Dans quelle mesure le geste dansé a-t-il du sens ? Et, lorsque celui-ci est indissociable de lapratique qui le fait exister, à quel niveau doit se situer l’analyse ? Quelle serait la contributionspécifique que la sémiotique peut apporter aux savoirs chorégraphiques ? Ce travail vise àrépondre à ces questions à travers le choix d’un objet d’étude complexe, tel que le tangoargentin. Ce phénomène multidimensionnel est abordé dans sa globalité, c’est-à-dire en tantqu’interaction corporelle, pratique, et moteur de constructions identitaires et imaginaires à lafois. Pour ce faire, ce travail interroge certains modèles théoriques et méthodologiquesexistants actuellement en sémiotique. En particulier, les spécificités d’un objet d’étude commele tango invoquent la mise en place d’un modèle capable de tenir ensemble une perspectivesémiogénétique et expressiviste avec une approche syntagmatique. Finalement, l’articulationentre différents niveaux de déploiement et de développement du tango que le modèle propose,pourrait contribuer à éclairer le débat autour des enjeux de la patrimonialisation d’unepratique fondée sur l’improvisation. / To what extent does dancing gesture make sense ? If considered as inseparable from the wholepractice of dance, at which level should the analysis be placed? How could semiotics make asignificant contribution to dance studies ? This work aims to answer to these questionsfocussing on the Argentinian tango. It is approached as a complex object of analysis, a "wholeof sense", that is both as bodily interaction and practice, and as a fundamental driver inidentity and imaginary building processes. To this end, we examine and test some theoreticaland methodological models in current semiotics. The peculiar aspects of tango require a pointof view able to keep together a semiogenetic approach and a syntagmatic one. Therefore, wepropose a model which strengthens different levels of deployment and development of tango.Finally, we show how this framework could provide an original perspective about some issueson patrimonialization and improvisation, as a crucial topic in the current debate on tango.

Cette étude vise à analyser la façon dont la présence du personnage dans le roman portugais des trente dernières années est conditionnée par l’imbrication de données figuratives et leur défiguration. Le personnage se fait ainsi l’écho des bouleversements économiques, politiques et sociétaux provoqués par la chute de la dictature. Il apparaît alors comme le moyen efficace d’interroger les anciens modèles et d’en figurer de nouveaux. Le personnage semble donc proposer diverses figurations de l’humain, relatives à chacun des auteurs étudiés qui font entendre une voix individuelle et originale. Ainsi, dans certains romans, l’impossibilité d’une identité stable dont l’échec mène à la défiguration renvoie, dans d’autres textes, à la possibilité de la figure dans sa diversité et sa dissémination. Les indices de cette ambivalence apparaissent dès le niveau textuel où la défiguration du récit par la disqualification de l’action, le désordre des hiérarchies entre les personnages, et le brouillage des frontières entre textes, auteur et personnage concourt à rendre la diversité de figuration du personnage. Celle-ci semble alors se développer dans l’effet-personne mis en place par le texte et qui assimile le personnage à un individu identifiable et connaissable, malgré la crise qui peut le menacer. De l’extérieur vers l’intériorité, le personnage s’étend en profondeur. L’intériorité du personnage est néanmoins assaillie par la perception d’un monde impossible dont les repères instables façonnent un milieu hostile et inhabitable. Le délitement de son unité se révèle dans son entier à travers la non-reconnaissance de soi et l’effacement du corps. Le personnage n’est plus alors considéré comme une individualité, mais comme une figure afin de rendre compte de son pouvoir de fascination. / This study aims at analyzing the way the character’s presence in the portuguese novel of the last thirty years depends on the interweaving of representational data and their disfigurement. The character echoes back of the economic, political and societal turnovers provoked by the fall of the dictatorship. Thus, it appears as an effective fabric that questions the former models and elaborates new ones. Therefore, the character seems to propose several representations of the human being, relative to each of the studied authors. In one hand, some novels attempt to the impossibility of a stable identity representation and the disfigurement it failure provokes. In other hand, the texts also depict the possibility of a figure underlaid by its variety and its scattering. The indications of this ambivalence appear from the textual level where the disfigurement of the narrative by the disqualification of the action, the disorder of the hierarchies between characters, and the border’s fading between texts, author and character contributes to express the variety of character’s representation. Therefore, this one tends to create a person-effect set up by the text and which assimilates the character to a recognizable and knowable individual, in spite of the crisis which can threaten it. The the character’ interiority is nevertheless assailed by the perception of an impossible world which unstable marks shape an hostile and uninhabitable environment. Consequently, the disintegration of the character’s unity arises through the non-recognition of himself and the disappearance of the body. The character is not then considered any more as an individual, but as a figure that exerts a fascination’s power on the reader.

