O foco dessa dissertação é analisar o papel, as características, e a presença dos bobos ao longo da história, focando em sua constante aparição no teatro. Os personagens principais da minha análise serão o Bobo, na peça Rei Lear de William Shakespeare, e Vladimir e Estragon, na peça Esperando Godot de Samuel Beckett. Na análise desses personagens, discuto semelhanças entre os autores, que já foram notadas por críticos como Martin Esslin, Jan Kott, e Northrop Frye, e mostro como os personagens de Beckett são similares aos bobos de Shakespeare. Bobos, no teatro, frequentemente agem como mediadores entre o palco e a plateia, guiando os espectadores e falando verdades. O Bobo de Lear diz verdades criticando seu mestre e o lembrando das decisões erradas que ele tomou; os personagens em Esperando Godot dizem verdades sobre a falta de sentido de nossas vidas e, mais importante, nos mostram essa falta de sentido no decorrer da peça. Em relação à linguagem, o uso dela pelos bobos é diferente do uso dos outros personagens porque eles a manipulam para criar desentendimentos e jogos de palavras. No teatro de Shakespeare, a principal razão para esse uso peculiar da linguagem é que os bobos querem mostrar sua sagacidade; no teatro de Beckett, eles usam uma linguagem sem sentido para mostrar que ela está quebrada e que tentativas de comunicação são inúteis. Através das ações e diálogos dos bobos de Beckett em Esperando Godot, podemos ver que a vida é absurda e que vivemos em um mundo cheio de incertezas. Apesar de personagens bobos geralmente serem vistos como superficiais e insignificantes, especialmente nas peças de Shakespeare, eles são extremamente importantes no teatro e têm uma maneira única de interagir com os outros personagens e com o público. / The focus of this thesis is to analyze the role, characteristics, and presence of fools throughout history, focusing on their recurrence in the theater. The characters I will focus on are Lear's Fool in William Shakespeare's King Lear, and Vladimir and Estragon in Samuel Beckett's Waiting for Godot, discussing similarities between the two authors, which have been mentioned by critics such as Martin Esslin, Jan Kott and Northrop Frye, and showing how Beckett's characters are similar to Shakespearean fools. Fools in the theater often act as mediators between the stage and the audience, guiding spectators and telling truths. Lear's Fool tells truths by criticizing his master and reminding him of the wrong decisions he has made; the characters in Waiting for Godot tell truths about the meaninglessness of life and, most importantly, show us this meaninglessness throughout the play. The use of language by fools is different from that of other characters because they manipulate it to create misunderstandings and word games. In Shakespeare's theater, the main reason for this peculiar use of language is that fools want to show their wit; in Beckett's theater, the characters use nonsensical language to show that language has broken down and that attempts at communication are pointless. Through the actions and dialogues of Beckett's fools in Waiting for Godot, we can see that life is absurd and that we live in a world full of uncertainties. In spite of the fact that fool characters are often seen as shallow and insignificant, especially in Shakespeare's theater, they are of extreme importance in the theater and have a unique manner of interacting with other characters and with the audience.

