La présente thèse est une exploration du genre réaliste magique de la littérature contemporaine québécoise. Fondée sur quatre romans exhibant de manière saisissante des aspects du réalisme magique, informée par des ouvrages théoriques ainsi que des analyses de textes réalistes magiques séminaux, et éclairée par la sociocritique québécoise, cette étude vise à élucider le fonctionnement du genre et ses particularités dans la littérature québécoise de 1975 à l’époque actuelle. Pour mener ce travail, nous analysons: Les Enfants du sabbat d’Anne Hébert, Le Trou dans le mur de Michel Tremblay, L’Ombre de l’épervier de Noël Audet et La Tribu de François Barcelo. Chaque roman a été choisi afin de démontrer les modalités et les spécificités québécoises du genre. Le réalisme magique étant un terme dont les origines sont problématiques et variées, nous présentons d’abord un historique du genre. À la suite d’une présentation des concepts théoriques, nous identifions les caractéristiques principales du réalisme magique. Notre analyse des Enfants du sabbat met en lumière le rôle des codes antinomiques (le réel et le surnaturel) et quelques thèmes fondamentaux du réalisme magique propre au contexte de production. Nous nous penchons ensuite sur le personnage fantôme, un dispositif réaliste magique qui déclenche un commentaire sur le contexte social dans Le Trou dans le mur. Dans L’Ombre de l’épervier, en plus du personnage-écrivain qui s’impose dans la diégèse, tout un réseau de personnages est marqué par l’altérité notamment la figure de la femme et de la sorcière. La Tribu, dont les caractéristiques réalistes magiques sont incontestables, s’avère un roman ludique. Après une analyse du jeu onomastique, nous comparons La Tribu au roman de Gabriel García Márquez, Cien años de soledad. Dans un dernier temps, nous démontrons comment les multiples représentations de la femme et de l’oralité traversent l’ensemble du corpus tout en indexant des particularités du réalisme magique dans la littérature contemporaine québécoise.

La présente thèse est une exploration du genre réaliste magique de la littérature contemporaine québécoise. Fondée sur quatre romans exhibant de manière saisissante des aspects du réalisme magique, informée par des ouvrages théoriques ainsi que des analyses de textes réalistes magiques séminaux, et éclairée par la sociocritique québécoise, cette étude vise à élucider le fonctionnement du genre et ses particularités dans la littérature québécoise de 1975 à l’époque actuelle. Pour mener ce travail, nous analysons: Les Enfants du sabbat d’Anne Hébert, Le Trou dans le mur de Michel Tremblay, L’Ombre de l’épervier de Noël Audet et La Tribu de François Barcelo. Chaque roman a été choisi afin de démontrer les modalités et les spécificités québécoises du genre. Le réalisme magique étant un terme dont les origines sont problématiques et variées, nous présentons d’abord un historique du genre. À la suite d’une présentation des concepts théoriques, nous identifions les caractéristiques principales du réalisme magique. Notre analyse des Enfants du sabbat met en lumière le rôle des codes antinomiques (le réel et le surnaturel) et quelques thèmes fondamentaux du réalisme magique propre au contexte de production. Nous nous penchons ensuite sur le personnage fantôme, un dispositif réaliste magique qui déclenche un commentaire sur le contexte social dans Le Trou dans le mur. Dans L’Ombre de l’épervier, en plus du personnage-écrivain qui s’impose dans la diégèse, tout un réseau de personnages est marqué par l’altérité notamment la figure de la femme et de la sorcière. La Tribu, dont les caractéristiques réalistes magiques sont incontestables, s’avère un roman ludique. Après une analyse du jeu onomastique, nous comparons La Tribu au roman de Gabriel García Márquez, Cien años de soledad. Dans un dernier temps, nous démontrons comment les multiples représentations de la femme et de l’oralité traversent l’ensemble du corpus tout en indexant des particularités du réalisme magique dans la littérature contemporaine québécoise.

