Bien qu’elle n’ait jamais été abordée de front par Jacques Derrida, la question du pervertible se conçoit à maintes reprises dans son œuvre sous l’angle de paradoxes et par le biais de questions comme celles de l’hospitalité ou de la promesse. Cette thèse explore ainsi les limites et la portée de la notion protéiforme de pervertibilité, ses enjeux et ses manifestations, de même que son rapport au langage et au sens. Pluridisciplinaire, elle se penche sur les concepts philosophiques et sur les dispositifs textuels et littéraires témoignant de cette pervertibilité en acte dans l’ensemble du corpus derridien. / Although Jacques Derrida never addressed it head-on, the problem of pervertibility is often conceptualized in his work by way of paradoxes and questions, such as those of hospitality and the promise. This doctoral thesis explores the limits and scope of the protean notion of pervertibility, its stakes and its manifestations, as well as its relationship with language and meaning. Multidisciplinary in nature, it simultaneously focuses on philosophical concepts and on the textual and literary devices that bespeak this pervertibility, operative throughout Derrida’s entire body of work.

Au cours de l'Histoire, les humains alors nomades sont devenus sédentaires. Est-il possible de tisser des liens entre les différentes formes de nomadisme actuel et une certaine implication politique ? Selon une approche critique des pouvoirs hégémoniques, l'auteur répond à cette question à travers une expérience cinématographique nomade dans le Nord-ouest argentin. Il étudie les relations qui peuvent exister entre une pensée nomade, le militantisme et le cinéma. Suivant les révolutions sociales des années 30 à 70, certains nomades, qui parcouraient le monde comme contestation d'un mode de vie normatif, se tournent aujourd'hui vers un existentialisme quotidien. Quant au cinéma militant argentin, sa pratique passe d'une confrontation révolutionnaire face à l'hégémonie, vers la construction de subjectivités variées et précises. L'agencement entre le cinéma militant et l'expérience nomade mettra à jour l'importance d'une « communication nomade » qui s'installe aux interstices de la contestation sociale et de l'autonomie individuelle. / Throughout history, humans have gone from a nomadic to a sedentary lifestyle. Is it possible to forge links between current forms of nomadism and political involvement? Using a critical approach of the powers of dominating institutions, the author answers this question through a nomadic cinematic experience in Northwestern Argentina. The film studies the relationships that exist between nomadic thought, activism and film. After the social revolutions of the 1930's through the 1970's, nomads who had once challenged conventional lifestyles are IV today turning towards existentialism. Meanwhile, the practice of militant cinema in Argentina has changed from a revolutionary confrontation against hegemony, towards the construction of subjective identities. The link between militant cinema and the nomadic experience brings to light the importance of "nomadic communication" between social protest and individual autonomy. / Durante la historia, los seres humanos pasaron de ser nómadas a sedentarios. ¿Es posible establecer vínculos entre las diferentes formas de nomadismo actual y una cierta implicación política? Según un enfoque crítico de los poderes hegemónicos, el autor responde a esa pregunta a través de una experiencia de cine nómade en el noroeste argentino y estudia las relaciones que existen entre el pensamiento nómada, el activismo y el cine. Siguiendo las revoluciones sociales de los años 30 a los 70, algunos nómadas que vagaban por el mundo como desafío a un estilo de vida normativo, hoy están recurriendo a un existencialismo diario. En cuanto al cine militante argentino, su practica pasa de una confrontación revolucionaria contra la hegemonía, a la construcción de subjetividades variadas y precisas. El agenciamiento entre el cine militante y la experiencia nómada actualizará la importancia de una "comunicación nómada" que se instala en los intersticios de la protesta social y la autonomía individual.

