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Carving a niche? : a reassessment of early sixteenth-century sculpture production in Hildesheim

Bailey, Conny January 2014 (has links)
The town of Hildesheim in the German state of Lower Saxony is generally accepted to have been home to a uniquely recognizable and contradictory assembly of early-sixteenth-century sculpture executed in a highly distinctive carving style that appears to have emerged suddenly in the region today defined as southern Lower Saxony, and vanished as imperceptibly forty years later. Its surviving examples range from exceptional to mediocre, and are found scattered across the breadth of Northern Germany, with some also in notable collections abroad. A small number of these sculptures have traditionally been associated with the locally documented master Hinrick Stavoer. Based upon a signature on a retable located in the town of Enger in Westfalia, Stavoer’s oeuvre has been judged by scholarship to represent competent joinery work with little artistic flair or merit. Consequently, Stavoer was excluded from the reconstructions of a more meritorious sculpture production, and relocated to the neighbouring town of Brunswick. The more sophisticated works from Hildesheim were divided amongst several autonomous workshops, each presided over by an anonymous master who all orientated their own outputs on the dominant artistic personality of the day, the equally anonymous Master of St. Benedict. The result is a production that is characterized by its remarkable homogeneity and interchangeability. The almost complete absence of secure provenance, coupled with a connoisseurship typified by prevailing contemporary autocratic traditions of scholarship, have created a de-contextualized and de-constructed art history that has neglected to consider the much greater number of less sophisticated but historically equally significant works. Taking the historic attributions to Hinrick Stavoer and the known primary evidence relating to him as its departure point, this thesis revisits the existing precepts of Hildesheim sculpture. It successfully challenges its long-held assumptions, and presents a new basis for our understanding of early-sixteenth-century sculpture from southern Lower Saxony.
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Italian Renaissance plaquettes in context

Leino, Marika Annikki January 2004 (has links)
No description available.
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Les techniques de fabrication de la grande statuaire en bronze 1540-1660 en France / Fabrication processes of large bronze statues in France 1540-1660

Castelle, Manon 31 March 2016 (has links)
A partir de la fin de l’Antiquité, les grands bronzessont peu à peu délaissés puis abandonnés. Il faudra attendre laseconde moitié du XVIème siècle pour voir réapparaître dans lepaysage artistique français, sous François Ier, de grandsensembles statuaires en bronze. Au coeur de ce phénomène, latechnique tient un rôle majeur et suscite plusieursinterrogations. D’abord, se pose pour cette période la questionde l’existence ou non d’une identité technique des bronzesfrançais. L’exécution d’une statue en bronze implique denombreuses étapes qui conduisent du modèle à saretranscription dans le métal. Peut-on reconnaître dans cesétapes et dans les manières de les aborder une certaine unitétechnique qui marquerait la seconde moitié du XVIème siècle,voire le début du XVIIème en France ? Inversement, remarqueton dès cette période de réintroduction différentes écolesregroupant certains sculpteurs, fondeurs, ateliers, voire liées àcertains chantiers particuliers ? Par ailleurs, la réapparition dessavoir-faire associés à la statuaire en bronze pose la questiondes origines. D’où viennent ces techniques soi-disant oubliées :d’autres centres européens, de pratiques de fonderie concernantd’autres types de production ?Dans ce travail de thèse, nous nous sommes attachés à apporterdes éléments de réponse à ces différentes interrogations. Pource faire, des études technologiques ont été menées sur troisgrands ensembles marquant cette période de renouveau dansl’art du bronze : les copies en bronze de marbres antiques parPrimatice, les Vertus du monument funéraire d’Henri II et deCatherine de Médicis, les Allégories du monument de coeurd’Anne de Montmorency.Pour compléter ce corpus, des éléments isolés ont été étudiés :la Diane chasseresse de Barthélémy Prieur, l’Apollon duBelvédère, le Gladiateur Borghèse et la Vénus Médicisattribués à Hubert le Sueur. L’objectif a été de tenter de révélerprocédés, matériaux et savoir-faire engagés, complétant ainsiles données fournies par les documents d’archives quiaccompagnent ces commandes prestigieuses. La stratégied’étude employée a bénéficié de l’expérience des travauxentrepris ces trente dernières années. Des développementsméthodologiques ont néanmoins été nécessaires pour compléterles possibilités offertes par l’étude technologique de la statuaireen bronze. Ces développements ont en particulier concerné lesnoyaux de fonderie, ces matériaux employés pour réaliser desstatues creuses. Les résultats obtenus montrent que lespremières décennies de réappropriation de la grande statuaireen bronze sont marquées par l’emploi d’un même procédé àl’épargné qui trouve racine dans les procédés employés auMoyen-âge pour la fonte de cloches ou de canons par exemple.Mais dés le XVIIème siècle, le monopole de ce procédé sembleêtre mis à mal, preuve sans doute d’une émancipation desfondeurs et d’une innovation constante. Parallèlement à cesphénomènes dont les conséquences marquent la fonte statuaireen général, les sculpteurs, les fondeurs, développent dans leursateliers des savoir-faire personnels et innovent au cas par cas,selon la nature des commandes qu’ils reçoivent. / At the end of Antiquity, the manufacture of largebronzes is progressively abandoned. It reappears during the16th century in France, under the reign of Francis I, after morethan a millennium of quasi absence. At the heart of thisphenomenon, casting techniques play a major role and raisesseveral questions. First, the technical identity of large bronzescasted during this period must be investigated. Indeed, castinga statue involves numerous steps, from the model to the finalform in bronze: are those technical steps identifiable throughthe bronze statues characteristics? Are those featurescharacteristic of the craftsmanship of 16th century? Second,can we identify particular ways of bronze crafting associatedwith different schools, composed by sculptors and, or, foundrymen? The origins of technical skills are also to be questioned,especially the provenance of forgotten techniques: Europeanneighborhood or influence of metallurgical techniquesassociated to other kind of objects?In order to answer those questions, technical studies have beencarried out. A representative body of statues has beeninvestigated: the bronze copies of antique marble statues byPrimaticcio at the Fontainebleau palace, the Virtues and theroyal praying statues from the funerary monument of Henry IIand Catherine de’ Medici and the three Personifications thatdecorate the hearth monument of Constable Anne deMontmorency. Several isolated statues have also been studiedin order to complete the body of statues: Diana the huntress byBarthélémy Prieur, Borghese Gladiator and Apollo Belvedereattributed to Hubert le Sueur.This work aims at revealing the processes, materials andknowhow involved for each steps of bronze statuesmanufacture, in order to complete the data extracted fromarchive documents associated to those prestigious royalcommissions. The employed methodology is based on theexperience on this field of research acquired since threedecades by researchers all over the world. New developmentshave also been made to improve technological studies, such asan innovative approach for the characterization of castingcores. . Data obtained from the investigated body of statuesreveal that during the first decades of the 16th century, aspecific casting technique has been used: a spare process. Thisprocess has been strongly influenced by techniques steamingfrom the late Middle-age and the early modern period. Indeed,it exhibits technical similarities with bell and canon casting.However, the uniqueness of this process is challenged by theemergence, during the 17th century, of a second technique,namely the slush process. Emancipation of foundry-men fromthe main stream technique, and will of innovation mightexplain this change of process. Simultaneously to thosetechnical evolutions, sculptors and foundry-men developspecific skills and knowhow that influence the characteristicsof their bronze statues. Moreover, case to case adaptation alsoappears to influence the bronze statues characteristicsaccording to the kind of commission charged by the craftsmen
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Aux frontières du décor : le stuc dans l'art romain de la Renaissance. Marginalité, simulacres, transgressions / The frontiers of decoration : stucco in Renaissance roman art. Marginality, simulacra, transgressions

