Le concept de littérature nationale s’est développé de façon concomitante avec le concept d’État-nation en Europe à partir de la fin du XVIIIe siècle. L’État-nation est rendu possible en partie par la littérature qui agit, par un discours culturel, comme un vecteur déterminant permettant à une telle communauté de s’imaginer. L’institutionnalisation de la littérature sert alors d’outil aux pouvoirs et aux élites en place dans le double objectif d’asseoir leur dominance et de créer un sentiment d’identité nationale, non sans une certaine violence : une partie de la diversité culturelle évoluant à l’intérieur de la juridiction de l’État-nation est sacrifiée au profit de l’unité. Les premiers nationalismes modernes se développent en Europe dans un climat de rivalité : c’est en opposant sa propre culture à celle des États environnants que l’on cherche à définir son identité. L’objectif de notre thèse est d’étudier le rôle de l’écrivain contemporain dans la formation d’une littérature permettant à une communauté, cette fois mondiale, de s’imaginer. Nous analysons l’œuvre romanesque de J.-M.G. Le Clézio afin de dégager les stratégies mises en place qui permettent aux différents peuples du monde d’éprouver le sentiment d’appartenir à un groupe global dépassant les frontières de la nation tout en conservant la spécificité que chacun est en droit de revendiquer. Ainsi, le roman leclézien s’inscrit à plusieurs égards dans la tradition goethéenne de la Weltliteratur, qui se fait le pendant des littératures nationales : la littérature mondiale devient à son tour instrument devant promouvoir une identité et une unité, à la différence que ces dernières se vivent désormais dans la diversité assumée et dans un rapport lucide de relation plutôt que dans la rivalité. / The concept of national literature evolved in 18th century’s Europe at the same time as the concept of nation-states. As a matter of fact, nation-states were in part made possible by literature, which acts, because of the cultural discourse it conveys, as a key vector that enables communities to imagine themselves. The institutionalization of literature served as a powerful tool for the leaders and elites of each community. They used it to establish their dominance and create a sense of national identity. This institutionalization was often conducted with a certain violence, that is, by sacrificing—for the benefit of unity—part of the cultural diversity that was flourishing inside the nation-state’s borders. Moreover, modern nationalism was born in Europe in a climate of rivalry: it is by opposing one’s own culture to that of one’s neighbours that one sought to define one’s own identity. The objective of our thesis is to study the role of the contemporary writer in the creation of a literature whose objective is, this time, to allow the world’s global community to imagine itself. We analyze the novels of J.-M.G. Le Clézio to identify the strategies he uses to allow the world’s different nations to feel they belong to a global group while preserving the specificity they are entitled to claim. Le Clézio’s novels fit in several respects in the Goethian notion of Weltliteratur, that of a literature that’s a counterpart of national literatures. That world literature then becomes an instrument to promote a new identity and unity in a world where diversity is now valued and lucid relationships have replaced rivalry.

Le développement des études postcoloniales a offert une grille de lecture nouvelle pour penser la production littéraire des pays qui ont enduré la domination coloniale. Dans ce contexte, le roman africain a subi plusieurs modifications et a connu de nouvelles expériences poétiques après les indépendances. Nous avons choisi d’analyser six œuvres notoires venues de trois inspirations littéraires nationales distinctes pour porter un regard comparatiste sur les différents types de violence que nous pouvons retrouver dans ces romans. Malgré une histoire coloniale et postcoloniale différente dans chaque pays, nous verrons que les motifs liés à la violence se répètent. Nous avons étudié le produit de l’expérience de la violence sur les plans structurel et narratif dans l’œuvre de Mia Couto, Sony Labou Tansi et J.M. Coetzee. Sur le plan narratif d’une part, l’abus de pouvoir, la construction de stéreotypes, l’oppression et l’orphelinat montrent la fertilité de cette littérature qui vise à déstabiliser l’ordre établi et à offrir une nouvelle version des faits. Sur le plan structurel d’autre part, l’humour ou les créations langagières révèlent l’envie de traduire et d’hybridiser les cultures. / The development of postcolonial studies has provided a new interpretative framework in which to think about the literary production of countries that have undergone colonialism. In this context, the African novel has been transformed and new poetic elements have appeared after independence. I have chosen to analyze six novels from three distinct national literary inspirations to carry a comparative analysis comparing different types of violence. Despite the differences found between the colonization and independence processes, I noticed that the issues related to violence are often repeated. My aim has been to study the experience of violence through Mia Couto’s, Sony Labou Tansi’s and JM Coetzee’s narrative work, examining for instance, the abuse of power, the construction of stereotypes, oppression and the utilization of orphanages to show the richness of this literature that aims at unsettling the established order and offering a new version of past events; and also on the structural level, humor or linguistic creations reveal the desire to translate and hybridize cultures.