Comment filmer l’architecture, comment la décrire par une surface ? L’altérité de l’architecture à l’écran, avec ses espaces et ses opérations propres, pose les problèmes esthétiques dans l’ordre de la perceptibilité. En redéfinissant l’architectonique en relation avec les pensées modernes de la tectonique architecturale, je cherche à repérer ces problèmes esthétiques afin de nommer la description filmique de l’architecture élaborée chez Greenaway. La tectonique de Bötticher porte sur la démonstration ornementale des relations structurelles, spatiales et sensibles, alors que l’architectonique révisée de Boullée pense à la structure et à ses relations fortes. Mise en parallèle à une évolution historique du beau architectonique à l’ornement tectonique, la description de l’architecture de Greenaway n’assure pas seulement une persévérance de l’idée d’harmonie, mais donne à voir une surédification dynamique, définie par l’obliquité et la périphéricité dans un travail de la figurabilité. La description archi-tectonique consiste dans la démonstration perceptible et hypothétique, de forces structurelles et de connexions topologiques. Mouvementée par l’épreuve de la désharmonie appartenant au monde de la matière, des forces et des sens, la description de Greenaway se formule par le montage analogique, le cadrage chronotopique, la rotation géométrique et la grille en mouvance. / How to film architecture, how to describe it on surface ? The otherness of the architecture on screen, with its own space and function, raise the aesthetic problems from the perspective of perceptibility. Redefining architectonic in relation to modern thought on architectural tectonic, I attempt to locate these aesthetic problems in order to name the filmic description of the architecture elaborated in Peter Greenaway. Bötticher’s tectonics focuses on the ornamental demonstration of structural, spatial and sensitive relationships, while Boullée’s revised architectonic think the structure and its relationships of forces. Considered with the historical evolution from the architectonic beauty to the tectonic ornament, the description of architecture by Greenaway maintains not only a persistence of the idea of harmony but makes sensible a dynamic suredification characterized by obliquity and periphericity in a work of figurability. The archi-tectonic description is based on the the perceptible and hypothetical demonstration of structural forces and topological connections. Animated by the confrontation with disharmony in a world of matter, forces and senses, the description by Greenaway expresses itself through analogical editing, chronotopical framing, geometrical rotation and grid in movement.

La visée méthodologique de cette étude détermine le parcours de la recherche : l’analyse de l’argumentation dans les joutes verbales et celle des figures de rhétorique, définies comme des formes-sens, dans les cinq pièces théâtrales de Bernard-Marie Koltès. Ces deux approches principales permettent de mettre en évidence la théâtralité et la dramaticité des paroles de lutte, qui instaurent des scènes d’agôn dans le théâtre contemporain. Ces réflexions, qui prennent aussi en compte les perspectives intrascéniques et extrascéniques inhérentes à la double énonciation théâtrale, visent à approfondir la compréhension des œuvres koltésiennes dans son rapport particulier au spectateur. Tous les efforts langagiers déployés ainsi que les diverses stratégies argumentatives et figurales conduisent à une incommunication finale, créant tout au long des pièces un mélange de tragique et de comique. D’où la dramaturgie de la confrontation et de la cohabitation de paroles agonales. / The methodological focus of this study is determining the course of research: the analysis of the argumentation in verbal sparring and of figures of speech, defined as sense-forms, in Bernard-Marie Koltès’ five theatrical plays. These two main approaches make it possible to highlight the theatricality and the dramaticity of words of struggle that establish scenes of agon in contemporary theatre. These reflections, which also take into account the intrascenic and extrascenic perspectives inherent in theatrical double enunciation, aim to deepen the understanding of the works of Koltès in their particular relation with the spectator. All language efforts made by characters in confrontations, as well as various argumentative and figurative strategies, prove to be in vain and always lead to a final non-communication, creating a mixture of the tragic and the comic throughout the plays. This is what is at stake in our work: to define Koltèsian dramaturgy as a confrontation and a cohabitation of agonal words.

