While the whole world is talking about China’s rise in wealth and power, most focus has been placed on understanding China’s present policies and future orientations. However, very little attention is devoted to examining how historical consciousness affects present China. People take for granted that the past—particularly the landmark traumas of the communist decades—is a far-reaching historical discontinuity, and that China’s profound changes in every aspect of society have rendered the past increasingly irrelevant. However, this thesis argues that this assumption is wrong. This thesis explores the ways that Chinese filmmakers rearticulate the historical traumas which continue to affect Chinese society in the post-WTO era. I will identify three historical traumas that feature prominently in the interplay between past and present. The first, revolution and modernization, occupies a hegemonic status in socialist history. The second historical trauma is the tradition and modernization entrenched in Chinese modern historiography. The third is the 1980s and post-1989 modernization that has found a voice in the period of reform and opening-up. I refer to and analyze a selection of films made by Chinese Fifth Generation filmmakers in the new century—Coming Home (Guilai, dir. Zhang Yimou, 2014), Together (He ni zai yiqi, dir. Chen Kaige, 2002), and The Founding of a Republic (Jianguo daye, dir. Han Sanping and Huang Jianxin, 2009)—to understand these historical traumas. To situate traumatic history in a broader Asian context, I will also offer comparative study of memory of World War II in postwar Japan by undertaking a close reading of Merry Christmas, Mr. Lawrence (Senjo no merii kurisumasu, dir. Nagisa Oshima, 1983). Employing a combination of methods, including textual analysis of films and institutional analysis of film industries, I will demonstrate that cinema finds innovative ways to engage the significant parts of national history and to generate remembrance and interpretation. Rather than reducing the Fifth Generation’s filmmaking trends in the new millennium to simplified government-appeasing or commercialization, this thesis emphasizes an understanding of their recollection of history, memory and trauma in a broader sociopolitical, economic, and cultural context. It shows how various factors—including the government’s cultural policy, economic transformation, and individual and generational sentiments—have influenced and shaped the historical discourses at specific historical moments. While affirming the significant role these films have played in keeping collective memories alive in the public sphere, this thesis also calls attention to their limitations, such as the problematic nostalgia for the Cultural Revolution, as well as the escapist imagination of cultural heritage and traditional values. / Graduate

Cinemas of Endurance begins by questioning the way in which critics and scholars have addressed art cinema over the last decade, specifically the films referred to as “slow cinema.” These films have garnered widespread attention since the start of the 21st century for how they deploy what many believe to be anachronistic and redundant formal techniques, often discussed in terms of nostalgia and pastiche. This dissertation argues that these films have been unfairly couched within this discourse that largely judges their validity based on their stylistic similarities to the art cinema of the 1960s and 1970s. Breaking from this direction, this project proposes we take these films and their aesthetic seriously, not for stubbornly refuting the prevailing formal trends in filmmaking, but for how it creates a critical optic that grants us a greater capacity to recognize some of the most prevailing social, political, and economic issues of the last decade. Further, by using stylistic techniques that can often register as out of place, or protracted, these films can help us to understand the way our physical, mental, and affective coordinates have shifted in this historical moment. Each chapter of this dissertation takes an exemplary film from this subset of art cinema and addresses how the aesthetic works against established modes of viewing to render visible modalities of life that often escape critical ire because they are expected. This project relies on the theories and methodologies of film and media studies, aesthetic theory, realism, materialism, accelerationism, cultural studies, continental philosophy, and political philosophy. The films and filmmakers analyzed include: The Limits of Control (2009), dir. Jim Jarmusch; Ossos (1997), In Vanda’s Room (2000), and Colossal Youth (2006), dir. Pedro Costa; Dogville (2003), dir. Lars von Trier; and, 2046 (2004), dir. Wong Kar-wai.

