cinema di Stanley Kubrick (1928-1999) offre la possibilità di lavorare sullo « sguardo » che lo spettatore pone sull’opera e per suo tramite su se stesso, misurando sempre il suo rapporto con l’opera rossiniana, che rivela cosi la sua intensa modernità, specchio della modernità del ventunesimo secolo.

L’opéra sauvetage s’est développé rapidement en France durant la Révolution française, principalement dans l’opéra-comique, puis est assez vite passé de mode sous l’Empire. L’opéra sauvetage se définit surtout en fonction de ses caractéristiques littéraires. Le livret met en scène un héros ou un groupe sauvé de la mort ou d’un avenir contraire à ses désirs après que l’injustice ou la malveillance l’a persécuté. Le sauvetage arrive à l’instant le plus critique. Nous nous sommes interrogée sur l’efficacité dramatique des intrigues, musiques et mises en scènes proposées dans ces créations. Notre étude travaille donc sur l’énergie dramatique mise en œuvre dans les opéras sauvetage et surtout sur son calibrage selon le déroulement de l’action. Le terme « énergie dramatique » doit être compris comme le lien entre la construction d’un opéra et l’émotion que cette construction doit engendrer. Cette étude sur l’énergie dramatique se justifie d’autant plus que ce concept est au centre de l’intérêt d’un opéra sauvetage à défaut d’autres notions comme la virtuosité par exemple. / The rescue opera developed quickly in France during the French Revolution, mainly in the light opera, then is rather fast old-fashioned under the Empire. The rescue opera defines itself especially according to its literary characteristics. The notebook stages a hero or a group saved from the death or from the future against its desires after the injustice or the hostility persecuted him. The rescue arrives at the most critical moment. We wondered about the dramatic efficiency of the intrigues, music and directions were proposed in these creations. Our study works on the implemented dramatic energy in the rescue operas and especially on its grading according to the progress of the action. The term "dramatic energy" must be understood as the link between the construction of an opera and the emotion which this construction has to engender. This study on the dramatic energy justifies itself especially since this concept is in the center of the interest of a rescue opera for lack of the other notions as the virtuosity for example.

La Damnation de Faust d'Hector Berlioz est une oeuvre inclassable parmi les genres musicaux usuels. A mi-chemin entre la pièce de concert et l'opéra, elle est inspirée du Faust de Goethe (dans la traduction de Nerval), mais semble-t-il également, de la vie du compositeur. Cette thèse décrit le processus de composition et met en lumière les éléments autobiographiques. Ces derniers ont été divisés en deux catégories. La première catégorie explore les éléments autobiographiques supposés, à savoir les anecdotes des Mémoires et de la correspondance concordant avec le scénario de La Damnation, l'analogie de certains personnages réels avec ceux du livret et enfin, les influences musicales et littéraires que le compositeur a pu recevoir. La seconde regroupe les éléments autobiographiques avérés englobant la réutilisation de certaines compositions du jeune Berlioz, l'application des préceptes du traité et leur insertion dans La Damnation. / Hector Berlioz's Damnation of Faust cannot be classified among the usual musical genres. Halfway between the piece of concert and the opera, it is not only inspired by Goethe's Faust (translated by Nerval), but apparently also, by the composer's life. This thesis describes the composition process and highlights the autobiographical elements. These were divided into two categories. The first category investigates the supposedly autobiographical elements, namely the anecdotes of Berlioz's memoirs and correspondence consistent with the synopsis of the Damnation, the analogy of some genuine persons with those of the libretto and finally, the musical and literary influences the composer may have received. The second category regroups the proven autobiographical elements, including the reuse of some of his early compositions, the application of the precepts of the treaty and their integration into La Damnation.

