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Cette thèse analyse la représentation de sujets désirants féminins dans cinq œuvres contemporaines. La question est abordée dans une perspective féministe et puise des outils théoriques tant du côté de la psychanalyse (Freud, Lacan) que de ses critiques (Deleuze et Guattari, Cixous, Irigaray). Nous faisons appel à la rhétorique pour l’analyse de figures du discours, et examinons comment les sujets et objets grammaticaux correspondent à une répartition des rôles entre sujets désirants et objets désirés. À la suite du chapitre explicitant nos approches théoriques se trouvent cinq chapitres s’appliquant à l’analyse d’une œuvre littéraire. Notre étude sur Folle (2004) de Nelly Arcan explore la posture masochiste construite par la narratrice, grâce à laquelle elle parvient à se représenter simultanément comme l’objet passif du désir masculin et comme un sujet désirant manipulateur. La vie sexuelle de Catherine M. (2001) de Catherine Millet nous a intéressée par l’investissement d’une posture de soumission au désir masculin qui demeure agente et investie de maîtrise. L’analyse de Se perdre (2001) d’Annie Ernaux étudie la configuration du désir ambiguë causée par la passion, où la narratrice se montre à la fois soumise et dominante par rapport à l’amant. Le chapitre sur Baroque d’aube (1995) de Nicole Brossard examine la construction de sujets lesbiens qui ne posent pas leur attirance en tant que désir du même, mais qui encouragent plutôt le déploiement d’une identité féminine plurielle. Enfin, notre étude de La nouvelle pornographie (2000) de Marie Nimier s’attache à la réécriture parodique de la pornographie, démontrant de quelles façons celle-ci permet à la narratrice de critiquer un discours masculin sur le désir et d’en proposer de nouvelles formulations. Au fil de ces analyses, nous interrogeons, à travers la question du désir, les configurations contemporaines du genre sexuel et de la sexualité.

Ce mémoire porte sur le recueil de poèmes La terre est ici d’Élise Turcotte. Il s’attache à analyser les modalités par lesquelles le foyer de perception des sujets poétiques engendre un déplacement de la notion de « paysage » dans l’œuvre de Turcotte. Le premier chapitre étudie l’énonciation afin de retracer comment les subjectivités de La terre est ici investissent le langage et construisent le réel qui les entoure pour en donner une perception singulière. Le second chapitre analyse la création de cet espace visuel unique qui se déploie autour de la notion de « détail », tandis que le troisième et dernier chapitre s’intéresse à la remise en cause du statisme de la vision engendrant un « art de faire » qui tend plutôt vers la mise en scène et le mouvement. L’étude de cette scène comme convocation des sujets dans le langage permet de développer la conception de l’espace comme lieu pratiqué, où les multiples perceptions des sujets composent un « paysage » à la fois visuel, tout en donnant lieu à une possibilité d’action. / This M.A. thesis concerns the collection of poems La terre est ici of the poet Élise Turcotte. It studies the modalities by which the perception of the poetic subjects displaces the notion of « landscape » in the work of Turcotte. The first chapter, in studying enunciation, tries to understand how the subjectivities of La terre est ici invest the language and build the reality that surrounds them to create a singular perception. The second chapter analyzes the creation of this unique visual space which deploys itself around the notion of « detail », whereas the third and last chapter questions the vision engendering an « art de faire » which aims towards direction and movement. The study of this stage as a way to convoke the subjects in the language introduces the idea of the space as a practised place. Thus, the multiple perceptions of the subjects compose a « landscape », understood in a visual sense and as possibility of action.

