Depuis le début de leur reconnaissance artistique dans les années 1990, les photographes japonais Homma Takashi (né en 1962), Kawauchi Rinko (née en 1972), Sanai Masafumi (né en 1968) et Yamamoto Masao (né en 1957) ont publié de très nombreux ouvrages. En privilégiant le livre à l’exposition pour la présentation de leurs oeuvres, ils en ont fait un espace de confrontation entre des réflexions occidentales et des modèles nationaux traditionnels déjà existants, notamment esthétiques et littéraires. On observe aussi, chez ces photographes puisant leur inspiration dans leur environnement immédiat, des similitudes dans les thèmes photographiés, les démarches de production, tout comme dans les choix de mise en page des clichés.Au sein d’une étude élargie de l’histoire du livre de photographies au Japon, la démarche exemplaire de ces quatre artistes permettra de développer et d’analyser comment les pratiques de publication de la photographie ont pu nourrir, et nourrissent encore, le renouvellement de la photographie japonaise contemporaine. L’emploi du livre, objet aisément transportable, manipulable et reproductible, impose également de s’interroger sur la diffusion et sur la réception du travail de ces artistes, au Japon comme à l’étranger. En effet, le livre est aussi à envisager comme un médium qui matérialise les échanges entre l’Extrême-Orient et l’Occident. / Since the beginning of their artistic recognition in the 1990s, Japanese photographers Homma Takashi (born in 1962), Kawauchi Rinko (1972-), Sanai Masafumi (1968-) and Yamamoto Masao (1957-) have published numerous photobooks. By favouring the book over the exhibition to display their works, they turned it into a space where Western reflections and traditional Japanese models intersect, especially aesthetic and literary ones. The four photographers all take their inspiration from their own environment, but similarities can also be observed in the photographic subjects, production processes and page settings.In an expanded study of the history of photobooks in Japan, the exemplary approaches of these four artists will enable to develop and to analyse how photography publishing practices have fed – and are still feeding – the renewal of Japanese contemporary photography. Using the book (an object that can be easily carried, handled and mechanically reproduced) makes it necessary to wonder about the circulation and the critical reception of the artists’ work, both in Japan and abroad. Indeed, the book has to be considered as an artistic medium that materialises the relationships between the Far East and the West.

Les taches de couleur au sol ont toujours existé dans l’atelier. Je ne sais comment, subitement, un jour, je lesai vues, non pas comme une saleté «pittoresque», mais comme de la peinture, une peinture sur le sol, desprolongations du tableau en dehors de ses limites. J’ai photographié ces taches de peinture comme d’autresphénomènes périphériques au tableau. La pratique photographique à l’atelier a généré des documents quiincarnaient un regard sur la peinture en train de se faire. Je pense aujourd’hui que cette activité photographiquea largement contribué à une prise de conscience de mon travail en peinture et de ce qu’il est devenu par lasuite. L’enregistrement photographique des oeuvres fait partie de ce que l’on pourrait appeler la production dedocuments pour l’archive. Ces images sont destinées à la préservation d’une mémoire, à la création de dossiersou bien à l’illustration de sites Internet ou de publications.J’ai constaté chez d’autres peintres de ma génération, que le passage au numérique a non seulement développéle travailde postproduction directement lié à l’enregistrement des oeuvres -le plus souvent assumé par l’artistelui-même-, mais qu’il a aussi facilité une activité photographique parallèle que certains artistes assimilent à dela notation ou du croquis. Photographier son propre travail implique de donner à voir, en même temps queles oeuvres, le regard que nous portons sur elles. Mais la plupart du temps, ces images sont des documents.Le devenir-oeuvre de l’archive tient à une opération par laquelle, d’après Olivier Corpet, l’archive évite à l’oeuvrede se renfermer sur elle-même, de se dégrader, voire de se perdre: l’archive peut alors lui sauver la mise, laremettre en mouvement / Stains of color on the floor have always existed in the studio. I do not know how, suddenly, one day, I saw them, not as“picturesque” mess but as painting; a painting on the floor; extensions of the painting beyond its edges. I photographedthese paint stains like other phenomena peripheral to the painting. Photographic practice in the studio generateddocuments that incarnated a way of looking at the painting being made. Today, I think that this photographicactivity greatly contributed to an emerging awareness of my work in painting and what it became thereafter.Recording artworks in photographs is part of what we could call the production of documents for archives.These images are destined to preserve a memory, create files or illustrate websites or publications.I have observed among other painters of my generation that the change to digital not only developed postproductionwork directly linked to recording artworks – most often done by the artist him/herself – but alsofacilitated a parallel photographic activity that certain artists see as similar to note taking or sketching.Photographing one’s own work involves showing both the artwork and the way we look at it. But most often,these images are documents. The archival image becomes artwork in an operation by which, according to OlivierCorpet, the archive prevents the artwork closing in on itself, from degrading itself, or even becoming lost:the archive can thus save it and put it back in motion