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Objet d'étude pluridisciplinaire, la décoration théâtrale est un art éphémère ne vibrant que sous les projecteurs. Au début du XXe siècle, le rôle de l'élément visuel est sensiblement renforcé sur scène. Dans un contexte artistique parisien caractérisé par la variété des formes d'expression, la multitude des influences venant de l'étranger et les questionnements autour des relations possibles entre les arts ; une nouvelle approche de la scène se dessine et un autre regard se porte sur la conception des spectacles et sur la création de leurs éléments constitutifs tels que les décors et les costumes. Ces nouvelles considérations autour de l'esthétique de l'espace scénique mènent à de nouvelles théories et de nouvelles tendances de la décoration théâtrale. Centrée autour des maisons d'opéra parisiennes, notre étude propose une meilleure compréhension du processus de renouvellement de la décoration théâtrale sur les scènes de l'Opéra et de l'Opéra-Comique dans la première moitié du XXe siècle. Vitrines de l'Art français, les deux théâtres entretiennent depuis leur création des relations particulières entre rivalité et complémentarité. Notre thèse porte un éclairage nouveau sur la décoration théâtrale conçue pour les spectacles lyriques du début du XXe siècle en proposant de définir précisément le positionnement de l'Opéra et de l'Opéra-Comique. Par l'analyse de la confrontation entre le traditionalisme assujetti aux deux maisons et les nouvelles aspirations que connaît le monde du Théâtre, notre étude explore tout d'abord les prémices d'un renouveau du décor de scène et met en lumière les principaux acteurs du mouvement. Le recours systématique aux décorateurs professionnels héritiers des dynasties de la fin du XIXe siècle et à la technique du trompe-l'œil sont progressivement abandonnés par les maisons d'opéra. Aussi, de nouveaux collaborateurs du monde du Théâtre, peintres pour la plupart, se trouvent au cœur de la conception des spectacles. Notre thèse ouvre le champ d'étude et examine l'impact des mouvements artistiques venant de l'étranger. Dans une capitale française, siège d'une agitation artistique internationale, les influences et les collaborations avec les artistes étrangers se jouent aussi dans l'art du décor de scène. Le monde du spectacle des années 1920 est marqué par l'empreinte des Ballets russes et les créateurs de décors saisissent pleinement le modèle en l'adaptant aux œuvres et au goût français. Les directeurs de l'Opéra de l'Opéra-Comique secouent hardiment la routine décorative de leur théâtre en s'entourant d'artistes capables d'offrir une autre conception du décor d'opéra en créant des cadres propices au développement d'un nouvel imaginaire. Plus favorable aux expériences novatrices, le décor de ballet offre une grande liberté à ses créateurs. En abordant la question du renouvellement du décor de ballet à l'Opéra et à l'Opéra-Comique, notre thèse révèle leur ligne directrice et examine leur transformation en pôle de création et de modernité chorégraphique. La question du goût est au cœur du dernier volet de notre étude en dévoilant tout d'abord les réactions des maisons d'opéra face au succès du cinéma. Les directeurs des théâtres s'emparent de ses ressources techniques afin de moderniser la mise en scène et d'enrichir les procédés existants. En s'intéressant au rôle scénographique que peut assumer la lumière et au caractère de la projection cinématographique, les théâtres offrent une autre conception de la décoration théâtrale dans laquelle la toile peinte n'est plus exclusive. En s'interrogeant sur l'évolution du goût français, notre thèse offre un éclairage sur les relations entretenues entre les arts décoratifs et les arts de la scène et met en lumière le travail pour la scène des artistes qui conditionnent le goût français des années 1920 et 1930. Enfin l'étude des décors des spectacles des années 1930 cerne les accords et les limites entre le goût du public et les aspirations esthétiques... / Multidisciplinary object of study, the theatrical decoration is an ephemeral art that vibrates only in the spotlight. At the beginning of the 20th century, the role of the visual element is considerably enhanced on stage. In a Parisian artistic context characterized by the variety of forms of expression, the multitude of influences from abroad, and the questions surrounding the possible relationships between the arts; a new approach to the stage is emerging and another look is being taken at the design of shows and the creation of their constituent elements such as sets and costumes. These new considerations around the aesthetics of the stage space lead to new theories and trends in theatrical decoration. Focused on Parisian opera houses, our study offers a better understanding of the process of the renovation of theatrical decoration on stages of Opéra and Opéra-Comique in the first half of the 20th century. Showcases of French art, the two theatres have, since their creation, maintained special relationships between rivalry and complementarity. Our thesis sheds new light on theatrical decoration designed for early 20th century lyrical shows by proposing to precisely define the positioning of the Opéra and the Opéra-Comique. By analysing the confrontation between traditionalism subjected to the two theatres and the new aspirations of the world of theatre, our study first explores the beginnings of a renewal of the stage set and highlights the main actors of the movement. The systematic use of professional decorators, heirs of the dynasties of the late 19th century and the trompe-l'oeil technique were gradually abandoned by opera houses. As a result, new collaborators from the world of theatre, most of whom are painters, are at the heart of the creation of the shows. Our thesis opens the field of study and examines the impact of artistic movements from abroad. In a French capital, the headquarters of an international artistic unrest, influences and collaborations with foreign artists are also at stake in the art of stage set design. The 1920s theatre world was marked by the influence of the Ballets russes and the set designers fully grasped the model by adapting it to French creations and tastes. The directors of the Opéra de l'Opéra-Comique shake up the decorative routine of their theatre by surrounding themselves with artists capable of offering an alternative conception of the opera set by creating a setting that is conducive to the development of a new imagination. More favourable to innovative experiences, ballet set design offers great flexibility to its creators. By approaching the question of the renewal of ballet set design at the Opera and the Opéra-Comique, our thesis reveals their direction and examines their transformation into a pole of creation and choreographic modernity. The question of taste is at the heart of the last part of our study by first revealing the reactions of opera houses to the success of cinema.The directors of the theatres seize its technical resources in order to modernize the staging and enrich existing processes. By focusing on the scenographic role that light can play and the character of film projection, theatres offer another conception of theatrical decoration in which the painted canvas is no more exclusive. By questioning the evolution of French taste, our thesis offers a view on the relationship between the decorative and performing arts and highlights the work for the stage of the artists who condition the French taste of the 1920s and 1930s. Finally, the study of the sets of the 1930s shows identifies the harmony and limits between the public's taste and the aesthetic aspirations of the time.

