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Storie en sprokie : 'n ondersoek na die sprokiesmotief in enkele populere Afrikaanse romansBrink, Malie Johanna 11 1900 (has links)
Text in Afrikaans / In die verhandeling word die vergestalting van die sprokiemotief
in die tekste, Griet skryf 'n sprokie deur Marita van der Vyver
(1992) en Weerkaatsings - 'n sprokie deur Eleanor Baker (1984)
nagegaan. Die doel is om vas te stel op watter wyse hierdie
"kindgerigte" genre op die literere vlak van die volwasse leser
omvorm word. Om hierdie doel te bereik word eerstens 'n
begripsverkenning van die sprokie as epiese genre gedoen. In die
verkenning van die genre val die soeklig nie net op die Westerse
sprokie nie, maar daar word ook gefokus op die inheemse SuidAfrikaanse
sprokie.
Tweedens word aan die hand van hierdie teoretiese raamwerk 'n
noukeurige analise gemaak van die vergestalting van die
sprokiemotief binne die twee primere tekste. Die sprokieselemente
in Griet skryf 'n sprokie en Weerkaatsings - 'n sprokie word
uitgelig en die hantering daarvan vergelykend ondersoek / In the dissertation the manifestation of the fairytale motif in
the texts, Griet skryf 'n sprokie by Marita van der Vyver (1992),
and Weerkaatsings 'n sprokie by Eleanor Baker (1984) is
investigated. The purpose is to ascertain the manner in which
this "child-centred" genre is transformed on the literary level
of the adult reader. To achieve this goal, a conceptualization
of the fairytale as an epic genre is firstly undertaken. In the
exploration of the genre, the search light does not only focus
on the Western but also on the indigenous South African
fairytale.
Secondly, by means of this theoretical framework, a detailed
analysis is made of the manifestation of the fairytale motif in
the two primary texts. The elements of the fairytale in Griet
skryf 'n sprokie and Weerkaatsings - 'n sprokie are highlighted
and the handling thereof comparatively investigated / Afrikaans & Theory of Literature / M.A. (Afrikaans)
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132 |
A Structural analysis and visual abstraction of the pictorial in the Aeneid, I-VIShaw, Rayford Wesley 06 1900 (has links)
The pictorial elements of the first six books of the
Aeneid can be evidenced through an examination of its
structural components. With commentaries on such
literary devices as parallels and antipodes, interwoven
themes, cyclic patterns, and strategic placement of words
in the text, three genres of painting are treated
individually in Chapter 1 to illustrate the poet's
consistency of design and to prove him a craftsman of the
visual arts.
In the first division, "Cinematic progression," attention
is directed to the language which conveys movement and
frequentative action, with special emphasis placed on
specific passages whose verbal components possess
sculptural or third-dimensional traits and contribute to
the "spiral" and "circle" motifs, the appropriate visual
agents for animation.
Depiction of mythological subjects comprises the second
division entitled "Cameos and snapshots." Three
selections, dubbed monstra, are explicated with such
cross references as to illustrate the poet's use of
epithets which he distributes passim to elicit verbal
echoes of other passages.
The final division, "The Vergilian landscape," addresses
two major themes, antithetical in nature, the martial and
the pastoral. Their sequential juxtaposition in the text
renders a marked contrast in mood which is manifested
pictorially in the transition from darkness to light. A
panoramic chiaroscuro emerges which is the tapestry
against which Aeneas makes his sojourn through the
Underworld. It is the perfect backdrop to accompany the
overriding theme of "things hidden," res latentes, which
encompasses a greater part of the epic and becomes the
culminant motif of the paintings which comprise the
visual presentation.
Chapter 2 functions as a catalogue raisonne for art
inspired by the Aeneid from early antiquity up to the
present day. Such examples of artistic expression
provide a continuum with which to appropriate Horace's
maxim, ut pictura poesis, in their evaluation.
