Esta tesis parte de las hipótesis de que es posible mejorar las herramientas funcionales de soporte del diseño conceptual representando el conocimiento de manera más flexible e interactiva a como lo hacen los actuales modelos funcionales de síntesis explotando el marco función, comportamiento y estructura (FBS), se facilita la formación, manipulación y almacenamiento de alternativas diseño.La tesis propone un modelo computacional que mejora la exploración del conocimiento ampliando las opciones de búsqueda de soluciones, aumenta la interacción con el diseñador durante la síntesis y representa las intenciones del diseñador con un lenguaje más cercano al usuario y evitando ambigüedades. La tesis define un modelo funcional de síntesis centrado en el usuario que considera cinco niveles de abstracción y múltiples relaciones entre estos niveles. El documento describe la implementación del mismo en una herramienta informática piloto que se ha aplicado, como caso de estudio, al diseño de mobiliario de oficinas.

El tema de esta tesis es la producción del grupo inglés Archigram, constituido por Peter Cook (1936), Warren Chalk (1927-1987), Ron Herron (1930-1994), Dennis Crompton (1935), Michael Webb (1937) y David Greene (1937), articulado alrededor a la revista homónima publicada en Londres entre 1961 y 1974 (diez números). Dicha producción por lo tanto no consiste en obras construidas, pero en el conjunto de los proyectos, dibujos y textos desarrollados en estos años por los miembros del grupo, individual o colectivamente, en su mayor parte condensados en la revista.Esta tesis parte del principio de que el interés en precisar la contribución de Archigram a la cultura arquitectónica debe ir más allá de probar su relativa continuidad en propuestas recientes de las corrientes tecnológicas, como suele considerarse. Se propone que, por los medios particulares del proyecto, Archigram ha logrado producir una crítica a la cultura arquitectónica vigente en su época, que terminó por envolver una reflexión sobre la relación entre arquitectura y técnica en el contexto de los años sesenta. Esta crítica, aunque arrancando de una posición tecnológicamente determinista, ha ejecutado un programa de acción que actuaba a través de la ficción y de la fantasía, incorporando flexiblemente un marco teórico e intelectual externo a los discursos estrictamente arquitectónicos, que se intentó identificar y clarificar.Junto a otras iniciativas del mismo período, Archigram promovió una crítica al modernismo institucionalizado del postguerra por no reconocer la emergencia de nuevas realidades sociales, identificadas con la explosión y diversificación del consumo de masas, el impacto de las tecnologías de la automación y de la comunicación, la reestructuración del capitalismo fordista y el paso incipiente de una cultura predominantemente industrial a una cultura electrónica. En esta tesis se pretende demostrar que por medio de unas propuestas de carácter más bien experimental, Archigram ha logrado construir una especie de narrativa de ficción a través del proyecto arquitectónico, desde una diversidad de autores (los seis miembros del grupo), temas, enredos y personajes. Fue a través de esta narrativa que Archigram articuló un discurso arquitectónico, propuesto como un discurso crítico con respecto a un discurso disciplinar genérico. Esta narrativa, que en esta tesis se propone entender como una fábula de la técnica, se fue desarrollando mediante la articulación de unas pautas en concreto, cuyo eje principal es la relación entre tecnología y arquitectura, y que están muy relacionadas con la emergencia de estas nuevas circunstancias económicas, culturales y técnicas. De los temas del consumo y de la obsolescencia presentes en las estrategias plug-in, de la movilidad mecánica y del nomadismo, Archigram llega al tema de las tecnologías de la automación y de la comunicación, que llevaría al planteamiento de una situación límite entre tecnología y materialidad arquitectónica, traducida en la proposición de una arquitectura de la ausencia.Esta tesis sustenta que estos proyectos, más que traducción directa de necesidades técnicas irreversibles, fueran intentos conscientes de producir una representación de la técnica. Los pasos de esta narrativa, entre la lógica secuencial y mecánica de Plug-in City y la simultaneidad electrónicamente producida de Computer City, son indicativos de la transformación en el carácter y en la percepción de la tecnología cuando esta deja de estar identificada