Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

La thèse de M. Jordane Fauvey explore un siècle élargi de réception critique de l'ouvre du peintre espagnol Joaquin Sorolla (1863-1923) depuis sa première participation à l'Exposition Nationale de Madrid en 1881, jusqu'à la récente présentation en Espagnede sa dernière oeuvre majeure, Vision de Espaça, de 2007 à 2009. En exploitant comme source principale la collection de presse du Musée Sorolla de Madrid (4.068 articles), l'auteur situe la naissance médiatique de Sorolla en 1895, l'année de son premier succès parisien. Il retrace son parcours de "savonnier" dans les capitales européennes et met tout particulièrement en évidence le paradoxe suivant : Alors que sa peinture lumineuse et dynamique perce à l'étranger, elle est rejetée à Madrid. / Mr Jordan Fauvey's thésis explorés a large century of critical réception of the Spanish painter Joaquïn Sorolla's work tram his first participation to the National Exhibition in Madrid in 1 881 to the récent introduction of his lest major work, Vision of Spain, from2007 to 2009. Exploiting as principal source the press collection of the Sorolla Museum in Madrid (4.068 articles), the author situates Sorolla's mediatised birth in 1895,the year of his fîrst Parisian Success. He recountsh is way in the Europeanc apitale' salons and particularly highlights the following paradox: Although his bright and dynamic painting becomes famous abroad, ït is rejected in Maadrid.

Né en 1521 à Beauvais et mort en 1599 à Paris, Antoine Caron fit une brillante carrière de peintre entre la cour et la capitale du royaume de France sous les règnes de François Ier, Henri II, François II, Charles IX, Henri III et Henri IV. Redécouvert en 1850 par Anatole de Montaiglon et étudié par Gustave Lebel puis Jean Ehrmann, le profil du peintre restait cependant mal défini. Son parcours n'était pas établi avec certitude et le corpus d’œuvres qui lui étaient attribuées demeurait hétérogène. Le présent travail s'est proposé de reprendre, poursuivre et affiner la recherche sur la vie et l'œuvre de cet artiste de premier plan. Il s'articule autour de deux axes. Le premier cherche à reconstituer la carrière du peintre. À la lumière des textes d'archives, dont certains sont connus depuis le XIXe siècle tandis que d'autres, inédits, ont été récemment découverts aux Archives nationales, il est non seulement possible de mieux comprendre le parcours d'Antoine Caron mais également d'en saisir les principales étapes qui le portèrent de Beauvais à Paris, en passant par Fontainebleau et Anet. Le second axe concerne l'œuvre. En partant du seul tableau signé par l’artiste, les Massacres du Triumvirat, et de quelques autres œuvres sûres, on a procédé par cercles concentriques pour reconstituer son œuvre. C'est avec cette double approche, basée sur l'étude des documents d'une part et, d'autre part, sur l'examen des œuvres et la prise en compte des réalités sociales du métier de peintre en France dans la seconde moitié du XVIe siècle, que l'on a cherché à proposer une nouvelle vision de la vie et de l'œuvre de cet important artiste de la Renaissance française que fut Antoine Caron. / Antoine Caron, who was born in 1521 in Beauvais and died in 1599 in Paris, had a brilliant career as painter at both the court and the capital of the Kingdom of France under the reign of François Ist, Henri II, François II, Charles IX, Henri III and Henri IV. Rediscovered in 1850 by Anatole de Montaiglon and studied by Gustave Lebel and Jean Ehrmann, the painter’s profile remained however understudied. His career had not been laid out with certainty, and the corpus of works was heterogeneous. The present work proposes to reconsider, resume and continue the research on the life and work of this important artist. It is developed around two axes. The first tries to reconstruct the painter’s career. Based on archival texts, it proposes to clarify the trajectory of Antoine Caron, from Beauvais to Paris, via Fontainebleau and Anet. The second axe concerns his work. Based on the only painting signed by the artist, the Massacres of the Triumvirat, it tries to reconstruct the catalogue of the painter. It is with this double approach, based both on the study of surviving documents on the one hand and, on the other, on the works, coupled with the socials realities of the profession of a painter in France in the second half of the sixteenth century, that the present research tries to offer a new vision of the life and work of this important Renaissance artist that was Antoine Caron.