Ayant recours aux théories de l’intertextualité et de la citation telles que développées par Genette, Compagnon et Morawski, ce mémoire met en relation deux corpus distincts mais complémentaires : les principaux essais d’Hubert Aquin, de Gaston Miron et des collaborateurs de la revue Parti pris sont analysés comme réécriture des textes (ou réélaboration des idées) d’Aimé Césaire, de Frantz Fanon et d’Albert Memmi, figures dominantes du discours de la décolonisation francophone. L’approche adoptée vise à mettre en lumière les bases sur lesquelles les intellectuels québécois tâchèrent de justifier leur réutilisation du discours de la décolonisation. Elle permet aussi d’observer dans quelle mesure ce discours orienta la réflexion entourant la redéfinition du nationalisme au Québec, en plus de faciliter sa diffusion. Articulé autour de trois grands axes – l’identité culturelle, les conflits linguistiques ainsi que le rôle de la littérature et de l’écrivain dans le combat pour l’émancipation nationale –, ce mémoire démontre que l'établissement d'un tel partenariat symbolique a été d'un grand apport quant à l'appartenance du Québec à la francophonie. / Refering to the theories of Genette, Compagnon and Morawski's on quotation and intertextuality, this thesis compares two distinct, yet complementary, body of works: the major essays written by Hubert Aquin, Gaston Miron and the young intellectuals who collaborated to Parti Pris are analyzed as rewriting (or rethinking) of the works of Aimé Césaire, Frantz Fanon and Albert Memmi, figureheads of the francophone decolonization movement. The main objective of this study is to investigate the bases on which Québécois intellectuals attempted to justify their recuperation of the discourse of decolonization, and how this discourse shaped their reflection towards redefining Québec nationalism, as well as promoting its diffusion. Articulated around three principal axes – cultural identity, language conflicts and the role of literature and the writer in the struggle for national emancipation –, this thesis shows that the creation of such a symbolic partnership has enabled Québec to join the community of francophone nations.

Depuis les débuts des études sur la chanson, plusieurs chercheurs ont pu déterminer que l’âge d’or de la chanson québécoise comprenait la production chansonnière des années soixante et soixante-dix. C’est en filiation avec cette époque culturellement engagée et collective que la chanson du tournant du millénaire s’établit. En effet, après le creux musical des années quatre-vingt au Québec, un groupe reprit le collier de la chanson engagée au début des années quatre-vingt-dix. En défendant les marginalisés de la société et en se faisant le porte-parole de ceux-ci, les Colocs ont contribué à l’acceptation sociale des chômeurs, des sans-abris, des sidéens, des dépressifs, et autres laissés pour compte de la société. En s’attaquant à des problématiques socio-politiques graves, le groupe permet de les voir sous un autre angle et de créer une mise en perspective chez les victimes. Par l’utilisation de procédés ironiques, les Colocs parvinrent à installer une distance entre les problèmes et leurs victimes. En majorité auto-ironiques, les chansons du groupe révèlent en plus une ironie de situation, aussi appelée ironie du sort. En parallèle aux Colocs, d’autres artistes des années quatre-vingt-dix et deux mille offrent des chansons engagées au caractère ironique, et permettent une comparaison fructueuse. Dans l’optique de dédramatiser des situations potentiellement catastrophiques et d’élaborer une forme de critique sociale engagée, les Colocs ont créé une production chansonnière où l’ironie primait. / Since the early studies on songwriting, several researchers have determined that the golden age of Quebec songwriting included productions of the sixties and seventies. It’s in affiliation with the collective spirit of those years that the new protest song of the millennium settled. Indeed, after the hollow musical eighties in Quebec, a band took the lead of the protest song in the early nineties. By defending the marginalized people of society and making themselves their spokesmen, Les Colocs have contributed to the "empowerment" of the unemployed, the homeless, AIDS victims, the depressive and other left out of society. Addressing socio-political issues, the group let us see them from another angle and create a new perspective for the victims. Through the use of ironic processes, Les Colocs managed to install a distance between problems and their victims. Mostly self-ironic, their songs also reveal an irony of situation, also called irony of fate. In parallel to Les Colocs, other artists of the nineties and the early years of the new millenium offer songs with an incurred ironic character, and allow a meaningful comparison. In order to defuse potentially catastrophic situations and develop a form of social critique, Les Colocs have created a production where songwriter’s irony prevailed.