La République de Pologne-Lituanie, par sa forme de gouvernement unique, a suscité l’intérêt d’auteurs français fondamentaux tels que Théodore de Bèze, Jean Bodin, Montesquieu, Voltaire et Jean-Jacques Rousseau, mais aussi de penseurs aujourd’hui moins connus, comme Jean Boucher, Claude de Rubis ou Nicolas Baudeau. La Pologne apparaît dans la littérature politique française dès 1573, date à laquelle Henri de Valois fut élu roi de Pologne, jusqu’en 1795, moment de la disparition de la carte de l’Europe de l’État polono-lituanien. Malgré cette présence continue, elle ne fut que très peu étudiée dans l’historiographie française. Pourtant, elle représente une clé de lecture passionnante pour éclairer les débats politiques français de l’époque moderne, ce qu’entreprend de démontrer cette thèse. / The Republic of Poland-Lithuania, with its unique form of government, aroused the interest of fundamental French authors such as Théodore de Bèze, Jean Bodin, Montesquieu, Voltaire or Jean-Jacques Rousseau, but also the attention of less known thinkers like Jean Boucher, Claude de Rubis or Nicolas Baudeau. Poland appeared in French political literature in 1573, when Henri of Valois was elected king of Poland, until 1795, when the Polish-Lithuanian state disappeared from the map of Europe. Despite this continuous presence, it has been insufficiently analyzed in the French historiography. Yet, it represents a fascinating key for reading the French political debates of the modern era. This thesis aims at demonstrating it.

Ce projet de recherche a pour objectif de mieux cerner le champ de la pratique clinique en psychothérapie utilisant des médiations artistiques. En outre, il vise à interroger la position du psychothérapeute dans un contexte de soin avec une médiation artistique (peinture, dessin, modelage). La situation clinique en art-thérapie possède deux caractéristiques qui la distingue d’une thérapie verbale : (1) le passage du face-à-face impliquant le contact visuel à une présence du clinicien hors du champ visuel du patient lorsqu’il est face au chevalet, (2) il y a la création d’un objet plastique sous le regard du clinicien. Cette recherche s’appuiera sur un travail d’analyse des concepts fondamentaux de la psychanalyse appliqués à la psychothérapie médiatisée et sur le développement de la notion « d’image critique ». Désigner l’image comme un lieu critique, c’est la considérer comme un lieu de mise en tension et de mise en crise du symptôme selon différentes logiques de symbolisation. L’hypothèse métapsychologique qui guide cette recherche est que les processus de symbolisation dans la construction de l’image plastique en séance s’appuient sur une situation intersubjective de partage de différents niveaux de symbolisation entre le thérapeute et le patient. Une étude de cas du suivi d’un patient constitue la méthode de cette recherche. / The goal of this research project is to define the scope of clinical practice in psychotherapy that uses artistic mediations. It also intends to examine the position of the psychotherapist in the context of care through an artistic mediation (painting, drawing, clay).The clinical situation in Art Therapy has two distinctive characteristics from verbal therapy: 1. the passage from a face to face interaction that implies a visual contact to the presence of the clinician outside the patient’s visual field once s/he is working at an easel, 2. the creation of a plastic object under the sight of a clinician.This research is based on a work of analysis of fundamental psychoanalytic concepts applied to mediated psychotherapy and on the development of the concept of “critical image.” To denote an image as critical is to consider it as a place of exerted tension and exerted crisis of a symptom according to different logics of symbolization. The meta-psychological hypothesis that guides my research relies on symbolization processes based on the inter-subjectivity of sharing different levels of symbolization between the therapist and the patient. A case study of a patient undergoing art therapy constitutes the methodology of this research.

Much socialist realism art from Soviet-era Russia has been misunderstood by scholars. It has been considered "synthetic art," which ordinary citizens were forced to admire under the Soviet regime. It also has been interpreted as peasant kitsch art because of its seemingly unacademic and unchallenging theoretical language utilized in order to meet the expectations of Soviet communism. This ideology conditioned artists to make art accessible and nationalistic to serve the perceived needs of the Russian proletariat. Nikolai Rakov (1908-1990), a Soviet-era composer, is also all too often received as a second-class socialist realistic composer. There are, however, other approaches to understanding art created in Soviet Union. Within music scholarship, alternative perspectives on Soviet art remain largely unexplored. It is in that spirit that I turn to Rakov, whose works carry his artistic idea of irresistible beauty, elegance, irony and charm. They evoke colorful images and feelings that draw the audience into Rakov's own compositional world despite his reputation of technical simplicity and uninventive language at a glance. In this dissertation, I therefore turn my attention to the aesthetic side of Rakov's music in order to reevaluate his works. In order to achieve this, I develop and utilize a hermeneutical approach grounded in Claude Lévi-Strauss's The Savage Mind to examine and gauge Rakov's musical aesthetics. I closely evaluate two characteristics of Rakov's music through Lévi-Strauss' ideology of bricolage: 1) miniature structure and 2) contingent chords. This dissertation examines three of Rakov's piano works: Variations in B minor, Concert Etudes, and Four Preludes.