Si la religion de Rimbaud implique obligatoirement l’analyse de son anticléricalisme assumé et de sa relation tumultueuse avec le christianisme de son enfance, notamment dans les Premières poésies et Une saison en enfer ; elle implique également, comme nous souhaitons le proposer, en parallèle, dans notre étude, une ouverture de la notion, dans son acception philosophique, permettant de l’élargir à l’ensemble du corpus rimbaldien : Derniers vers et Illuminations. Il s’agit de s’intéresser au sens de l’existence, tel que conçu par Rimbaud à travers son oeuvre poétique, et plus particulièrement aux notions de Temps, de Mémoire et d’Espace : du poète dans son cosmos. Ainsi se dessine une mise en évidence de la manière dont Rimbaud suggère sa vision du monde, simultanément négative et positive : dans son opposition au Christianisme et à son pendant social Bourgeois, ou dans son affirmation d’une réalité différente dans l’Idylle voire l’urbanisme. À cela s’ajoute la question d’une religion dont le mécanisme cyclique pourrait permettre à l’oeuvre d’exister en tant qu’ensemble lié malgré son apparence disjointe. / Writing about the Religion of Rimbaud, implies, by necessity, an analysis of his anticlericalism and his tumultuous relationship with the religion of his youth : Christianity. However if these notions structure our study of Premières poésies and Une saison en enfer, they could not perform in the case of Derniers vers and Illuminations. Making us realize the necessity of opening the religious notion to its philosophical aspect. Then through its poetical work, Rimbaud suggests an interrogation on the sense of the existence and especially on Time, Memory and Space ; that is to say on the Poet and its cosmos. Appears at that moment, simultaneously positive and negative, his vision of the world : his opposition to Christianism and to its social conservative equivalent (Bourgeoisie) but also his affirmation of another reality in Idyll or urbanism. Moreover this religion could link his poetical work as a whole despite its heterogeneous apparence

Notre époque connaît-elle véritablement une surenchère mémorielle ? L'idée d'une perte nous serait en tout cas devenue presque insupportable. En sciences humaines, de nombreux travaux ont été consacrés à la mémoire (Halbwachs, Le Goff, Yates…). Ces vingt dernières années pourtant, l'oubli a préoccupé les artistes (Pascal Convert ou Anne et Patrick Poirier), et les intellectuels (Augé, Todorov, Ricoeur). À la Renaissance déjà, le peintre et biographe Giorgio Vasari prétendait lutter contre cette « seconde mort » que serait l'oubli. En partant de la notion renaissante de renommée, de ses liens avec l'histoire, nous aimerions faire la généalogie de cet oubli « négateur », empêcheur d'une juste mémoire, à partir de plusieurs images, de plusieurs figures de l'oubli. En effet, il convient d'une part d'analyser des « formes de l'oubli », et d'autre part d'examiner la façon dont les artistes ont pu donner une « figure » à l'oubli. C'est donc un travail sur l'image de la mémoire publique que nous proposons (à condition que nous regroupions sous ce même terme images matérielles et images produites par le discours). Comment l'oubli peut-il être perçu tour à tour comme un lieu, un personnage, un processus? Quels sont ses liens avec l'entreprise historiographique? Pour répondre à de telles questions, il est nécessaire d'examiner les intrications entre histoire et mémoire, historiens et œuvres d'art, artistes et discours légitimant la pratique de ces derniers. Selon notre thèse, la mémoire publique, loin de connaître un excès, serait entrée au contraire dans un important, et croissant, déficit. / Does our time truly know a memorial bidding? The idea of a loss would become almost unbearable to us. Many humanities studies have been devoted to memory (Halbwachs, Le Goff, Yates ...). For the last twenty years, however, oblivion has preoccupied artists (Pascal Convert or Anne and Patrick Poirier) and intellectuals (Augé, Todorov, Ricoeur). During the Renaissance already, the artist and biographer Giorgio Vasari claimed to fight against this "second death" that oblivion would represent. Starting from the re-emerging notion of glory,, from its links with history, we intend to draw a genealogy of this "contrarian" oblivion which prevents a just memory, using several images, several figures of oblivion. Indeed, we should firstly analyze "forms of oblivion", and then examine how artists have given a "figure" to oblivion. It is then a study on the image of public memory that we offer (provided that we include in the same term material images and pictures of the speech). How does oblivion can be perceived in turn as a place, a character, a process? What is its connection with the historiographical undertaking? In order to answer such questions, we need to examine the intricacies between history and memory, historians and works of art, artists and speeches that legitimize their practice. According to our work, public memory, far from knowing an excess, has known a large deficit instead.