A proposta de dissertação de mestrado, intitulada Tensões Políticas e Psicológicas em Macbeth e no Drama de Shakespeare, é fazer uma leitura crítica à luz dos aspectos históricos e dos problemas psicológicos apresentados na obra de Shakespeare (1564-1616). Serão analisados os problemas políticos, históricos e psicológicos em Macbeth e no drama shakespeariano, pois, percebe-se uma intrínseca relação entre as tensões políticas e históricas e a consciência na obra de Shakespeare, nem sempre elucidada pela crítica contemporânea. Assim, notam-se dois elementos opostos, que geram tais conflitos: de um lado, o Estado monárquico, cuja necessidade é manter uma ordem harmônica e estável, que, para isso, cria mecanismos punitivos que regem e determinam a conduta do indivíduo, como por exemplo as idéias de ordem, de justiça retributiva, pregadas nas homilias, e da mística dos dois corpos do rei; de outro, o indivíduo, por exemplo Macbeth, cujo desejo entra em conflito com o Estado e sua necessidade de ordem, a fim de tentar sobrepô-los para satisfazer sua vontade. Como se observa, a oposição dos problemas históricos se revelam não só no plano político, mas Shakespeare também cria artifícios estéticos que ampliam as tensões políticas no plano psicológico. Assim, elementos históricos como o tiranicídio e a monarcomaquia vão figurar como elementos propulsores das tensões psicológicas. Essa dissertação está organizada em três capítulos. O primeiro capítulo, intitulado Tensões Políticas e Históricas em Macbeth e no Drama de Shakespeare, apresenta problemas históricas amplamente discutidos na era elisabetana e jacobina como a tirania, a monarcomaquia, a violação da soberania, as idéias de ordem e a teoria os dois corpos do rei. No segundo capítulo, Consciência no Drama de Shakespeare e na era Elisabetana e Jacobina, pretende-se mostrar como tais problemas históricos desencadeiam tensões psicológicos em algumas peças de Shakespeare, em particular em Macbeth, Richard II, Richard III e Hamlet. No terceiro capítulo, Tensões Psicológicas em Macbeth: a Consciência e a Ambição, apresenta-se uma análise da consciência e da ambição em Macbeth, como uma reação a esses embates entre o estado, seus mecanismos superegóicos e o indivíduo. / This master thesis, entitled Political and Psychological Tensions in Macbeth and in the Shakespearean Drama, aims to analise Shakespeare’s (1564-1616) masterpiece in terms of historical aspects and psychological issues. I propose to analise political, historical and psychological problems in Macbeth and in the Shakespearean Drama, for we can perceive an intrinsic connection between these political and historical tensions, and conscience in Shakespearean work, which is not always explained by some contemporary critics. At this point, there are two opposing elements, which create such conflicts: on the one hand, there is the monarchal State, whose necessity is to keep the harmonious and stable order, which hence forge punitive tools in order to control and determine the individual behaviour, such as the order ideas, retributive justice, and the theory of the King’s two bodies, which were preached in the homilies; on the other hand, there is the individual, for instance Macbeth, whose desire comes into conflict with the monarchal State and its necessity of order, for satisfying his will. That opposition of the historical problems appears not only in the political realm, but Shakespeare creates aesthetic devices as well, which spread out the political tension into the psychological level. Thus, historical issues as tyrannicide and monarchomachy will reappear as propulsioning elements to the psychological tensions. This thesis is organised in three chapters. The first one, entitled Political and Historical Tensions in Macbeth and in the Shakespearean Drama, presents some historical issues widely discussed in the Elizabethan and Jacobean Ages, such as tyrany, monarchomachy, the violation of sovereignty, the order ideas and the theory of the king’s two bodies. In the second chapter, Conscience in the Shakespearean Drama and in the Elizabethan and Jacobean Ages, it is presented how these historical problems unchain psychological tensions in some of the Shakespeare’s plays, especially in Macbeth, Richard II, Richard III and Hamlet. In the third one, Psychological Tensions in Macbeth: Conscience and Ambition, it is provided an analysis of conscience and ambition in Macbeth, as a result of a reaction against these collisions between the monarchal State, its superegoic mecanicisms and the individual.