Une entité scientifique, tout en ayant son propre devenir dans le domaine scientifique, s’étend aussi souvent à d’autres domaines d’activité. Parallèlement à la diffusion des découvertes scientifiques, elle peut susciter un intérêt artistique ou conceptuel. Les études sur le microbiome humain ont nourri un tel intérêt pour les microbes et ont encouragé de nombreux artistes à entrer dans un laboratoire de biologie et à produire des oeuvres artistiques avec et à travers les microbes. Ces oeuvres d’art établissent une relation étroite avec les découvertes scientifiques récentes, les procédures et les protocoles, et posent des questions philosophiques sur la vie et la mort, la nature, l’humanité, et les relations entre les êtres vivants. Cette thèse vise à examiner les processus sociaux, techniques, politiques et économiques qui traversent les sciences des microbes et à déterminer comment ils aboutissent dans les oeuvres d’Elaine Whittaker, Tarsh Bates, François-Joseph Lapointe, Günes-Helen Isitan, le collectif Interspecifics, Victoria Shennan, Saša Spačal, Sonja Bäumel, Raphael Kim et Kathy High. Lorsque nous trouvons un microbe dans un contexte particulier, que trouvons-nous d’autre avec lui ? Dans quelles conditions apparaît-il dans une oeuvre d’art et avec quels éléments l’oeuvre compose-t-elle pour produire des effets esthétiques ? Dans cette thèse, l’histoire des microbes considérée du point de vue des formes d’art les mobilisant (ou « microbe-oeuvres d’art » pour microbe-artworks) commence en fait avec des animalcules qui n’étaient pas encore des entités scientifiques à part entière, mais qui présentaient virtuellement les forces qui seraient réunies plus tard sous le terme scientifique de « microbe ». Dans un premier temps, les animalcules, nommés après des observations d’Antonie von Leeuwenhoek, ont suscité l’intérêt de philosophes comme Leibniz et Spinoza et intensifié la curiosité de peintres comme Johannes Vermeer pour les éléments microscopiques de la vision, initiant ainsi des voyages entre les champs scientifiques et artistiques. Cette étude propose de problématiser ces voyages à l’aide du concept d’« échologie », un terme oublié d’une thèse écrite dans les années 1970 par Jean Milet sur la sociologie de Gabriel Tarde. Mais les théories d’autres philosophes tels que Georges Canguilhem, Michel Foucault, Gilles Deleuze, Félix Guattari, Marie-José Mondzain, et Gilbert Simondon, et des penseurs contemporains tels que Thierry Bardini et Brian Massumi sont également mobilisées pour donner à ce terme toute sa cohérence. Selon l’échologie, les entités sont constituées des motifs (patterns) d’interférence et de résonance avec d’autres choses, qui précèdent leur représentation. Ainsi, une 5 entité donnée est un complexe de forces, et son apparition, le résultat de certaines techniques qui la mettent en relation avec d’autres complexes ne peut s’expliquer comme un effet associé à une seule cause, mais se donne comme un effet supplémentaire, un extra-effet ou un surplus qui laisse toujours une trace ou un résidu. D’un point de vue échologique, une microbe-oeuvre d’art s’opère comme une interface qui intègre des potentiels qui se rendent visibles à travers les traces en vertu de multiples processus recoupant les activités scientifiques et les stratégies artistiques. Chaque chapitre de la thèse est ainsi une étape dans un voyage conceptuel expérimental, révélant les dimensions des oeuvres d’art considérées au regard de l’analyse de ces traces. Au cours de ce voyage, les éléments des théories scientifiques concernées, des entretiens avec des artistes, des sorties sur des sites de pratique des arts biologiques, lors d’ateliers, de conférence et d’écoles d’été sont mobilisés comme facteurs contribuant à la construction des champs problématiques dans chaque chapitre. Les microbes considérés comme des objets de beauté apparaissent comme le résultat d’une transformation discursive des sciences biologiques. D’une conception pathogène des microbes aux approches écologiques, l’iconicité des microbes associés aux microbe-images, l’échologie des microbe-sons, le devenir-milieu de certaines microbe-oeuvres