La Bible est un des premiers livres traduits dans la plupart des langues d'Afrique subsaharienne et l'imagerie qui lui est associée a par conséquent joué un rôle essentiel dans la constitution des imaginaires littéraires propres à chaque région. Parmi toutes les figures de l'Ancien et du Nouveau Testament, le Christ occupe une place à part, car il est la source de toute rédemption et un personnage qui vaut par son ambivalence, au croisement du religieux et du politique. Représentation en creux construite par des discours multiples, il est à la fois ou successivement un révolutionnaire qui se bat contre l'impérialisme romain ou un collaborateur qui rend à César ce qui lui appartient. La résonance de cette figure dans les œuvres de Dambudzo Marechera (1952-1987) et Tchicaya U Tam'si (1931-1988) correspond donc à une réflexion sur les rapports qu'entretiennent la religion, la littérature et le politique pendant et au-delà de la période coloniale au Zimbabwe et au Congo. En effet, ces deux auteurs occupent une position surplombante dans leurs pays respectifs et, quoique considérés par certains comme hermétiques ou trop Européens, ils ont durablement marqué les générations suivantes qui ont vu en eux des précurseurs, voire le « père de notre rêve » pour Tchicaya. Dans cette perspective qui englobe la théorie et l'histoire littéraire, le messianisme comme dynamique qui fait naître des figures christiques entraîne une réflexion sur la place du personnage dans le temps et dans l'espace. Celle-ci, enfin, prend tout son sens grâce au choix d'un corpus qui englobe roman, poésie et théâtre, afin de relier différentes approches de la figure christique, pour mieux questionner le rôle de pivot qu'elle occupe dans les deux œuvres. / In most African langages, the Bible is one of the first books ever translated. As a consequence, the images it conveys have played a prominent part in the literary imagery endemic to each region of the continent. Among all the various characters depicted in the Old and the New Testament, Jesus Christ is center stage, since he is the origin of all redemption, as well as an ambivalent character standing at the crossroads of religion and politics. As an implicit character constructed by various discourses, he represents simultaneously or successively a rebel fighting roman imperialism or a collaboraor who gives unto Caesar what belongs to Caesar. This character finds an echo in the works of Dambudzo Marechera (1952-1987) and Tchicaya U Tam'si (1931-1988) as he raises questions on the connexions between religion, literature and politics during and beyond colonial times in Zimbabwe and Congo. As a matter of fact, both authors occupy a prominent place in their respective literary landscape. Although they have been disparaged for being overly hermetic or European, they have left a lasting impression on the following generations of writers who consider them as precursors or even « father of our dream » as far as Tchicaya is concerned. Following this approach which combines literary theory and literary history, a reflection on the nature of characters is prompted by the conception of messianism as a dynamics which creates christ-like figures and positions them both in time and space. Finally, by chosing a syllabus including narratives, theatrical plays and poetry, we've attempted to give this type of character its full meaning while questioning the pivotal role it plays for both authors.

The research question explored in this exhibition and dissertation was to review the conventional notions of craftsmanship and the use of the specific medium of oil paint with reference to the art of Rembrandt and Damien Hirst. The subject matter is flesh. This study foregrounds the involvement and acknowledgment of the corporeal body, the hand of the artist, and of the organic material reality of our existence and the objects that surround us. The paintings reflect a series of interventions that resulted in abstracted images based on photographs of meat. Once a detail had emerged that emphasised the fleshiness of the selected image, it was printed by a professional printing company. These details were then translated into oil paintings. What is explored is the specific material qualities of the binding mediums traditionally associated with the use of oil painting to create expressive paintings. In the creation of the series of paintings, I prepared binding mediums consisting of wax, stand oil, damar varnish, zel-ken liquin and acrylic paste medium mixed with manufactured readymade oil paints. Consequently the choice and exploration of the material possibilities of a specific medium becomes content, using art to explore the idea of art. Paint becomes flesh-like, having congealed over the surface of the technical support. These paintings propose an internal and an external reality simultaneously referenced through the flesh-like surface, pierced and cut to reveal multiple layers created on the supporting structure (wood and canvas) with the use of a specific medium, oil paint, combined with a variety of other binding mediums. The edges of the unframed paintings play an important role assuming a specific physical presence, enabling them to define themselves as boundaries, both of the paintings particular field of forces and of the viewer’s aesthetic experience. They are no longer edges or frames in the conventional sense, but become other surfaces that are of equal significance in the reading or viewing of the work. Finally, the notion of an exhibition site being neutral or given is contested and, as a result, the contemporary artist needs to be mindful of site specificity in relation to the exhibition of the artworks. This series of paintings is intended to communicate as a body of work, reflecting an individual vision: a recurring, introspective process that is always unfolding. The body is constantly recreated by each individual viewer, and the context or site of display. The artist’s intention is to activate the viewer’s heightened awareness and response to the conscious arrangement of the collection of canvases, as each one represents a fragment or detail of a flayed carcass.