The verbal exegeses in Chapter 1 have been programmed to
comport with the thematic content of the visual
presentation in Chapter 3, a critique exemplifying the
transposition of the verbal to the pictorial. With these
canvases I have attempted to render a new perspective of
Vergil's epic in the genre of abstract expressionism. / Art / D. Litt. et Phil.
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Transgenic art and science in Eduardo Kac’s work: ethical issues acknowledgedErasmus, Megan 02 1900 (has links)
Text in English / The rise of the biotechnical and genomic revolution has motivated contemporary artists to explore the use of scientific methods as a medium for art-making. The application of these ground-breaking methods within the realm of contemporary art allows for the distortion that exists between life sciences and the imagination to become a reality. This practice is known as transgenic art. With biotechnology as the new playing-field for art comes a myriad of dangerous implications, ethical issues, questions of authorship and responsibilities. The transgenic artworks of Eduardo Kac entitled GFP Bunny (2000) and Genesis (1999) form the basis of the research. The main question posed in this research explores the purpose of transgenic art and the unavoidable impact thereof on society. Social awareness of ethical issues surrounding this type of art-making is addressed. The poignancy of the study lies in debates deliberately introduced by the artist, but also unintended controversial issues that surface from the creation of living artworks. / Art History, Visual Arts & Musicology / M.A. (Visual Arts)
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Contribution à l'étude des interactions entre les arts plastiques et les lettres belges de langue française: analyse de cas :Maurice Maeterlinck et l'imageLaoureux, Denis 10 January 2005 (has links)
Cette thèse de nature interdisciplinaire a pour objet d’identifier, de décrire et d’analyser la diversité des interactions entre la littérature et les arts plastiques à travers l’œuvre et la figure de l’auteur belge francophone Maurice Maeterlinck (1862-1949).<p><p>Le propos présente une structure symétrique. Celle-ci va de l’impact de l’image sur l’écriture à l’impact des textes sur la création plastique. La référence littéraire à l’image constitue la première phase de l’enquête. Celle-ci aboutit à la référence plastique à la littérature en passant préalablement par les collaborations effectives entre l’auteur et les artistes sur le plan de la théâtralité et sur celui de l’édition illustrée.<p><p>Un dépouillement des archives conservées tant en Belgique qu’à l’étranger a permis d’inscrire la lecture des œuvres dans le cadre d’une trame factuelle précise et fondée en termes d’exactitude historique.<p><p>Première partie. De l’image au texte. Le musée imaginaire de Maurice Maeterlinck<p><p>C’est en se référant à Bruegel l’Ancien que Maeterlinck publie le Massacre des Innocents en 1885. Ce conte de jeunesse, stratégiquement signé « Mooris » Maeterlinck, se revendique clairement d’une origine flamande à connotation bruegelienne. Régulièrement réédité du vivant de l’auteur, il a contribué à fixer les traits de Maeterlinck en fils des peintres flamands. Pour les critiques d’époque, l’œuvre de Maeterlinck trouverait son originalité dans la peinture flamande dont elle est la fille. Campant Maeterlinck en auteur « germanique » par son origine flamande, certains spécialistes s’appuient encore sur ce postulat à caractère tainien. D’autres commentateurs ont pris le parti de ne pas prolonger ce point de vue, mais plutôt d’en interroger les causes profondes. C’est à Paul Aron que revient le mérite d’avoir fait apparaître, dans un article fondateur, le caractère stratégique de cette référence à la peinture flamande dans les lettres belges .Il convenait d’élargir au-delà du seul conte de 1886 l’enquête sur la réception maeterlinckienne de la peinture flamande. On s’aperçoit alors que le Massacre des Innocents est loin d’être le seul Bruegel l’Ancien que Maeterlinck