Auteur de plus de 130 livrets d’opéra, Giuseppe Foppa (Venise 1760 - Ivi 1845) ne voit sa réussite professionnelle contestée par personne. La critique reconnaît unanimement sa faculté à produire des textes avec grand rendement et à servir avec efficacité les nombreux théâtres de Venise, entre 1780 et 1820. Mais elle s’est généralement montrée silencieuse, avare de compliments, voire acerbe, à propos de la valeur littéraire et poétique de ces livrets, malgré un récent regain d’intérêt pour l’auteur. Si la réussite autoriale de Foppa est jugée problématique, voire est contestée, c’est parce que persiste, depuis les origines du genre, une ligne critique qui déprécie le livret d’opéra, lui refuse sa valeur et sa dignité, au motif qu’il est un texte « imparfait », que le librettiste fait un métier subalterne, soumis à de nombreuses pressions externes. Pour Foppa, il y a en outre des circonstances ‘aggravantes’, a priori ‘désautorialisantes’ : la domination croissante du bel canto, le rythme d’écriture effréné, une tendance massive au réemploi, la difficulté d’inventer et de renouveler après Métastase et Goldoni. Sans chercher une réhabilitation forcée, nous réexaminons ce ‘mérite’ contesté à la lumière de son ‘métier’, c’est-à-dire de sa formation, du contexte de production où il travaille (théâtres, chanteurs, autres librettistes); nous entrons ensuite dans la ‘fabrique’ des livrets, pour dégager leurs atouts, pour réévaluer ses techniques de réemploi et de récriture, dans les livrets ‘dérivés’ d’autrui et dans ceux qualifiés ‘d’originaux’, et nous étudierons pour finir la façon dont il construit, tout au long de sa carrière, sa notoriété. / Nobody contests the professional success of Giuseppe Foppa (Venice 1760 – Ivi 1845), author of more than 130 opera libretti. All literary criticism acknowledges his ability to produce many texts and to serve efficiently the many theaters of Venice between 1780 and 1820. But they usually remained silent, without complimenting him, or even despised him, concerning the literary and poetical value of these libretti, despite a recent new interest in the author. If the authorial success of Foppa is considered as a problem or even contested, it is because of the persistence, since the appearance of the genre, of a critical theory which is full of contempt towards the opera libretto, denying value and dignity to a text judged as « imperfect », thinking that the librettist is doing a substandard job, with many external pressures. For Foppa, there are ‘aggravating’ a priori ‘unauthoralising’ circumstances : the increasing domination of the bel canto, the wild rhythm of writing, a massive tendancy to re-use, the difficulty in inventing and in renewing after Metastasio and Goldoni. Without looking for a forced rehabilitation, we revise this merit disputed in the light of its job, that is in the light of its training, in the light of the context of production where it works (theaters, singers, other librettists); we enter then the 'factory' of libretti, to clear their assets, to revalue the techniques of re-use and of rewriting, in the 'derived' libretti of others and in those considered ' as originals ', and to finish we will study the way he builds, throughout his career, his fame.