exclusivamente con artefactos concretos, como la máquina, y pasa a identificarse, cada vez más, con sistemas y procesos potencialmente abstractos y ubicuos de control, como los sistemas de información y comunicación. Así, se intentó demostrar que, desde su visión optimista y colorista, y solo aparentemente poco crítica, la producción de Archigram fue un relato sintético y elocuente de las reestructuraciones económicas y sociales que cristalizan en el contexto de los años sesenta, con el paso del mundo estable del fordismo y de las cadenas de montaje a la condición de entropía y simultaneidad identificada por la metáfora de la aldea global de McLuhan. / The theme of this thesis is the work of the British group Archigram, composed by Peter Cook (1936), Warren Chalk (1927-1987), Ron Herron (1930-1994), Dennis Crompton (1935), Michael Webb (1937), and David Greene (1937) in the early sixties. The group merged around the homonymous magazine, published in London between 1961 and 1974 (ten issues), which showed most of the drawings and articles signed by its six members. This work is not about built architecture, but ideas, projects and architectural propositions.The thesis assumes that searching into the meaning of Archigram's work in order to establish the group's contribution to architectural culture must go beyond proving the alleged continuity between the group's work in the sixties and the so called high-tech architecture in the nineties, as usually considered. This approach to Archigram's work sustains that from the early sixties until 1974 Archigram generated a whole critical vision addressed to the architectural culture's mainstream of its time, and that is the point that must be reassessed and discussed.Besides other enterprises of its time, Archigram promoted a critical view over institutionalised post-war modernism for not being able to recognise the emergence of new social realities, identified with mass consumption, the new technologies of automation and information, the restructuring of capitalist fordism and the shift from a predominantly industrial culture to an electronic culture. This thesis proposes that Archigram, by means of experimental designs, projects and drawings, achieved a special contribution to architectural culture, that does not have to do strictly with built architecture. What Archigram actually constructed was a kind of fiction narrative, which evolved from the many projects and drawings proposed by the group, collectively or individually, from a diversity of authors (the six members of the group), themes, plots and even characters, as Warren Chalk's consumer, Michael Webb's nomad, David Greene's electric aborigine. It was through this narrative that Archigram articulated an architectural discourse, proposed as a critical discourse related to the general disciplinary discourse. This narrative, that the thesis invites to understand as a fable of technology, was unfolded according to specific themes, whose pivotal question was the relation between technology and architecture, and which was also related with the emergence of these new economic, cultural and technical circumstances. Starting from the controversies of mass consumption and expendability, going through the issues of mechanical mobility and nomadism, Archigram moved toward the automation and information technologies, discussing the boundaries between technology and architectonic materiality.This thesis sustains that more than a direct translation of unquestionable technical necessities, Archigram's projects were conscious attempts of producing a sort of representation of technology. The steps of this narrative, from the highly sequential and mechanical logic of Peter Cook's Plug-in City to the electronically generated simultaneity of Dennis Crompton's Computer City, clearly demonstrate the actual change in the character of technology. It is no longer primarily identified with artefacts and objects, as the machine, and seems to be progressively identified with abstract and ubiquitous systems and processes of control, as automation and information systems. So, from an optimist and colourist point of view, just apparently a-critical, Archigram's work was a synthetic and eloquent account of the economic and social restructuring which crystallises in the context of the sixties, when the much more stable world of capitalist fordism and assemblage lines gives way to the condition of entropy and simultaneity addressed by McLuhan's metaphor of the global village.

