La place de l'oralité en procédure est aujourd'hui contestée au regard de la recrudescence des écrits judiciaires. La langue du procès est devenue écrite autant en procédure écrite qu'en procédure orale. Si l'oralité présente l'avantage en matière d’accessibilité, de célérité et de négociation des parties, elle présente de nombreux inconvénients surtout au niveau probatoire. Sauf à considérer que l'oralité serait un ornement judiciaire coûteux et dépassé, il est nécessaire de s'interroger sur les raisons profondes d'une telle évolution. L’exercice de l'oralité dans l'enceinte judiciaire demeure nécessaire dans le cadre d'une société démocratique, elle participe au respect de garanties essentielles du procès en offrant notamment au litige une vision concrète et humaine. De la même manière, la prise en compte de l'oralité en procédure ne suppose pas une négation de l’écrit. Elle suppose au contraire une conciliation harmonieuse de l'écrit et de l'oral. Malgré l'importance du formalisme en droit français, un recours plus conséquent à l'oralité n'est pas à exclure. L’oralité a sa place au sein du droit processuel et aujourd'hui, les exigences de garanties fondamentales de la procédure ainsi que le développement des nouvelles technologies pourraient bien apporter une nouvelle forme d'oralité. / The importance of speech with regards to procedural rules is nowadays questioned while legal writing on these issues becomes the norm. Trial language is now written whatever the rules of argument - by speech or by writ. A debate has its advantages in matters of accessibility, speed and negotiating, yet it has many downturns, especially with rules of evidence. Unless considering it as an expensive and outmoded judicial trinket, it is necessary to ponder on the deep reasons for this evolution. The use of eloquence in the judicial arena remains necessary for a democracy: it ensures respect of fair trial by showing a down-to-earth point of view. Meanwhile, taking debating into account doesn’t mean rejecting written arguments: it suggests symbiosis. Although formalism is important in French law, return to eloquence is not to be cast aside. It has its place in procedural rules and nowadays the fundamental requirements for a fair trial along with the rise of new technologies should bring upon a new way of delivering a legal speech.

D’abord « Indiens » pour leurs « découvreurs », « peuple de la Bible » pour les missionnaires qui les alphabétisèrent, et « sauvages » pour les écrivains exotiques, les Polynésiens voulurent enfin revendiquer leur propre identité quand la France installa le Centre d’Expérimentation du Pacifique et que les premiers essais nucléaires commencèrent à Moruroa en 1966. Ils se voulurent alors Ma’ohi tumu, autochtones bien ancrés dans le sol de leurs îles. Ils revendiquèrent, pour résister à l’agression, une identité ancienne qui leur permettait de renouer fièrement avec un passé et des traditions qu’ils avaient oubliés. Les premiers écrivains polynésiens se joignirent naturellement à ce mouvement de renouveau identitaire et célébrèrent, avec les autres militants, l’oralité et la terre de leurs ancêtres. Les femmes qui avaient eu assez peu la parole jusqu’alors trouvèrent dans la littérature le moyen de faire enfin entendre leur voix. La littérature, essentiellement féminine, remit peu à peu en cause un modèle identitaire qui privilégiait les valeurs masculines. Les écrivaines participent aujourd’hui à la construction d’une identité polynésienne qui prend en compte les individus et s’ouvre davantage à l’Autre. / First referred to as “Indians” by those who “discovered” them, then as “the People of the Bible” by the missionaries who taught them how to read and write and at last as “savages” by exotic writers, Polynesians finally decided to assert their identity as the C.E.P. (nuclear testing center) was set up by France and as tests started in Moruroa in1966. They began to think of themselves as Ma’ohi tumu, that is to say natives solidly rooted in the ground of their islands. In order to resist aggression, they proclaimed an old identity which enabled them to revive traditions as well as a past which they had forgotten about. The first Polynesian writers naturally joined in this identity revival and celebrated, along with other activists, oral tradition together with the land of their ancestors. Women, who up to then had not really been entitled to make their voices heard, found a way to do so through writing. Literature, mainly female, gradually challenged an identity model which foregrounded male values. Nowadays, female writers are taking part into the making of a Polynesian identity which takes individuals into account and is opening up to the Other.

