Submitted by Morgana Silva (morgana_linhares@yahoo.com.br) on 2016-07-19T16:07:07Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 3174752 bytes, checksum: 88f111405b72edbce525df7192bf1b41 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-19T16:07:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 3174752 bytes, checksum: 88f111405b72edbce525df7192bf1b41 (MD5) Previous issue date: 2016-03-07 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The Christian Congregation in Brazil is an Evangelical Pentecostal Church, founded in 1910, in São Paulo. Today it is present throughout Brazil and in other countries. There are several reasons why this church has a significant place in teaching and learning music, among which may be mentioned: a division of labor between men and women in the execution of hymns during services, the presence of a set curriculum for training musicians in the Church and the way in which the institution is committed to maintaining a music ministry. This study investigated the music education of the organists of the Christian Congregation in Brazil, using case study as a methodological approach. The interviews with the ten organists who participated in the survey were conducted according to the procedures of collection and analysis of data in comprehensive interviews (KAUFFMANN, 2013). Procedures of documentary research (SA-SILVA; ALMEIDA; GUINDANI, 2009) were also adopted to better understand the Constitution of the Christian Congregation and the teaching materials adopted in their music education. Based on Berger and Luckmann's (1983) ideas of daily life, of primary and secondary socialization, of institutionalization and of social role, this study had the general objective to understand the process of learning music of the organists of the Christian Congregation in Brazil in the city of Juazeiro do Norte, Ceará. The specific objectives were to become acquainted with the music education in the Christian Congregation in Brazil and the relationship it has with the music learning of the organists, as well as reflect on the social role of the organists in the Church and the influence this has on the music learning being studied. As a result of this study, it was noted that the music learning process of the organists can be described as familial, religious and institutional. Most of the organists interviewed start learning music at home; these musical experiences play a big part in their memories: their parents' demands regarding practice of the instrument and the times when the family would gather to play. The experience of learning music in the Church is interlaced with the religion professed by the organists, so that learning music is interpreted in terms of the Christian faith. Admission into the Church's music lessons through a vocational direction, the guidance of the instructors for a life "more dedicated to God" and coping with learning difficulties from the perspective of a "dependence on God" are examples of this learning method influenced by religion. In addition, the music learning of the organists is institutional in the sense of being directed by a "minimum program" stipulated by the Church, and the internalization of a social role that is well-defined by the group. These aspects of the organists' music education are interconnected and form a complex phenomenon, considering the social and subjective dynamics of this context. / A Congregação Cristã no Brasil é uma Igreja Evangélica Pentecostal, fundada em 1910, na cidade de São Paulo. Hoje ela está presente em todo Brasil e em outros países. Algumas razões fazem com que essa Igreja possua um significativo espaço de ensino e de aprendizagem de música, dentre as quais podem ser citadas: uma divisão de tarefas entre homens e mulheres na execução dos hinos durante os cultos, a presença de um currículo definido para formação dos músicos na Igreja e o modo como a instituição está comprometida na manutenção de um ministério de música. Nesse contexto, foi realizada uma pesquisa que investigou a aprendizagem de música das organistas da Congregação Cristã no Brasil, tendo o estudo de caso como abordagem metodológica. Foram utilizados procedimentos de coleta e de análise de dados da entrevista compreensiva (KAUFFMANN, 2013) nas entrevistas com as dez organistas participantes da pesquisa. Foram adotados também procedimentos da pesquisa documental (SÁ-SILVA; ALMEIDA; GUINDANI, 2009), para conhecer melhor o Estatuto da Congregação Cristã e os materiais didáticos por ela adotados no ensino de música. Com base nas ideias de cotidiano, socialização primária, socialização secundária, institucionalização e papel social, de Berger