La présente thèse explore les représentations de la femme dans des récits orientalisants de sept auteurs français du XVIIIème siècle, classés par ordre alphabétique : Caylus, Crébillon, Diderot, Mme de Genlis, Hamilton, Montesquieu et Voltaire. Les chapitres analysent cinq types de femmes regroupées selon leur rôle narratif. Dans le chapitre premier, j’étudie les figures féminines orientales dans Zadig et La princesse de Babylone de Voltaire. J’y tiens compte de la façon dont la voix narrative perçoit les femmes dans ces récits et quelle place elle leur attribue dans la narration. Dans le chapitre deux, je me penche sur la représentation des Orientales voilées dans « Aphéridon et Astarté », un récit inséré dans Lettres persanes de Montesquieu, et dans Nourmahal de Mme de Genlis. Je considère la femme voilée comme un personnage Autre, je relève ses caractéristiques principales, j’examine son rôle narratif, et j’identifie la valeur significative de son voile. Dans le chapitre trois, je tiens compte des personnages féminins orientaux dans Fleur d’épine de Hamilton et « Ibrahim et Anaïs », un autre récit enchâssé dans les Lettres persanes. Je m’interroge sur le rôle de la femme qui est représentée dans une situation inverse, je considère la place qui lui est attribuée dans le texte et son influence sur les autres personnages du récit. Dans le chapitre quatre, j’analyse les femmes interlocutrices dans Le Sopha de Crébillon et Les Bijoux indiscrets de Diderot. J’étudie la voix féminine dans ces récits et ses interventions dans la narration. J’examine ensuite l’effet de cet engagement sur le fond et la forme du récit. Dans le cinquième et dernier chapitre, j’étudie les femmes dans les Contes orientaux de Caylus. J’explore les différentes fonctions qu’elles remplissent ; je distingue alors entre les narratrices et les femmes objets du discours. Je m’intéresse particulièrement à montrer comment les personnages féminins qui se chargent de la narration utilisent le récit pour influencer le narrataire.

La présente thèse explore les représentations de la femme dans des récits orientalisants de sept auteurs français du XVIIIème siècle, classés par ordre alphabétique : Caylus, Crébillon, Diderot, Mme de Genlis, Hamilton, Montesquieu et Voltaire. Les chapitres analysent cinq types de femmes regroupées selon leur rôle narratif. Dans le chapitre premier, j’étudie les figures féminines orientales dans Zadig et La princesse de Babylone de Voltaire. J’y tiens compte de la façon dont la voix narrative perçoit les femmes dans ces récits et quelle place elle leur attribue dans la narration. Dans le chapitre deux, je me penche sur la représentation des Orientales voilées dans « Aphéridon et Astarté », un récit inséré dans Lettres persanes de Montesquieu, et dans Nourmahal de Mme de Genlis. Je considère la femme voilée comme un personnage Autre, je relève ses caractéristiques principales, j’examine son rôle narratif, et j’identifie la valeur significative de son voile. Dans le chapitre trois, je tiens compte des personnages féminins orientaux dans Fleur d’épine de Hamilton et « Ibrahim et Anaïs », un autre récit enchâssé dans les Lettres persanes. Je m’interroge sur le rôle de la femme qui est représentée dans une situation inverse, je considère la place qui lui est attribuée dans le texte et son influence sur les autres personnages du récit. Dans le chapitre quatre, j’analyse les femmes interlocutrices dans Le Sopha de Crébillon et Les Bijoux indiscrets de Diderot. J’étudie la voix féminine dans ces récits et ses interventions dans la narration. J’examine ensuite l’effet de cet engagement sur le fond et la forme du récit. Dans le cinquième et dernier chapitre, j’étudie les femmes dans les Contes orientaux de Caylus. J’explore les différentes fonctions qu’elles remplissent ; je distingue alors entre les narratrices et les femmes objets du discours. Je m’intéresse particulièrement à montrer comment les personnages féminins qui se chargent de la narration utilisent le récit pour influencer le narrataire.