Reprendre contact avec les réalités de l’âme, rouvrir la source où l’être rejaillit éternellement : tel est l’idéal occulte, inavouable, d’où procède la poétique d’Hubert Aquin. Depuis sa jeunesse, Aquin s’emploie clandestinement à défaire les mailles de la conscience et à rebrousser chemin vers les arrière-plans ténébreux du Moi, vers le Plérôme de la vie nue. Il manœuvre pour se mettre au service de l’intentionnalité impersonnelle inscrite au plus profond de sa psyché, pour devenir l’instrument du vouloir aveugle « qui opère en lui comme une force d’inertie ». Son œuvre ne s’accomplit pas dans le texte, mais à rebours du texte, voire à rebours du langage ; elle se déploie sur le terrain d’une confrontation enivrée avec le Négatif — avec la Parole sacrée issue de l’abîme. En d’autres termes, elle prend la forme d’une Gnose, c’est-à-dire d’un exercice de dé-subjectivation, de destruction de soi, consistant à réaliser la connaissance participative de l’empreinte imaginale scellée derrière les barreaux de la finitude. Essentiellement consacrée à l’analyse de la dimension gnostique de l’œuvre d’Hubert Aquin, cette thèse vise à montrer que la connaissance du hiéroglyphe mystérieux gravé au fond de l’âme n’est pas une sinécure. Il s’agit plutôt d’un opus contra naturam qui comporte bien des risques (en tout premier lieu celui d’une inflation psychique). Pourtant, ce travail est aussi, aux yeux de l’auteur, le seul véritablement digne d’être accompli, celui qui donne à l’homme le moyen de se soustraire à l’engloutissement de la mort et la possibilité de renaître. Comme l’écrit Aquin dans un texte de jeunesse, l’ouverture inconditionnelle au Négatif (la destruction de soi) est « une façon privilégiée d’expérimenter la vie et un préalable à toute entreprise artistique » ; elle correspond à « un mode supérieur de connaissance », à un savoir « impersonnel » qui offre immédiatement le salut. / To reestablish contact with the realities of the soul, to reopen the source from which Being eternally resurges: such is the occult and unspeakable ideal from which Hubert Aquin’s poetics proceeds. From his youth onwards, Aquin secretly seeks to unravel the mesh of consciousness, in order to retrace the path leading back towards the dark nether regions of the Self, towards the Pleroma of the naked life. Thus he operates exclusively in the service of the impersonal intentionality inscribed in the depths of his psyche, as the instrument of the blind will that acts inside of him “like an inertial force”. His work does not fulfill itself in the text, but rather runs counter to the text, even counter to language itself; it deploys as an exhilarating confrontation with the Negative, with the sacred Word issuing from the abyss. In other words, Aquin’s work takes the form of a Gnosis: an exercise in de-subjectivization and self-destruction that consists in attaining participative knowledge of the imaginal seal imprinted behind the bars of finitude. This thesis, principally devoted to an analysis of the gnostic dimension of Hubert Aquin’s œuvre, aims to show that to decipher the mysterious hieroglyph engraved in the depths of the soul is no simple task: it is rather an opus contra naturam, involving great dangers (of which the first is the risk of psychic inflation); yet, to the author’s eyes, only this task is really necessary and truly worthy of being undertaken, for only by this means can the human being escape from engulfment in death – by being reborn. As Aquin writes in an early work, to open oneself unconditionally to the Negative (i.e., self-destruction) is “a special way of experiencing life and a prerequisite to any artistic enterprise”; it is equivalent to “a superior mode of knowledge” of an “impersonal” kind, promising immediate salvation.