e Luckmann (1983), a pesquisa teve como objetivo geral compreender como se dá a aprendizagem de música das organistas da Congregação Cristã no Brasil na cidade de Juazeiro do Norte, Estado do Ceará. Os objetivos específicos foram conhecer o ensino de música na Congregação Cristã no Brasil e a relação que o mesmo tem com a aprendizagem de música das organistas, bem como refletir sobre o papel social exercido pelas organistas na Igreja e a influência desse papel sobre a aprendizagem de música em questão. Como resultados da investigação, notou-se que a aprendizagem de música das organistas pode ser descrita como familiar, religiosa e institucional. A maioria das organistas entrevistadas começa a aprender música em casa, fazendo parte da memória das organistas as experiências musicais vivenciadas nesse contexto, a cobrança dos pais no estudo do instrumento e as ocasiões em que a família se reunia para tocar. A aprendizagem de música na Igreja é vivenciada de modo entrelaçado com a religião que as organistas professam, de modo que o aprendizado de música é interpretado nos termos da fé cristã. O ingresso nas aulas de música da Igreja por uma direção vocacional, as orientações das instrutoras para uma vida “mais dedicada a Deus” e o enfrentamento das dificuldades de aprendizagem na perspectiva de uma “dependência de Deus” são exemplos dessa aprendizagem influenciada pela religião. Além disso, a aprendizagem de música das organistas é institucional no sentido de ser direcionada por um “programa mínimo” estipulado pela Igreja e na interiorização de um papel social bem definido pelo grupo. Esses aspectos da aprendizagem de música das organistas são encontrados interligados e formam um fenômeno complexo, considerando as dinâmicas sociais e subjetivas desse contexto.

Submitted by Morgana Silva (morgana_linhares@yahoo.com.br) on 2016-07-21T16:30:42Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 3799587 bytes, checksum: da5ef68c2f776ecc7097c1010149dc82 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-21T16:30:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 3799587 bytes, checksum: da5ef68c2f776ecc7097c1010149dc82 (MD5) Previous issue date: 2015-03-26 / Popular musicians usually learn their instrument by ear, on their own and taking part of musical groups formed by mutual friends. Nowadays, they have also been seeking for formal education to enhance their knowledge and be more certified. Similarly, the formal spaces to learn music are changing as new courses are being created to supply this demand of new musicians. In this way, this study used the research methodology ‘action research’ to investigate how formal classes that use audio and video recordings affect the skills of popular drummers. The first three chapters of this work compose a bibliographic research that address, respectively, the popular musician, the drums as their musical instrument, and the recording technology. The approach action research was used in a process followed by a cycle so that the researcher could intervene in a practice, with the intention of change. Two participants who did not have any previous formal study were chosen and interviewed to understand what were their opinions about the formal study of the instrument, on the use of recording technology in a pedagogical form, and how were their careers as drummers. Then, four performance observations were done with each participant, assessing their practices in their musical style. A syllabus containing 12 classes was designed from the analysis of these data and a corresponding course was held between September 2013 and April 2014. These private lessons contained topics that are usually present in both formal and informal spaces of musical education. Another learning resource used was make recordings, which is usually regarded as a self-learning music. A period of five months after the interventions was required to seamlessly incorporate studies in the practices of the participants. After this, four more observations were performed with each participant to look for any signs of change. Although they demonstrated some possible effects from studies conducted in private lessons, the observations could not make it clear that these changes were only due to the process carried out in the action step. The changes were clearer after a final interview, which brought about the improvement of self-observation and self-criticism of the two drummers. Furthermore, the positive effects on the perception of “vices” that they carry and also how important was recording as means to learn how to play the drums. It was concluded that the formal studies that have been associated with previous