Esta Tese de Doutorado tem por objetivo discutir a questão da mimesis da interioridade no Mercador de Veneza, de William Shakespeare. A pesquisa está embasada na obra Inwardness and Theater in the English Renaissance, de Maus (1995), e na obra Shakespeare Philosophy, de McGinn (2007), na crítica literária da peça. Maus apresenta a interioridade como um constructo social e cultural da Renascença Inglesa. Ela analisa a interioridade tomando como base a oposição entre aparências, consideradas falsas e enganosas na época, e interioridade, que era tida como manifestações sinceras e verdadeiras das dimensões interiores do indivíduo. Contudo, McGinn vai além da discussão de Maus sobre interioridade, ao perceber que Shakespeare representou as dimensões obscuras incontroláveis do indivíduo. Ele apresenta as forças misteriosas que controlam os pendores interiores das personagens. Além disso, a tese busca analisar a constelação de motivos e a retórica da interioridade que representam sentimentos interiores na peça de Shakespeare. Parte da hipótese de que a mimesis shakespeariana da interioridade é representada em sinais, sutis tais como os silêncios, os não-ditos, as rupturas de linguagem, gestos corporais, pathos, contradições de ideias e pensamentos, a consciência, vergonha e atos falhos. Ademais, a mimesis shakespeariana da interioridade é construída através do artifício do espelhamento que é a representação das dimensões interiores e os pendores da mente nos sentimentos, ideias, gestos, pensamentos, comportamento e atitude de outras personagens. Na verdade, Shakespeare não inventou a interioridade, mas aprofundou a representação da interioridade introduzindo traços inovadores na linguagem do drama. Este trabalho também discute o estranho desenvolvimento da crítica sobre a peça, apresentando que a crítica dos séculos XVIII e XIX lia Shylock como um herói trágico, ao passo que a crítica do século XX lia Shylock como um vilão cômico, provavelmente influenciada pelo antissemitismo da primeira metade do século. Essa pesquisa foca sobre a estranha relação entre Antonio e Bassanio, assim como sua relação com Shylock. Sua relação é representada como homoerótica e o desejo de um frívolo sacrifício de Antonio por Bassanio sugere a interioridade de Antonio. Shylock é também representado como o pai primordial da peça e esse detalhe sugere a causa da tristeza de Antonio no começo da peça. Analisa também o teste dos escrínios de Portia e demonstra seu desejo de defraudar o testamento de seu pai, tão logo ela pede que se toque uma canção que sugere em suas rimas o verdadeiro escrínio. Discute os problemas da consciência de Launcelot e da interioridade de Jessica. Analisa também a relação distante entre Jessica e Shylock, como também sua partida da casa de seu pai e roubo de seu dinheiro, como uma forma de afrontar o poder patriarcal. Centra-se também na cegueira de Shylock para com as intenções reais de sua filha. Interpreta a cena do julgamento de Shylock e como Portia forja um julgamento fraudulento, anulando o contrato de Shylock a tomando sua propriedade. Apresenta uma discussão sobre a mimesis shakespeariana de interioridade, com base nas considerações de Auerbach e Dubois, assim como discute o problema do gênero da peça, sugerindo que a peça não é uma mera comédia, mas uma tragicomédia. / This Doctorate thesis aims at discussing the issue of mimesis of inwardness in The Merchant of Venice, by William Shakespeare. This survey is based on Maus‘ Inwardness and Theater in the English Renaissance (1995), McGinn‘s work Shakespeare Philosophy (2007) and the literary criticism on the play. Maus presents inwardness as social and cultural construct of the English Renaissance. She analyses inwardness based on the opposition between appearances, considered false and deceitful in the age, and inwardness, which was taken as true and sincere manifestations of the inward dimensions of the self. However, McGinn goes beyond Maus‘ discussion on inwardness, perceiving that Shakespeare represented the uncontrolled obscure inward dimensions of the self. He presents the mysterious forces which control the characters‘ inward dispositions. Moreover, the thesis aims at analysing the constellation of motifs and the rhetoric of inwardness which represent inward feelings in Shakespeare‘s play. It parts from the hypothesis that Shakespearean mimesis of inwardness is represented in subtle signs such as silences, non-said, breaks in language, bodily gestures, pathos, contradictions in ideas and thoughts, conscience, shame, and verbal slips. Furthermore, Shakespeare‘s mimesis of inwardness is contructed through the mirroring device which is the representation of a character‘s inward dimensions and dispositions of the mind in other character‘s feelings, ideas, thoughts, gestures, behaviour and attitude. Actually, Shakespeare did not invent inwardness, but he deepened the representation of inwardness introducing innovating traits in language in the drama. This work also discusses the awkward development of the criticism on the play, presenting that the 18th and 19th century criticism read Shylock as a tragic hero, whereas 20th century criticism read Shylock as a comic villain probably influenced by anti-Semitism of the first half of the century. This research focuses on the awkward relationship between Antonio and Bassanio, as well as their relationship with Shylock. Their relation is depicted as homoerotic and Antonio‘s desire of a frivolous sacrifice for Bassanio suggests Antonio‘s inwardness. Shylock is also depicted as the primordial father of the play and such detail hints at the cause of Antonio‘s sadness in the beginning of the play. It analyses Portia‘s casket trial and demonstrates her desire of outwitting her father‘s will, as soon as she demands to play a song which suggests in its rhyme the true casket. It discusses the problems of conscience in Launcelot‘s and Jessica‘s inwardness. It also analyses the distant relationship between Jessica and Shylock, as well as her leaving her father‘s house and taking his wealth, as a way of affronting the patriarchal power. It focuses on Shylock‘s blindness towards his daughter‘s real intentions. It analyses the trial scene and how Portia forges a fraudulent trial, undoing Shylock‘s bond and taking his property. It presents a discussion on Shakespeare‘s mimesis of inwardness, based on Auerbach‘s and Dubois‘ assumptions, as well as discusses the problem of the genre of the play, suggesting that the play is not a mere comedy, but a tragicomedy.