Cette étude de la littérature kenyane, qui concerne principalement des auteurs féminins, a comme postulat que les écrivaines du Kenya, bien que prolifiques, ont été pendant très longtemps négligées par la critique littéraire et souvent étudiées dans le cadre de la littérature feminine du soi-disant “tiers monde.” Leur spécificité était ainsi occultée. Cette étude entreprend de remédier à cette situation en faisant une analyse détaillée de quelques romans représentatifs tout en utilisant le genre romanesque comme document social reflétant la position de la femme dans la société kenyane. Le roman, qui est ici le document principal, est donc examiné en tant qu’outil culturel. Etant donné le nombre élevé de romans écrits par des auteures kenyanes, cette étude utilise une méthodologie orientée vers des cas, sélectionnant les romans les plus représentatifs de la littérature féminine kenyane. Ces textes recouvrent une longue période allant des premières publications romanesques dans les années 60, juste après l’indépendance du Kenya, jusqu’au début du millénaire.Les théories utilisées dans cette analyse émanent des études postcoloniales, des “cultural studies,” et des études de genre. Cette étude fournit donc un survol détaillé du roman féminin kenyan, qui ambitionne de susciter des études semblables sur les écrivaines du Kenya mais également d’autres pays de l’Afrique de l’Est et, de manière plus large, du continent africain. / This study of Kenyan literature, which focuses specifically on female writers, is based on the premise that female writers, though prolific, have for a long time been neglected by literary critics, and even when focused upon, are lumped together with other so-called ‘Third world’ female writers. Thus, the idiosyncrasies in their particular works are very often overlooked. This study seeks to correct this by undertaking an in-depth study of each of the novels explored, while at the same time using each of them to undertake a study of the Kenyan society with particular attention to the situation of the woman as depicted in the texts. The novel, which is here the primary source, is examined as a cultural tool. Given the large number of novels that have been written by Kenyan women writers, this study uses a case-oriented methodology to select a few novels that are used as representative samples for Kenyan writing by women. The texts selecte! d cover a long time period; published from the mid-sixties just after Kenya’s independence, to the outset of the present millennium. The study is guided by theories that are drawn from postcolonial studies, cultural studies, and gender studies. It is our hope that this study gives a comprehensive state of the art survey on the Kenyan novel, with a specific focus on the state of the Kenyan woman, thus clearing the way for similar studies to be carried out on women writers not only in Kenya, but in the other countries in the East African region and the African continent at large.