d’art, et enfin la question de l’individuation de la pensée, et l’éthique corrélée compris comme le problème de la valorisation des microbes dans des microbe-oeuvres d’art, le devenir-microbe découle de cette transformation discursive à travers le champ artistique. / A scientific entity, while having its own becoming in the scientific field, often also spreads to other fields of activity, such as art and philosophy. Microbiome studies fed such an interest towards microbes and encouraged many artists to enter a biology laboratory and produce a work of art with and through microbes. These artworks establish a close relationship with recent scientific findings, procedures and protocols, and ask philosophical questions about life and death, nature, humanness, and the relationships between living beings. This thesis aims to examine the social, technical, political, and economic processes that go through the microbe sciences and determine how they come together in the artworks of Elaine Whittaker, Tarsh Bates, François-Joseph Lapointe, Günes-Helen Isitan, the collective Interspecifics, Victoria Shennan, Saša Spačal, Sonja Bäumel, Raphael Kim, and Kathy High. When we find a microbe in a particular context, what else do we find with it? Under which conditions does it appear in an artwork and which elements does the artwork compose with to produce aesthetic effects? In this thesis, the story of microbes is recounted from the perspective of microbe-artworks and starts with animalcules, the not yet full-fledged scientific entity which virtually present the forces that would be brought together under the scientific term “microbe”. At first, animalcules––named after Antonie van Leeuwenhoek’s observations, attracted the interest of philosophers such as Leibniz and Spinoza and intensified the curiosity of painters such as Johannes Vermeer towards the microscopic elements of seeing, hereby initiating journeys between scientific and artistic fields. This study proposes to problematize these journeys as an “echology”. Echology is a forgotten term first introduced in the ‘70s by Jean Milet in his thesis about the sociology of Gabriel Tarde. Here, the theories of other philosophers such as Georges Canguilhem, Michel Foucault, Gilles Deleuze, Félix Guattari, Marie-José Mondzain, Gilbert Simondon, and contemporary thinkers such as Thierry Bardini and Brian Massumi are mobilized in order to give this term its full consistency. According to echology, entities consist of patterns of interference and resonance with other things, which arise before their representation. Thus, a given entity is a complex of forces and its apparition the result of certain techniques which put it into relation with other complexes cannot be explained as an effect associated with a single cause but gives itself as an extra-effect or surplus that always leaves a remainder. From an echological perspective, a microbe- 7 artwork operates as an interface that incorporates potentials that make themselves visible through the remainders by virtue of multiple processes cutting across scientific activities and artistic strategies. Each chapter of the thesis is thus a way station in a conceptual journey of experimentation, revealing the dimensions of the artworks under consideration with respect to the analysis of these remainders. During this journey, elements of scientific theories, interviews with artists, field trips to sites of practice of the biological arts, related workshops and summer schools are mobilized as contributory factors of the construction of the problematic fields in each chapter. Microbes considered as objects of beauty hence appear as the result of discursive transformation of biological sciences. From earlier pathogenic conceptions of microbes to contemporary ecological approaches, the iconicity of microbes associated with microbe-images, echology of microbe-sounds, becoming-milieu of certain microbe-artworks, and finally, the question of individuation of thought and the correlated ethics understood as the problem of valuation of microbe-artworks, the becoming-microbe stems from this discursive transformation through the art field.