Chants, proverbes, contes, mythes, cultes, traditions, événements du passé. Entre une chanson et l’autre les femmes racontent et se racontent en insérant commentaires, histoires de vie et en montrant comment chaque « texte» ou strophe de chanson puisse assumer une signification par rapport aux situations vécues. Presque analphabètes, beaucoup de femmes anciennes entretenues dans le village de Madhya, dans l’état de l’Uttaranchal, en Inde, possèdent une sorte de culte de la mémoire constitué d’un riche répertoire de chants et histoires à raconter, exhiber et transmettre aux jeunes dans les moments crucials de la vie, comme le mariage, ou aussi quotidiennement sans un événement particulier. Les femmes organisent très souvent des rencontres de chants en invitant chez soi les voisines. Telles rencontres sont appelés bulauc que en hindi signifie « appelée » ou invitation au ladies sangit, un programme musicale tout au féminin. Dans ce village la chanson transmise oralement est étroitement liée à la femme comme son genre d’expression en gré d’offrir un riche champ d’investigation sur les concepts clé de pouvoir et genre, surtout dans une société fortement patriarcale comme celle de Madhya.Chanter ou raconter histoires entre femmes n’est pas seulement un acte de divertissement ou plaisir, mais une activité nécessaire à se lier avec d’autres femmes, être part d’une communauté. En analysant les contextes sociales dans lesquels les chansons sont chantées, en plus des images fascinantes suggérées dans les textes, on comprend comment dans la dimension informelle de la participation, de l’empathie et de l’intimité entre femmes, émergent significations inédites et points de vue alternatifs et tout à fait intéressants. L’ironie qu’elles utilisent dans les mots des chansons et les contes représente une stratégie qui sert à démolir le stéréotype auquel leur rôle et status est souvent associé. Ici les femmes s’expriment a travers des codes spéciaux, comme ensemble de signales, mots, comportements pleines de double sens et de messages critiques par rapport à la tradition dominante hindoue.Dans ces contextes de sociabilité les protagonistes, en plus de se changer experiences de vie et de se transmettre savoirs, construissent et déconstruissent significations et émotions dans un continuel processus de sociabilisation, défi par rapport à la tradition dominante et construction de nouvelles, inédites et alternatives façons de se percevoir et interagir avec le monde externe. / Songs, proverbs, tales, myths, rituals, traditions, events of the past. Between a song and another, women tell stories, comments and show how each “text” or stanza of a song can take on meaning through relation to everyday life. Almost illiterate, a lot of women in the village of Madhya in the state of Uttaranchal, India, have a kind of memory cult made of a rich repertoire of songs and stories to tell and teach to younger girls in crucial moments of life, as marriage, or without an exceptional event. Women often organize meetings by inviting neighbor women and friends of the village. Such meetings are called bulauc that in hindi means “invitation” to ladies sangit, a women musical meeting. In this village the orally transmitted song is closely related to the woman as her exclusive kind of expression that offers a rich field of research on key concepts as power and gender, especially in a highly patriarchal society such as Madhya. To sing or tell stories is not only an act of entertainment or fun, but a necessary activity to bind with other women, to be part of a community. By analyzing the social contexts where songs are sung, besides the fascinating images suggested in songs, we can understand how from the dimension of informal participation, empathy and intimacy among women, emerge inedited meanings and alternative points of view. Irony that they use in the words of songs and stories is a strategy to demolish the stereotype which their role and status is often associated. Here women express themselves through special codes and double meanings critical to the dominant hindu tradition. In these contexts of sociability women change life experiences and spread knowledge, build and deconstruct meanings and emotions in a continual process, challenge against the dominant tradition et construction of new, inedited and alternative way to perceive themselves and interact with the external world.