Les orichas sont des divinités d’origine africaine dont le culte est connu à Cuba sous le nom de Santería ou Regla de Ocha. A travers l’interprétation des œuvres de quatre artistes cubains, cette étude entend retracer la généalogie de l’image artistique de ces entités. Participant au mouvement des avant-gardes parisiennes, Wifredo Lam (1902-1982) est le premier artiste cubain à opérer une réappropriation artistique des orichas, conférant une forme de légitimité à une culture marginalisée dans la société postcoloniale. René Portocarrero (1912-1985) explore le syncrétisme qui a uni les orichas et les images catholiques des Saints et des Vierges et fabrique leur première image humaine. Ce n’est qu’avec Manuel Mendive (né en 1944) que les orichas sont imaginés comme des dieux noirs et deviennent des figures positives de la négritude dans l’art. Afin de remettre en question la supposée ancestralité des orichas, Santiago Rodríguez Olazábal (né en 1955) propose à partir des années 1990 des représentations de ces dieux en prise avec le monde contemporain. Cette généalogie des représentations des orichas permet d’interroger la place des cultures des afro-descendants dans les sociétés postcoloniales, les logiques de conservation du patrimoine afro-cubain et de mise en spectacle de celui-ci, ainsi que les formes d’articulation entre la création artistique d’une ancienne périphérie et le marché international de l’art. Elle propose également une réflexion sur les rapports entre la politique, l’art et la religion dans une période déterminante de l’histoire contemporaine de Cuba. / Orichas are not only gods from a syncretic Cuban religion, but also Cuban popular culture characters becoming more and more famous abroad. This work intends to understand the invention of oricha artistic images while studying the artworks of four Cuban artists. Following the surrealist and cubist movement, Wifredo Lam (1902-1982) is the first artist to adopt orichas as a subject for his paintings. Through this choice he legitimates a culture that was marginalized in the postcolonial society until then. René Portocarrero (1912-1985) works on the syncretism between orichas and Catholic Saints and Virgins and builds their human representations. But it’s Manuel Mendive (born in 1944) who creates the figures of the black gods and turn them into positive characters of blackness in art. Santiago Rodríguez Olazábal (born in 1955) designs a new way of representing orichas according to contemporary art aesthetics. This genealogy of the orichas focuses on the Afro Cuban cultures role in postcolonial societies, their folklorisation and adaptation to spectacular shows, and the articulation between perpipherical artistic creation and the international art market. It also considers the links between politics, art and religion during a very relevant period of contemporary Cuban history.

Le voyage des étudiants africains en situation coloniale constitue le sujet d’une mise en scène récurrente dans la littérature africaine d’expression française des années cinquante. À l’époque des combats décoloniaux, politiques et idéologiques, certains écrivains comme Cheikh Hamidou Kane, Camara Laye ou Aké Loba font de l’expérience de la colonisation culturelle le cœur de leurs œuvres littéraires. Leurs textes portant sur le voyage pour études des héros vers la France s’articulent autour d’une isotopie narrative, spatiale et existentielle : une migration en forme d’impasse, reposant sur quantité de promesses trahies, de rêves aux perspectives brisées, d’expériences de déréliction mortifère. L’étude du fonctionnement littéraire de la déception progressive des personnages d’élèves africains colonisés permet de mettre au jour le processus de subjectivation qui détermine leur horizon bouché. Car les trompe-l’œil idéologiques de l’entreprise coloniale dissimulent un mouvement de capture existentielle qui arraisonne les personnages et les transforme en sujet de domination. Depuis le tournant des indépendances politiques, le traitement littéraire de ces aventures échouées continue d’interroger le temps présent. Ces êtres tendus entre des espaces et des univers de valeurs antagoniques questionnent la négociation des identités postcoloniales. Comme si, en entrant dans la fabrique du personnage colonisé, partant à la rencontre de ses mécanismes et de ses modèles, nous avions rendez-vous avec les formes contemporaines de leur développement mondialisé. / The travels of African students in a colonial situation are a recurring subject in Frenchspeaking African literature of the 1950s. At the time of de-colonial, political and ideological struggles, some writers such as Cheikh Hamidou Kane, Camara Laye or Aké Loba have put the experience of cultural colonization at the heart of their literary work. Their writings, aboutthe study trips of the main characters to France, are based on a spatial and existential isotopy: a dead-end migration, based on many betrayed promises, dreams with broken perspectives, experiences of deathly dereliction. The study of the literary device of the progressive disenchantment of these characters – African, colonized students – allows to shed light on thesubjectivation process that shapes their barred horizons. Indeed, the ideological deceit of the colonial endeavor hides a movement of existential capture that grabs the character and makes them subjects of domination. Since the turning point of political independencies, the literary outlook on those failed adventures keeps interrogating our present times. These beings, stretched between spaces and universes of opposed values, question the negotiation of postcolonial identities. As if, by entering the mold of the colonized character, by going to meet its mechanisms and models, we had an appointment with the modern-day shapes of their globalized development.