This practice-informed research establishes points of intersection between reanimative practices within moving image work and queer theoretical positions. It frames this within autoethnographic understandings of memories pertaining to my adolescent experience of gay acculturation via textual sources. A bricolage methodology deriving from the work of Kincheloe and Berry (2004) is used. Multiple methods of investigation are employed including alternative archive creation, moving image tests and prototypes, processes of reading and re-reading and autoethnographic, reflective and academic writing practices. Analysis and evaluation are informed by selected queer theoretical concepts which correspond to the broad structural phases of reanimation. Research outputs deriving from these processes are i) moving image tests, ii) autoethnographic vignettes, iii) a moving image piece entitled Unbounded and iv) a written thesis. The research aims to build on current understandings of the term “reanimation” (Cholodenko, 1991, 2004, 2007a, 2007b, 2007c, 2009; Skoller, 2013; Wells, 1998; Wells & Hardstaff, 2008), particularly within moving image practices using “found” material, and to articulate these within a queer perspective. A contextual review assesses previous work on reanimation in research, scholarship and queer-related animation. A series of moving image tests establish a relationship between animation, deanimation and reanimation which, I propose, constitutes the reanimative process. I consider this practice-informed understanding in relation to analogous patterns and motifs in queer theoretical literature. Finally, evaluation of the evidence from my practice tests and the terminal piece, Unbounded, corroborate a proposed set of intersections. The conclusion offers a conceptualisation of the process of reanimation in my moving image practice and establishes that the reanimated outcome attests to its reanimated status through the “temporal composite” (Skoller, 2013). I build on work concerning queer forms of evidence (Muñoz, 1996, 2009), alternative archive creation (Cvetkovich, 2003), queer temporality (Freeman, 2010; Rohy, 2009; Stockton, 2009) and futurity (Bansel, 2012; Edelman, 2004; Muñoz, 2009) to demonstrate that this reanimative principle is reflective of contemporary queer concerns with historicity. This practice-informed research contributes to knowledge by extending a modest body of animation literature addressing sexuality (de Beer, 2014, 2015, January 21; Griffin, 1994; Halberstam, 2011; Padva, 2008; Pilling, 2012b; Takahashi, 2014; Wells, 1998; Wood, 2008) through its focus on the formal aspects of reanimation and interconnections with the queer, as opposed to the more frequently addressed issue of queer representation.