El treball parteix de la idea que l'arquitectura és essencialment geomètrica i vol demostrar que el coneixement de la geometria és imprescindible per a arribar a fer una obra d'arquitectura.S'estudien uns 30 exemples que tenen algun cas de forma de transició. És a dir elements la forma dels quals és la conseqüència de construir una figura que es transforma des d'un extrem a l'altre canviant el seu perfil de manera continua. Com per exemple pilars que tenen una base diferent del seu capitell, o voladius que varien la seva secció. Com a conseqüència d'això apareixen superfícies amb unes característiques geomètriques peculiars, que poden ajudar a l'objectiu de l'obra o poden entorpir la seva construcció. El coneixement en profunditat d'aquestes superfícies és imprescindible per que l'obra es pugui construir de manera raonable.Els exemples han estat estudiats des de tots els punts de vista que s'ha cregut interessant per a comprendre el perquè de la seva forma. Després s'ha estudiat en detall, fins a l'últim aspecte geomètric i constructiu, com es volia la seva forma, com s'ha comprès i com s'ha acabat construint.El focus d'atenció ha estat deliberadament centrat en l'arquitectura de les formes corbes i on més exemples de transició he trobat ha estat en l'arquitectura de formigó dels anys 1950', una arquitectura de formes toves amb una estreta i poc evident relació amb la construcció de vaixells.La connexió entre la forma pensada i la forma construïda es dona en el dibuix per que es regeix per les mateixes lleis que la construcció. Les formes corbes obliguen a un coneixement elevat de geometria que posa en condicions de treballar còmodament amb elements tridimensionals i per això cal no apartar aquesta docència dels plans d'estudis de les escoles d'arquitectura (sempre que es pretengui que sigui l'arquitecte qui controli la construcció d'edificis que confien en la forma la seva capacitat expressiva).

Principen om fullt skadestånd utgör utgångspunkten vad gäller beräkning av skadestånd som uppkommer med anledning av kontraktsbrott. Ett skadestånds omfattning begränsas dock på olika sätt genom olika skadeståndsbegränsande metoder. Några skadeståndsbegränsande metoder som gäller enligt dispositiv rätt är adekvansläran, köplagens indelning av skador i direkta och indirekta sådana samt förutsebarhetsformeln i United Nations Convention on Contracts for the International Sale of Goods, Vienna 1980. Syftet med den här uppsatsen är att analysera vilken eller vilka av de nämnda skadeståndsbegränsande metoderna som bäst kan anses motsvara målen med att skadeståndsskyldighet för parter i kommersiella köpeavtal över huvud taget begränsas. Den av Jan Hellner anförda målanalysen används för att identifiera de i rättskällorna nedlagda ultimära målen, annorlunda uttryckt syftena eller anledningarna, med att skadeståndsskyldighet ska begränsas. De identifierade ultimära målen utgörs av ett mål om att uppnå en ekonomiskt effektiv riskfördelning, ett mål om att åstadkomma jämställdhet mellan avtalsparter samt ett mål om att eftersträva största möjliga rättssäkerhet. Den av de analyserade skadeståndsbegränsande metoderna som bäst motsvarar de identifierade ultimära målen är förutsebarhetformeln. Att förutsebarhetsformeln är den metod som bäst motsvarar de ultimära målen har i grund och botten att göra med att metoden är den av de analyserade metoderna som begränsar en avtalsparts skadeståndsskyldighet i störst omfattning.

The aim of the thesis is to clarify the methodology of the original institutional economics and then to evaluate the current attempts to utilize critical realism as a superior methodology for it. After sketching the historical background of the discussions surrounding methodology of science and 19th century economic methodology, the thesis separately analyses the methodology of institutional economics and critical realist stance in the philosophy of science. A critical discussion of the subject matter reaches to the conclusion that critical realism does not offer a better methodology for institutional economics.

Approaches on transfer of technology to developing countries within the development discourse are discussed in historical perspective and determinants of disembodied technology transfer of Turkish manufacturing industries are analyzed via enterprise-level data and microeconometric methods. While firm size, general skill level, export behaviour, capital intensity have significant effect of technology transfer decision of the firm, foreign ownership does not. Sectoral characteristics&rsquo / effects are also statistically significant.