This comparative reading of contemporary Australasian and Canadian fiction privileges a reciprocal interaction between ecocriticism and magic realism within the field of postcolonial studies. My research shows that few works examine magic realism as a distinct aesthetic mode, while many ecocritical and postcolonial studies favour colonialist and pessimistic perspectives. Seeking to balance thematic and aesthetic concerns, my concepts of ecological magic realism and magic realist ecopoetics re-evaluate this still often misunderstood mode: its techniques in postcolonial narratives not only transcribe the cultural plight of the postcolonial subject, but also translate the missing ecological link between the environment and human beings. Informed by ecopoetic reflections on figurative language, Delbaere-Garant’s notion of mythic realism, and material ecocriticism, my concepts take the narrative and physical agency – or poiesis – of the non-human world as their focal point. Recognizing the dialogical web of human and non-human energies raises the issues of eco-imperialism as well as those of environmental and social justice. My thesis discusses two main configurations of ecological magic realism common to Anglo-Celtic and Indigenous texts within my corpus: synergy and crisis. These shifting interspecies relations are explored through the contexts of eco-spiritualities, scientific approaches to Nature, Nature writing, gothic-like metamorphoses, eco-apocalypse, and the Anthropocene. Rejecting dualistic worldviews, magic realism in these collaborative or competitive humans/Nature interactions remains ambivalent: on the one hand, it re-enacts human beings’ failed embeddedness in their non-human surroundings; on the other, it also re-opens the possibility of a mutually-enriching symbiosis. / Doctorat en Langues, lettres et traductologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Cette recherche porte sur l’analyse des problématiques des langues et des identités dans le roman composé en hébreu par des membres de la minorité palestinienne d’Israël – (Texte hybride selon Yassir Suleiman, 2013). Elle combine deux volets, l’un diachronique et l’autre analytique. D’une part, elle examine l’histoire du roman palestinien en hébreu, et les différents lieux dans lesquels l’hébreu et l’arabe, le Palestinien et le Juif israélien, minorité et majorité se rencontrent. D’autre part, l’approche comparative des œuvres d’Atallah Mansour (1935), d’Anton Shammas (1950) et de Sayed Kashua (1975) est proposée à partir de leur double appartenance, hébraïque et palestinienne. Elle envisage ces œuvres dans le cadre de la littérature mineure, de l’identité hybride postcoloniale et de l’espace tiers formulé par Mahmoud Darwich. L’enjeu est d’étudier les contours d’une narration palestinienne minoritaire engagée par des écrivains dans un processus de déconstruction, de reconfiguration et de correction de la représentation du personnage Palestinien dans la littérature hébraïque. / This research focuses on the analysis of the issues of language and identity in novels written in Hebrew by members of the Palestinian minority in Israel ("hybrid texts" according to Yassir Suleiman). It combines two components, one diachronic and one analytical. First, it examines the history of the Palestinian novel in Hebrew and the different fields where Hebrew and Arabic, Palestinian and Israeli Jew as well as minority and majority meet. Second, the analytical, comparative approach of the works of Atallah Mansour (1935), Anton Shammas (1950) and Sayed Kashua (1975) is examined from their dual, Israeli and Palestinian, affiliation. It sets these works in the context of Minor Literature, post-colonial hybrid identity and Mahmoud Darwich’s third space. The aim is to outline the Palestinian narrative initiated by minority writers as a process of deconstruction, reconfiguration and correction of the representation of the Palestinian character in Hebrew literature.

