Beaumarchais n’est pas seulement un dramaturge célèbre du XVIIIe siècle, c’est avant tout le père de Figaro, cette figure familière qui s’invite dans le débat public dès qu’il est question de liberté d’expression ou de lutte contre l’injustice. Récusant le concept de mythe, dont les études de réception sont friandes, cette étude s’interroge sur la manière dont l’usage systématique de Figaro dans des domaines extra-littéraires détermine l’ensemble du discours critique sur Beaumarchais. Aux origines de la figaromania, il y a un parcours de la subversion à l’institutionnalisation, qui s’opère à la fin du XIXe siècle, lorsque la Révolution « entre au port », avec l’avènement des républicains. Cette enquête propose donc une histoire de la réception qui puisse montrer la convergence entre les significations d’une œuvre appartenant au patrimoine national et les multiples usages et appropriations dont elle fait l’objet, envisagés dans leur diversité à l’échelle européenne. / Beaumarchais is not only a famous 18th century playwright, but first and foremost the architect of Figaro; the well-known character who slides his way into the public debate as soon as liberty of expression or the fight against injustice is evoked. Challenging the idea of a myth, endorsed by other reception studies, this study analyses how the systematic use of Figaro outside the literary domain shapes the entire critical discourse on Beaumarchais. At the origins of figaromania, there is a transition from subversion to ‘institutionalisation’ at the end of the 19th century as the French Revolution came to an end, with the arrival of the Republicans. Therefore, this study proposes a historical context of the reception of Beaumarchais’ work, at the European level, that shows the convergence between the meaning of an oeuvre that belongs to the national cultural heritage and the many different roles and appropriations that this oeuvre assumes.

This research project explores two particular approaches to playwriting, autofiction and collective creation, in order to examine how the dramaturgical process can be “queered” through combining methods of creation in unconventional ways. The thematic content of the resulting theatrical text focuses on the intersection of queer/trans identities and bilingualism, specifically through a Franco-Canadian lens, as well as the notions of utopias and futurities in queer contexts. By employing these two methodologies simultaneously and blurring the lines between the individual and the collective, the texts developed through group writing sessions explore the inherent liminality of queer/trans bilingual identities, both in time and in space. To be queer, non-binary and bilingual is to embody duality, disrupt binaries, and exist in grey areas; this same liminal space is central to my exercise both in process and in content. Thus, the object of this study is queer dramaturgy itself, or in other words, the process of writing “queerly,” not just about queerness. The combination of methodologies transgresses the boundaries of the conventional dramaturgical process and aligns itself with queer Practice as Research theories, proposing approaches to playwriting that “are set against the dominant modes of representation and are shaped through forms that are on the fringe and boundaries of disciplines” (Campbell and Farrier, Queer Dramaturgies, p. 7). This project also investigates what trans and non-binary identity means within Franco-Canadian communities, and the relationship between language and gender identity. Furthermore, notions of queer temporality play an important role in the project, given the complex and often conflicting investments that both queer and Franco-Canadian communities have in history and futurity. Through an analysis of Mani Soleymanlou’s works Un. Deux. Trois. and 2042 as case studies of autofictional theatre, collective creation, and utopian performance, as well as the results from a series of writing sessions conducted with multilingual non-binary and trans participants, this research project aims to shed light on these fascinating intersections of identity and process that have thus far rarely been explored. /// Ce projet de recherche explore deux approches dramaturgiques distinctes, soit l'autofiction et la création collective, afin d'examiner comment le processus dramaturgique peut devenir « queer » en combinant des méthodes de création de manière non conventionnelle. Le contenu thématique du texte théâtral qui en résulte se concentre sur l'intersection des identités queer/trans et du bilinguisme, tout particulièrement dans une perspective franco-canadienne, ainsi que sur les notions d’utopies et de futurs possibles dans des contextes queers. En employant ces deux méthodologies simultanément et en brouillant les lignes entre l'individu et le collectif, les textes développés lors des sessions d'écriture de groupe explorent la liminalité inhérente aux identités bilingues queer/trans, à la fois dans le temps et dans l'espace. Être queer, non-binaire et bilingue, c'est incarner la dualité, remettre en question la