This thesis investigates the effects of ICT on economic growth in Turkey and other OECD member countries. After discussing the theoretical relationships between ICT usage and economic growth, we test the positive impact of ICT revolution on economic growth econometrically. In the empirical part of the study, we perform panel data analyses by employing data sets that belong to 30 OECD member countries for 1999-2008 period as well as carrying out time series analyses for only Turkey by using data between 1980 and 2009. We find out that ICT usage and production have a positive significant effect on economic growth in OECD case. However, due to some methodological difficulties and insufficiency of critical mass regarding ICT area and complementary physical and social infrastructures in Turkey, we cannot find any significant relationship between ICT and economic growth for Turkish case.

Desde la esfera de las Bellas Artes, las emociones manifestadas por el ser humano han sido un territorio complejo y de gran interés. Prueba de ello, lo tenemos con los estudios de dibujantes, anatomistas y fisiólogos desde el siglo XV hasta nuestros días. En nuestro ámbito, tenemos constancia de muchos estudios y tratados interdisciplinares que intentan codificar y entender desde lo más objetivo el análisis de las emociones. En este proyecto de investigación doctoral, pretendemos analizar exhaustivamente desde el dibujo, un método que proviene del ámbito de la psicología y que creemos que necesita ser ilustrado gráficamente para comprobar su utilidad en el campo de las bellas artes y su aplicación en la creación artística. El planteamiento de esta tesis gira en torno al estudio desde el dibujo de las expresiones faciales de las emociones. Partimos del presupuesto de que la representación gráfico-plástica de las expresiones faciales de emociones discretas puede ser concretada a través de procedimientos, metodologías o sistemas precisos y fiables, que faciliten el aprendizaje y la comprensión de los mecanismos del movimiento facial. Nos proponemos, por tanto, revisar y adecuar la cuestión; asociar y aplicar las investigaciones y estudios actuales, sobre todo del campo de la psicología y antropología, que proporcionan técnicas y métodos válidos; y de este modo verificar su pertinencia dentro de las bellas artes para su aplicación en la creación artística. Para ello, hemos establecido dos grandes fases de trabajo que están relacionadas con nuestros objetivos generales. En la primera, se realiza una revisión bibliográfica, descriptiva e histórica, donde hemos revisado diferentes investigaciones sobre la emoción que validan seis emociones básicas; se han explorado los estudios sobre el lenguaje no verbal, con la finalidad de establecer las conexiones entre los signos faciales rápidos producidos por los cambios musculares y su significado; y se aborda el estudio de la anatomía regional de la cara y cabeza y las relaciones entre anatomía y emoción. Con el propósito de conseguir un conjunto de dibujos válidos para la creación artística, establecemos como procedimiento de reducción el sistema de codificación facial denominado Facial Action Coding System (FACS), que permite analizar y situar los signos que caracterizan la emoción; y utilizamos el método veneciano antropométrico de dibujo como base anatómica. Se dibuja, construye y analiza la forma estructural de la cabeza y rostro a partir del método veneciano y, sobre esta estructura necesaria, se aplican los fundamentos mecánicos del FACS y se identifican las pautas de movimiento que intervienen en las expresiones faciales de la emoción. Tras la validación de las seis emociones básicas se presentan los resultados o el estudio gráfico-plástico basado en el FACS, que se corresponde con la segunda fase del trabajo, donde se analiza gráficamente la expresión y se presentan una serie de modelos útiles para la creación artística sustentados en sistemas y procedimientos actuales; nuestro objetivo principal al plantear el trabajo de investigación. El método de análisis que se ha creado desde el dibujo anatómico permite evitar el recurso de copia de imagen fotográfica o de otra fuente visual y proporciona herramientas suficientes para que el creativo pueda ahondar en los secretos de la percepción fisiognómica. Los procedimientos de reducción utilizados permiten estudiar gráficamente los cambios que caracterizan las emociones y facilitan el aprendizaje y la comprensión de los mecanismos del movimiento facial. Entendíamos que se trataba de trabajar de lo general a lo particular a partir de métodos deductivos, técnicas utilizadas en el presente estudio. La utilización del dibujo nos ha permitido eliminar la influencia de los signos faciales estáticos, lentos y artificiales mediante la representación de los