Orientador: Antonio Fernando da Conceição Passos / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-03T15:39:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bigareli_MariaSilvia_M.pdf: 7486784 bytes, checksum: e66a34cf6b3786296c5d3bbc4f6056e8 (MD5) Previous issue date: 2003 / Resumo: Esta dissertação tem como principal objetivo realizar uma leitura das personagens femininas em Almodóvar: suas principais características, pensamentos, atitudes, modos de se relacionar com as emoções, com os homens, com a sexualidade.Tendo como principal material de análise a observação da filmografia, as personagens que se tornaram ícones em sua obra são destacadas e selecionadas como retratos, pontos de partida para nossa observação, e relacionadas com padrões universais e arquetípicos femininos através de figuras míticas, em seu predomínio procedentes da mitologia grega. Dentre a filmografia nosso objeto de estudo abordará somente o período correspondente às obras de longa metragem do diretor, abrangendo a década de oitenta, em que inicia sua carreira, até a época atual (2002). Os referenciais teóricos utilizados procedem dos estudos sobre a cinematografia e biografia de Almodóvar e sobre a figuração feminina, principalmente extraídos de estudos de psicologia analítica e mitologia / Abstract: Not informed. / Mestrado / Mestre em Multimeios

Orientador: Carlos Eduardo Albuquerque Miranda / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-08-27T13:16:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lanza_Renata_D.pdf: 6099237 bytes, checksum: 8362c42f7f8ed942896bc17f84742327 (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: Esta pesquisa implica intervenções com a arte cinematográfica em escolas da Rede Municipal de Ensino de Campinas, envolvendo alunos dos anos finais do ensino fundamental (6°, 7° e 8° anos) com o propósito de estabelecer um encontro entre a Educação e o Cinema como Arte na Escola, bem como as possíveis ressonâncias desse encontro para os seres envolvidos. Para tanto, objetivou-se articular a prática escolar com as práticas socioculturais do ver, do criar e inventar filmes. Articulações que chamamos de Práticas Exploratórias. Assim, o leque de ações dessa intervenção baseou-se numa constante alteração entre o ver, o explorar, o experimentar, o criar, o inventar e o aprender com a criação cinematográfica. Para pensar as dimensões possíveis do Cinema como Arte no campo da Educação, enquanto potencializador de gesto de criação, saberes e aprendizagens para si e para os outros, recorreu-se a diversos autores, dentre eles, Alain Bergala, Adriana Fresquet e Milton de Almeida. O método de pesquisa-intervenção foi a inspiração metodológica para entender a atuação da pesquisadora enquanto professora de Matemática em um plano de experimentação de cinema na escola. Crê-se que trabalhar com cinema nessa perspectiva é operar na transversalidade de um plano de experimentação, "trans"formando professores e alunos pela / para arte, criação e invenção de saberes e conhecimentos / Abstract: This research implied on interventions through cinematic art in Campinas¿ Municipal public schools, and involved elementary schools' students (6th, 7th grades and 8th). It had the purpose of promoting an encounter between education and cinema as an art at school and the possible consequences of this encounter for the participants. In order to do so, this research aimed to articulate the school practices with the socio-cultural practices of seeing, creating and inventing movies. These articulations are denominated Exploratory Practices. Therefore, the different actions of this intervention were based on a constant variation of seeing, exploring, experimenting, creating, inventing and learning through cinematic creation. In order to reflect about the possible dimensions of cinema as an art in Education field, gesture of creation, as knowledge and learning enhancer to the students themselves and to other people, we based our research in many authors, such as Alain Bergala, Adriana Fresquet and Milton de Almeida. A research-intervention method was the methodological inspiration to comprehend our practice as a Math teacher in a cinema experiment at school. We believe that using cinema in this perspective means to operate transversally in an experimental stage, "trans"forming teachers and students for/through art, creation and invention of knowledge / Doutorado / Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte / Doutora em Educação