binarité et exister dans des zones grises. C’est justement cet espace liminal qui est au cœur de mon projet de recherche, à la fois dans le processus et dans le contenu. Ainsi, l'objet de cette étude est la dramaturgie queer comme telle, ou, en d'autres mots, comment on peut créer d’une manière « queer » en plus d’écrire sur un propos queer. La combinaison des méthodologies transgresse les frontières du processus dramaturgique conventionnel et s'aligne sur les théories de la recherche-création queer (Queer Practice as Research), proposant des approches à la dramaturgie « set against the dominant modes of representation and are shaped through forms that are on the fringe and boundaries of disciplines » (Campbell et Farrier, Queer Dramaturgies, p. 7). Ce projet examine également les notions d'identité trans et non-binaire au sein des communautés franco-canadiennes, ainsi que la relation entre la langue et l'identité de genre. De plus, les notions de temporalité queer jouent un rôle important dans le projet, étant donné les investissements complexes et souvent conflictuels que les communautés queer et franco-canadiennes ont par rapport à l'histoire et à l’avenir. À travers une analyse d’œuvres mises en scène par Mani Soleymanlou (Un. Deux. Trois. et 2042) comme études de cas de théâtre autofictionnel, de création collective et de performance utopique, ainsi que les résultats d'une série de séances d'écriture menées avec des participant∙e∙s plurilingues non-binaires et trans, ce projet de recherche vise à mettre en lumière ces intersections fascinantes de l'identité et des processus créatifs qui ont jusqu'à présent été rarement explorées.

Après la Seconde Guerre mondiale, la France, affaiblie politiquement et économiquement, développe une politique culturelle extérieure qui utilise les manifestations artistiques, et en particulier les tournées théâtrales, pour assurer le rayonnement de sa culture et de sa langue. Par l’intermédiaire de l’Association française d’action artistique (AFAA), elle envoie de par le monde ses plus grandes compagnies, la Comédie-Française, le Théâtre national populaire de Jean Vilar, et la Compagnie Renaud-Barrault qui devient théâtre national en 1959. Dans un monde façonné par la Guerre Froide, les tournées les plus prestigieuses ont lieu aux États-Unis, en Union Soviétique et en Amérique latine. Le but de cette thèse est de déterminer dans quelle mesure les compagnies théâtrales, instrumentalisées par la diplomatie culturelle française, utilisent aussi ces tournées pour leur propre statut dans le champ culturel français, pour leur économie, ou pour l’affermissement de leur propre identité. La première partie explore les origines et le développement du cadre politique et institutionnel qui a permis la naissance de tournées théâtrales subventionnées et fait du théâtre français un produit d’exportation. Le deuxième mouvement se concentre sur la caractérisation de ce théâtre envoyé à l’étranger, sur son économie et son répertoire. Le troisième temps analyse les différents impacts du déplacement du théâtre à l’étranger. Quelles sont les conséquences possibles de cette situation sur la représentation elle-même et les attentes du public étranger ? Au-delà de la question de la réception, c’est la dimension politique, l’impact esthétique et le rôle symbolique des tournées qui seront mis en lumière. / After World War II, a politically and economically weakened France develops a cultural foreign policy that uses artistic manifestations, and in particular theatrical tours, in order to ensure the influence of its culture and language. Thanks to the French Association for Artistic Action (AFAA), which was directly supported by the ministry of Foreign Affairs, France sends its greatest theatre companies all over the world, the Comédie-Française and the National Popular Theatre of Jean Vilar, as well as the Renaud-Barrault Company that becomes a national theatre in 1959. In a world shaped by the Cold War, the most prestigious tours take place in the United States, the Soviet Union, and Latin America. This thesis aims at determining to what extent these theatrical companies are not only exploited by the French government for cultural diplomacy, but manage themselves to benefit from the touring system, be that for their own status within the French cultural field, for their own economic solvency, or for the strengthening of their own identity. The first part explores the origins and development of the political and institutional frame that enabled the birth of this system of subsidized, international theatrical tours that made an export out of French theatre. The second part focuses on the characterization of French theatre abroad, on its economy and its repertory. The third section analyses the different impacts of the displacement of theatre abroad. What are the possible consequences on the performance itself and on the expectations of the international audience? Beyond the question of reception, the thesis will shed light on the political consequences, the aesthetic impact and the symbolic role of the tours.