Cordon, Nicolas 01 December 2018 (has links)
Technique décorative antique plébiscitée par l’art romain, le stuc connaît une véritable renaissance à Rome durant le XVIe siècle. À partir d’un intérêt pour une esthétique antiquisante, les artistes modernes ont intégré le stuc à des problématiques plus précises concernant le dialogue entre les arts et l’exploration des frontières implicites et explicites délimitant l’art et son espace de réception. Le stuc est en effet employé à la Renaissance aussi bien en architecture (pour les moulures et ornements, pour recouvrir la brique et donner une allure « marmoréenne » aux édifices), en peinture (pour servir de support à la fresque et y intégrer le relief) et en sculpture (pour l’exécution de reliefs figuratifs et de figures allant jusqu’à la ronde-bosse, intégrées le plus souvent à un décor peint). Loin d’opposer ces disciplines, le stuc les relie en s’emparant de leurs modes d’expression pour les faire cohabiter au sein du décor et, ce faisant, permet aux artistes d’adopter un point de vue réflexif quant à leur pratique, orienté vers l’investigation des moyens et natures de la représentation. Cette introspection se double, comme un corollaire, d’une investigation des effets de l’art et de sa capacité à convoquer le spectateur, à l’impliquer et l’intégrer au sein de la représentation afin de rendre plus mouvantes et fluctuantes les limites du décor. À partir d’une position « ornementale », voire « marginale », nombre de figures de stuc exécutées à Rome dès avant l’âge Baroque semblent vouloir offrir à la notion de frontière une application très originale, où les questions du simulacre et de la transgression se trouvent subtilement investies et convoquées. / As an ancient decorative technique favoured by Roman art, stucco is given a genuine renaissance in Sixteenth century Rome. Modem artists’ general interest in Antiquity includes more precise considerations regarding the possible functions of stucco in the dialogue between the arts, and explorations of the frontiers separating art from its beholder. Indeed, stucco is being used during the Renaissance in architecture (for the moulding and ornaments, to coat brick walls and give it a "marmoreal" appearance), in painting (as an intonaco for fresco) and in sculpture (to make figurative reliefs and free standing figures, generally combined with mural paintings). Far from opposing the arts, stucco connects them by taking possession of their modes of expression to make them work together inside the decorative systems and, doing so, gives the artists the opportunity to adopt a reflexive point of view regarding their practice, looking toward the investigation of the nature and means of representation. This particular introspection is also a research on the effects of art and its ability to convoke the beholder, to make him part of the representation and make more ambivalent the boundaries of decoration. From an "ornamental", even "marginal" position, numerous stucco figures executed in Rome before the Baroque age give the concept of aesthetic frontier an original instance, where simulacra and transgression are ingeniously summoned.
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Un atelier jurassien au temps des Lumières, les Rosset : sculpteurs, ivoiriers et peintres comtois à Saint-Claude dans le Jura au XVIII siècle / A Jurassic workshop of the Enlightenment, Rosset : sculptors, sculptors of ivory, painters of Franche-Comté in the Jura in XVIIIth century