knowledge of these two drummers brought new rhythmic phrases to their repertoires and perfected their ways of playing the instrument. / Os músicos populares normalmente aprendem a tocar sem o auxílio de professores, por conta própria, tirando músicas de ouvido e participando de grupos com amigos em comum. Atualmente, eles também têm se inserido no âmbito formal de ensino, buscando aprimorar os seus conhecimentos para uma melhor qualificação no mercado de trabalho. Da mesma forma, os espaços formais de ensino de música também estão se modificando, criando novos cursos para esta nova demanda de músicos. Assim, essa pesquisa teve como objetivo geral investigar, através de pesquisa-ação, como aulas teóricas e práticas com o recurso metodológico de gravações em áudio e vídeo influem na prática musical de bateristas populares. Para contextualizar o problema e fundamentar a análise, os três primeiros capítulos de base bibliográfica trataram de pontos específicos, sendo o primeiro voltado para o músico popular, o segundo para a bateria e o terceiro para a tecnologia da gravação. Foi utilizada a abordagem de pesquisa-ação, em um processo no qual se seguiu um ciclo para que o pesquisador pudesse intervir em uma prática, com a intenção de mudança. Depois da escolha de dois participantes que não tinham realizado estudos formais prévios, buscou-se compreender, por meio de uma entrevista, quais eram as suas opiniões em torno do estudo formal do instrumento, sobre o uso da tecnologia da gravação de forma pedagógica e como foram as suas trajetórias como bateristas. Em seguida, foram realizadas quatro observações com cada participante, avaliando as suas práticas em seus grupos musicais. A partir da análise desses dados, foi elaborado um plano de curso contendo 12 aulas, ministradas entre os meses de setembro de 2013 e abril de 2014. Através dessa intervenção na forma de aulas particulares, foram vistos alguns dos conteúdos que são comumente estudados nos espaços formais que contemplam o ensino de bateria, assim como outros assuntos que são normalmente tratados em ambientes não formais. Também foi utilizada a gravação como recurso de aprendizagem, modo que é comum na autoaprendizagem de instrumentos. Cinco meses após a intervenção, período este necessário para que os estudos pudessem ser incorporados de forma “natural” nas práticas dos participantes, ocorreram quatro (re)observações com cada um deles, na busca de algum sinal de mudança. Apesar de apresentarem alguns efeitos possíveis decorrentes dos estudos realizados nas aulas particulares, as (re)observações não puderam deixar claro se essas mudanças decorreram exclusivamente do processo realizado na etapa de ação. As mudanças ficaram mais claras através de uma entrevista final, que trouxe informações sobre a melhora da auto-observação e da autocrítica musical dos dois bateristas, além de efeitos positivos sobre a percepção dos “vícios” que eles carregam consigo e também o quanto é importante a gravação como forma de aprendizagem de bateria. Foi possível concluir que os estudos formais foram associados aos conhecimentos prévios desses dois bateristas, trouxeram novas frases rítmicas aos seus repertórios e aperfeiçoaram suas formas de tocar o instrumento.

Submitted by Morgana Silva (morgana_linhares@yahoo.com.br) on 2016-07-21T20:34:21Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 31535772 bytes, checksum: d64a71785054d002645c7f1ab0d7236c (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-21T20:34:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 31535772 bytes, checksum: d64a71785054d002645c7f1ab0d7236c (MD5) Previous issue date: 2015-02-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Nowadays, the choir practices have been established as an important music teaching method. These practices are accessible activities which provide the exploration and experience of music content through the use of the voice. Among the various vocal music initiatives in the educational context in Brazil, we highlight the non-profit sector projects, aiming not only the musical development, but also the development of human rights, the access to cultural and material resources as well as the search for social justice. In this context, we search to understand the teaching and learning processes of music, interwoven to the practice of children's choir, specifically contemplating the Project “Educação Musical Através do Canto Coral – um canto em cada canto” (UCCC Project), located in the city of Londrina-PR. In order to reflect and analyse the musical phenomena in the universe of this Project, this essay’s presents results of a research that had as goal to understand