Cette thèse doctorale étudie la pratique des « artistes-développeurs » œuvrant dans le développement de jeux vidéo en industrie. Elle propose d’aborder cette pratique comme un phénomène complexe, au carrefour du développement de jeu vidéo, de l’agir professionnel et de la pensée des designers. Le développement de jeu vidéo se caractérise par le travail créatif, collaboratif et interdisciplinaire entre design, art, programmation et gestion. En raison de la complexification et de la rationalisation des produits et des processus vidéoludiques depuis les années 1990, des exigences considérables sont apparues pour les artistes, en termes d’adaptation, de spécialisation, de créativité et de productivité. Au cours de la phase de préproduction, des artistes expérimentés collaborent en équipe multidisciplinaire et contribuent à la conception et au prototypage des premières versions fonctionnelles des jeux. Alors que les industries canadienne et québécoise du jeu vidéo se sont rapidement développées au cours des vingt-cinq dernières années, les connaissances sur la pratique des artistes-développeurs demeurent limitées, en dehors de nous informer de l’expertise technique. Les studios développeurs exigent des besoins constants en main-d’œuvre compétente et en alignement des formations ; ils recherchent des compétences particulières (par ex. collaboratives, transversales, polyvalence), tel que constaté chez les petits et moyens studios émergents québécois. En tant qu’enseignant, artiste et chercheur, nous avons voulu développer une compréhension fine et contextuelle dans le but d’informer et guider la formation universitaire des futures artistes et la pratique en industrie. Des explorations pré-terrain au moyen d’entretiens et d’observations auprès d’artistes séniors ont servi à construire la problématique de l’étude, en fournissant une première compréhension de la pratique des artistes-développeurs. Notamment, cette pratique implique des activités individuelles et collaboratives de conception, ainsi que des habiletés réflexives intrinsèques. Ceci a conduit à apparenter leur pratique à celle du designer au sens large. Les va-et-vient entre les premières explorations et la littérature ont enrichi le questionnement pour l’étude jusqu’à conduire à un premier objectif : explorer la pratique réflexive « designlike » des artistes-développeurs expérimentés, durant la phase de préproduction et dans les petits et moyens studios québécois. Un second objectif vise à concevoir un modèle de pratique permettant de saisir la pratique professionnelle compétente des artistes-développeurs. Sur le plan théorique, l’étude se réfère aux théories constructivistes et pragmatistes de l’agir professionnel de la pensée des designers. Le cadre théorique permet d’élaborer une construction théorique avec laquelle il devient possible d’étudier un ensemble de dimensions structurant la démarche réflexive de design, à travers des cas situés et incarnés de pratique. Sur le plan méthodologique, l’enquête qualitative inspirée de l’ethnographie et du « shadowing » explore à travers trois cas de pratique (chaque cas = un artiste dans un petit studio). L’analyse interprétative vise à construire des catégories et à identifier des patterns réplicables d’un cas à l’autre. Chaque cas est analysé et interprété individuellement ; une synthèse transversale des trois cas permet de décrire un modèle provisoire de pratique, lequel est validé auprès des trois participants en entretien individuel. Nous proposons un modèle transférable et enseignable de pratique professionnelle compétent de l’artiste-développeur, en termes de situations et de compétences. Nous soulevons les besoins d’accompagner les artistes à mieux conceptualiser et expliciter leur pratique. Nous montrons comment la préproduction de jeu vidéo constitue un vecteur d’activités collaboratives de design et de prototypage. Nous concluons en proposant des recommandations à la formation des futurs artistes-développeurs, en revenant sur la démarche méthodologique utilisée et en proposant des pistes de recherches futures. / This doctoral thesis studies the practice of “artist-developers” working in video game development. It proposes to examine this practice as a complex phenomenon, at the intersection of video game development, professional practice and design thinking. Video game development is characterized by creative, collaborative and interdisciplinary work between design, art, programming and management. Due to the increasing complexity and rationalization of video game products and processes since the 1990s, considerable demands have been placed on artists in terms of adaptation, specialization, creativity and productivity. During the preproduction phase, experienced artists collaborate in multidisciplinary teams and contribute to the design and prototyping of the early functional versions of games. While the Canadian and Quebec video game industries have grown rapidly over the past twenty-five years, knowledge about the artist-developers’ practice remains limited, except in terms of technical expertise. Development studios have a