Ce travail de thèse propose une monographie de l’Exposition internationale du surréalisme qui se déroula à Paris en janvier-février 1938. Cette manifestation qui marque une date importante dans l’histoire des dernières véhémences du surréalisme sera étudiée dans une réflexion contextualisée du point de vue historique, idéologique et iconologique reposant prioritairement sur la base des archives, correspondances, témoignages, articles de presse et photographies de l’époque. La première partie de ce travail est consacrée à la reconstruction historique de cet événement, de sa genèse, aux préparatifs jusqu’à la visite de l’exposition, telle que les visiteurs purent la vivre le soir du vernissage à la Galerie Beaux-Arts le 17 janvier 1938. La seconde partie est dédiée aux œuvres et aux artistes. Cette recherche a pour objectif de proposer un catalogue au plus près de la réalité des œuvres ayant été exposées à la Galerie Beaux-Arts (voir Annexes II). Mais aussi d’aborder la volonté rétrospective de cette manifestation ainsi que le développement de l’internationalisation du mouvement au travers des nationalités représentées.La dernière partie de cette recherche s’attache à l’analyse des intentions avouées et inavouées de l’exposition de 1938 et à sa réception. Notamment à l’étude des enjeux de pouvoir historique, politique et artistique sous-jacents, qui permettent d’interpréter cette manifestation sous un angle différent, non pas celui d’un bilan du surréalisme, mais bien plutôt celui d’une revanche éclatante face à ses détracteurs et d’une réaffirmation de la suprématie du groupe parisien dans l’exposition du surréalisme. / This thesis dissertation propounds a monograph of International Exhibition of Surrealism, which was held in Paris in the months of January-February 1938.This event, which was an important landmark in the history of the last vehemences of Surrealism will be analysed in an outlook contextualized from an historical, ideological and iconological points of view. This research will be based primarely on archives, letters, testimonies, newspapers articles, photographs of the era. The first part of this work is devoted to the historical reconstruction of this event, from its genesis to the preparations until the visit of the exhibition, as the visitors were able to experience it on the opening evening at the Galerie Beaux-Arts on January 17, 1938. The second part is dedicated to the works and artists.The purpose of this research is to present a nearest catalogue of works exhibited in the Galerie Beaux-Arts (see Annex II).This research also analyzes the will of the surrealists to present a retrospective exhibition, as well as the development of the internationalisation of the movement. The last part of this research focuses on the analyses of the intentions spoken and unspoken of the exhibition of 1938 and its reception.Specially in regards to the study of underlying issues of powers, from an historical, political and artistic point of view. These issues analyse this event from a different angle : not that of a balance of Surrealism, but rather that of glittering revenge in front of his detractors and a reaffirmation of the supremacy of the Parisian group in the exhibition of Surrealism.

Gait recognition algorithms are being increasingly widely researched, however a common assumption is that the subject will be presented side on to the camera. In practice it may not be possible to capture data from this view, so a useful gait recognition algorithm will have to provide a measure of orientation independence. Three gait recognition algorithms are examined and found to perform poorly with nonnormal orientation. The complex detail used for recognition can not be translated between orientations in a holistic silhouette manner. It is shown that orientation independent features can be extracted using a human model. The algorithm is developed and tested on live captured data and found to perform better across orientations than silhouette based approaches. The performance recorded at a single orientation is lower than that of other approaches, however only the motion of the subject is currently used for recognition. More accurate motion estimation will increase performance as will the inclusion of other model based features.

Ermöglicht durch die Medientechnologien des Web 2.0 hat sich seit Mitte der 2000er Jahre ein kulturelles Nachahmungsphänomen im Internet entwickelt. YouTube, Flickr, Twitter und Co. haben zu einer Potenzierung und Beschleunigung der ohnehin vorhandenen ,Kultur des Kopierens’ geführt. Anhand der mehrteiligen Arbeit I’m too sad to tell you des Konzeptkünstlers Bas Jan Ader und deren Nachahmungen und Adaptionen wird hier beispielhaft untersucht, welche Auswirkungen, Potentiale und Begrenzungen sich aus dem Nachahmungsphänomen ableiten lassen und inwiefern der über die Videoplattformen erstellte User-Generated-Content als Archiv- und Quellenmaterial für eine künstlerische Forschung fungieren kann.