Orientador: Marcius César Soares Freire / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-27T13:45:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Araujo_JulianoJosede_D.pdf: 16332564 bytes, checksum: f98c8578603358e2a303c0790db93366 (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: Criado em 1986 pelo indigenista e documentarista Vincent Carelli, o projeto Vídeo nas Aldeias (VNA) objetiva fortalecer as identidades, patrimônios culturais e territoriais dos povos indígenas através dos recursos audiovisuais. O VNA atua como uma escola de cinema para os povos indígenas brasileiros por meio de oficinas de formação em audiovisual realizadas nas aldeias e na sede do projeto, em Olinda, no estado de Pernambuco. Desempenha também um papel fundamental como entidade responsável pela captação de recursos, produção e distribuição dos documentários. Nesse contexto, esta pesquisa analisa 28 documentários da série "Cineastas indígenas" realizados entre 1999 e 2011 no âmbito do projeto VNA. Trata-se de seis curtas-metragens e 22 médias-metragens de cineastas indígenas das etnias Ashaninka, Huni Kui, Kisedje, Kuikuiro, Mbya-Guarani, Panará e Xavante. Essa produção audiovisual de não-ficção é considerada como uma prática de autoetnografia no documentário, à medida que ao conceder a câmera para os indígenas lhes é permitido o que dizer, quando, onde e como filmar, a partir de uma perspectiva interna, na qual eles apresentam suas aldeias, seu cotidiano, sua história, suas festas e rituais, como também os problemas sociais que enfrentam. Nesse sentido, a tese propõe a categoria de documentário autoetnográfico para o corpus analisado, tendo como questões norteadoras: Quais são os procedimentos de criação, métodos de trabalho e condições de realização dos documentários autoetnográficos do projeto VNA? E as posturas éticas, opções estéticas e técnicas neles presentes? Qual a importância desses filmes para as comunidades indígenas que deles participam? Com que finalidade eles são realizados? A partir da análise fílmica, em uma perspectiva textual e contextual, isto é, estabelecendo um diálogo entre elementos internos (imagem, som etc.) e externos dos documentários (entrevistas com realizadores indígenas, equipe do VNA, sujeitos filmados, conceitos das teorias do cinema antropológico e documentário etc.), apresenta-se o estudo do corpus enfatizando, respectivamente, as dimensões ética, estética e política da produção audiovisual de não-ficção do projeto VNA. Considera-se essas três dimensões do discurso fílmico como fundamentais para se compreender melhor a categoria de documentário autoetnográfico que, para além de um conceito dos estudos pós-coloniais, acredita-se constituir em uma tomada de posição e reflexão do campo do cinema diante dos filmes dos realizadores indígenas. A análise dos documentários autoetnográficos do projeto VNA revela: um processo de realização cinematográfica (preparação, filmagem e montagem) no qual a autoria é compartilhada, sendo a ética um elemento presente em todas as etapas; o emprego e a modulação de diferentes gestos estéticos com uma forte influência dos cinemas direto/verdade, mas também questões que emergem com força na produção audiovisual de não-ficção contemporânea, como a encenação e o uso das imagens de arquivo; o papel político desempenhado pelos documentários, tendo em vista que se direcionam aos espectadores não-indígenas, seus enunciatários, para discutir a relação entre história oficial versus história não-oficial, a identidade e cultura indígenas, ou ainda para denunciar, reivindicar e lhes dar visibilidade / Abstract: Created in 1986 by the indigenist and documentary filmmaker Vincent Carelli, the project Vídeo nas Aldeias ¿ VNA (Video in the Villages) aims at reinforcing the identities, cultural and territorial patrimonies of indigenous peoples by means of audiovisual resources. VNA works as a cinema school and provides Brazilian indigenous peoples with workshops on audiovisual production, both in the villages and at the project headquarters, located in the city of Olinda, in the state of Pernambuco. It also plays a fundamental role as the responsible entity for the fundraising, production and distribution of documentaries. In this context, this research analyzes 28 documentaries from "Indigenous Filmmakers", a series produced by VNA from 1999 to 2011. This set of documentaries includes 6 short films and 22 medium-length films by indigenous filmmakers of the ethnic groups Ashaninka, Huni Kui, Kisedje, Kuikuiro, Mbya-Guarani, Panará, and Xavante. This nonfiction audiovisual production is seen as a practice of autoethnography inside the documentary: once the Indians are provided with cameras, they are also allowed to decide what to say, when, where and how to shoot. From an inner perspective, they present their villages, their daily life, their histories, their rituals and traditional events, as well as the social problems they face. That being said, this dissertation argues that the corpus analyzed in this work fit into the category of