comptait exploiter à des fins littéraires. On s’aperçoit également que le peintre de la Parabole des aveugles est loin d’être le seul peintre flamand auquel Maeterlinck se réfère. C’est pourquoi nous avons entrepris de définir précisément, et de façon exhaustive, les limites du champ maeterlinckien en matière de peinture ancienne. Pour ce faire, nous avons inventorié l’ensemble des occurrences plastiques clairement identifiables dans les archives (lettres et carnets), dans les textes publiés ainsi que dans les interviews. Ce travail de compilation a révélé en effet que la réception maeterlinckienne de la peinture dépasse largement le cadre de l’art flamand des XVe et XVIe siècles. Renaissance italienne, Préraphaélisme, Réalisme et Symbolisme sont les principaux mouvements picturaux qui composent les salles du musée imaginaire de Maeterlinck. <p><p>Deuxième partie. Texte et image I. Les décors de l’indicible. Maeterlinck et la scénographie<p><p>Cette expérience de l’image, Maeterlinck va la mettre à profit lorsque ses drames seront appelés à connaître l’épreuve de la scène. Car dès lors qu’elle est transposée du livre à l’espace de jeu, l’œuvre dramatique cesse d’être exclusivement littéraire. Elle est alors faite de lumière, de corps en mouvement, de matière… Il est pour le moins paradoxal que l’apparition de ce répertoire coïncide avec une méfiance vis à vis du spectacle de théâtre. Très vite Maeterlinck cherche à définir les modalités de la mise en scène. Au fil de quelques articles, il élabore une pensée théâtrale qui participe pleinement au débat ouvert sur la question dans les revues littéraires par des auteurs comme Stéphane Mallarmé, Albert Mockel, ou Pierre Quillard, pour ne citer que quelques noms. Le décor est un point central de ce débat qui consacre l’émergence de la fonction moderne accordée à l’aspect visuel d’un spectacle de théâtre. Ce n’est pas pour rien si la conception des décors est désormais confiée non plus à des décorateurs de métier, mais à des peintres. L’expression de « tableau vivant » dont use Maeterlinck pour qualifier la métamorphose du texte par la scène indique bien le lien qui se tisse, selon lui, entre image scénique et peinture. Certaines œuvres, notamment préraphaélites, servent d’ailleurs de source pour la conception de scènes, de décors et de costumes. Maeterlinck ne s’est pas privé de donner son opinion personnelle sur le travail de préparation de mises en scène, notamment dans les spectacles de Paul Fort, de Lugné-Poe et de Constantin Stanislavski.<p><p>Troisième partie. Texte et image II. Des cimaises en papier. Maeterlinck et l’édition illustrée<p><p>Il est significatif que le renouvellement de la théâtralité soit exactement contemporain d’une recherche sur le livre comme objet et sur la page comme support. On pourrait dire que la scénographie est à la scène ce que l’illustration est à la page. La critique maeterlinckienne ignore tout, ou à peu près, de la position prise par Maeterlinck à l’égard du support de la littérature. Il faut bien admettre que le poète des Serres chaudes n’a pas développé sur le livre illustré une pensée qui soit comparable à ce qu’il a fait pour le théâtre. De ce fait, le dépouillement des archives s’est avéré indispensable. Il a permis de mettre à jour la place prise par Maeterlinck dans l’élaboration de l’aspect plastique de l’édition de ses textes.<p><p>Sensible à ce qui, dans le langage, échappe à l’emprise de la parole au point de mettre en œuvre une dramaturgie fondée sur le silence, Maeterlinck s’est très tôt intéressé aux formes de communication non verbale en jeu au sein d’une production littéraire. Cet intérêt répond à une volonté d’émanciper l’écriture du logocentrisme de la culture française dont Maeterlinck a livré une critique radicale dans un carnet de note que l’historiographie a retenu sous le nom de Cahier bleu. L’homme de lettres s’est ainsi interrogé dès le milieu des années 1880 sur les effets de sens qui peuvent survenir de la part visuelle inhérente à l’édition d’un texte. L’émergence du symbolisme correspond ainsi à une