elementos mínimos y necesarios para su configuración y abstraer las características generales de la emoción-expresión por encima de los signos faciales personales. Como conclusión, en este trabajo se pone de manifiesto la utilidad que supone asociar y aplicar los conocimientos y los avances en la investigación sobre comunicación no verbal al campo de las Bellas Artes y el Diseño, en general. Las investigaciones y estudios actuales proporcionan técnicas y métodos válidos, sobre todo en el campo de la psicología o antropología, para la representación gráfico-plástica de la expresión emocional del rostro que nos permiten actualizar, por tanto, la disciplina académica de la Anatomía Artística y Morfológica. / From the field of Fine Arts, the emotions expressed by humans have been a complex area of great interest. Actually, we have several studies coming from artists, anatomists and physiologists from the fifteenth century to the present day. In our field, we are aware of many interdisciplinary studies and treatises that attempt to codify and understand from the most objective way the analysis of emotions. In this doctoral research, we analyze comprehensively from the drawing, a method that comes from the field of psychology and that we believe needs to be illustrated graphically for assessing its utility in the field of fine arts and its application in artistic creation. The approach of this thesis revolves around the study of drawing facial expressions of basic emotions. We start from the assumption that the plastic-graphic representation of facial expressions of discrete emotions can be concretized through procedures, methodologies or accurate and reliable systems that facilitate learning and understanding of the facial movement mechanisms. Therefore, we intend to review and adapt the question; associating and applying current research and studies on the field of psychology and anthropology, which provide technical and valid methods, and thus verifying their relevance within the fine arts for the application in artistic creation. In order to do that, we have established two major phases of work that are related to our overall goals. In the first one, we made a descriptive and historical literature review. We reviewed various studies on emotion that validate six basic emotions; we also explored studies on nonverbal language, in order to establish connections between the rapid facial signals produced by muscle changes and their significance. We also addressed the study of regional anatomy of the face and head and the relationships between anatomy and emotion. In order to get a valid set of artistic creation, we set as a reduction procedure a coding system called the Facial Action Coding System (FACS) to analyze and locate signs that characterize the emotion drawings, and we use the Venetian anthropometric drawing method as anatomical basis. From the Venetian method, the structural shape of the head and face are drawn, builded, and analyzed. On this necessary structure, the mechanical foundations of FACS are applied, and movement patterns involved in facial expressions of emotion are identified. Once the validation of the six basic emotions has been done, we present the results or the graphic-plastic work based on the FACS, which corresponds to the second phase of the research. In this phase, we analyze the expression graphically, and present a number of useful models for artistic creation supported by systems and procedures: our main objective to raise this investigation. The method of analysis that has been created from the anatomical drawing avoids the use of the photographic image copy or other visual source, and provides sufficient tools for the creative can delve into the secrets of physiognomic perception. The reduction procedures used allow graphically studying the changes that characterize emotions and facilitate learning and understanding about the mechanisms of facial movement. We understood, as a way of work, a deductive approach: using techniques from the general to the particular. The use of the drawing has allowed eliminating the influence of facial static, slow and artificial signals through representing the minimum elements necessary for configuration, and abstracting the main characteristics of emotion-expression over the personal facial signs. In conclusion, this work demonstrates the utility of associating and apply, in general, knowledge and advances in research on nonverbal communication to the field of Fine Arts and Design. Current research and studies provide valid methods and techniques, especially in the field of psychology or anthropology, for graphic-plastic representation of the emotional facial expressions that allow updating, therefore the academic discipline of the Artistic and Morphologic Anatomy.