Feu est un recueil photo-textuel autofictionnel dans lequel j’ai revisité des souvenirs amoureux suite à un incendie qui a tout rasé. À travers de brefs épisodes, j’ai tâché de transmettre les différentes émotions éprouvées pendant le deuil et de mettre en avant mon obsession pour le feu et mon ancien compagnon. Le ressassement égocentrique de souvenirs amène à un profond mal-être, puis se résorbe un peu lorsque vient une ouverture aux autres, mais demeure inachevé. Les photographies servent à illustrer le texte, à donner une autre dimension à l’autobiographie. Elles participent aussi à l’exposition de la solitude. En plus de certains intertitres qui font un clin d’œil à l’œuvre de Sophie Calle, je me suis inspirée de certains de ses traits caractéristiques. Sophie Calle: Soi en négatif est un essai portant sur la performance de soi. Il y est question de pacte autobiographique, d’intertextualité, d’altérité, de deuil et d’absence. Je tente d’esquisser comment elle s’y prend pour s’exposer. Non seulement elle exploite les aspects négatifs de sa vie et de celle des autres, mais elle se révèle par des intermédiaires, que ce soit d’autres personnes ou des documents. Ses mots et ses photos développent en quelque sorte la vie contenue dans ses archives personnelles. Lorsqu’elle s’expose, l’art dépasse la littérature, le cinéma, l’entrevue et la photographie pour devenir une performance de soi, en négatif. / Feu is an autofictional photo-text collection in which I revisited memories from a past relationship after a fire destroyed everything. Among a serie of short episodes, I tried to transmit the different emotions felt while mourning and to show my obsession for both the fire and my ex companion. I kept turning over souvenirs in a self-centered way until it lead to a deep emotional uneasiness. It started resorbing the moment an opening to others was made, but never ended. Pictures are used to illustrate the words as well as to participate in the exposure of loneliness. In addition to a few sub-headings relating my project to Sophie Calle’s work, I tempted to recuperate some of her characteristic traits. Sophie Calle: Soi en négatif is an essay about the self-performance. It involves an autobiographic contract between the performer and the public, a network of intertextuality and in this case, specific concepts like otherness, mourning and absence. I tried to show how she managed to expose herself by the negative. Not only does she take advantage of the most painful negative moments of her life and the ones of others, but she also reveals herself only through documents or others. In a way, her words and her photos develop her life contained into her personal archives. When she exposes herself, art blows way beyond literature, cinema, interviews and photography to because a self-performance, in negative.

Ce mémoire aborde la question de la folie dans l’œuvre d’Hubert Aquin, en particulier dans deux romans : Trou de mémoire et L’Antiphonaire. Deux types de désordre de la personnalité font l’objet de l’étude : le délire psychotique dans le cas de Trou de mémoire, et l’épilepsie pour ce qui est de L’Antiphonaire. La question de la maladie mentale ou neurologique est envisagée tant du point de vue thématique que du point de vue structurel. Bien que l’aspect thématique occupe la majeure partie du mémoire, l’analyse de la structure du récit y tient une place importante, l’une des hypothèses de départ étant que le désordre mental affecte la composition narrative des deux romans d’Aquin. Plusieurs sources non littéraires sont utilisées pour apporter des éléments d’analyse susceptibles de confirmer les hypothèses proposées. En plus de faire appel à des sources médicales et à des textes relevant de la psychologie, cette recherche trace un historique de l’épilepsie, en faisant ressortir les différences entre la conception qu’on en avait à l’époque de la Renaissance et celle qui prévaut aujourd’hui. Tout en empruntant à des domaines divers du savoir, cette étude s’intéresse à une question peu traitée par la critique ayant abordé le thème de la folie chez Aquin : celle de ses répercussions sur la structure du récit. / This paper treats the question of insanity in Hubert Aquin’s novels. It studies two novels specifically: Trou de mémoire and L’Antiphonaire. Subsequently, the object of this study is that of two distinct mental illnesses: psychotic delirium (which is displayed in Trou de mémoire) and epilepsy (which is displayed in L’Antiphonaire). The subject of mental or neurological disease is approached both from a thematic and structural point of view. Even if the majority of this paper is dedicated to covering the thematic aspect of the question, the analysis of the novels structure is fundamental since one of the primary hypotheses is that the effect of mental illness reflects upon the narrative structure of both Aquin’s novels. The hypotheses proposed at the beginning are confirmed by numerous elements extracted from a number of non literary sources. As well as calling upon medical information and texts more closely linked to psychology, this research delves into the history of epilepsy, contrasting the common beliefs shared during the renaissance and those more prevalent today. Although this study borrows from numerous scientific fields, it is also interested in one aspect only lightly reviewed by those who study the theme of insanity in Aquin’s works : its impact on the narrative structure of the novels.