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Les opéras de Benjamin Britten témoignent de l’engagement de leur auteur pour le renouveau de la scène et de la dramaturgie au XXe siècle. Par son travail avec l’avant-garde théâtrale (musique de scène, drame radiophonique, musique pour films documentaires), Britten a su se nourrir des innovations marquantes du début du siècle, se révélant alors un formidable passeur des théories et esthétiques dramatiques de cette période. Si ses oeuvres lyriques sont le lieu où cet apprentissage est mis en pratique, elles proposent et expérimentent également de nouvelles dramaturgies scéniques. La dramaturgie brittenienne n’a pas laissé le public indifférent : vivement appréciée des grands metteurs en scène européens, elle bouscula les Français dans leurs habitudes et leurs a priori face à la musique anglaise. / Benjamin Britten’s operas are witness to their author's commitment to a renewal of the stage and dramaturgy in the 20th century. Through working with the theatrical avant-garde (stage music, radio dramas, music for documentary films), Britten knew how to take advantage of the outstanding innovations of the beginning of the century, becoming a wonderful conduit of the theories and dramatic aesthetics of that period. While he put this apprenticeship into practice in his lyric works, these works also suggest and experiment with new scenic dramatic arts. Britten's dramaturgy did not leave the public indifferent; keenly appreciated by the great European theatre directors, it jostled the French out of their habits and their prejudices against English music.

Sans limiter notre propos aux seules voix masculines aiguës, il s'agit ici de refléter l'importance historique de l'évolution de la voix de ténor dans les mutations du goût et de la vocalité lyrique en France au cours du deuxième tiers du XIXe siècle. Aborder l'opéra, l'opéra-comique et les morceaux de salon via leurs interprètes permet d'insister sur la dimension théâtrale, vocale et oratoire de ces genres. En vue de définir les caractéristiques techniques du chant français, la thèse exploite largement les jugements portés par les artistes entre eux. Ces jugements sont notamment livrés par les méthodes et les mémoires imprimées, les archives du Conservatoire et les correspondances. Pour envisager les conditions pratiques des exécutions vocales, nous avons procédé à une étude des situations, des contraintes et des attentes des chanteurs comme des auditeurs, en fonction des lieux et des répertoires abordés. Afin de mieux appréhender les qualificatifs employés par les musicographes rendant compte des prestations publiques, on a mis en relation le lexique des traités avec les premiers enregistrements sonores. La meilleure connaissance des codes de la tradition permet en outre d'envisager avec une pertinence accrue la cohérence des divers paramètres concourant à la juste interprétation scénique et musicale. La réinvention d'après les sources d'un savoir-faire répond d'ailleurs à une attente croissante des programmateurs et des interprètes pour renouveler leur approche d'un répertoire ou redécouvrir une part du romantisme français oublié (www.lesfrivolitesparisiennes.com). / Looking at opera, opéra-comique and salon music through the eyes of the first performers stresses the histrionic and vocal dimension of their art. Thus, this dissertation drives from the mutual appraisals of artists, which can be found in treaties, memoirs, archives of the Paris Conservatoire, letters, etc. The vocabulary used to describe singing in the 19th-century has been linked to 78rpm records and cylinder recordings. The relative focus on high-pitched male voices is only relevant because changes in the general taste for opera voices were mainly triggered by leading tenors during the romantic era. The impact of various locations and repertory on the audience's expectations was studied in order to define the aesthetic and social frame of vocal performance. Reinventing the practical know-how from the sources actually meets the growing expectations of both schedulers and singers who want to renew the approach of the so-called "romantic" French repertory - which currently goes widely unknown and unsung. A better understanding of tradition allows for more consistent historically informed performances (www.lesfrivolitesparisiennes.com).

Chinese contemporary composer Qigang Chen describes himself as "a Chinese tree replanted in France." His piano solo work Instants d'un Opéra de Pékin presents both Eastern and Western elements equally. While the main motives and melodic ideas are based on Chinese modes and scales, Chen incorporates many Western compositional techniques, particularly those of Olivier Messiaen, such as fragmentation and elimination, rhythmic augmentation and diminution, octave displacement among others. In this dissertation, I review the historical development of Peking Opera. Through the musical examples, I also illustrate the incorporation of two fundamentally different musical backgrounds and compositional styles that interact, express, and present themselves as equally relevant in both Eastern and Western musical language.