constant need for qualified practitioners and well-adapted training; they are looking for specific skills (e.g. collaborative, cross-disciplinary, versatility), as seen in small and medium-sized emerging studios in Quebec. As a teacher, artist and researcher, we wanted to develop a fine-grained and contextual understanding in order to inform and guide the academic training of future artists and industry practice. Pre-field investigations based on interviews and observations with senior artists served to frame the study, providing an initial understanding of artist-developers’ practice. This was built on individual and collaborative design activities as well as intrinsic reflective skills. Through the pre-field study we have noticed some similarities between artists’ and designers’ practices. The back and forth between the first explorations and the literature enriched the questioning so to lead to a first objective: to explore the “designlike” reflective practice of experienced artist-developers, in the preproduction phase and in small and medium-sized Quebec studios. A second objective is to develop a model of practice to capture the competent professional practice of artist-developers. The theoretical approach refers to constructivist and pragmatist theories of professional practice and of design thinking. The theoretical framework allows to elaborate a theoretical construction with which we can study a set of dimensions that structures the reflective process of design, through which we can study situated and embodied cases of practice. The methodological approach draws on qualitative research and refers to ethnography and shadowing to explore through three cases of practice (each case = an artist in a small studio). Interpretive analysis is used to construct categories and identify patterns that can be replicated across cases. Each case is analyzed and interpreted individually; a cross-case synthesis is used to describe a provisional model of practice, which is then validated by the three participants during an individual interview. Based on the findings, the study proposes a transferable and teachable model of professional practice of the artist-developer, in terms of situations and skills. In addition, we raise the need to support artists in conceptualizing and making explicit their practice. We also show how the preproduction of video games can be considered as a vector for collaborative design and prototyping activities. In our conclusions, we make several recommendations for the pedagogical training of future artist-developers. We discuss the theoretical and methodological approaches used and suggest various avenues for future research.

La recherche en didactique de l’histoire a analysé de nombreuses approches et ressources employées pour atteindre les diverses visées éducatives de l’enseignement des sciences sociales au secondaire. Elle traite cependant peu de l’usage des artéfacts ou des sites historiques pour faire apprendre aux élèves la démarche critique associée à la pensée historienne et à son mode de lecture. Dans le cadre de cette recherche qualitative et exploratoire, nous avons tenté de réduire cette lacune en documentant et en analysant l’apport d’un cours-voyage virtuel pour enseigner l’euristique de contextualisation partir d’artéfacts et de sites historiques de la Grèce ancienne pris comme objets d’interprétation de l’histoire. Cette étude de cas s’est déroulée dans un collège privé de la région métropolitaine de Montréal durant l’année scolaire 2019-2020. Les participants de cette étude (n= 23), âgés de 16 et 17 ans, étaient inscrits à un cours d’histoire hors programme menant à un voyage en Grèce. L’annulation des voyages scolaires au Québec à la mi-mars 2020 a eu pour effet de « virtualiser » le cours-voyage en intégrant le mode découverte (TD) du jeu vidéo à caractère historique Assassin’s Creed Odyssey. Afin de décrire l’apport de ce cours-voyage virtuel sur la mobilisation de l’euristique de la contextualisation, nous avons opté pour l’analyse de sources multiples et variées, comme le questionnaire, les lettres de motivation, l’observation participante, les productions didactiques et les entretiens de groupe. Les résultats obtenus montrent entre autres que les élèves accordent une grande confiance aux artéfacts, sites historiques et restitutions archéologiques pour étudier le passé. De plus, les élèves contextualisent des artéfacts et des sites historiques lorsqu’ils sont engagés dans une enquête historienne à titre d’interprètes de l’histoire. Enfin, les résultats indiquent que l’action médiatrice de l’enseignant dans les démarches d’apprentissage représente un atout pour la mobilisation des composantes de l’euristique de la contextualisation par les élèves. Ces résultats apportent un éclairage dans le champ indépendant, récent et à défricher de cette euristique de l’histoire, tout en interrogeant l’effet des pratiques enseignantes sur la mobilisation des composantes de la mise en contexte pour la compréhension des réalités sociales. Les résultats serviront de guides pour (re)penser nos cours, ainsi que pour