Ce mémoire s'attarde à la notion d'hyperréalisme en littérature contemporaine et à son incarnation spécifique dans trois romans de Suzanne Jacob : L'Obéissance (1991), Rouge mère et fils (2001) et Fugueuses (2005). Le recours à la théorie et à l'histoire de la peinture est essentiel puisque l'hyperréalisme est d'abord endossé par l'art pictural. De plus, la peinture, la photographie, le cinéma, la musique, la télévision, la sculpture, l'architecture et la littérature sont autant de médiations fortement présentes dans le roman hyperréaliste. Cette présence multiple des médias est essentielle au caractère hyperréaliste d'une œuvre ; la tentative d'intégrer le réel passe par un détour représentationnel. Les manifestations stylistiques et narratives de l'hyperréalisme sont associées à l'intégration de formes empruntées à d'autres arts ou médias comme la fugue et le fait divers. Les effets de l'hyperréalisme sur la narration se manifestent également par un éclatement des focalisations, en témoignent la fragmentation narrative ainsi que l'importance accordée au détail. Enfin, l'hyperréalisme joue sur une tension constante entre continuité et rupture. Les conséquences sont à envisager dans une sorte d'appréhension du réel, tant par le personnage que par le roman, qui doivent composer avec une multiplicité de représentations. / This Master's thesis studies the concept of hyperrealism in the context of contemporary literature. It focuses more specifically on the ways it is expressed in three novels written by Suzanne Jacob : L'Obéissance (1991), Rouge mère et fils (2001) and Fugueuses (2005). An overview of the history and theoretical aspects of pictural art is essential to understand hyperrealism for the latter is intertwined with this art form. When taking a closer look at the hyperrealistic novel, one will notice the abundance of media references (i.e. pictural art, photography, cinema, music, television, sculpture, architecture and literature). This occurrence of multiple medias and the depiction of the real through mediated representations are essential components of hyperrealistic works. Style and narrative are intimately related to these medias and art forms. The Hyperrealist novel hence will feature complex and particular narrative structures characterized by juxtaposed focalizations, narrative fragments and importance given to fine detail. Finally, the hyperrealist novel employs continuity and fragmentation. It features characters and author composing with these complex representations wich will eventually lead them to demonstrate skepticism and doubt when apprehending the real.