redéfinition du support même de la littérature. Par l’encre qui lui donne corps et par la typographie qui trace les limites, le mot apparaît à Maeterlinck comme une forme dont la page-image magnifie la valeur plastique. Fort se s’être essayé, dans le secret des archives, à l’écriture d’une poésie visuelle enrichie par un réseau de lignes dont le tracé répondrait au contenu du texte, Maeterlinck va développer une esthétique de la couverture qu’il va appliquer dans le cadre de l’édition originale de ses premiers volumes. Dans ce contexte d’exaltation des données plastiques du livre, l’image va constituer un paramètre majeur. Résultant d’une collaboration étroite avec des illustrateurs qui sont d’abord peintre (Charles Doudelet, Auguste Donnay) ou sculpteur (George Minne), les éditions originales illustrées publiées par Maeterlinck apparaissent aujourd’hui comme des événements marquants dans l’histoire du livre en Belgique. Dépouillée des attributions descriptives qui avaient assimilé l’image au commentaire visuel redondant du texte, l’illustration est ici conçue à rebours des mots auxquels elle renvoie. Le tournant du siècle constitue une jonction dans le rapport de Maeterlinck à l’édition illustrée. Participant pleinement au phénomène d’internationalisation des lettres belges autour de 1900, Maeterlinck privilégie l’édition courante et réserve à la librairie de luxe et aux sociétés de bibliophiles le soin de rééditer dans des matériaux somptueux les versions illustrées de ses textes. Le Théâtre publié par Deman en 1902 avec des frontispices d’Auguste Donnay constitue la première expression de ce goût marqué pour les formes les plus raffinées du livre. <p><p>Quatrième partie. Du texte à l’image. La réception de l’œuvre de Maeterlinck dans les milieux artistiques<p><p>De telles interactions n’ont pu avoir lieu sans l’existence de facteurs externes de type socio-économique. Elles se déroulent en effet dans des lieux (les salons, par exemple) et des institutions (comme les maisons d’édition) mis sur pied par une société performante économiquement et qui, grâce à la dynamique culturelle d’une phalange d’intellectuels esthètes, peut désormais se donner les moyens nécessaires à l’affirmation de la Belgique comme scène active dans le courant d’émulation esthétique et intellectuelle qui traverse l’Europe de la fin du XIXe siècle. La critique s’est attachée au poète de Serres chaudes comme un homme sinon isolé dans une tour d’ivoire, à tout le moins retiré dans une campagne lointaine. Généralement présenté comme l’arpenteur des sommets de la mystique flamande, des mystères préraphaélites, des romantiques allemands et de Shakespeare, Maeterlinck aurait vécu en dehors des contingences de son temps. L’auteur a lui-même contribué à construire ce mythe de l’écrivain solitaire et du penseur reclus. Le dépouillement de ses archives montre à l’évidence qu’il faut nuancer cette lecture dépourvue de finesse. Cette réévaluation de la place de l’homme de lettres dans la société pose la question de la réception de l’œuvre, dans le cas qui nous occupe, par les milieux artistiques. La dernière partie de la thèse inverse donc la question posée dans la première. Si l’incidence de l’iconographie ancienne sur la production littéraire a fait l’objet de commentaires stimulants, inversement, l’analyse de l’impact de la littérature sur la création plastique demeure réduite à quelques cas célèbres comme les peintres Nabis ou Fernand Khnopff. Pour développer cette problématique, il s’est avéré indispensable d’aborder la visibilité de l’œuvre en fonction des réseaux fréquentés par l’homme de lettres. La quatrième et dernière partie tente de répondre à la question de savoir dans quelle mesure le réseau relationnel de Maeterlinck et les voies de diffusion empruntées par son œuvre ont induit ou pas la création plastique. De ce point de vue, la réception de Maeterlinck en Allemagne et en Autriche constitue un cas d’école. Etrangère à toute implication directe de l’auteur, la réception artistique de l’œuvre de Maeterlinck forme un corpus d’œuvres que nous avons étudié en le superposant à l’architecture interne de la bibliographie.