Mit seinen 8.000 Titeln spiegelt das Archiv des Arsenal – Institut für Film und Videokunst ein halbes Jahrhundert internationaler Filmkunst jenseits des Mainstreams anhand der lebendigen Geschichte einer Berliner Institution, die in ihrer Struktur weltweit einzigartig ist. In der Sammlung befinden sich Filme aus aller Welt, aller Genres, Längen und Formate. Das Arsenal versteht seine Sammlung als „Living Archive“ – ein Archiv, das nur in Bezug auf den Betrachter Bedeutung haben kann. Für das hier vorgestellte und kontextualisierte Projekt wurden über einen Projektzeitraum von zwei Jahren (2011–2013) 37 Künstler, Filmschaffende, Performer, Musiker, Kuratoren und Wissenschaftler, sowie vier Stipendiaten des Goethe-Instituts eingeladen, Projekte aus dem Archivbestand des Arsenal zu entwickeln. In der Umsetzung des Projekts wurde deutlich, dass Themen wie Forschung, Sicherung und Erhalt untrennbar mit heutigen Fragen zu Ausstellungspraxis, Kunstproduktion und Gegenwartspolitik verbunden sind.

In seinem Überblick über das neue schottische Kino geht Dietmar Böhnke (Leipzig) auf die politischen, ökonomischen und kulturellen Gründe der 'Renaissance' nach und diskutiert eine Reihe neuerer Filme, neben international bekannten wie Brave Heart und Trainspotting auch andere, die die Themen und stilistischen Merkmale dieses Kinos typisch zum Ausdruck bringen, etwa Lynne Ramsays Morvern Callar und Ken Loachs Ae Fond Kiss.

Das Projekt 2k17 widmet sich mit dieser Ausstellung dem lateinamerikanischen Kulturraum. Dabei werden historische Fakten, gesellschaftliche Besonderheiten oder politische Ereignisse fokussiert, befragt und in eine künstlerische Äußerung übersetzt. An die Seite der gezeigten Kunstwerken treten Begleittexte von Kunsthistoriker*innen, die sich auf die einzelnen Positionen und deren Verortung im Ausstellungskontext beziehen. Dieser Katalog erscheint anlässlich der Ausstellung „Mein Sehen bleibt physisch folgenlos“ des Projektes 2k17, vom 11. März bis zum 5. April 2019 in der ALTANA-Galerie Dresden.:Danksagung 3 Vorwort von Prof. Dr. Wolfgang Ullrich 4 Lateinamerika - von Dresden aus Gedacht Vorwort von Prof. Dr. Christoph Mayer 5 Karin Armbruster Text: Lucie Klysch 8 Gyde Becker Text: Maxi Elisabeth Wollner 12 Eric Beier Text: Luise von Nobbe 16 Anne Cathrin Brenner Text Maren Marzilger 20 Ursula Buchart Text: Maren Marzilger 24 Friederike Butter Text: Lucie Klysch 28 Teresa Ellinger Text: Jenny Mehlhorn 32 Käthe Elter Text: Nina Fischäss 36 Nadine Glas Text: Mirjam Glas 40 Viktoria Kurnicki Text: Luise von Nobbe 44 Marco Leitermann Text: Laura Gerstmann 48 Mona Pourebrahim Text: Laura Gerstmann 52 Felina Wießmann Text: Laura Gerstmann 56 Hamid Yaraghchi Text: Maxi Elisabeth Wollner 60 Sami Ajouri Text: Jenny Mehlhorn 64 Kurzbiographien der Teilnehmer*innen 68 Impressum 80

„Lives of Performers“ wird im Vorspann dem Genre des Melodramas zugeordnet. Dass man jedoch keinen Film mit einer Narration im konventionellen Sinn, eine Verkörperung dramatischer Gefühle durch Charaktere, eine auf Identifikation durch das Publikum zielende Darstellung der Schauspieler erwarten kann, deutet sich schon im Prolog an. Es geht nicht um Verkörperung, sondern um Repräsentation von Gefühlszuständen und Beziehungskonstellationen, die mit den Mitteln der Performance einer Art von Versuchsanordnung unterzogen werden. Eine tragende Rolle spielt dabei die Fotografie und das Fotografische. So arbeitet der Film in großem Ausmaß mit Inszenierungsformen wie der Pose, dem Mise en abyme und dem Tableau vivant.