autoethnographic documentary and presents the following questions: What are the creation procedures, working methods and realization conditions involved in the production of VNA¿s autoethnographic documentaries? And what are the ethical stances, the aesthetic and the technical options presented by them? What is the importance of these films for the indigenous communities that take part in them? For what purpose are they made? The study of the corpus is based on filmic analysis, from textual and contextual perspectives, that is, establishing a dialogue between internal (image, sound etc.) and external (interviews with indigenous filmmakers, the VNA¿s staff, the filmed subjects, concepts from the anthropological cinema and documentary film theories etc.) elements of the documentaries. It also underscores the ethical, aesthetical and political dimension of VNA¿s nonfiction audiovisual production. These three dimensions of the filmic discourse are seen as fundamental for a better comprehension of the autoethnographic documentary ¿ a category which is not only a concept from the postcolonial studies, but also a way through which cinema takes a stance and reflects on the production of indigenous filmmakers. The analysis of VNA¿s autoethnographic documentaries reveals: a filmmaking process (preparation, filmmaking and montage) in which authorship is shared and the ethics an element present in all these steps; the employment and modulation of different aesthetic gestures, a strong influence from the direct cinema/cinéma vérité, alongside issues that emerge with force in the contemporary nonfiction audiovisual production, such as the staging and the use of archival footage; the political role played by the documentaries, since they are addressed to the non-indigenous public in order to discuss the relation between official and unofficial history, indigenous identity and culture, or even to denounce, claim and give visibility to indigenous peoples / Doutorado / Multimeios / Doutor em Multimeios

Orientador: Gilberto Alexandre Sobrinho / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-27T22:55:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ishii_RegianeAkemi_M.pdf: 6759325 bytes, checksum: 58e1d65d408f67ebcc4a99ad2a50af31 (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: Este trabalho propõe a análise de investimentos espaciais e processos de significação em filmes realizados em Tóquio por diretores não japoneses, na década de 2000. Nosso interesse recai sobre a relação entre cinema e cidade, tomando como principal aporte teórico as ideias de Giuliana Bruno, em Atlas of Emotion ¿ Journeys in Art, Architecture, and Film (2007). Assim, debruçamo-nos sobre as jornadas singulares dos títulos selecionados, analisando como cada filme, ao tomar como ponto de partida o espaço real de Tóquio, atualiza um novo espaço fílmico. Evidenciando as marcas de enunciação destes filmes, também investigamos como o espectador é convocado a confrontar uma emoção geográfica. No início, refletimos sobre a ligação entre o cinema, a arquitetura e a viagem, e fazemos um breve histórico de títulos que se dedicaram a filmar Tóquio. Em seguida, são analisados os três filmes que compõem o corpus da pesquisa: Encontros e Desencontros (Lost in Translation, 2003), de Sofia Coppola, Babel (2006), de Alejandro González Iñarritu, e Enter the Void (2009), de Gaspar Noé / Abstract: This work proposes the analysis of spatial investments and processes of meaning in films made in Tokyo by non-Japanese directors, in the 2000s. Our interest is focused on the relationship between cinema and city, taking as main theoretical contribution the ideas of Giuliana Bruno in Atlas of Emotion - Journeys in Art, Architecture, and Film (2007). Thus, we address to the singular journeys of selected titles, analyzing how each film, by taking as starting point the real space of Tokyo, updates a new filmic space. Having as evidence the marks of enunciation of these films, we also investigate how the viewer is called upon to confront a geographic emotion. At first, we reflect on the link between cinema, architecture and travel, and do a brief historical review of titles that were dedicated to film Tokyo. Then, the three films that make up the corpus of the research are analyzed: Lost in Translation (2003), by Sofia Coppola, Babel (2006), by Alejandro González Iñarritu, and Enter the Void (2009), by Gaspar Noé / Mestrado / Artes Visuais / Mestra em Artes Visuais