Esta Tese de Doutorado tem por objetivo discutir a questão da mimesis da interioridade no Mercador de Veneza, de William Shakespeare. A pesquisa está embasada na obra Inwardness and Theater in the English Renaissance, de Maus (1995), e na obra Shakespeare Philosophy, de McGinn (2007), na crítica literária da peça. Maus apresenta a interioridade como um constructo social e cultural da Renascença Inglesa. Ela analisa a interioridade tomando como base a oposição entre aparências, consideradas falsas e enganosas na época, e interioridade, que era tida como manifestações sinceras e verdadeiras das dimensões interiores do indivíduo. Contudo, McGinn vai além da discussão de Maus sobre interioridade, ao perceber que Shakespeare representou as dimensões obscuras incontroláveis do indivíduo. Ele apresenta as forças misteriosas que controlam os pendores interiores das personagens. Além disso, a tese busca analisar a constelação de motivos e a retórica da interioridade que representam sentimentos interiores na peça de Shakespeare. Parte da hipótese de que a mimesis shakespeariana da interioridade é representada em sinais, sutis tais como os silêncios, os não-ditos, as rupturas de linguagem, gestos corporais, pathos, contradições de ideias e pensamentos, a consciência, vergonha e atos falhos. Ademais, a mimesis shakespeariana da interioridade é construída através do artifício do espelhamento que é a representação das dimensões interiores e os pendores da mente nos sentimentos, ideias, gestos, pensamentos, comportamento e atitude de outras personagens. Na verdade, Shakespeare não inventou a interioridade, mas aprofundou a representação da interioridade introduzindo traços inovadores na linguagem do drama. Este trabalho também discute o estranho desenvolvimento da crítica sobre a peça, apresentando que a crítica dos séculos XVIII e XIX lia Shylock como um herói trágico, ao passo que a crítica do século XX lia Shylock como um vilão cômico, provavelmente influenciada pelo antissemitismo da primeira metade do século. Essa pesquisa foca sobre a estranha relação entre Antonio e Bassanio, assim como sua relação com Shylock. Sua relação é representada como homoerótica e o desejo de um frívolo sacrifício de Antonio por Bassanio sugere a interioridade de Antonio. Shylock é também representado como o pai primordial da peça e esse detalhe sugere a causa da tristeza de Antonio no começo da peça. Analisa também o teste dos escrínios de Portia e demonstra seu desejo de defraudar o testamento de seu pai, tão logo ela pede que se toque uma canção que sugere em suas rimas o verdadeiro escrínio. Discute os problemas da consciência de Launcelot e da interioridade de Jessica. Analisa também a relação distante entre Jessica e Shylock, como também sua partida da casa de seu pai e roubo de seu dinheiro, como uma forma de afrontar o poder patriarcal. Centra-se também na cegueira de Shylock para com as intenções reais de sua filha. Interpreta a cena do julgamento de Shylock e como Portia forja um julgamento fraudulento, anulando o contrato de Shylock a tomando sua propriedade. Apresenta uma discussão sobre a mimesis shakespeariana de interioridade, com base nas considerações de Auerbach e Dubois, assim como discute o problema do gênero da peça, sugerindo que a peça não é uma mera comédia, mas uma tragicomédia. / This Doctorate thesis aims at discussing the issue of mimesis of inwardness in The Merchant of Venice, by William Shakespeare. This survey is based on Maus‘ Inwardness and Theater in the English Renaissance (1995), McGinn‘s work Shakespeare Philosophy (2007) and the literary criticism on the play. Maus presents inwardness as social and cultural construct of the English Renaissance. She analyses inwardness based on the opposition between appearances, considered false and deceitful in the age, and inwardness, which was taken as true and sincere manifestations of the inward dimensions of the self. However, McGinn goes beyond Maus‘ discussion on inwardness, perceiving that Shakespeare represented the uncontrolled obscure inward dimensions of the self. He presents the mysterious forces which control the characters‘ inward dispositions. Moreover, the thesis aims at analysing the constellation of motifs and the rhetoric of inwardness which represent inward feelings in Shakespeare‘s play. It parts from the hypothesis that Shakespearean mimesis of inwardness is represented in subtle signs such as silences, non-said, breaks in language, bodily gestures, pathos, contradictions