concepts, contents and teaching and learning methodologies that characterize the music formation in the UCCC Project, taking in consideration the socio-cultural particularities from the perspective of the subjects involved in this educational proposal. The theoretical framework is linked to the socio-cultural perspective of music education whose teaching and learning processes are understood in its context, space where they are built and put into practice. From the qualitative approach and the completion of an ethnography, we organized the methodological approach that covers the bibliographic and documentary research, participant observation, semi-structured interviews, focus groups and questionnaire. The analysis of the material takes into account the contextualization of the speech with the symbolic universe that permeates the actions of the participants involved in the Project, as well as the values and meanings that express their relationships with the educational activities and the artistic practice developed. The research results, with relation to concepts, show a focused educational approach to human development and the expansion of the musical and cultural universe of the participants. The contents relate to the repertoire, and some criteria guide their choice. As for the methodology used, the research revealed a proposal based on playful learning made possible through orality, imitation, repetition and thinking, in which the educator's role in the teaching of these procedures is of paramount importance for the success of the proposal. While not generalizable, the research results contribute to the unveiling of processes of the teaching and learning of music, favoring important discussions about how this teaching is established through cultural understanding and meanings related to musical practice of a particular group. / As práticas corais têm se constituído, na atualidade, como uma importante modalidade de ensino da música, apresentando-se como uma atividade acessível e proporcionando, a partir do uso da voz, a exploração e vivência de conteúdos musicais. No Brasil, entre as diversas iniciativas de canto coral no contexto educativo, destacam-se projetos do Terceiro Setor com propostas que objetivam, além do desenvolvimento musical, a valorização dos direitos humanos, o acesso aos bens materiais e culturais, bem como a busca por justiça social. Nesse contexto, foram investigados processos de ensino de aprendizagem da música imbricados à prática de coro infantil, contemplando especificamente o Projeto “Educação Musical Através do Canto Coral – um canto em cada canto” (Projeto UCCC), situado na cidade de Londrina- PR. Com vistas a refletir e analisar os fenômenos musicais no universo desse Projeto, esta dissertação apresenta resultados de uma pesquisa que teve como objetivo compreender concepções, conteúdos e metodologias de ensino e de aprendizagem que caracterizam a formação musical no Projeto UCCC, considerando as particularidades socioculturais e partindo do olhar dos sujeitos envolvidos na proposta educativa. O referencial teórico articulase com a perspectiva sociocultural da educação musical cujos processos de ensino e aprendizagem são compreendidos no seu contexto, espaço onde são construídos e colocados em prática. A partir da abordagem qualitativa e da realização de uma etnografia, organizamos o percurso metodológico que abrange a pesquisa bibliográfica e documental, observação participante, entrevistas semiestruturadas, grupos focais e aplicação de questionário. A análise do material considera a contextualização da fala com o universo simbólico que permeia a atuação dos personagens do Projeto, bem como os valores e significados que expressam as suas relações com a ação educativa e a prática artística desenvolvida. Os resultados da pesquisa, com relação às concepções, evidenciam uma proposta educativa voltada para a formação humana e a ampliação do universo musical e cultural dos participantes. Os conteúdos trabalhados relacionam-se com o repertório, sendo que alguns critérios norteiam a sua escolha. Quanto à metodologia empregada, a pesquisa revelou uma proposta fundamentada em procedimentos lúdicos viabilizados por meio da oralidade, imitação, repetição e reflexão, no qual o papel do educador na condução desses procedimentos apresenta-se essencial para o sucesso da proposta. Mesmo não sendo generalizáveis, os resultados da pesquisa contribuem no desvelamento dos processos de ensino e aprendizagem da música, favorecendo importantes discussões sobre como este ensino se estabelece mediante a compreensão cultural e dos significados relativos a prática musical de um determinado grupo.