La acción cultural tiende a la performance, pues se afirma como una acción estética de formación compleja. En ella coexisten percepciones y bienes estéticos tangibles, los cuerpos, e intangibles, las emociones. La experiencia personal y grupal de formación adquiere sentido en las prácticas culturales e implica una revisión de las ideas de arte. Si mi educación personal involucró una didáctica del arte y una educación más amplia, formal e informal, el trabajo de grupo con el colectivo de intervención cultural y artística La Lleca se adscribe, más bien, a la militancia cultural feminista en ambiente mixto. La acción cultural es una práctica de humanización y desjerarquización de los roles sociales, básicamente performativa. La performance en La Lleca devela la experiencia personal y, por ende política, en el tiempo para lograr la liberación de las personas en ambientes de reclusión. La educación feminista de La Lleca la retoma como una práctica dilatada en el tiempo, instaurando una pedagogía radical de los afectos. Ésta se entiende como una acción educativa, que por su propio proceso es continua. Las relaciones interpersonales se reconstruyen en la manifestación de la afectividad y en la práctica de la pasión creativa como método de liberación. Para realizar sus acciones culturales, La Lleca utiliza los aportes feministas a la cultura del cuerpo autónomo y sostiene una posición educativa radical con la urgencia de-generar el amor. Sus acciones proponen una afectividad solidaria, bisexual, sin posesión. El pensar juntos y la acción colectiva son los dos momentos que propician el inicio de la acción cultural. El compromiso alimenta la intervención y concientiza la práctica. Como la vida, la acción cultural se adapta y transforma, se recompone y cambia en la finalidad de un bien entendido como liberación. 2 La narración de las vidas de las personas con quien se realiza toda acción cultural es una parte importante de la intervención. La narración devela el conocimiento al tiempo que lo construye, pues estructura la experiencia y le da forma a su sentido. La narración que se explicita en la historia de vida escuchada y en la autobiografía de artista se complementan, generando una crítica de los horizontes carcelarios y los discursos que los soportan. / Cultural action turns to performance to affirm itself as a complex aesthetic formation. Perception and aesthetic goods coexist within the performative, both concrete in form like bodies and nonconcrete Iike emotions. Personal and group educational experiences acquire their meaning in cultural practices and this implies a revision of our ideas about art. If my own education has involved pedagogy of art as well as an extended education, both formal and informal, my work in the cultural and artistic intervention collective La Lleca adds up to, we might say, to a cultural feminist militancy in a mixed environment. Cultural action is a humanizing activity and a practice that goes against a hierarchical order of social roles, which is basically performative. In La Lleca performance reveals personal and political experience, during the time it takes to achieve the liberation of incarcerated individuals. Feminist education in La Lleca takes up performance as an expanded practice in time, establishing a radical education of affect. We understand this as an educational action which, following its own process, is continuous. The interpersonal relationships constructed in the project are a manifestation of affect and the practice of creative passion as a liberatory method. To develop its cultural actions, La Lleca utilizes feminist approaches to bodily and personal autonomy and sustains a radical educative position combined with an urgency of "de-generating" love. The group's actions propose an affective, non-normative solidarity, one beyond possession. The process of thinking-in-common and collective action are the two moments that propitiate the beginning of cultural actions in La Lleca. These commitments feed the intervention and construct an ethics of the practice. Like life, the cultural action adapts and transforms itself, it recomposes and changes the aims of what we understand as liberation. The narrative ofthe lives ofthe people with which every cultural action takes place is an important part of the intervention. These narratives disclose knowledge at the same time they constructs it, since narration both structures the experience and gives form to its meaning. The narrative revealed in oral life histories and the autobiography of the artist become complementary, generating a critique of the prison system's horizons and the discourses that support it.