<p><p>Projeté au devant de la scène par l’article fameux d’Octave Mirbeau, Maeterlinck rechigne les apparitions publiques. Si l’auteur est pleinement inscrit dans les lieux de sociabilité de la vie littéraire, il reste que l’homme fuit les interviews et délègue à l’image le soin d’assurer la visibilité de sa personne :les portraits de Maeterlinck se multiplient dans les revues au point de former un corpus significatif que la critique maeterlinckienne n’a jusqu’ici pas ou peu abordé. Conscient de l’impact stratégique de l’image qu’un écrivain donne de lui, Maeterlinck souscrit au rituel de la pose. S’il est difficile d’apporter des précisions sur la part prise par l’écrivain dans la composition des portraits, il n’en demeure pas moins que l’homme se met en scène à rebours d’une prise de vue instantanée. Face à l’objectif, il prépare méthodiquement la transformation de sa personne en image. A la césure du siècle, plusieurs pictorialistes américains (Holland Day, Coburn et Steichen) ont conçu des portraits de Maeterlinck. C’est par ce biais que l’auteur belge a été amené à rédiger un texte sur la photographie. <p><p>Destiné au numéro inaugural de la fameuse revue Camera Work animée par Alfred Stieglitz, ces pages soulignent le caractère esthétique dont les pictorialistes ont teinté la photographie. Pour Maeterlinck, la photographie relève du domaine de la création artistique puisqu’il n’est désormais plus tant question de fixer les apparences du réel que d’en livrer une image dominée par la pensée et le savoir-faire. Gagné par la foi recouvrée dans les forces de la nature typique de l’optimisme qui touche la littérature au début du XXe siècle, Maeterlinck souligne que l’acte photographique est lié à l’intervention des « forces naturelles qui remplissent la terre et le ciel ». Et l’homme de lettres de préciser :« Voilà bien des années que le soleil nous avait révélé qu’il pouvait reproduire les traits des êtres et des choses beaucoup plus vite que nos crayons et nos fusains. Mais il paraissait n’opérer que pour son propre compte et sa propre satisfaction. L’homme devait se borner à constater et à fixer le travail de la lumière impersonnelle et indifférente ». L’épiphanie des ombres que cultive la photographie pictorialiste passe par un dialogue avec la lumière dont Maeterlinck fait une composante centrale de son théâtre au point de l’incarner, dans L’Oiseau bleu qu’il publie en 1909, sous la forme d’un personnage clé opposé significativement à la figure de la Nuit.<p> / Doctorat en philosophie et lettres, Orientation histoire de l'art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Postkolonialiteit in die twintigste- en een-en-twintigste-eeuse Afrikaanse drama met klem op die na-sestigers / Postkolonialiteit in 20ste- en 21ste-eeuse Afrikaanse drama met klem op die na-sestigersVan der Merwe, Anna Susanna Petronella 30 November 2003 (has links)
Text in Afrikaans / In this thesis the term post-colonialism in the Afrikaans drama is investigated, focussing on the post-sixties. The term post-colonialism is difficult to define. Not only are theories of post-colonialism in a state of continuous flux and shifting emphasis, but as a result of different colonial dominations, separate identities have been constructed in South-Africa; so that defining the terms colonial, post colonial and post-colonial proves to be even more problematic.
The purpose of this study is to determine to what extent the Afrikaans drama fits into these discourses. The basic point of departure is the fact that post-colonialism played a considerable role in the development of the Afrikaans drama, at the same time providing a more varied scope.
The research covers several aspects of post-colonialism in Afrikaans drama; each dealt with in a separate chapter. A multitude of perspectives are featured within the broader discourse in order to obtain multiple norms and standards in a phase of self-criticism. The focus falls mainly on themes and not on performance aspects.