Submitted by Morgana Silva (morgana_linhares@yahoo.com.br) on 2016-07-25T16:07:54Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 3917406 bytes, checksum: 84cf3bac7d4ce0c03e7c2bb543ec310e (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-25T16:07:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 3917406 bytes, checksum: 84cf3bac7d4ce0c03e7c2bb543ec310e (MD5) Previous issue date: 2015-03-25 / This work results from a research about Aboio’s (cow herding) singing in the Paraiba’s high sertão (backwoods) region, especially in these cities: Sousa, Cajazeiras, Marizópolis, São João do Rio do Peixe among surrounding municipalities. The focus is on the adaptive processes that this kind of chanting undergoes in order to survive as a manifestation of the Vaqueiros’ (Cowboy) voice and culture. Interviews and ethnographic research has been done with Aboio’s singers of this region seeking for an understanding of musical and sociological changes that have occurred to cowboy culture and how they influence and construct reality for contemporary cowboy. It follows that the aboio, actually, is very different from that described by Mário de Andrade since he organized the folkloric research missions in 1938. The aboio has adapted to new contexts and to the changes brought by modernity and late modernity in order to ensure its survival in northeast backcountry culture. / Este trabalho é resultado de uma pesquisa sobre o canto de aboio na região do alto sertão paraibano, em especial, os municípios de Sousa, Cajazeiras, Marizópolis, São João do Rio do Peixe e municípios circunvizinhos. Foca-se nos processos adaptativos que o aboio passa para sobreviver enquanto manifestação da voz e da cultura do vaqueiro. Foram feitas entrevistas e pesquisa etnográfica com os cantadores de Aboio da região buscando uma compreensão das transformações musicais e sociológicas por que passa a cultura do vaqueiro e como as mesmas influenciam e constroem a realidade do vaqueiro contemporâneo. Concluiu-se que o aboio está muito diferente da prática descrita por Mário de Andrade desde que organizou as missões de pesquisas folclóricas em 1938, pois o aboio se adaptou aos novos contextos e às mudanças trazidas pela modernidade e modernidade tardia a fim de assegurar sua sobrevivência na cultura do sertanejo nordestino.

Submitted by Morgana Silva (morgana_linhares@yahoo.com.br) on 2016-07-25T16:25:08Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 2809083 bytes, checksum: f6c4ea93ddc630fe9ffb1946c1712b7f (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-25T16:25:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 2809083 bytes, checksum: f6c4ea93ddc630fe9ffb1946c1712b7f (MD5) Previous issue date: 2015-03-31 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The Catholic Charismatic Renewal (CCR) is a movement originated in the United States in the late 1960s, inspired by the Protestant Pentecostal movement, also emerged in the United States in the early twentieth century. The emergence of RCC occurred shortly after the Second Vatican Council of the Catholic Church, which brought greater openness to the Church for the participation of the faithful and dialogue with other religions. Bringing strongly these two characteristics, the CCR had a revolutionary action within Catholicism, suffering great rejection at first, and gradually being accepted. This work intends to present the music as one of the key elements of the admittedly CCR practices, and being an element of great influence of Protestant Pentecostalism. Since the Catholic Church does not set strict rules for the musical practices of communities, charismatic music making has developed freely, directly linked to the Pentecostal Protestant songs at first, and gradually acquiring its own characteristics. The paper presents a background of the Protestant and Catholic Pentecostalism, the position of the Catholic Church in this context, and observations about some forms of Catholic music making. This work also shows that the CCR says about his own musicality, the role of music and musicians in the movement of spirituality, lectures contents given to musicians, recognized by charismatic artists, and some statements from interviews with musicians and members charismatic groups. Finally, the paper analyzes some of the songs played in the meetings of prayer groups that were visited, from the point of view of the letter, shape, body movements and melodies. / A Renovação Carismática Católica (RCC) é um movimento que originou-se nos Estados Unidos, no final da década de 1960, inspirado no movimento pentecostal protestante, surgido também nos Estados Unidos no início do século XX. O surgimento da RCC ocorreu pouco tempo após o Concílio Vaticano II da Igreja Católica, que trouxe uma maior abertura à Igreja para a participação dos fiéis e o diálogo com outras religiões. Trazendo fortemente essas duas características, a RCC teve uma ação revolucionária dentro do catolicismo, sofrendo grande rejeição no início, e sendo aceita pouco a pouco. Este trabalho pretende apresentar a música como sendo um dos elementos assumidamente fundamentais das práticas da RCC, e sendo um elemento de grande influência do pentecostalismo protestante. Uma vez que a Igreja Católica não estabelece regras rígidas para as práticas musicais nas comunidades, o fazer musical carismático desenvolveu-se livremente, diretamente ligado às músicas pentecostais protestantes no início, e pouco a pouco adquirindo características próprias. O trabalho apresenta uma contextualização do pentecostalismo protestante e católico, a posição da Igreja Católica nesse contexto, e observações acerca de algumas formas do fazer musical católico. Este trabalho também apresenta o que a RCC diz acerca da própria musicalidade, o papel da música e dos músicos dentro da espiritualidade do movimento, conteúdos de palestras dadas para músicos, por artistas carismáticos reconhecidos, e algumas declarações a partir de entrevistas com músicos e membros de grupos carismáticos. Por fim, o trabalho traz a análise de algumas das músicas tocadas nos encontros de grupos de oração que foram visitados, sob o ponto de vista da letra, forma, movimentos corporais e melodias.