Au sein de la culture lettrée qui est la nôtre, il semble que la littérature soit d'emblée associée à l'écrit. Aussi, les manifestations contemporaines de la littérature orale sont-elles souvent laissées pour compte par les études littéraires, voire dévaluées par l'institution. Or, à une époque où l'on observe une importante résurgence de l'oralité en littérature, il apparaît d'autant plus pertinent de se pencher sur ses nouvelles formes, qui relèvent tout autant de la tradition que d'une modernité caractérisée par l'interdisciplinarité et l'évolution technologique. Dans la mesure où le développement des cultural studies, à la lumière d'une définition extensive de la culture, nous permet de nous intéresser à des pratiques qui n'appartiennent pas à la"haute culture", nous avons pris pour objet le mouvement de slam, qui participe précisément de cette résurgence contemporaine de l'oralité et qui émane, de surcroît, d'une culture"d'en bas". C'est, plus particulièrement, son actualisation québécoise qui constitue le coeur de ce mémoire, bien qu'il ait semblé nécessaire d'en dresser un portrait plus large, vu la méconnaissance relative du phénomène. C'est en 2006 que le mouvement - qui a pris racine au milieu des années 80 aux États-Unis - s'est installé dans la culture francophone du Québec, notamment sous l'impulsion de sa popularisation en France. Il y acquiert rapidement un visage pluriel, fondé sur une ambiguïté quant à la définition même du terme"slam" : s'il désigne à la base un mouvement poétique et social, de même qu'un cadre particulier structurant la pratique de la poésie performée (le slam de poésie), il en vient rapidement à être assimilé à un style, du fait de sa récupération par la culture de masse. Dans un premier chapitre, nous nous attardons à l'histoire du mouvement, ainsi qu'à son évolution aux États-Unis et en France. Dans un deuxième chapitre, nous en retraçons la brève histoire au Québec, avant de dégager les caractéristiques propres de son ancrage québécois. Dans un troisième chapitre, nous analysons la couverture journalistique du slam au Québec, ainsi que sa relation complexe avec l'institution littéraire, et terminons par l'analyse de quatre oeuvres québécoises qui se réclament du slam sans pourtant en adopter le cadre original, afin de cerner leur positionnement en regard du mouvement, de même que les enjeux de la diffusion de l'oralité qu'elles mettent au jour, à l'époque de sa reproductibilité technique.

Cette thèse de doctorat se situe à la frontière entre deux disciplines : la musicologie et la composition musicale. Nous proposons d'aborder l'étude de quelques systèmes compositionnels axés sur la notion de variation et plus particulièrement sur le processus de modification d'une unité sonore de sens par des variantes. L'un des objectifs est d'observer comment les courants expérimentaux les plus importants du XXe siècle – en particulier le spectralisme et la cybernétique – ont été synthétisés, vers la fin du siècle dernier, avec des aspects de la tradition. L'oralité et l'expérimentation récente ont en commun le procédé de composition par variantes. Cette notion est au centre de notre étude musicologique et caractérise également la partie de notre thèse consacrée à la pratique compositionnelle et à la transmission du savoir compositionnel. Après une recherche sur la technique des variantes dans les langages musicaux de Horatiu Radulescu (Bucarest 1942-Paris 2008) et de Franco Oppo (Nuoro 1935) ainsi que dans l'oralité sarde et roumaine, nous avons expérimenté d'autres possibilités de composition en essayant de dépasser les notions étudiées et d'en proposer une utilisation personnelle. Nous aborderons notre approche compositionnelle par variantes en analysant notre pièce pour piano Sonata (2013), « lieu » spatio-temporel où la mémoire de l'auditeur est appelée à reconstruire une linéarité temporelle transformée par notre stratégie des répétitions variées éparpillées dans l'œuvre. Notre démarche compositionnelle a quelque chose de similaire à la figure rhétorique classique de la digression / This Ph.D thesis is placed half way between two disciplines: musicology and musical composition. We propose to take up the study of compositional systems based on the notion of variation and more precisely on the process of modification of one sound meaning unit by variants. One of the