Ce mémoire porte sur les deux premiers recueils de Raoul Duguay (ruts et or le cycle du sang dure donc). Il cherche à examiner les liens étroits qu’entretient la poésie de Duguay avec la production parallèle du poète, qui s’oriente dès la fin des années 1960 vers la chanson. Le mémoire s’attachera d’abord, dans le premier chapitre, à présenter l’histoire des liens entre les poètes et la chanson au Québec afin de relever les points de contact significatifs au cours des années 1960 et de poser le cadre théorique de la chanson comme objet d’étude. Dans un deuxième temps, l’analyse des deux premiers recueils de poèmes de Duguay nous mènera à une réflexion sur la présence de la métaphore du chant, puis de la parole poétique en poésie québécoise, qui annonce un changement de paradigme dans l’approche du lyrisme et du sujet lyrique. Enfin, le troisième chapitre se penchera sur le contexte contre-culturel québécois, pour examiner le discours et le contre-discours sur la poésie, pour expliquer le phénomène de décloisonnement des genres qui conduit Raoul Duguay à investir le champ de la culture populaire de sa poésie. Il y sera aussi question du sujet « dans le langage », de l’expérience de la langue et de la subjectivité de la voix. / This thesis addresses the early works of Raoul Duguay. Our study focuses on the first two collections of poem (ruts [1966] and or le cycle du sang dure donc [1967]), while examining Duguay’s parallel production as an experimental musical artist and eventually songwriter. Hereby, our study wishes to unveil the close ties between poetry and what could be considered as its popular derivatives: songwriting. Indeed, a significant number of poets wrote songs, especially among the proponent of the counterculture. Therefore, the first chapter will present a portrayal of Quebec’s cultural history that underlies the ties between songwriters, poets and artists in general in the 1960s. Furthermore, it will lay the theoretical framework to address the song as a study object. The second chapter studies the notion of lyricism in Quebec’s early modern poetry. It will study the use of song – or singing – as a metaphor, to demonstrate how it later loses its relevancy in regard of the modern poetry, which prefers the use of speech as metaphor. This shift heralds a change of paradigm in approaching lyricism and the lyrical subject. However, it will appear that Duguay persists in using song and singing metaphors – as well as speech – as he experiences language in its vocal and oral undertone. The third chapter studies the context – Quebec’s counterculture – in which the ties between poetry and song are tighten around the question of their function. It addresses the notion of popular art and its legitimacy.

Cette thèse analyse la représentation de sujets désirants féminins dans cinq œuvres contemporaines. La question est abordée dans une perspective féministe et puise des outils théoriques tant du côté de la psychanalyse (Freud, Lacan) que de ses critiques (Deleuze et Guattari, Cixous, Irigaray). Nous faisons appel à la rhétorique pour l’analyse de figures du discours, et examinons comment les sujets et objets grammaticaux correspondent à une répartition des rôles entre sujets désirants et objets désirés. À la suite du chapitre explicitant nos approches théoriques se trouvent cinq chapitres s’appliquant à l’analyse d’une œuvre littéraire. Notre étude sur Folle (2004) de Nelly Arcan explore la posture masochiste construite par la narratrice, grâce à laquelle elle parvient à se représenter simultanément comme l’objet passif du désir masculin et comme un sujet désirant manipulateur. La vie sexuelle de Catherine M. (2001) de Catherine Millet nous a intéressée par l’investissement d’une posture de soumission au désir masculin qui demeure agente et investie de maîtrise. L’analyse de Se perdre (2001) d’Annie Ernaux étudie la configuration du désir ambiguë causée par la passion, où la narratrice se montre à la fois soumise et dominante par rapport à l’amant. Le chapitre sur Baroque d’aube (1995) de Nicole Brossard examine la construction de sujets lesbiens qui ne posent pas leur attirance en tant que désir du même, mais qui encouragent plutôt le déploiement d’une identité féminine plurielle. Enfin, notre étude de La nouvelle pornographie (2000) de Marie Nimier s’attache à la réécriture parodique de la pornographie, démontrant de quelles façons celle-ci permet à la narratrice de critiquer un discours masculin sur le désir et d’en proposer de nouvelles formulations. Au fil de ces analyses, nous interrogeons, à travers la question du désir, les configurations contemporaines du genre sexuel et de la sexualité.