juger de la progression des élèves et de l’efficacité de nos interventions éducatives. / Research in history didactics has analyzed many approaches and resources used to achieve the various educational aims of teaching social sciences in secondary school. However, it does not deal much with the use of artifacts or historical sites to teach students the critical approach associated with historical thinking and its mode of reading. As part of this qualitative and exploratory research, we have tried to reduce that gap by documenting and analyzing the contribution of a virtual field trip to teach a heuristic from artifacts and historical sites of ancient Greece taken as objects of interpretation of history. This case study took place in a private college in the Montreal area during the 2019-2020 school year. The participants in this study (n = 23) between the ages of 16 and 17 years old, were enrolled in an extra-curricular history course leading to a trip to Greece. The cancellation of school trips in Quebec in mid-March 2020 had the effect of “virtualizing” the initial field trip by integrating the Assassin’s Creed Odyssey Discovery Tour: Ancient Greece. To document and describe the contribution of this virtual field trip on the mobilization of the heuristics of contextualizing, we opted for the analysis of multiple varied sources such as a questionnaire, motivation letters, participant observation, historical inquiry, and group discussions. The results obtained show, among other things, that the students perceive artifacts, historical sites, and archaeological restitutions as documents of great confidence for the study of the past. Furthermore, students contextualize artifacts and historic sites when engaged in a historical inquiry as interpreters of history. Finally, the results indicate that the mediating action of the teacher in the learning process represents an asset for the mobilization of the components of the heuristic of contextualization by the students. These results shed light on the independent and recent field of research of this heuristic, while questioning the effect of teaching practices on the mobilization of the components of contextualization for the understanding of social realities. They will serve as guides for (re)thinking our courses, as well as for assess student progress and the effectiveness of our educational interventions.

Dans ce mémoire, nous nous appuierons sur les concepts d'espace public et de culture pour penser le rôle de la radio publique d'expression francophone du Québec. D'abord, nous entendons faire ressortir la complémentarité entre les positions théoriques de Jürgen Habermas et Hannah Arendt au sujet de l'espace public et de la culture. L'objectif est de montrer que leur pensée respective permet de jeter un regard neuf sur l'objet radiophonique. Notre projet est donc d'approcher cette figure à travers le prisme de la pensée conceptuelle d'intellectuels intéressés par les médias et porteurs d'un projet d'émancipation politique et sociale fondée sur la délibération, le dialogue, l'apprentissage et la critique. Ceci, en plus d'une reconstitution historique des origines de la radio de Radio-Canada, nous permettra de suggérer un idéal radiophonique duquel nous pourrons évaluer les conséquences la disparition de la Chaîne culturelle de Radio-Canada, survenue en 2004. Finalement, notre travail va dans le sens d'une théorie critique de la radio publique québécoise, le rapport de l'institution à la culture ayant changé, comme en témoigne l'analyse des mutations de son rôle dans l'espace public. Mots clés : Jürgen Habermas, Hannah Arendt, Radio-Canada, espace public, culture

Même pendant l’époque moderne, qui se définit elle-même en opposition à une organisation reli-gieuse de l’univers, la poésie n’a pas cessé de s’identifier, de manière complexe, avec le problème de la transcendance. Nous dirons, dans un premier temps, que c’est bien de cela qui témoigne la situation toujours exceptionnelle de la poésie à l’intérieur de la pensée moderne, qui la caractérise comme une expérience limite, inassimilable à sa propre conception séculaire de l’histoire, du lan-gage et de la littérature, mais indispensable pour la délimiter. La pensée poétique de la modernité, qui insistera sur une interprétation immanente du processus de création en stricte corrélation avec son propre idéal d’autonomie, ne sera pas en mesure d’éviter l’institution du poème comme un espace privilégié et illégitime de réflexion autour de tout ce qui précède ou dépasse les contours de sa figure, les limites de sa raison. Dans ce contexte, il n’est pas surprenant que l’approche moderne au phénomène poétique témoigne d’une prolifération de figures autour de l’indicible, dont la plus décisive sera peut-être celle du poème. Le recours systématique à ce genre de figures relève d’un processus laborieux d’assimilation de la transcendance aux structures de la pensée poétique de la modernité. Ce processus récupère, de manière explicite ou implicite, toute une série des procédés spéculatifs et rhétoriques visant un rapprochement négatif à la divinité absolument