Les formes théâtrales courtes ont longtemps été écrites et représentées dans un cadre utilitaire, distrayant ou expérimental. Sans que ces fonctions aient disparu, dans le contexte français des années 1980-2007 la place des textes courts semble avoir évolué, à la fois en termes quantitatif et qualitatif. Portées par le mouvement du « retour des auteurs », de nouvelles dramaturgies brèves s'inventent sur la page comme à la scène. Cette thèse se propose d'en explorer les aspects les plus marquants sous l'angle stylistique de la brièveté.

À travers l’analyse d’œuvres de Tadeusz Kantor, Pina Bausch, Jan Lauwers, Pippo Delbono et Emma Dante, cette étude propose une ouverture des outils traditionnels des études théâtrales aux concepts de la psychanalyse et aux méthodes des études visuelles pour rendre compte de l’expérience émotionnelle intense que les créations de ces artistes induisent. La notion de symptôme, théorisée par Freud et reprise dans le champ de l’histoire de l’art par Georges Didi-Huberman, permet de dépasser une vision de la scène comme « système de signes » « à lire » – sous l’influence de la sémiologie et du structuralisme – et de penser au contraire ce qui, dans les images proposées, ne se laisse pas saisir immédiatement. Après avoir montré les limites des outils dramaturgiques, il est possible de mettre en évidence les moments d’irruption du geste-symptôme dans les œuvres, en adoptant une attitude plus phénoménologique. Le paradigme du rêve, comme modèle analogique d’une organisation-désorganisation, peut nous permettre de comprendre l’agencement des éléments scéniques. Ce qui touche le spectateur ne se situe plus au niveau de la représentation, mise en branle par la présence du symptôme, mais sous celle-ci et entre les éléments. Le rapport au réel qui s’instaure pour le spectateur relève alors plus de l’imaginable que d’une forme de mimèsis : les images ouvrent le regard et modifient la position du spectateur touché corporellement et émotionnellement. Le sujet théâtral diffracté porté par le corps de l’acteur amène le spectateur à faire l’épreuve de l’Autre en scène. Les œuvres à l’étude proposent ainsi une expérience de subjectivation et de symbolisation qui réactive les processus de la construction psychique de l’individu mise en crise dans la société contemporaine. Dans le corps-à-corps qui s’installe entre la scène et la salle, c’est à sa position de sujet face aux autres, à lui-même et au monde, que le spectateur accède. / Through an analysis of works by Tadeusz Kantor, Pina Bausch, Jan Lauwers, Pippo Delbono and Emma Dante, this thesis attempts to open up the traditional analytical tools that tend to be privileged by the discipline of theatre studies to concepts stemming from psychoanalysis or visual arts, which are more appropriate for rendering the intense emotional experience that these works induce. The notion of symptom, theorised by Freud and reappropriated by art history thanks to the work of Georges Didi-Huberman, can allow us to see the stage as more than a “system of signs”, “to be read”, under the influence of semiology and structuralism, but also to go beyond the image, towards something that is not immediately evident. Having shown the limitations of dramaturgical tools, it is possible to highlight the specific moments when a symptomatic gesture irrupts within these works by relying on a more phenomenological analysis. Dream patterns, which have the similar quality of being models of an order-disorder, are essential to our understanding of the organization of stage elements and processes. Whatever moves the spectator, is no longer strictly conditioned by representation, which is itself disrupted by the symptom, but is situated beyond it, under it, between the different scenic elements. The audience’s perception of reality becomes more reliant on imaginable rather than on some form of mimesis: images open up the gaze and alter the spectator’s stance, touching him physically and emotionally. The diffracted theatrical subject contained in the actor’s body helps the public witness Otherness onstage. The works studied here involve an experience of subjectivation and symbolisation, which activates the constitutive elements of the individual’s psyche, in crisis in contemporary society. Within the very physical relationship that is built between stage and audience, the spectator experiences his own position as a subject facing others, himself and the world.