in ideas and thoughts, conscience, shame, and verbal slips. Furthermore, Shakespeare‘s mimesis of inwardness is contructed through the mirroring device which is the representation of a character‘s inward dimensions and dispositions of the mind in other character‘s feelings, ideas, thoughts, gestures, behaviour and attitude. Actually, Shakespeare did not invent inwardness, but he deepened the representation of inwardness introducing innovating traits in language in the drama. This work also discusses the awkward development of the criticism on the play, presenting that the 18th and 19th century criticism read Shylock as a tragic hero, whereas 20th century criticism read Shylock as a comic villain probably influenced by anti-Semitism of the first half of the century. This research focuses on the awkward relationship between Antonio and Bassanio, as well as their relationship with Shylock. Their relation is depicted as homoerotic and Antonio‘s desire of a frivolous sacrifice for Bassanio suggests Antonio‘s inwardness. Shylock is also depicted as the primordial father of the play and such detail hints at the cause of Antonio‘s sadness in the beginning of the play. It analyses Portia‘s casket trial and demonstrates her desire of outwitting her father‘s will, as soon as she demands to play a song which suggests in its rhyme the true casket. It discusses the problems of conscience in Launcelot‘s and Jessica‘s inwardness. It also analyses the distant relationship between Jessica and Shylock, as well as her leaving her father‘s house and taking his wealth, as a way of affronting the patriarchal power. It focuses on Shylock‘s blindness towards his daughter‘s real intentions. It analyses the trial scene and how Portia forges a fraudulent trial, undoing Shylock‘s bond and taking his property. It presents a discussion on Shakespeare‘s mimesis of inwardness, based on Auerbach‘s and Dubois‘ assumptions, as well as discusses the problem of the genre of the play, suggesting that the play is not a mere comedy, but a tragicomedy.

O foco dessa dissertação é analisar o papel, as características, e a presença dos bobos ao longo da história, focando em sua constante aparição no teatro. Os personagens principais da minha análise serão o Bobo, na peça Rei Lear de William Shakespeare, e Vladimir e Estragon, na peça Esperando Godot de Samuel Beckett. Na análise desses personagens, discuto semelhanças entre os autores, que já foram notadas por críticos como Martin Esslin, Jan Kott, e Northrop Frye, e mostro como os personagens de Beckett são similares aos bobos de Shakespeare. Bobos, no teatro, frequentemente agem como mediadores entre o palco e a plateia, guiando os espectadores e falando verdades. O Bobo de Lear diz verdades criticando seu mestre e o lembrando das decisões erradas que ele tomou; os personagens em Esperando Godot dizem verdades sobre a falta de sentido de nossas vidas e, mais importante, nos mostram essa falta de sentido no decorrer da peça. Em relação à linguagem, o uso dela pelos bobos é diferente do uso dos outros personagens porque eles a manipulam para criar desentendimentos e jogos de palavras. No teatro de Shakespeare, a principal razão para esse uso peculiar da linguagem é que os bobos querem mostrar sua sagacidade; no teatro de Beckett, eles usam uma linguagem sem sentido para mostrar que ela está quebrada e que tentativas de comunicação são inúteis. Através das ações e diálogos dos bobos de Beckett em Esperando Godot, podemos ver que a vida é absurda e que vivemos em um mundo cheio de incertezas. Apesar de personagens bobos geralmente serem vistos como superficiais e insignificantes, especialmente nas peças de Shakespeare, eles são extremamente importantes no teatro e têm uma maneira única de interagir com os outros personagens e com o público. / The focus of this thesis is to analyze the role, characteristics, and presence of fools throughout history, focusing on their recurrence in the theater. The characters I will focus on are Lear's Fool in William Shakespeare's King Lear, and Vladimir and Estragon in Samuel Beckett's Waiting for Godot, discussing similarities between the two authors, which have been mentioned by critics such as Martin Esslin, Jan Kott and Northrop Frye, and showing how Beckett's characters are similar to Shakespearean fools. Fools in the theater often act as mediators between the stage and the audience, guiding spectators and telling truths. Lear's Fool tells truths by criticizing his master