O objetivo deste trabalho é a investigação de um dos aspectos menos conhecidos da trajetória do grupo Teatro Oficina: sua produção audiovisual. O cinema (compreendendo toda a produção audiovisual) é tomado como fio condutor para que entendamos o trabalho do \"Oficina\" na sua chamada fase subterrânea, período que compreende a suspensão das atividades do teatro na década de 1970 até a reconstrução do prédio e sua reabertura na década de 1990. Apesar da \"fase subterrânea\" ser considerada por parte da crítica como um período de esgotamento do grupo, é neste período que se dá a construção de um audacioso projeto cujas bases estão em outras linguagens como o cinema, a televisão, o vídeo e seus desdobramentos, tais como a transmissão de imagens e sons via Internet. A produção audiovisual em questão será considerada como uma espécie de \"diário\" do \"Oficina\", tomando de empréstimo a própria definição de seus realizadores, já que aí o grupo anota impressões, sentimentos, experiências e vestígios de um percurso. Nosso objetivo é, com base nos fragmentos deste \"diário\", tentar reconstituir os rumos da longa viagem empreendida pelo \"Oficina\" nesta fase. / In this work the goal is to analyze one of the least known aspects in the work of Oficina Theatre, its audiovisual production. The cinema (the audivisual production) is taken as the guide in order to understand the work of \"Oficina\" during its so called \"underground phase\", a period which starts in 1970´s, when the theatric activities are suspended until its build rebuilding and reopening in 1990´s. Notwithstanding this \"undergound phase\" is considered as an empty period, there is in this period the construction of an audacious project, grounded in another languages like cinema, television, video and its developments as simultaneous internet transmission. The audiovisual production shall be considerd as a kind of \"Oficina\'s \"diary\", using its accomplishers\' definition, therefore the \"group\" notes its impressions, feelings, experiences and remains of a journey. Our goal is, grounded in fragments of this diary, try to restore the rotes of a long trip that \"Oficina\" attempted during this phase.

Orientador: João Carlos Soares Zuin / Banca: Marcelo Santos / Banca: Mauro Luiz Rovai / Abstract: With the end of the Cold War there war many affirmations that peace would be the main characteristic of the new world order. Unfortunately, this was not what happened. Conflicts that were believed to be surpassed came back, like those of ethnic and religious motivation, besides that, new international actors became threats to international security - like those of international organized crime, international drug traffick and weapons and international terrorism. But it was with the terrorist attacks of 9/11 that the Western war effort and militarism became stronger to fight those threats. However, those efforts were performed based on the unilateral and unclear strategy named "War on Terror". This kind of strategy, for it's on motivation has not limits, neither in terms of space nor time. Among the weapons used in this war, besides the drones and tanks of war, we can include the products of the cultural industry. The 20th century is full of examples of the political uses of the cultural industry to promote the incentives of the masses in favor of war. The Second World War, for example, had the cultural industry and Propaganda as important means to manipulate the individual's inner drives to promote the total war. In the 21st century, the war strategies have altered significantly, however, something remains: the relationship between war and cultural industry. Being cinema historically the flagship of this industry, one of the most profitable products of the entertainment secto... (Complete abstract click electronic access below) / Resumo: Com o fim da Guerra Fria, muitos foram os discursos que afirmavam que a paz seria a marca da nova ordem mundial, infelizmente esse não foi o caso. Conflitos que se acreditavam estarem superados retornaram, como os de motivação étnica e religiosa, assim como surgiram novos atores que ameaçam a segurança internacional, como o crime organizado, o tráfico internacional de drogas e armas e o terrorismo internacional. Mas foi a partir dos ataques de 11 de setembro de 2001 que o esforço de guerra e o militarismo ocidental se acentuaram para combater essas ameaças, contudo, isso foi realizado de forma unilateral e com base em uma estratégia pouco clara denominada "Guerra ao Terror", uma guerra que por sua própria motivação, não tem limite espacial ou temporal, configurando-se, nesse sentido, como uma guerra global. Das armas utilizadas nessa guerra, além dos drones e dos tanques de guerra, também podemos incluir a mídia e a indústria cultural. O século XX é repleto de exemplos do uso político da indústria cultural para promover o direcionamento das massas e a favor de determinadas ideologias e da guerra. A Segunda Guerra Mundial, por exemplo, teve a indústria cultural e a Propaganda como meios importantíssimos para manipular as pulsões íntimas e direcionar os indivíduos em prol do esforço de guerra, promovendo a guerra total. No século XXI, a prática da guerra se alterou bastante, mas algo ainda se mantém: a relação da guerra com a indústria cultural. Sendo o cinema ... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Mestre