Le « théâtre sur le théâtre », procédé par lequel le théâtre se prend explicitement pour objet, connaît en France, entre 1680 et 1762, une vogue inégalée : à l’exception de l’Opéra, il concerne plus du quart du répertoire comique créé sur les scènes publiques de Paris. Cette étude s’appuie sur plus de quatre cents pièces et se concentre sur une sélection de cent vingt-sept d’entre elles, jouées à la Comédie-Française : principalement des prologues dramatiques et des comédies en un acte, des « comédies de comédiens », des « comédies de spectateurs », des pièces allégoriques et des pièces d’actualité. Le théâtre autoréflexif, où s’exerce en action une conscience critique aux yeux du public, permet de retracer l’histoire d’un art, tel qu’il se donne à voir. Sur un plan pratique, il se fait le miroir des realia de la vie théâtrale en dévoilant les dynamismes de la conception d’un ! spectacle et de sa performance. Il aborde des enjeux qui touchent encore à la dramaturgie [conditions de représentation], à la poétique [apparition des genres nouveaux], à l’esthétique [fabrique de l’illusion] et à la vie institutionnelle des théâtres [querelles dramatiques]. Il interroge l’ancrage et la fonction du théâtre dans le monde en offrant un reflet prismatique de la société. L’étude présentée trace les contours de ce phénomène et de ses évolutions. Elle propose de repérer, en contexte, les enjeux idéologiques de ce répertoire, les effets qu’il provoque sur le spectateur, ainsi que les stratégies qu’il met en œuvre dans le fonctionnement du champ littéraire. / « Metatheatrical theatre » – theatre looking at itself and taking itself as its own object—flourished between 1680 and 1762, reaching unequalled proportions. More than a quarter of all the comic plays created in the Parisian public theatres of the time, apart from the Opera, consisted in metatheatre. Dealing with more than four hundred plays, this study focuses on a selection of one hundred and twenty-seven plays staged at the Comédie-Française—including mainly dramatic prologues, one-act comedies, comedians’ comedies, spectators’ comedies, allegorical plays and topical plays. Self-reflexive theatre allows us to retrace the history of an art which performed its critical consciousness before the spectator’s eyes. From a practical point of view, this repertoire mirrored the realia of theatrical life, by exhibiting the dynamics at work in the staging and acting of a play. From an aesthetic point of view, it raised central issues! related to the art of performance [the staging conditions], the institutional life of theatres [dramatic quarrels], poetics [the emergence of new genres] and aesthetics [the construction of theatrical illusion]. On an ideological level, they offered a prismatic reflection of society, thus developing a concrete questioning on the social inscription and function of theatre. The present study aims at mapping the modalities and evolution of this phenomenon. It seeks to bring out the ideological stakes of this repertoire, the effects it produced on the audience, as well as the strategies of its positioning in the literary field.