Pierre, Marie-Liesse 28 October 2013 (has links)
Le sujet traite de l'originalité de l'atelier de sculpture des Rosset de Saint-Claude dans le Jura (France) actif du XVIe au XIXe siècle. Original par sa production familiale d'objets d'art en ivoire et en marbre qui connut une diffusion européenne grâce aux portraits de Voltaire. Sculpteurs d'intérieur et «en petit», engagés dans le débat des Lumières, les Rosset sont aussi des statuaires comtois renommés et des peintres locaux. Le sujet est centré sur le XVIIIe siècle autour de l'œuvre de Joseph Rosset (1706-1786) âme de l'atelier, créateur de modèles réputés et que ses cinq fils, tous artistes, produiront en série avec lui et, après sa mort de manière indépendante, adaptant leur œuvre à l'évolution des goûts : Jean François alias Joseph Rosset (1734-1783) orfèvre, Jean-Joseph-Nicolas Rosset (1737-1809) prêtre et peintre, Jacques-Joseph Rosset (1741-1826), François-Marie Rosset (1743-1824) peintre voyageur en Turquie d'Asie et sculpteur et Claude-Antoine Rosset (1749-1818) peintre et sculpteur. Le volume I (265 pages). Le premier chapitre retrace l'histoire de l'atelier présent à Saint-Claude depuis le XVIe siècle, analyse le contexte du travail et la position sociale bourgeoise de la famille de Joseph Rosset au XVIIIe siècle. Le chapitre deux présente de manière critique la biographie de Joseph Rosset, dégage les caractères de son œuvre à tête de Janus, le sacré et le profane, à l'image de ses convictions, de sa foi religieuse catholique et de ses idées politiques libérales, qui met son art au service des Lumières. Enfin, un troisième chapitre, analyse l'œuvre de ses fils dans la continuité politique de l'idéal de leur père ; ils participent en citoyens à la mise en œuvre des réformes libérales de la Révolution. Le volume II (587 pages) présente le catalogue raisonné de l'œuvre de Joseph Rosset (1706-1786), tome 1, les œuvres religieuses, tome 2, l'œuvre en ivoire de l'atelier Rosset et, tome 3 l'œuvre profane en marbre. Le volume III (491 pages) est le catalogue raisonné de l'œuvre sculpté et peint de ses fils : tome 1, l'œuvre graphique et sculpté de Jacques Rosset (1741-1826) ; tome 2, l'œuvre peint et sculpté de François Rosset (1743-1824) ; tome 3 l'œuvre sculptée d'Antoine Rosset (1749 - 1818). / The subject treats originality of the workshop of sculpture of Rosset of Saint-Claude in the Jura (France) active from the XVIth until the XIX th century. Original by its family production works of art in ivory and marble which knews an European diffusion thanks to the portraits of Voltaire. Sculptors of interior and "into small", engaged in the debate of the Enlightenment, the Rosset are also famous sculptors of Franche-Comté and local painters. The subject is centered over the XVIIIth century around the work of Joseph Rosset (1706-1786) heart of the workshop, creator of famous models, whose five sons, ail artists, will produce in séries with him, and in an independent way after his death, adapting their work to the évolution of the tastes : Jean François, alias Joseph Rosset (1734-1783) goldsmith, Jean-Joseph-Nicolas Rosset (1737-1809) priest and painter, Jacques-Joseph Rosset (1741-1826), François-Marie Rosset (1743-1824) traveller painter of Turkey in Asia and sculptor, and Claude-Antoine Rosset (1749-1818) painter and sculptor. Book I. The first section relates the history of the workshop présent in Saint-Claude since the XVIth century, analyses the contex of work and the middle class social position of Rosset's family during the XVIIIth century. The second section shows in a critical way Joseph Rosset's biography, which brings out the characteristics of his Janus headed work, the sacral and the profane, picture of his believes, his catholic faith and his libéral political ideas and offers his art to the service of the Enlightenment. And then, in a third section analyses the works of his sons, in the political continuity of their father's ideals. They take part as citizen in the enforcement of the Révolution's libéral reforms. Book II introduces the reasoned catalogue of Joseph Rosset's work (1706-1786), section 1, the sacred work, section 2, the ivory work of the Rosset's Workshop and the third section the profane marble work. Book III is a reasoned catalogue of the sculpted work of his sons : section 1, the work of Jacques Rosset (1741-1826) ; section 2, the painted and sculpted work of François Rosset (1743-1824) ; section 3, the sculpted work of Antoine Rosset (1749-1818).

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