À partir de courts récits, la narratrice reconstitue le passé d’une famille. Le personnage central, une petite fille, est la narratrice qui retrace les événements qui ont mené à l’éclatement de la cellule familiale. Cette histoire autobiographique est rédigée au « elle » dans un souci de se distancier de ce passé. La petite fille a grandi et la narratrice qu’elle est devenue se réapproprie son héritage : la possibilité d’écrire cette histoire. Dans l’œuvre de Marguerite Duras, les lieux sont souvent sollicités pour participer à la narration des événements. Dans La pute de la côte normande et Écrire, deux œuvres autobiographiques rédigées au « je », les lieux sont ceux du quotidien. Ceux-ci sont révélateurs de la psychologie de l’auteure et se mêlent à la préoccupation d’écrire. Ainsi, Marguerite Duras, ses lieux et son écriture se retrouvent-ils liés par le langage de l’auteure, lequel témoigne du vide laissé par la mort de son père. / Through short accounts, the narrator reconstitutes the past of a family. The main character, a young girl, is the narrator attempting to trace the events which led to the break-up of her family cell. Seeking to distance herself from this past, she delivers the auto-biographical story using the third person. The little girl has grown up, and the narrator she has become attempts to reclaim her heritage: the possibility of writing this story. In Marguerite Duras’ work, the presence of surroundings is often solicited to participate in narrating the events. In La pute de la côte normande and Écrire, two auto-biographical works written in the first person, the places evoked are those sheltering her everyday life. Those are revealing of the author’s psychology and intertwine with the concern of writing. Marguerite Duras, her surroundings and her writing style become bound to one another by the author’s language, which reveals the void caused by her father’s death.

Ce mémoire porte sur la pratique du nom propre dans quatre romans de l'auteure québécoise Suzanne Jacob : Laura Laur (1983), La Passion selon Galatée (1987), Rouge, mère et fils (2001) et Fugueuses (2005). À partir du postulat de Suzanne Jacob qui affirme que la réalité se compose de conventions, cette étude s'efforce de mettre à l'épreuve l'hypothèse selon laquelle le nom propre est une fiction. À l'aide de balises méthodologiques privilégiant la narratologie et la pragmatique, l'analyse, constituée de lectures microtextuelles, s'intéresse aux commentaires des personnages et de la narration sur le nom, en plus de relever les procédés qui encadrent et mettent en lumière le fonctionnement du nom, autant d'un point de vue sémantique que syntaxique. C'est donc dire que le nom est abordé dans le réseau des différents signes du texte et non pas comme un signifiant isolé. L'étude se divise en trois chapitres consacrés à des problématiques structurantes du nom propre chez Jacob : « L'omniprésence du nom », « L'instabilité du nom » et « Le nom performé ? » À partir de ces trois axes, la réflexion ouvre sur des enjeux plus vastes qui concernent autant l'identité que les relations sociales et familiales. / This thesis focuses on the use of names in four novels written by Quebec's author Suzanne Jacob : Laura Laur (1983), La Passion selon Galatée (1987), Rouge, mère et fils (2001) and Fugueuses (2005). Suzanne Jacob thinks that reality is made from conventions. Based on this idea, this thesis confronts the hypothesis that names are fictitious. Using narratological and pragmatical methodologies, this analysis, made of microtext readings, focuses on the characters' and narrators' comments on names, in addition to identifying processes that highlight names functionality on a semantic and syntactic point of view. This means that names will be addressed based on the network of the text’s different signs, and will not be considered as an isolated signifier. The study is divided in three chapters dedicated to structural problems about names in Jacob's novels : « The ubiquity of the name », « The instability of the name » and « The name performed ? » From these three axes, the reflection opens to broader issues concerning identity as well as social and familial relationships.