Submitted by Morgana Silva (morgana_linhares@yahoo.com.br) on 2016-07-25T17:06:02Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 59847296 bytes, checksum: c986a87278ba6919e1c3ca6066356966 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-25T17:06:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 59847296 bytes, checksum: c986a87278ba6919e1c3ca6066356966 (MD5) Previous issue date: 2015-04-16 / Nowadays musical education has taken part of a diversity of themes and points related to multiple contexts of music formation that constitute the contemporaneous society. In this universe the studies about popular music has gotten place and projections which shows singularities that is a part of the musician’s formation who will deal with this phenomenon. Inside of these studies has appeared a diversity of researches about teaching and learning the electric guitar, an instrument which has a strong insertion in the scene of the popular music since the middle of the 20th century. So, the purpose of this work is to comprehend the mainly demands of the learners from the UFPB Music Course and also in which ways they are engaged with the proposals and the musical pedagogical practice of these courses. The study was realized in the basis of an approaching qualitative research that observed collected data like bibliographical and documental researches, interviews, observations. Furthermore, it was used a questionnaire which is more suitable in quantitative researches, a fundamental tool to achieve the purposes of this work. From the results it is possible to affirm that the UFPB Guitar Courses give to the students new perspectives to perform and new discovering to continue and develop their practice like a musician. However it is clear that there is a big difference between the proposals of the pedagogical projects of the courses and the expectations and demands of the learners, not just this, the directed formation for the singularities of popular music and the electric guitar. / A área de educação musical na atualidade tem contemplado uma diversidade de temas e de questões relacionadas aos múltiplos contextos de formação em música que constituem a sociedade contemporânea. Nesse universo, os estudos acerca da música popular têm ganhado espaço e projeção, apontando para singularidades que permeiam a formação do músico para lidar com tal fenômeno. No âmbito desses estudos, têm emergido uma diversidade de pesquisas sobre o ensino e aprendizagem da guitarra elétrica, instrumento que tem forte inserção na cena da música popular desde, pelo menos, a segunda década do século XX. Considerando esse contexto, este trabalho tem como objetivo discutir e analisar as interrelações entre as principais demandas do corpo discente e a proposta pedagógico-musical dos cursos de guitarra da UFPB. O estudo foi realizado como base em uma abordagem qualitativa de pesquisa, contemplando instrumentos de coleta de dados como: pesquisa bibliográfica, pesquisa documental, realização de entrevistas e observação participante. Além disso, foi utilizado também o questionário, instrumento mais característico da pesquisa quantitativa, mas fundamental para alcançar os objetivos propostos para a pesquisa realizada. A partir dos resultados obtidos é possível afirmar que os cursos de guitarra da UFPB têm propiciado ao estudantes novas perspectivas de atuação e novas descobertas para a continuidade e aperfeiçoamento de sua prática como instrumentista. Todavia, fica evidente que há, ainda, certo descompasso entre a proposta dos projetos políticos pedagógicos dos cursos e as expectativas e demandas dos discentes, sobretudo no que tange a uma formação mais direcionada para as singularidades da música popular e do instrumento guitarra.