Ce travail de thèse a pour objectif d'étudier l'enseignement de la littérature française dans le système universitaire grec afin d’en dégager ses principales caractéristiques. Les départements de Français langue étrangère (FLE) des universités d'Athènes et de Thessaloniki seront les lieux de notre observation. Dans cette perspective, notre étude s’attachera à présenter l‘enseignement et l'apprentissage de la littérature en croisant les attentes et les conceptions des étudiants avec celles induites par les manuels mais aussi avec celles proposées par les professeurs et l‘institution universitaire. Toutefois, cette présentation ne pourra se faire sans une évocation préalable des environnements institutionnels et des programmes officiels de cette discipline parfois contestée voire en danger. A cette occasion, nous pourrons identifier le statut et la fonction de la littérature par rapport aux autres enseignements des départements FLE, puis mettre en lumière les objectifs et les méthodes d’enseignement de la littérature. Pour la réalisation de notre étude, nous mettrons en place des questionnaires auprès des étudiants et des entretiens auprès des professeurs afin d’identifier d’une part les représentations, les motivations et la nature des choix effectués en matière de textes et d’autre part les méthodologies adoptées. On s'interrogera enfin sur les évolutions possibles et souhaitables de cet enseignement de la littérature au sein des cursus de FLE dans les universités grecques. Des suggestions, des améliorations et des propositions didactiques seront faites afin de mieux atteindre les objectifs visés et de réduire l’échec. / This doctoral thesis aims to examine the teaching of French literature in the Greek university system in order to establish its main features. The departments of French as a foreign language (FLE) of the universities of Athens and Thessaloniki will be under observation.From this point of view, our study will attempt to present teaching and learning of the literature by crossing expectations and the concepts of the students with those induced by the handbooks as wells as those proposed by the professors and the university institution. However, this presentation could not be done without a preliminary evocation of the institutional environments and official programs of this discipline which sometimes contested or even in danger. From this scope, we will be able to identify the status and function of the literature compared to the other courses of the departments FLE and, then, to clarify the objectives and methods of teaching literature.For the realization of our study, we will distribute questionnaires to the students and interview the professors in order to identify, on the one hand, the representations, motivations and the nature of choices made in relation to texts and on the other hand, the adopted methodologies. Finally, this work will explore the possible and desirable evolutions in literature education within the courses of FLE in the Greek universities. Suggestions, identification of areas for improvement and didactic propositions will be made in order to attain the pursued goals and to reduce student failure. / Η παρούσα εργασία με αντικείμενο τη Διδακτική των Γλωσσών και των Πολιτισμών έχειστόχο να μελετήσει τη διδασκαλία της Γαλλικής Λογοτεχνίας στην ελληνική τριτοβάθμιαεκπαίδευση και να ανακαλύψει τα κύρια χαρακτηριστικά της. Η έρευνα πραγματοποιήθηκεστηριζόμενη στην παρατήρηση των πρακτικών των τμημάτων «Γαλλικής Γλώσσας καιΛογοτεχνίας» της Αθήνας και της Θεσσαλονίκης. Αρχικά, περιγράφονται τα δύο Τμήματα, οοδηγός σπουδών τους καθώς και η θέση των λογοτεχνικών μαθημάτων, η χρησιμότητα τωνοποίων ορισμένες φορές αμφισβείται με αποτέλεσμα να βρίσκονται σε κίνδυνο. Βασισμένησε ερωτηματολόγια και συνεντεύξεις τα οποία πραγματοποιήθηκαν με τη συνεργασίαφοιτητών και καθηγητών, η έρευνα αυτή επιχειρεί να ανιχνεύσει τις αναπαραστάσεις καθώςκαι τη φύση των επιλογών σχετικά με τα κείμενα και τις προσεγγίσεις που υιοθετούνται γιατη διδασκαλία της λογοτεχνίας. Η παρούσα διατριβή διασταυρώνει τις προσδοκίες και τιςαντιλήψεις των φοιτητών με αυτές που προάγουν τα εγχειρίδια και προτείνουν οιπανεπιστημιακοί εκπαιδευτικοί. Τέλος, παρουσιάζει διδακτικές προτάσεις ικανές νασυνάδουν με τα ενδιαφέροντα των Ελλήνων φοιτητών και να ικανοποιούν τις ανάγκες τους.Έχοντας εκθέσει το θεωρητικό πλαίσιο και τους στόχους, προτείνεται η εισαγωγή θεατρικώνπρακτικών καθώς και τεχνικές δημιουργικής γραφής με σκοπό να μυηθούν οι φοιτητές σε μιαπιο διαδραστική και συνεργατική μάθηση.