New perspectives on issues such as canon texts, silence, hero-worship, the portrayal of woman, patriarchy, and neo-colonialism are presented (chapter 1). In chapter 2 focus falls on the period before 1960, and notably the question of nationalism (associated with apartheid) and the portrayal of the Afrikaner. The literary canon, forms of violence and the position of the super-Afrikaner are viewed in a new light during the re-writing of post-colonial history and the resulting paradigm shifts after 1960. Renewed emphasis is placed on discourse concerning land (chapter 3). Contrasting concepts regarding race, class, language, gender and religion are reconsidered in order to contribute towards the heterogeneous nature of post-colonialism (chapter 4). The function of theatre is to re-evaluate in the context of a post-1994 democratic system. Texts now focus especially on empowerment, re-discovery and re-ordering of history, reconciliation, inter-cultural contact and a post-apartheid syndrome (chapter 5).
Anti-hegemonic resistance in Afrikaans literature since the sixties has confronted writers with the challenge of depicting or creating a larger post-colonial reality through their texts. / Afrikaans and Theory of Literature / D. Litt. et Phil. (Afrikaans)
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Storie en sprokie : 'n ondersoek na die sprokiesmotief in enkele populere Afrikaanse romansBrink, Malie Johanna 11 1900 (has links)
Text in Afrikaans / In die verhandeling word die vergestalting van die sprokiemotief
in die tekste, Griet skryf 'n sprokie deur Marita van der Vyver
(1992) en Weerkaatsings - 'n sprokie deur Eleanor Baker (1984)
nagegaan. Die doel is om vas te stel op watter wyse hierdie
"kindgerigte" genre op die literere vlak van die volwasse leser
omvorm word. Om hierdie doel te bereik word eerstens 'n
begripsverkenning van die sprokie as epiese genre gedoen. In die
verkenning van die genre val die soeklig nie net op die Westerse
sprokie nie, maar daar word ook gefokus op die inheemse SuidAfrikaanse
sprokie.
Tweedens word aan die hand van hierdie teoretiese raamwerk 'n
noukeurige analise gemaak van die vergestalting van die
sprokiemotief binne die twee primere tekste. Die sprokieselemente
in Griet skryf 'n sprokie en Weerkaatsings - 'n sprokie word
uitgelig en die hantering daarvan vergelykend ondersoek / In the dissertation the manifestation of the fairytale motif in
the texts, Griet skryf 'n sprokie by Marita van der Vyver (1992),
and Weerkaatsings 'n sprokie by Eleanor Baker (1984) is
investigated. The purpose is to ascertain the manner in which
this "child-centred" genre is transformed on the literary level
of the adult reader. To achieve this goal, a conceptualization
of the fairytale as an epic genre is firstly undertaken. In the
exploration of the genre, the search light does not only focus
on the Western but also on the indigenous South African
fairytale.
Secondly, by means of this theoretical framework, a detailed
analysis is made of the manifestation of the fairytale motif in
the two primary texts. The elements of the fairytale in Griet
skryf 'n sprokie and Weerkaatsings - 'n sprokie are highlighted
and the handling thereof comparatively investigated / Afrikaans and Theory of Literature / M.A. (Afrikaans)
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A Structural analysis and visual abstraction of the pictorial in the Aeneid, I-VIShaw, Rayford Wesley 06 1900 (has links)
The pictorial elements of the first six books of the
Aeneid can be evidenced through an examination of its
structural components. With commentaries on such
literary devices as parallels and antipodes, interwoven
themes, cyclic patterns, and strategic placement of words
in the text, three genres of painting are treated
individually in Chapter 1 to illustrate the poet's
consistency of design and to prove him a craftsman of the
visual arts.
In the first division, "Cinematic progression," attention
is directed to the language which conveys movement and
frequentative action, with special emphasis placed on
specific passages whose verbal components possess
sculptural or third-dimensional traits and contribute to
the "spiral" and "circle" motifs, the appropriate visual
agents for animation.
Depiction of mythological subjects comprises the second
division entitled "Cameos and snapshots." Three
selections, dubbed monstra, are explicated with such
cross references as to illustrate the poet's use of
epithets which he distributes passim to elicit verbal
echoes of other passages.