Submitted by Morgana Silva (morgana_linhares@yahoo.com.br) on 2016-09-19T17:59:45Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 1594329 bytes, checksum: 35c7653a9196ce37c2c8d75e4c54f7ce (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-19T17:59:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 1594329 bytes, checksum: 35c7653a9196ce37c2c8d75e4c54f7ce (MD5) Previous issue date: 2015-03-25 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Historically, piano exercises have served a significant role in the development of piano pedagogy. Nonetheless, these drills still manage to provoke debates and cause frequent divergences of opinion among pianist and piano teachers world wide. Willing to offer further material for debate, the objective of this research is to develop a better understanding of how the teachers at the largest public schools in Recife (the Conservatório Pernambucano de Música and Universidade Federal de Pernambuco) handle the topic. In other words, whether or not they incorporate piano exercises into their teaching material. In order to collect this information, we used semi-structured interviews. As a theoretical basis of the proposed subject, this work will provide a historical description of piano technique and its evolution, explain the differences in approach of various “Piano Technique Schools”, explore the opinions of renowned pianists of the twentieth and twenty-first centuries, and compare those opinions to the ideologies of the teachers interviewed. The conclusion of this work relies on the fact that the use of technical exercises is still a controverse subject among piano teachers, surrounded by disagreements, conceptual incoherences and diversity of opinion. / Em que pese ser um tema bastante antigo no âmbito da pedagogia pianística, o uso dos exercícios de técnica ainda provoca debates e constantes divergências de opinião entre os pianistas e professores de piano mundo afora. Com a finalidade de fornecer mais material para discussão, este trabalho tem por objetivo investigar como um grupo de professores de piano da cidade do Recife (docentes ou ex-docentes das duas principais escolas de música públicas da cidade: Conservatório Pernambucano de Música e Universidade Federal de Pernambuco) utiliza esse material, ou se o rejeita completamente na sua prática pedagógica. Para coletar essas informações, optamos pelo uso de entrevistas semi-estruturadas. Neste trabalho podemos encontrar, como embasamento teórico do tema proposto, um histórico da técnica pianística, onde se discutem aspectos ligados à pedagogia pianística e às chamadas Escolas de Técnica Pianística; relatos de importantes pianistas do século XX e XXI e suas posturas acerca da utilização dos exercícios técnicos, e uma comparação analítica entre suas opiniões e as dos professores do Recife entrevistados. À guisa de conclusão do trabalho vemos que a utilização de exercícios técnicos ainda é um tema controverso no meio pianístico, cercado de desacordos, de divergências conceituais e diversidade de opiniões.

Submitted by Morgana Silva (morgana_linhares@yahoo.com.br) on 2016-09-19T18:12:59Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 8141967 bytes, checksum: 7954c131b4c641394c45ef6bf6e2c8e6 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-19T18:12:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 8141967 bytes, checksum: 7954c131b4c641394c45ef6bf6e2c8e6 (MD5) Previous issue date: 2016-07-18 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Written during Siqueira‟s third compositional period the Recitativo, Ária e Fuga para violoncelo e orquestra de cordas (1972) combines neo-baroque elements with the sounds of northeastern Brazil. This research aims to present an approach about the aesthetic and interpretative dimensions of the work. Formulated from an extremely compact structure, in three movements, whose total duration does not reach nine minutes, the composer uses a series of 12 sounds generated by the superposition of ascending which is the fourths, main elements of the Recitativo. The Ária is marked by a chromatic bass line that continues throughout the movement. The work ends with a fugue whose subject and counter-subject are structured from motivic elements originated from previous movements, whose production comes from modal scales. This combination of compositional techniques comprise to a neo-baroque structure that can be seen as an expansion of the French Overture, as discussed in the text. This study is complemented with the edition of the work in more than one version edition of orchestral score, a piano reduction, and a performance edition which includes fingering and bowing suggestions that are defined by interpretative concepts originated from the analysis presented in this study as well as from the perfomances of the work during the Master‟s Program. / Escrito na terceira fase composicional de José Siqueira, o Recitativo, Ária e Fuga para violoncelo e orquestra de cordas (1972) combina elementos do neobarroco com sonoridades do nordeste do Brasil. O presente trabalho objetiva apresentar uma abordagem acerca das dimensões estéticas e interpretativas da obra. Elaborada a partir de uma estrutura extremamente compacta, disposta em três movimentos, cuja duração total não chega a nove minutos, o compositor utiliza uma série de 12 sons, gerado pela superposição de quartas ascendentes como elemento principal do Recitativo. A Ária é marcada por uma linha cromática do baixo que perdura por todo o movimento. A obra se encerra com uma fuga na qual sujeito e contra-sujeito são elaborados a partir de elementos motívicos oriundos dos movimentos anteriores, cuja elaboração advém de escalas modais. Esta combinação de técnicas composicionais se enclausura em uma estrutura neobarroca que pode ser vista como uma expansão da Abertura Francesa, conforme analisado no texto. O presente estudo se complementa com a edição da obra em mais de uma forma: editoração da grade orquestral, uma redução para violoncelo e piano, além de uma edição de performance com sugestão de dedilhados e arcadas definida pela concepção interpretativa gerada a partir das análises aqui apresentadas e das performances realizadas por esta autora.