Investigación teórico-practica que surgió a partir de la necesidad que se observó de la carencia de material gráfico que permita la inclusión de las personas con ceguera al mundo de la imagen. Se procuró comprender el porqué la imagen se ha ido configurando sólo como una prerrogativa de los que tienen sano el sentido de la visión. Al introducirse en el mundo de la ceguera, se descubrió que la naturaleza icónica de los objetos no es tan sólo un recurso a percibir a través de los ojos, sino que también por el tacto. La búsqueda se centro en el espacio "no-visual", él que nos ha traído a la mano la demostración de que el «ver» de las personas que padecen ceguera no es una facultad que dependa de la luz, sino que de los objetos. De tal descubrimiento se deriva nuestra certeza de que el acto de "ver" no es una prerrogativa de la percepción visual, con lo cual inmediatamente se expanden, por lo menos en nuestro ámbito, los límites teóricos y productivos del diseño gráfico y de la comunicación del entorno visual. Se presenta una introducción a una teoría de la imagen táctil, su coherencia con la teoría general de la imagen y con algunas teorías de la percepción del mundo visual, especialmente en el marco de la biología y de las teorías del conocimiento que permiten dar una explicación científica al fenómeno del "ver con las manos". Se dan a conocer el estudio teórico y empírico que permitieron la elaboración tanto a nivel conceptual como práctico de un modelo o canon constructivo de la imagen táctil y de una naciente retórica del signo icónico táctil, que responden a las competencias propias de la modalidad háptica y del acto del conocer a través de las superficies de los objetos basado en la teoría de cálculo de Marr (ciencias cognitivas) y de la teoría ecológica de la percepción de Gibson. Además de obtener un marco teórico que sostiene la hipótesis de la preexistencia de la imagen táctil como un fenómeno icónico al servicio del conocimiento y la comunicación, se planteó un problema humano como un problema de diseño, en lo específico, una aproximación empírica al proceso de «traducción» de la información visual en un lenguaje gráfico táctil capaz de "graficar táctilmente" las propiedades espaciales de los objetos. La percepción del mundo visual por las personas con ceguera avala la tesis de la capacidad interpretativa del ser vivo en torno a la nueva mirada del fenómeno del conocer, demostrada en el operar biológico del organismo como totalidad, como una dificultad de "acoplamiento estructural" entre el sujeto y su medio cultural y no por la manifestación aislada de la representación visual, con énfasis en la Teoría del Conocimiento y desde los equipajes fisiológicos que cada ser humano posee, desde su «particular punto de vista». Un modo de aproximarse a las diferentes maneras como las personas, en este caso las personas con ceguera, acceden al fenómeno del conocimiento y en el cómo logran representarse los distintos escenarios con los cuales conviven diariamente. Finalmente se desarrollo un canon o modelo para la elaboración de las imágenes táctiles en el cual se formula un incipiente lenguaje representacional propio de la naturaleza táctil, con ello una sintaxis acorde a esta modalidad perceptual y una naciente retórica del signo icónico táctil. La propuesta incluye un modo de producción de matrices asistido por tecnología digital y la presentación de una nueva aplicación como producto final de las láminas para tocar. La investigación tiene resultados concretos que son asociables con las iniciativas europeas de Diseño para todos. / The theoretical and practical research is centered in the "non-visual," who has brought to us the demonstration that "See" for people who suffer from blindness it does not depend on the light, but the objects. From this discovery we know that the act of "seeing" is not a prerogative of visual perception, which immediately spread, at least in our area, the theoretical limits of graphic design and production and communication of visual environment.The investigation has strong evidence base, however the most significant is that from the experience of the blind embossed with the chart we approach a new reality for the image, along with creating a canon of construction of the tactile picture and recording semiology of an a tactile iconic symbol.This thesis provides an introduction to a theory of tactile image, their consistency with the general theory of the image and with some theories of visual perception of the world, especially in the context of biology and theories of knowledge that can be given an explanation science to the phenomenon of "see with their hands." There is awareness of the theoretical and empirical study that led to the development both conceptual and practical model of a canon of constructive tactile image of a nascent rhetoric of the iconic tactile sign that respond to the modality and haptic and the act of knowing through the surfaces of objects based on the theory of calculating Marr (cognitive sciences) and the ecological theory of perception of Gibson. The proposal includes a method of producing a matrix assisted by digital technology and the introduction of a new application as a final product of the slides to touch. The investigation has concrete results that are associated with the initiatives of European Design for All.