Cette dissertation traite la danse comme une catégorie d’analyse permettant de réorienter ou de ré-chorégraphier les théories postcoloniales du corps. Mon étude montre qu’ Edward Said, par exemple, décrit la danse seulement à travers le regard impérial, et que Homi Bhabha et Gayatri Spivak négligent complètement le rôle de la dance dans la construction de la subjectivité postcoloniale. Mon étude explique que Stavros Karayanni récemment explore la danse masculine et féminine comme espaces de résistance contre la domination coloniale. Toutefois, l’analyse de Karayanni met l’accent seulement sur le caractère insaisissable de la danse qui produit une ambigüité et une ambivalence dans le regard du sujet impériale. Contrairement aux approches de Said et de Karayanni, ma dissertation explore la danse comme un espace ou le corps du sujet colonisé chorégraphie son histoire collective que l’amnésie coloniale ne cesse de défigurer au moyen de l’acculturation et de marchandisation. Je soutiens que la danse nous offre la possibilité de concevoir le corps colonisé non seulement dans son ambiguïté, comme le souligne Karayanni, mais aussi dans son potentiel de raconter corporellement sa mémoire collective de l’intérieur de la domination impériale. Ma dissertation soutient que les catégories de l’ambiguïté et de l’insaisissabilité mystifient et fétichisent le corps dansant en le décrivant comme un élément évasif et évanescent. Ma dissertation inclut plusieurs traditions culturelles de manière à réorienter la recherche ethnographique qui décrit la dance comme articulation codée par une culture postcoloniale spécifique. Mon étude montre comment le corps colonisé produit un savoir culturel à partir de sa différence. Cette forme de savoir corporelle présente le corps colonisé en tant que sujet et non seulement objet du désir colonial. Méthodologiquement, cette dissertation rassemble des théories occidentales et autochtones de la danse. Mon étude considère aussi les théories postcoloniales du corps dansant à partir des perspectives hétérosexuelles et homosexuelles. En outre, mon étude examine les manières dont les quelles les théories contemporaines de la danse, postulées par Susan Foster et André Lepecki par exemple, peuvent être pertinentes dans le contexte postcolonial. Mon étude explore également le potentiel politique de l’érotique dans la danse à travers des représentations textuelles et cinématographiques du corps. L’introduction de ma dissertation a trois objectifs. Premièrement, elle offre un aperçu sur les théories postcoloniales du corps. Deuxièmement, elle explique les manières dans lesquelles on peut appliquer des philosophies contemporaines de la danse dans le contexte postcoloniale. Troisièmement, l’introduction analyse le rôle de la dance dans les œuvres des écrivains postcoloniales célèbres tels que Frantz Fanon, Wole Soyinka, Arundhati Roy, et Wilson Harris. Le Chapitre un remet en question les théories de l’ambiguïté et de l’insaisissabilité de la danse à partir de la théorie de l’érotique postulé par Audre Lorde. Ce chapitre examine le concept de l’érotique dans le film Dunia de Jocelyne Saab. Le Chapitre deux ouvre un dialogue entre les théories occidentales et autochtones de la danse à partir d’une étude d’un roman de Tomson Highway. Le Chapitre trois examine comment l’écrivain Trinidadien Earl Lovelace utilise la danse de carnaval comme espace culturel qui reflète l’homogénéité raciale et l’idéologie nationaliste à Trinidad et en les remettant également en question. / Classical texts of postcolonial theory rarely address the embodied expression of dance as they examine the colonial body only through the imperial discourses about the Orient (Said), the construction of the Subaltern subject (Spivak), and the ambivalent desire of the colonial gaze (Bhabha). The Cyprian theorist and dancer Stavros Stavrou Karayanni has emphasised the centrality of dance as a key category of analysis through which discourses of resistance can be articulated from the perspective of the colonial heterosexual and queer body. However, Karayanni adopts the psychoanalytic method according to which the dancing body of the colonised subject has an ambivalent effect upon the Western traveller and / or coloniser who both desires and derides this body. In contrast to this approach, my study examines dance as a space in which the colonial body choreographs its collective history which colonial amnesia suppresses so as to de-historicise