transcendante connu, dans la longue durée de l’histoire, sous le nom d’apophase ou via negationis. Ce travail de thèse a pour objectif d’examiner de près la situation et la signification du poème, figure de l’indi-cible, au sein de la pensée moderne, les types des liens qui établit avec la question de la transcen-dance, ainsi que la spécificité de son inscription, qu’on appellera ici « l’expression de l’indici- ble ». Afin de mieux saisir la spécificité de cette inscription, il est capital de revoir la manière dont l’écriture poétique interprète l’héritage apophatique chiffrée dans la figure du poème. A travers la lecture d’un corpus moderne de poésie latino-américaine et arabe, ce travail de recherche propose que le poème, dont l’écriture réclame un corps et une présence pour ce qui est absent, se refusant à séparer l’expression de son objet indicible, résiste à l’assimilation négative de la transcendance à l’intérieur de la pensée moderne. / Throughout modernity, which defines itself in opposition to a religious ordering of the universe, poetry hasn’t ceased to rise questions intricately related to the problem of transcendence. This can be recognized in the exceptional situation of poetry within modern thought, which characterizes it as a limit-experience, necessary to outline its secular conception of history, literature, and language, but not easily assimilated to it. Modernity, while emphasizing the immanent character of both po-etry and the creation process in accordance with its own alleged ideal of autonomy, codifies the poem as a privileged and illegitimate space of reflection about everything that predates or exceeds the margins of its figure, the limits of its reason. In this context, it is not surprising that the modern approach to poetry witnessed a proliferation of figures of unsayability, at the forefront of which is the poem itself, suggesting a laborious assimilation process of transcendence into the conceptual scaffolding of modernity’s poetic thought. Such a process reenacts, implicitly or explicitly, a neg-ative approximation to the absolutely transcendent God known, in the long term of history, as apophasis or via negationis. This thesis aims to examine the situation of the poem as a figure of the unsayable within modern thought, its relationship with the question of transcendence, as well as the specific modes of inscription of the latter, which I call “the expression of the unsayable”. To gain better grasp of this specificity, it is crucial to understand the way in which poetic writing deals with the apophatic heritage of the poem. Through a close reading of a corpus of Latin American and Arabic modern poetry, I will argue that the poem, whose writing claims for a body and a presence for what is absent (and thus refuses to detach the expression from its intended unsayable object), resists the negative assimilation of transcendence into modern thought. / Incluso durante la era moderna, que se define a sí misma en oposición a un ordenamiento religioso del universo, la poesía no ha dejado de identificarse, de manera compleja, con el problema de la trascendencia. De esto rinde testimonio, en primer término, la situación siempre excepcional de la poesía al interior del pensamiento moderno, que tiende a caracterizarla como una experiencia lí-mite, inasimilable a su concepción secular de la historia, el lenguaje y la literatura, pero definitoria de ella. El pensamiento poético de la modernidad, que propondrá una interpretación inmanente del proceso creador en concordancia precisa con su propio ideal de autonomía, no puede evitar instituir al poema como un espacio privilegiado e ilegítimo de reflexión en torno a aquello que precede o excede su figura, los límites de su razón. No extraña, en este contexto, que la aproximación mo-derna al fenómeno poético se encuentre frecuentemente mediada por figuras en torno a lo indecible, de las cuales tal vez la más prominente sea la del poema mismo. El recurso a estas figuras sugiere un arduo proceso de asimilación de la trascendencia al pensamiento poético de la modernidad que recupera, de manera explícita o implícita, una serie de procedimientos especulativos y retóricos de aproximación a la divinidad absolutamente trascedente conocidos, en el tiempo largo de la historia, como apófasis o via negationis. La presente tesis tiene como objetivo examinar la situación y la significación del poema, figura de lo indecible, al interior del pensamiento moderno, el tipo de vínculos que establece con la cuestión de la trascendencia y sus formas específicas de inscripción, a las que me refiero como “la expresión de lo indecible”. En el marco de estas preocupaciones, es crucial revisar la manera como la escritura poética confronta su propio legado apofático. A través de la lectura de un corpus de poesía latinoamericana y árabe moderna, en esta tesis argumento que el poema, cuya escritura reclama un cuerpo y una presencia para lo ausente y por lo tanto se rehúsa a separar la expresión de un indecible objeto, resiste la asimilación negativa de la trascendencia al interior del pensamiento moderno.