The final division, "The Vergilian landscape," addresses
two major themes, antithetical in nature, the martial and
the pastoral. Their sequential juxtaposition in the text
renders a marked contrast in mood which is manifested
pictorially in the transition from darkness to light. A
panoramic chiaroscuro emerges which is the tapestry
against which Aeneas makes his sojourn through the
Underworld. It is the perfect backdrop to accompany the
overriding theme of "things hidden," res latentes, which
encompasses a greater part of the epic and becomes the
culminant motif of the paintings which comprise the
visual presentation.
Chapter 2 functions as a catalogue raisonne for art
inspired by the Aeneid from early antiquity up to the
present day. Such examples of artistic expression
provide a continuum with which to appropriate Horace's
maxim, ut pictura poesis, in their evaluation.
The verbal exegeses in Chapter 1 have been programmed to
comport with the thematic content of the visual
presentation in Chapter 3, a critique exemplifying the
transposition of the verbal to the pictorial. With these
canvases I have attempted to render a new perspective of
Vergil's epic in the genre of abstract expressionism. / Art / D. Litt. et Phil.
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Transgenic art and science in Eduardo Kac’s work: ethical issues acknowledgedErasmus, Megan 02 1900 (has links)
Text in English / The rise of the biotechnical and genomic revolution has motivated contemporary artists to explore the use of scientific methods as a medium for art-making. The application of these ground-breaking methods within the realm of contemporary art allows for the distortion that exists between life sciences and the imagination to become a reality. This practice is known as transgenic art. With biotechnology as the new playing-field for art comes a myriad of dangerous implications, ethical issues, questions of authorship and responsibilities. The transgenic artworks of Eduardo Kac entitled GFP Bunny (2000) and Genesis (1999) form the basis of the research. The main question posed in this research explores the purpose of transgenic art and the unavoidable impact thereof on society. Social awareness of ethical issues surrounding this type of art-making is addressed. The poignancy of the study lies in debates deliberately introduced by the artist, but also unintended controversial issues that surface from the creation of living artworks. / Art History, Visual Arts and Musicology / M.A. (Visual Arts)
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Le roman sentimental: productions contemporaines et pratiques de lectureOlivier, Séverine 16 November 2009 (has links)
Etiqueté péjorativement « roman à l’eau de rose », le roman sentimental, critiqué et plutôt méconnu, est pourtant un genre paralittéraire à succès. Bien qu’inspirant mépris et indifférence, cette production et son lectorat francophone méritent dès lors qu’on s’y attarde. Produit emblématique de la culture médiatique, le roman sentimental représente en effet un indicateur de mutations culturelles d’importance. Articulée en deux temps, notre analyse se centre, d’une part, sur les spécificités de cette production et, d’autre part, sur son lectorat francophone. L’examen du roman sentimental sous l’angle textuel, éditorial et auctorial est donc couplé à une enquête qualitative basée sur un ensemble d’entretiens semi-directifs visant à circonscrire les pratiques du lectorat, à éclaircir les motifs à la base de la lecture sentimentale et à déterminer sa fonction principale. / Doctorat en Langues et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Escaping the labyrinth of deception: a postcolonial approach to Margaret Atwood's novelsKerskens, Christel 18 April 2007 (has links)
La thèse propose une lecture postcoloniale des romans de Margaret Atwood s'articulant sur le thème du mensonge. A travers l'étude de six aspets communs aux romans (l'intertextualité, le mensonge, le réalisme magique, le "trickster", l'hybridité et la quête), la thèse démontre l'importance du motif du mensonge dans une lecture postcoloniale de l'auteur.<p><p>The thesis produces a postcolonial reading of Margaret Atwood's novels, based on the concept of deception. Articulated on six major elements of analysis (intertextual parody, deception, magic realism, trickster figures, hybridity, and quest pattern, the thesis shows how Margaret Atwood's novels can be read from a postcolonial point of view, within which the motif of deception plays a central role. / Doctorat en philosophie et lettres, Orientation langue et littérature / info:eu-repo/semantics/nonPublished
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