objectives is to observe how the experimental currents of the XXth century- the Spectralism and the Cybernetic in particular- have been synthesized, at the end of the last century, by some aspects of the tradition. Orality and recent experimentation share the same composition process by variants. This notion is central in our musicology study and characterizes the chapters of the thesis dedicated to the compositional practice and to the transmission of the compositional knowledge. After having investigated the technique of variants in the musical language of Horatiu Radulescu(Bucarest 1942-Paris 2008) and Franco Oppo (Nuoro 1935). as well as the Sardinian and Romanian orality, we could test other possibilities of composition by trying to go beyond the notions studied and by proposing a personal usage. We will take up our compositional approach by variants by analyzing our piece Sonata for piano, spatio-temporal space where the memory of the audience is called to rebuild a temporal linearity transformed by our strategy of variable repetitions spread all over the work. Our compositional method shares the classical rhetorical figure of digression.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Cette thèse part de l’hypothèse générale que Toni Morrison et Léonora Miano s’inspirent des musiques afro-américaines dans leur travail d’écriture, selon des modalités particulières et pour des objectifs bien précis. Si ce domaine de la transposition littéraire des musiques afro-américaines a déjà donné lieu à un certain nombre de recherches, il n’a cependant pas encore fait l’objet d’une étude de synthèse telle que nous l’envisageons. En adoptant une démarche méthodologique qui se doit aussi bien à la sémiotique qu’à la littérature comparée, l’analyse s’intéresse au traitement des emprunts musicaux par les deux romancières, tout en dégageant les convergences et les divergences qui s’établissent entre elles au regard des différences de contextes. Constituée de quatre parties, l’analyse s’attèle d’abord à décrire la tradition littéraire afro-américaine dans laquelle s’inscrivent les auteures, avant de s’intéresser à la manière dont la référence musicale est mobilisée dans l’élaboration de la fiction, puis dans le traitement de la voix et de la structure narratives, et enfin dans le traitement de la langue et du style d’écriture. Il en ressort que la transposition littéraire des musiques afro-américaines, et particulièrement du blues et du jazz, entraîne un renouvellement systématique du discours romanesque, dans ses catégories formelles et génériques comme dans sa portée symbolique et ses visées idéologiques. La question identitaire, la déconstruction, l’oralité et l’hybridité deviennent les principaux paradigmes d’une écriture qui se transforme en acte de résistance et de subversion dans un contexte d’oppression. / This thesis is based on the general assumption that Toni Morrison and Léonora Mian take as a starting point the Afro-American music in their work of writing, with particular methods and for quite precise objectives. If this field of the literary transposition of the Afro-American music has already caused a certain number of researches, it however has not yet been the object of a study of synthesis such as we consider it. By adopting the methodological approach of semiotics and comparative literature, the analysis is interested in the treatment of the musical loans by the two novelists, and in the convergences and the divergences which appear when the various contexts are taken into consideration. Divided into four parts, the analysis describe first the Afro-American literary tradition in whom the authors fit, before explaining the way in which the musical reference is mobilized in the development of the fiction, then in the treatment of the narrative voice and the narrative structure, and finally in the treatment of the language and the style of writing. This reveals that the literary transposition of the Afro-American music, particularly blues and jazz, involves a systematic renewal of the aesthetic of the novel, on the levels of the formal and generic categories, the symbolic dimension, the ideological aimings. The theme of identity, the deconstruction, the orality and the hybridity become the principal paradigms of a writing which becomes an act of resistance and subversion in response to oppression.