Gerhard Richter, Sigmar Polke et Blinky Palermo apparaissent aujourd’hui comme des figures majeures de l’histoire de l’art contemporain allemand. Richter est unanimement reconnu pour l’étendue de sa pratique picturale qui, depuis le début des années soixante, explore tous les registres de la figurabilité à travers l’usage de la photographie, brisant les limites traditionnelles du médium et du style. Polke, bien qu’encore trop méconnu en France, bénéficie de nombreuses expositions dans le monde depuis la fin des années soixante. Sa disparition, en 2010, a suscité de la part de la critique un intérêt nouveau. A la monadologie de Polke, incarnée par la trame sérigraphique au crible de laquelle est passée la vie toute entière, répond la géométrie romantique d’un peintre presque totalement ignoré du public français : Blinky Palermo. Disparu prématurément en 1977, sa popularité - notamment en Allemagne et Etats-Unis – ne cesse de croître depuis le milieu des années soixante-dix. Qu’en est-il précisément de ces trois destins qui, dans les couloirs de l’école d’art de Düsseldorf en 1961 et le voisinage d’une figure chamanique - celle de Joseph Beuys – se sont un jour croisés ? Richter, Polke et Palermo ont d’abord été ces « junge Männer » en quête d’éternité qu’en 1982 chantait Alain Bashung dans son album Play Blessures. Le socle de notre recherche coïncide donc avec les questionnements d’une génération marquée par la culpabilité, le besoin de nouveaux horizons, la conscience de la catastrophe et l’ambiguïté du modèle américain. Richter, Polke et Palermo représentent à eux-seuls un pan entier de l’histoire et de l’art allemands. / Gerhard Richter, Sigmar Polke and Blinky Palermo are emerging, since the middle of the sixties, as major artists in the context of German contemporary art. Richter is today widely celebrated for the breadth of his pictorial practice which, since the early sixties, explores all registers of painting through the use of photography, breaking the traditional boundaries of the medium and style. Polke, although still too little known in France, has many exhibitions around the world since the late sixties. His death in 2010 sparked criticism from a new interest. Polke’s Monadology, embodied by the reproduction of the Ben-Day Dots printing process, encounters the Euclidean geometry of a romantic painter almost totally ignored by the French public : Blinky Palermo. Died prematurely in 1977, his popularity - especially in Germany and the United States - is constantly growing since the mid-seventies. What precisely connects these three painters, in the neighborhood of the shamanic personality of Joseph Beuys? That is the question we solve. Richter, Polke and Palermo were first these "junge Männer" in search of eternity Alain Bashung in 1982 sang in his album Play Blessures. The rhythm of our research is given by the history of a generation marked by guilt, the need for new horizons, awareness of the disaster and the ambiguity of the American model. Richter, Polke and Palermo are on their own an entire part of history and German art.