colonised subjects and disfigure their cultures. Departing from Frantz Fanon’s emphasis on the relevance of dance in colonial studies, I argue that the colonial body choreographs its collective memories in dance and prompts us to rethink hegemonic discourses of postcolonial identity formation that revolve around ambivalence and elusiveness. I borrow the notion of “choreographing history” from the Western contemporary discipline of dance studies which has integrated cultural studies since mid 1980s and influenced postcolonial inquiry of dance over the last decade. I include various cultural traditions in my project so as to re-direct today’s predominantly ethnographic research which describes dance as an encoded articulation of culture in specific postcolonial societies. I also include different cultural traditions to show that while choreographing silenced memories in various historical experiences of colonial violence, the dancing body allows us to construct discourses of resistance in ways that postcolonial theory has not addressed before. The re-choreography of postcolonial theories of the body, as developed in this dissertation, articulates an ethical imperative because it shows how the subaltern body not only choreographs memories that colonial amnesia silences but also produces cultural knowledge with a difference. Methodologically, this study brings together Western and indigenous theories of dance as well as postcolonial theories of the dancing body from both heterosexual and queer perspectives. My study discusses Susan Foster and André Lepecki’s contemporary theories of dance and the body in the context of postcolonial theories of Oriental dance and eroticism. It also examines the socially and politically transformative potential of the erotic in dance through textual and cinematic representations of the body. My study equally opens a dialogue between Western and indigenous theories of dance in the context of Canadian indigenous literary work of Tomson Highway. A critical examination of Trinidad Carnival and Calypso in a novel by Earl Lovelace demonstrates that dance is a central paradigm of analysis for a postcolonial critique of the body and the categories of identity that inscribe it.

A la croisée d’enjeux aussi bien philosophiques, politiques, qu’anthropologiques, cette thèse en études théâtrales vise à théoriser la notion de « drame figuratif » en analysant l’esthétique singulière que développe Kossi Efoui dans son œuvre dramatique. Dramaturge, philosophe et romancier, né en 1962 au Togo, Kossi Efoui annonce par ses positions politiques et ses partis pris poétiques, dès la pièce Le Carrefour, le tournant esthétique majeur que prendront les dramaturgies d’Afrique noire francophones et des diasporas au début des années 1990. Traversé par l’histoire coloniale et l’histoire des migrations, son théâtre interroge le corps diasporique et remet en question les déterminismes identitaires construits par le discours historique et l’essor du capitalisme depuis les traites négrières. Cette esthétique procède d’un geste théâtral qui relève d’une écriture de la figuration, et dont nous interrogeons le paradoxe afin d’en définir les modalités dramaturgiques. Car dans ce théâtre, le contenu discursif est marqué par une omniprésence du corps, alors que sa représentation fait l’objet d’une quête pour les personnages qui en sont le plus souvent dépourvus. Travaillée par divers modes de production du texte (intertextualité, transtextualité, fragmentation, décomposition, assemblage, geste du plateau) l’écriture dramaturgique opère toutes sortes de détours qui relèvent des univers du masque et des arts de la marionnette et explorent le corps scénique et les dispositifs théâtraux en vue d’un processus de résilience. En analysant cette dramaturgie du détour marionnettique nous questionnons la présence des corps et des voix dans le matériau textuel lui-même, leurs liens avec le plateau, et l’existence possible d’un geste plastique produisant une figure qui émanerait de l’écriture, pour prendre place sur « les lieux de la scène », selon la formule fétiche de Kossi Efoui. Le corps convoque ici des territoires d’ordre politique et se fait l’écho des traumas qui nous hantent et nous mettent collectivement à l’épreuve. En faisant de l’espace théâtral une interface mnémonique, l’écriture emprunte des voies de création transdisciplinaires qui renouvellent notre conception de la dramaturgie et déploient ce que nous