L’œuvre de Patrick Chamoiseau se singularise par sa dimension esthétique qui fait de la parodie le style du récit épique. À travers ses œuvres, notamment Texaco et Solibo Magnifique, l’auteur semble s’approprier l’épopée traditionnelle qu’il inscrit au cœur de sa structure narrative. L’expérience douloureuse du passé esclavagiste, ayant bâillonné la parole créole pendant la période coloniale, motive la réécriture du passé historique antillais à l’époque contemporaine. Alors, comment donner une certaine fierté à ce passé, écrire le récit épique de gens simples dont le dénominateur commun est la pauvreté, la misère et un héritage ancestral peu glorieux? Par le procédé de la parodie, Patrick Chamoiseau s’approprie le genre épique traditionnel et le redéfinit. Le mécanisme de la parodie épique qu’il met en relief permet de dénoncer la domination en même temps qu’il se donne comme forme de résistance. Par ailleurs, elle démontre que Chamoiseau se donne pour tâche de réécrire l’histoire antillaise, posant, par le prétexte de l’enquête, une interrogation au cœur même de l’identité martiniquaise. Notre travail nous amène en outre à lier le recours à l’épopée à la disparition progressive d’une composante essentielle de la culture antillaise selon Chamoiseau : l’oralité. Nous appuyant sur une lecture postcoloniale inspirée de Homi Bhabha, notre analyse permettra de voir que Chamoiseau fait de l’épopée un symbole : celui de la vie des Martiniquais par l’histoire, mais aussi celui de la construction d’une identité hybride à l’image du créole parlé, qui cependant se trouve en perpétuelle transformation, en devenir constant. Il se détourne de cette histoire caribéenne communément perçue comme problématique pour mettre en exergue sa richesse africaine faite de la tradition des chefs, des maîtres de la parole dont la maîtrise de l’art oratoire ne souffre aucune contestation, faisant d’eux des hommes du peuple, des gardiens de l’histoire originale.

L’œuvre de Patrick Chamoiseau se singularise par sa dimension esthétique qui fait de la parodie le style du récit épique. À travers ses œuvres, notamment Texaco et Solibo Magnifique, l’auteur semble s’approprier l’épopée traditionnelle qu’il inscrit au cœur de sa structure narrative. L’expérience douloureuse du passé esclavagiste, ayant bâillonné la parole créole pendant la période coloniale, motive la réécriture du passé historique antillais à l’époque contemporaine. Alors, comment donner une certaine fierté à ce passé, écrire le récit épique de gens simples dont le dénominateur commun est la pauvreté, la misère et un héritage ancestral peu glorieux? Par le procédé de la parodie, Patrick Chamoiseau s’approprie le genre épique traditionnel et le redéfinit. Le mécanisme de la parodie épique qu’il met en relief permet de dénoncer la domination en même temps qu’il se donne comme forme de résistance. Par ailleurs, elle démontre que Chamoiseau se donne pour tâche de réécrire l’histoire antillaise, posant, par le prétexte de l’enquête, une interrogation au cœur même de l’identité martiniquaise. Notre travail nous amène en outre à lier le recours à l’épopée à la disparition progressive d’une composante essentielle de la culture antillaise selon Chamoiseau : l’oralité. Nous appuyant sur une lecture postcoloniale inspirée de Homi Bhabha, notre analyse permettra de voir que Chamoiseau fait de l’épopée un symbole : celui de la vie des Martiniquais par l’histoire, mais aussi celui de la construction d’une identité hybride à l’image du créole parlé, qui cependant se trouve en perpétuelle transformation, en devenir constant. Il se détourne de cette histoire caribéenne communément perçue comme problématique pour mettre en exergue sa richesse africaine faite de la tradition des chefs, des maîtres de la parole dont la maîtrise de l’art oratoire ne souffre aucune contestation, faisant d’eux des hommes du peuple, des gardiens de l’histoire originale.