and reminding him of the wrong decisions he has made; the characters in Waiting for Godot tell truths about the meaninglessness of life and, most importantly, show us this meaninglessness throughout the play. The use of language by fools is different from that of other characters because they manipulate it to create misunderstandings and word games. In Shakespeare's theater, the main reason for this peculiar use of language is that fools want to show their wit; in Beckett's theater, the characters use nonsensical language to show that language has broken down and that attempts at communication are pointless. Through the actions and dialogues of Beckett's fools in Waiting for Godot, we can see that life is absurd and that we live in a world full of uncertainties. In spite of the fact that fool characters are often seen as shallow and insignificant, especially in Shakespeare's theater, they are of extreme importance in the theater and have a unique manner of interacting with other characters and with the audience.

O foco dessa dissertação é analisar o papel, as características, e a presença dos bobos ao longo da história, focando em sua constante aparição no teatro. Os personagens principais da minha análise serão o Bobo, na peça Rei Lear de William Shakespeare, e Vladimir e Estragon, na peça Esperando Godot de Samuel Beckett. Na análise desses personagens, discuto semelhanças entre os autores, que já foram notadas por críticos como Martin Esslin, Jan Kott, e Northrop Frye, e mostro como os personagens de Beckett são similares aos bobos de Shakespeare. Bobos, no teatro, frequentemente agem como mediadores entre o palco e a plateia, guiando os espectadores e falando verdades. O Bobo de Lear diz verdades criticando seu mestre e o lembrando das decisões erradas que ele tomou; os personagens em Esperando Godot dizem verdades sobre a falta de sentido de nossas vidas e, mais importante, nos mostram essa falta de sentido no decorrer da peça. Em relação à linguagem, o uso dela pelos bobos é diferente do uso dos outros personagens porque eles a manipulam para criar desentendimentos e jogos de palavras. No teatro de Shakespeare, a principal razão para esse uso peculiar da linguagem é que os bobos querem mostrar sua sagacidade; no teatro de Beckett, eles usam uma linguagem sem sentido para mostrar que ela está quebrada e que tentativas de comunicação são inúteis. Através das ações e diálogos dos bobos de Beckett em Esperando Godot, podemos ver que a vida é absurda e que vivemos em um mundo cheio de incertezas. Apesar de personagens bobos geralmente serem vistos como superficiais e insignificantes, especialmente nas peças de Shakespeare, eles são extremamente importantes no teatro e têm uma maneira única de interagir com os outros personagens e com o público. / The focus of this thesis is to analyze the role, characteristics, and presence of fools throughout history, focusing on their recurrence in the theater. The characters I will focus on are Lear's Fool in William Shakespeare's King Lear, and Vladimir and Estragon in Samuel Beckett's Waiting for Godot, discussing similarities between the two authors, which have been mentioned by critics such as Martin Esslin, Jan Kott and Northrop Frye, and showing how Beckett's characters are similar to Shakespearean fools. Fools in the theater often act as mediators between the stage and the audience, guiding spectators and telling truths. Lear's Fool tells truths by criticizing his master and reminding him of the wrong decisions he has made; the characters in Waiting for Godot tell truths about the meaninglessness of life and, most importantly, show us this meaninglessness throughout the play. The use of language by fools is different from that of other characters because they manipulate it to create misunderstandings and word games. In Shakespeare's theater, the main reason for this peculiar use of language is that fools want to show their wit; in Beckett's theater, the characters use nonsensical language to show that language has broken down and that attempts at communication are pointless. Through the actions and dialogues of Beckett's fools in Waiting for Godot, we can see that life is absurd and that we live in a world full of uncertainties. In spite of the fact that fool characters are often seen as shallow and insignificant, especially in Shakespeare's theater, they are of extreme importance in the theater and have a unique manner of interacting with other characters and with the audience.