Composé de fragments narratifs et poétiques, C’est ici que le verbe habiter s’est déchiré retrace le parcours d’un jeune homme de retour dans sa ville natale, Québec. En déambulant à travers les rues, mais également à travers sa propre mémoire, le narrateur trouvera sur son chemin le point de rupture entre passé et présent. C’est ici que le verbe habiter s’est déchiré élabore une réflexion sur ces lieux et ces époques qui, même révolus, semblent ne jamais vouloir nous quitter, le tout dans une écriture où le silence est parfois aussi éloquent que la parole. Comme son nom l’indique, Sudbury : l’habitabilité de la poésie chez Patrice Desbiens est un essai traitant de la poésie comme espace d’habitation dans Sudbury de Patrice Desbiens, une œuvre mettant en scène le quotidien d’une petite ville du nord de l’Ontario. Face à ce lieu froid et désert où rien ne semble vouloir subsister, dans cette ville qu’il décrit à la fois comme factice, violente et inhabitable, Desbiens semble croire que seule l’écriture est authentique et porteuse d’une vérité. Dès lors, en signant son recueil Sudbury, le nom de cette ville qu’il habite, le poète ne se pose-t-il pas comme le véritable auteur des lieux? Ne donne-t-il pas un sens à ce qui, auparavant, en était dépourvu? N’y a-t-il pas, au final, substitution de l’espace urbain oppressant par celui, plus hospitalier, de la poésie? / Composed of narrative and poetic fragments, C’est ici que le verbe habiter s’est déchiré follows the journey of a young man returning to his hometown, Québec. While wandering in the streets, but also through his own memories, the narrator will find on his path the point of rupture between past and present. C’est ici que le verbe habiter s’est déchiré proposes a reflexion on these places and times that, even if over, seem to never abandon us, all within a style of writing where silence is sometimes as eloquent as speech. As it’s name indicates, Sudbury: l’habitabilité de la poésie chez Patrice Desbiens is an essay regarding poetry as a living space within the poem Sudbury from Patrice Desbiens, a work that stages the daily routine of a small town in northern Ontario. Confronted to a cold and deserted place where nothing seems to subsist, within this town that he depicts at the same time as artificial, violent and unlivable, Desbiens seems to believe that only writing is authentic and bearer of truth. Hence, by entitling his work Sudbury, the name of the town where he lives, does the poet not present himself as the genuine author of the place? Does he not give a meaning to something that, before, was deprived of one? Is there not, in the end, a substitution of the opressive urban space for the one, more welcoming, of poetry?

La littérature de l’Acadie du Sud-Est émerge dans un contexte lui-même déjà hétérolingue (Grutman). Le chiac porte d’ailleurs les traces de cette cohabitation linguistique puisque son caractère hybride traduit la forte interaction entre les communautés de la région. Or, son usage suscite-t-il une réflexion inquiète sur la situation diglossique du français acadien ou est-il strictement créatif ? Le présent mémoire porte sur le rapport à la langue dans les romans récents de France Daigle, soit Pas pire (1998), Un fin passage (2001), Petites difficultés d’existence (2002) et Pour sûr (2011), en mettant au jour les particularités sociolinguistiques et la façon dont le texte « parle la langue » (Gauvin). Bien qu’il mette à distance les présupposés idéologiques, l’œuvre de Daigle demeure extrêmement sensible au contexte socioculturel d’où il émerge. Ainsi, si l’œuvre s’affranchit d’un réalisme sociolinguistique, c’est afin de créer une « fiction linguistique » (Baetens Beardsmore) qui reconfigure l’imaginaire social de Moncton tout en intégrant certaines inquiétudes bien « réelles ». Qui plus est, la prise en compte de la polyphonie structurelle de l’œuvre permet de s’affranchir de la lecture ethnographique. / The literature of Southeast Acadie emerges in a context that is already heterolingual (Grutman). Chiac, the local vernacular, bears traces of this linguistic coexistence since its hybrid character reflects the strong interaction between the region’s communities. However, does its use arouses an anxious reflection on Moncton’s diglossic context or is it strictly creative? This thesis focuses on the relationship to language in the recent novels of France Daigle, Pas pire (1998), Un fin passage (2001), Petites difficultés d’existence (2002) and Pour sûr (2011), by uncovering sociolinguistic features and the way the text "speaks the language" (Gauvin). Although it puts away ideologies, Daigle's work remains highly sensitive to the cultural context from which it emerges. Thus, if the work is freed from a sociolinguistic realism, it is to create a "linguistic fiction" (Baetens Beardsmore) which reconfigures the social imaginary of Moncton while incorporating some "real" concerns. Moreover, taking into account the structural polyphony of the work overcomes the temptation of ethnographic reading.

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