I focus on four operas premiered in Europe and the United States between 2009 and 2016 in which elements of the medieval, ritual, ancient, religious, and mystic emerge through their source material: _Adam and Eve: A Divine Comedy_ (2015, Norway), by Cecilie Ore and Bibbi Moslet; _Kalîla wa Dimna_ (2016, France), by Moneim Adwan and Fady Jomar; _Lilith_ (2009, USA) by Anthony Davis and Allan Havis, and _Paradise Reloaded (Lilith)_ (2013, Austria), by Peter Eötvös and Albert Ostermaier. This dissertation argues that these operas, rather than seeking a renaissance or rebirth of the mythic, draw inspiration and narratives from what I am calling “distant pasts,” reimagining universal or “timeless” narratives of humanity through a specific contemporary lens in an explicit and deliberate interrogation of the political present. Mapping out different modes of staging these distant pasts in response to cultural and political change in the twenty-first century, I suggest new modes of conceiving adaptable operatic “networks of comprehension” that encompass the multiple subject positions and geographical and cultural contexts that shape opera today. Each opera is presented as a case study in a single chapter, balancing musical analyses with political, historical, and cultural critique. Interviews with “stakeholders” (composers, librettists, singers, directors), many of which I conducted, form an integral part of this process. My analyses explore these four operas’ unconventional attitudes towards time, narrative, and drama, and in probing each opera’s idiosyncratic relationship with its distant pasts, I chart the complex manifestations of recent political discourse in Europe and the United States, especially concerning the intersection of feminism, race, religion, and secularism.

Ce mémoire vise à questionner les liens entre l'auteur, sa posture, sa figure et la réception critique de son oeuvre. Depuis que Michel Foucault a défini l'auteur comme étant un"être de raison", les études portant sur la figure de l'auteur se sont déployées, suivant le développement de la sociologie de la littérature et l'étude des trajectoires d'écrivains. Un sujet cependant reste guère exploité : peu de recherches se penchent sur le rôle que joue la"façon d'être" d'un écrivain sur la figure qui en découle par la suite, et qui est nécessairement construite par l'ensemble des agents du champ. Pascal Brissette, Marie-Pier Luneau et Marie-Ève Riel ont réalisé des recherches sous cet angle en étudiant respectivement les cas d'Émile Nelligan, de Lionel Groulx et de Gabrielle Roy, des écrivains du XXe siècle. Nous voulons connaître le rôle de la posture d'auteur dans le champ littéraire actuel. Nous avons choisi d'étudier le cas de Chrystine Brouillet. Notre analyse se base sur les conclusions des chercheurs mentionnés précédemment, selon lesquels la posture d'un auteur, en cas de réussite, confirme la lecture d'une oeuvre. À l'aide des théories portant sur l'écrivain, nous étudions ici la trajectoire de l'écrivaine dans le champ littéraire, en caractérisant la posture qu'elle développe au fil des années. Par la suite, nous évaluons l'implication de cette posture dans la figure que lui ont construite les éditeurs, journalistes, critiques. Cette figure n'est pas sans avoir un lien avec la réception de son oeeuvre, ce pourquoi nous analysons en parallèle les critiques à son endroit. Les résultats confirment que la posture de Chrystine Brouillet, bien qu'elle n'incarne pas l'unique facteur qui influence le sort de ses livres, induit la construction positive d'une figure d'auteur qui oriente globalement la réception critique de son oeuvre.