Orientador: Cláudia Valladão de Mattos / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-26T09:08:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Paes_LucianaLourenco_M.pdf: 6480106 bytes, checksum: 311dc7804c3dc4fd9387ec6cc4c1d3bd (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: A presente pesquisa tem como objetivo analisar as representações da morte de Ofélia na obra do pintor francês Eugène Delacroix (1798-1863), pensando sua relação com a tradição visual ligada à representação de Vênus e do suicídio feminino, com outras obras do artista e de seus contemporâneos, com a noção de "teatral" em pintura e com o contexto da pesquisa psiquiátrica na França na primeira metade do séc. XIX / Abstract: The present paper intends to analyze the representations of Ophelia¿s death in the production of the French painter Eugène Delacroix (1798-1863), reflecting on its relationship with the visual tradition of Venus and the feminine suicide, with other works by the artist and his contemporaries, with the notion of "theatrical" in painting and with the context of psychiatric research in the first half of nineteenth-century France / Mestrado / Historia da Arte / Mestra em História

Orientador: Leandro Karnal / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-24T11:25:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Turatti_RicardoAmarante_M.pdf: 1344043 bytes, checksum: 5993031e08f090e5471817aba05c9db0 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: A pesquisa pretende estudar parte do processo de constituição identitária da América, principalmente no que se refere à identificação do continente com uma obra produzida em um contexto europeu. A obra em questão é a peça A Tempestade, de William Shakespeare. Enquanto a peça foi escrita na Inglaterra do século XVII, suas ressignificações ligadas à América datam do final do século XIX e início do XX, e demonstram uma constante renovação das metáforas contidas na obra original. Tendo como eixo principal a leitura realizada sobre as personagens Ariel e Calibã, as interpretações da peça representam a adoção de modelos para o continente americano, obedecendo a uma dinâmica de intercâmbio América - Europa. Os modelos acabam servindo para a formação de utopias, projetos políticos e para a construção de uma identidade americana, assim como apresentam indícios para o estabelecimento de outra construção: a de termos generalizantes como América Latina, Iberoamerica e Anglo-América. Busca-se, portanto, por meio da leitura da peça e de suas interpretações, realizar uma análise histórica sobre a formação de um discurso identitário e cultural para os países americanos / Abstract: The research intends to study part of the process of identity constitution in America, with the primary focus in the identification of the continent with work produced in a european context. The work in question is the play The Tempest, by William Shakespeare. The play was written in XVIIth century England, but its re-significations linked to America date from late XIXth and early XXth, demonstrating a constante renovation of the metaphors contained in the original work. The interpretations of the play center on the caracthers Ariel and Caliban, representing the adotion of models for the american continent, following a exchange dynamic between America and Europe. The models are used for the formation of utopias, political projects and for the constrution of an american identity, presenting indications for the establishment of another constrution: the formation of generalizing terms as Latin America, Ibero America and Anglo America. The intention is, therefore, by reading the play and its interpretations, realize a historical analysis about the formation of an identity and cultural discourse for the american countries / Mestrado / Historia Cultural / Mestre em História

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In this study, I analyze the significance of Shakespearean intertextuality in the major works of Thomas Wolfe featuring protagonist Eugene Gant: Look Homeward, Angel and Of Time and the River. Specifically, I explore Gant's habits and preferences as a reader by examining the narrative arising from the protagonist's perspectives of Shakespeare's The Merchant of Venice, Hamlet, and King Lear. I examine the significance of parallel reading habits of Wolfe the author and Gant the character. I also scrutinize the plurality of Gant's methods of cognition as a reader who interprets texts, communicates his connections with texts, and wars with texts. Further, I assess the cumulative effect of Wolfe's having blurred the boundaries between fiction and reality, between the novel and drama. I assert, then, that Wolfe, by incorporating a Shakespearean intertext, reveals aspects indicative of postmodernism.