A group of Canadian films emerged in the 1980s and 1990s that has come to be known as the “Toronto New Wave” (TNW). Most scholarship regarding this “wave” considers the films usually identified with it not as an ideologically or aesthetically cohesive ensemble, but as a disparate mélange engendered by the merely coincidental socio-political, economic, and government policy circumstances that developed at the beginning of the 1980s. Critics who engage more robustly with the cinematic content of these films often make reference to a new global sensibility of the filmmakers and almost universally discuss the theme of urban social alienation that permeates the film narratives. However, the motif of urban social alienation is always understood by these critics as merely a theme in these films. These critics overlook or openly reject the possibility of what anarchist cultural studies refers to as philosophical praxis, an active effort to intervene in cultural meaning-making and to change dominant ideologies. Moreover, the urban alienation theme upon which so many of the TNW narratives trade seems to map very specifically onto more progressive understandings of the term “apocalypse” in the project of philosophical praxis. In the following dissertation, I will argue against the commonly held view that the films of the TNW do not share any significant aesthetic or political unity. In doing so, I will make a case for the marriage of theories of apocalypse with both anarchist cultural philosophy and perception-based psychoanalytical theory as a means to understand a selection of films from within the TNW that I argue are particularly “anarchist-apocalyptic” in their cultural and political work. / Graduate / 2022-08-16

Orientador: Ana Maria Carlos / Banca: Wellington Ricardo Fiorucci / Banca: Altamir Botoso / Banca: Cleide Antonia Rapucci / Banca: Sérgio Augusto Zanoto / Resumo: A tese objetiva discutir as representações do feminino a partir das relações entre literatura e cinema em níveis práticos e teóricos das obras literárias de Henry James Washington Square, Daisy Miller e The Europeans e dos filmes homônimos de Agnieszka Holland, Peter Bogdanovich e James Ivory, respectivamente, tendo como ponto de partida as protagonistas Catherine Sloper, Daisy Miller e Eugenia Munster. Acreditamos que tais representações equivalem, no contexto das obras, a uma apropriação do olhar masculino - the male gaze - sobre o corpo feminino. Os signos do cinema hollywoodiano estão carregados de uma ideologia patriarcal que sustenta as estruturas sociais e constrói a mulher de uma maneira específica, refletindo as necessidades e o inconsciente patriarcal. A partir de uma leitura intersemiótica, que rejeita a noção de fidelidade e vê a obra alvo como uma tradução do texto de partida, propomos uma reflexão a respeito da identidade de gênero criada e veiculada sob uma ótica masculina. Para isso, além da teoria de tradução, nos apoiamos, como suporte teórico, na teoria feminista do cinema contemporâneo, que se preocupa em desmascarar as imagens, o signo da mulher, para ver como funcionam os significados adjacentes ao código fílmico / Abstract: This thesis aims to discuss the representations of the feminine concerning the relations between literature and cinema on practical and theoretical levels having as its basis Henry James's literary works Washington Square, Daisy Miller and The Europeans, as well their homonymous filmic versions made by Agnieszka Holland, Peter Bogdanovich and James Ivory, respectively, having as starting point the leading figures Catherine Slopes, Daisy Miller and Eugenia Munster. We believe that such representations correspond, in the context of the works, to an appropriation of the masculine glance - the male gaze - over the feminine body. The signs of Hollywood's film industry are loaded of a patriarchal ideology that sustains social structures and build woman in a specific manner, reproducting needs and patriarchal unconsciousness. Based on an intersemiotic reading, which refuses the idea of fidelity and sees the target work as a translation of the starting text, we propose a reflection about the gender identity created and conveyed in a male perspective. For that, beyond the translation theory, we have as a complementary theoretical support the feminist theory of the contemporary cinema which is concerned to unmask the images, the woman's sign, to see how the adjacent meanings to the filmic code works / Doutor