La majorité d'entre nous tend à désigner vaguement les croisements référentiels entre les différents médiums artistiques: hommage, renvoi, clin d'oeil, etc. Au cinéma, les relations textuelles (que le critique ou le cinéphile aiment bien essayer de retracer) ont le statut de citation, de remake, de réminiscence. L'étude que nous proposons ici porte plus spécifiquement sur le rôle que joue l'utilisation de la pratique de la citation comme opération constitutive de sens, comme bricolage, sur la perception du film. Notre réflexion sémio-théorique, s'appuyant sur les théories littéraires de la citation, cherche à identifier au sein du film les principales relations entretenues avec la peinture et la photographie. Le premier chapitre, intitulé « La citation: une pratique littéraire et visuelle », est consacré à l'état de la question de la citation (définition des différents types de citation) et à sa théorisation (la citation comme acte et comme signe puis les fonctions de la citation). Nous prendrons comme fondements théoriques les textes d'Antoine Compagnon puis de René Payant. En fait, cette partie du mémoire consiste à développer l'idée centrale et plus globale de la citation en général dans les différents domaines artistiques puis au cinéma. Le deuxième chapitre, « La citation au cinéma », est dédié à l'image cinématographique qui peut s'approprier les spécificités de la peinture et de la photographie par la citation. Or, nous analyserons différents types de citations qui peuvent se présenter dans le film, la citation visuelle au cinéma se faisant par reproduction ou évocation d'autres oeuvres. En fait, nous verrons à l'aide de différents exemples comment les marqueurs textuels de la citation se transposent au cinéma. L'interprétation des « plans-tableaux » dans les oeuvres cinématographiques de réalisateurs tels que Stanley Kubrick, Erich Rohmer ou Wim Wenders, est donc contraint à une phraséologie exacte, une spécificité constitutive de la citation. Ainsi, la présentation de types de « plans-tableaux» comme la citation-reconstitutions ou la découverte, est tirée des fondements de Pascal Bonitzer. La tendance à la citation peut également s'affirmer dans la photographie de mode dont la prévalence de la narrativité fait aussi l'objet de notre étude puisqu'elle génère notre propos sur la citation de la photographie de mode, influencée par l'instantané, entre autres, dans l'oeuvre cinématographique de Vincent Gallo. Le dernier chapitre, « La citation picturale et photographique dans le film Buffalo 66 de Vincent Gallo », est consacré à Vincent Gallo et à l'interprétation de son long-métrage Buffalo 66 ainsi qu'aux oeuvres qu'il rappelle, c'est-à-dire le style de ses propres tableaux ainsi que la forme d'une certaine photographies de mode évoquant l'instantané. Les oeuvres cinématographiques de Gallo revendiquent donc des retours permanents à sa peinture et la photographie de mode. Bien qu'il ne soit pas facile de retrouver toujours la source de leur inspiration, toutes ces oeuvres, picturales, photographiques ou cinématographiques, dont celles qui sont produites et citées par Vincent Gallo, suggèrent un motif source découlant d'une stratégie d'emprunt et d'une méthode individuelle de transposition. Dans le cas de Buffalo 66, la citation formelle et stylistique pastiche la peinture de Gallo et la photographie de mode. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Cinéma, Peinture, Photographie, Mode, Citation, Pastiche, Vincent Gallo.

Tout objet a une histoire. Pourtant, nous regardons généralement les choses qui nous entourent comme si elles avaient toujours été là, telles qu'on les voit, hors du temps. Tout objet a une histoire qui peut, bien souvent, nous révéler beaucoup plus qu'il n'y paraît. Dans ce travail, nous nous proposons de faire l'analyse de deux objets de notre quotidien qui nous sont familiers et que nous regardons bien souvent sans les voir: la fenêtre et le journalisme. En remontant dans le temps, en allant observer comment la fenêtre d'architecture est devenue non seulement le lieu mais aussi l'origine du regard moderne, nous chercherons à retracer certains des paradigmes qui constituent notre « manière de voir » contemporaine. L'hypothèse est que la fenêtre, qui est née de la peinture renaissante, peut s'avérer un excellent révélateur pour réfléchir au journalisme contemporain. Le journalisme sera ainsi envisagé comme une fenêtre ouverte sur le monde. À la lumière de la peinture, nous établirons une relation entre la fenêtre, telle que le peintre et architecte italien Alberti en a fait l'esquisse, et la manière dont le journalisme cherche à nous faire voir la réalité. En nous inspirant fortement du travail de Gérard Wajcman, nous observerons comment le journalisme s'est institué au coeur des démocraties modernes comme un des lieux de représentation nécessaires à la constitution d'une société et comment il est venu, par le fait même, transformer notre rapport au monde. De la peinture renaissante à l'idéal d'objectivité et de transparence, ce mémoire s'efforcera de poser un regard original et sensible sur ces fenêtres à travers lesquelles « nous prenons des nouvelles du monde ». Si la fenêtre a institué le sujet moderne en regardeur, quel est le sujet dont témoigne aujourd'hui le journalisme? ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Journalisme, Fenêtre, Peinture, Objectivité, Transparence, Perspective, Cadre, Paysage, Histoire, Réalité, Modernité, Sujet.

Texte abrégé et remanié de: Diss.--Fakultät für Orientalistik und Altertumswissenschaft--Heidelberg--Ruprecht-Karls-Universität, Wintersemester 1996/97. / Contient un résumé en italien. Bibliogr. p. 224-236. Index.

Texte remanié de: Diss.--Philosophische Fakultät--Münster--Westfälische Wilhelms-Universität, 1991. / Notes bibliogr. Index. Résumés en allemand et en anglais.

Texte remanié de: Diss.--Freiburg--Albert-Ludwigs-Universität, 1991. / Bibliogr. p. 261-262. Notes bibliogr. Index.