identifions comme « une esthétique du drame figuratif ». / At the crossroads of philosophical, political and anthropological issues, this dissertation in theatre studies aims to theorize the notion of "figurative drama" through analyzing Kossi Efoui's aesthetics in his dramatic work. A playwright, philosopher and novelist, born in 1962 in Togo, Kossi Efoui’s political and poetical choices foreshadowed, from his first play Le Carrefour, the major aesthetical turn taken by the dramaturgies of French-speaking sub-Saharan Africa and diasporas at the beginning of 1990s. Shaped by colonial history and the history of migrations, Kossi Efoui’s theater put the diasporic body in question, as well as the identities that were assigned by historical discourses and by the rise of capitalism since the time of the slave trade. This aesthetics is the result of a theatrical attitude based on a figurative writing. By questioning this paradoxical attitude, this dissertation shows how it is translated into dramaturgical choices. Indeed, in Kossi Efoui’s theater, on one side the body is everywhere in discourses, while on the other side it’s missing on stage: the characters are most often deprived of a body and looking for one. Shaped by various ways of producing text (intertextuality, transtextuality, fragmentation, decomposition, assembly, gesture of the stage) the dramaturgical writing makes a detour via the universe of the mask and the puppetry arts, thereby exploring the actor’s body and the theatrical devices in order to create a process of resilience. By analyzing this dramaturgical detour via puppetry, this dissertation questions the presence of bodies and voices in the textual material itself and their relationships to the stage. It formulates the hypothesis of an attitude, producing a figure that comes from the writing and takes its place on stage (on les lieux de la scène, as Kossi Efoui calls it). The body becomes a political territory and summons up haunting traumas that put the collectivity to the test. By using the theatrical space as a mnemonic interface, the writing takes trans-disciplinary creative paths, renews our conception of dramaturgy and produces what we identify as "an aesthetics of figurative drama".

Cette dissertation traite la danse comme une catégorie d’analyse permettant de réorienter ou de ré-chorégraphier les théories postcoloniales du corps. Mon étude montre qu’ Edward Said, par exemple, décrit la danse seulement à travers le regard impérial, et que Homi Bhabha et Gayatri Spivak négligent complètement le rôle de la dance dans la construction de la subjectivité postcoloniale. Mon étude explique que Stavros Karayanni récemment explore la danse masculine et féminine comme espaces de résistance contre la domination coloniale. Toutefois, l’analyse de Karayanni met l’accent seulement sur le caractère insaisissable de la danse qui produit une ambigüité et une ambivalence dans le regard du sujet impériale. Contrairement aux approches de Said et de Karayanni, ma dissertation explore la danse comme un espace ou le corps du sujet colonisé chorégraphie son histoire collective que l’amnésie coloniale ne cesse de défigurer au moyen de l’acculturation et de marchandisation. Je soutiens que la danse nous offre la possibilité de concevoir le corps colonisé non seulement dans son ambiguïté, comme le souligne Karayanni, mais aussi dans son potentiel de raconter corporellement sa mémoire collective de l’intérieur de la domination impériale. Ma dissertation soutient que les catégories de l’ambiguïté et de l’insaisissabilité mystifient et fétichisent le corps dansant en le décrivant comme un élément évasif et évanescent. Ma dissertation inclut plusieurs traditions culturelles de manière à réorienter la recherche ethnographique qui décrit la dance comme articulation codée par une culture postcoloniale spécifique. Mon étude montre comment le corps colonisé produit un savoir culturel à partir de sa différence. Cette forme de savoir corporelle présente le corps colonisé en tant que sujet et non seulement objet du désir colonial. Méthodologiquement, cette dissertation rassemble des théories occidentales et autochtones de la danse. Mon étude considère aussi les théories postcoloniales du corps dansant à partir des perspectives hétérosexuelles et homosexuelles. En outre, mon étude examine les manières dont les quelles les théories contemporaines de la danse, postulées par Susan Foster et André Lepecki par exemple, peuvent être pertinentes dans le contexte postcolonial. Mon étude explore également le potentiel politique de l’érotique dans la danse à travers des représentations textuelles et cinématographiques du corps. L’introduction de ma dissertation a trois objectifs. Premièrement, elle offre un aperçu sur les théories postcoloniales du corps. Deuxièmement, elle explique les manières dans lesquelles on peut appliquer des philosophies contemporaines de la danse dans le contexte postcoloniale. Troisièmement, l’introduction analyse le rôle de la dance dans les œuvres des écrivains postcoloniales célèbres tels que Frantz Fanon, Wole Soyinka, Arundhati Roy, et Wilson Harris. Le Chapitre un remet en question les théories de l’ambiguïté et de l’insaisissabilité de la danse à partir de la théorie de l’érotique postulé par Audre Lorde. Ce chapitre examine le concept de l’érotique dans le film Dunia de Jocelyne Saab. Le Chapitre deux ouvre un dialogue entre les théories occidentales et autochtones de la danse à partir d’une étude d’un roman de Tomson Highway. Le Chapitre trois examine comment l’écrivain Trinidadien Earl Lovelace utilise la danse de carnaval comme espace culturel qui reflète l’homogénéité raciale et l’idéologie nationaliste à Trinidad et en les remettant également en question. / Classical texts of postcolonial theory rarely address the embodied expression of dance as they examine the colonial body only through the imperial discourses about the Orient (Said), the construction of the Subaltern subject (Spivak), and the ambivalent desire of the colonial gaze (Bhabha). The Cyprian theorist and dancer Stavros Stavrou Karayanni has emphasised the centrality of dance as a key category of analysis through which discourses of resistance can be articulated from the perspective of the colonial heterosexual and queer body. However, Karayanni adopts the psychoanalytic method according to which the dancing body of the colonised subject has an ambivalent effect upon the Western traveller and / or coloniser who both desires and derides this body. In contrast to this approach, my study examines dance as a space in which the colonial body choreographs its collective history which colonial amnesia suppresses so as to de-historicise colonised subjects and disfigure their cultures. Departing from Frantz Fanon’s emphasis on the relevance of dance in colonial studies, I argue that the colonial body choreographs its collective memories in dance and prompts us to rethink hegemonic discourses of postcolonial identity formation that revolve around ambivalence and elusiveness. I borrow the notion of “choreographing history” from the Western contemporary discipline of dance studies which has integrated cultural studies since mid 1980s and influenced postcolonial inquiry of dance over the last decade. I include various cultural traditions in my project so as to re-direct today’s predominantly ethnographic research which describes dance as an encoded articulation of culture in specific postcolonial societies. I also include different cultural traditions to show that while choreographing silenced memories in various historical experiences of colonial violence, the dancing body allows us to construct discourses of resistance in ways that postcolonial theory has not addressed before. The re-choreography of postcolonial theories of the body, as developed in this dissertation, articulates an ethical imperative because it shows how the subaltern body not only choreographs memories that colonial amnesia silences but also produces cultural knowledge with a difference. Methodologically, this study brings together Western and indigenous theories of dance as well as postcolonial theories of the dancing body from both heterosexual and queer perspectives. My study discusses Susan Foster and André Lepecki’s contemporary theories of dance and the body in the context of postcolonial theories of Oriental dance and eroticism. It also examines the socially and politically transformative potential of the erotic in dance through textual and cinematic representations of the body. My study equally opens a dialogue between Western and indigenous theories of dance in the context of Canadian indigenous literary work of Tomson Highway. A critical examination of Trinidad Carnival and Calypso in a novel by Earl Lovelace demonstrates that dance is a central paradigm of analysis for a postcolonial critique of the body and the categories of identity that inscribe it.