Submitted by Morgana Silva (morgana_linhares@yahoo.com.br) on 2016-09-19T19:05:45Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 8865881 bytes, checksum: bedfecc97e2e879b95059dbdfd5518d1 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-19T19:05:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 8865881 bytes, checksum: bedfecc97e2e879b95059dbdfd5518d1 (MD5) Previous issue date: 2015-06-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The aim of this research is to investigate the musical identity of Brazil’s northeastern backlands in Brazilian composer (from Vitória da Conquista – BA) Elomar Figueira Mello’s songbook (CANCIONEIRO). Also, the thesis has the purpose to analyze the modes by which this identity is expressed in the performances made by Elomar itself and by other performers of his music. For achieving this aim, I have built a corpus of five songs picked up from his CANCIONEIRO (that has in full 49 songs). The text develops itself around the analysis of these five songs, from four record sources: 1. the scores published in the collection CANCIONEIRO (2008); 2. the sound recordings of the songs made by the composer himself; 3. the sound recordings of the songs made by other performers; 4. transcriptions, carried out by myself, of the sound recordings made by other performers. Data gathering used sound-documentary research and fieldwork, with direct contacts with the artist, participant observation, personal or virtual contact with admirers and artists related to Elomar’s work. The thesis that results of the research is divided into four chapters, which bring to light eight characteristics of Elomar’s musical and artistic identity. At all, eight characteristics were identified: 1. the sonic-instrumental conception as a means of cultural resistance; 2. Elomar’s personal style in guitaristic execution; 3. employment of “typical” sounds of Brazilian Northeastern Backlands; 4. the relationship with cantoria (a Brazilian backland’s typical form of popular sung poetry); 5. border music; 6. the imaginary constituted around medieval art and literature; 7. the imagination of Elomar regarding the rural exodus due to the drought in the hinterland; 8. the personal option for an independent pathway in Brazilian music business. / O objetivo desta pesquisa é investigar a identidade sonora do sertão nordestino presente nas canções (o CANCIONEIRO) do compositor brasileiro Elomar Figueira Mello, de Vitória da Conquista – BA, e identificar de que maneira essa identidade é expressada por ele próprio enquanto intérprete e por outros intérpretes. Para este objetivo, selecionamos um corpus de cinco canções de seu CANCIONEIRO (cujo total é de 49 canções). O trabalho gira em torno da análise dessas cinco canções, a partir de quatro fontes: 1. as partituras publicadas na coletânea CANCIONEIRO (2008); 2. os registros sonoros das canções feitos pelo próprio compositor; 3. os registros sonoros das canções feitos por outros intérpretes; 4. transcrições, realizadas por mim, dos registros sonoros feitos por outros intérpretes. A coleta de dados utilizou a pesquisa sonoro-documental e o trabalho de campo, com contatos diretos com o artista, observação participante, contato pessoal ou virtual com cúmplices e artistas relacionados ao trabalho de Elomar. A dissertação resultante da pesquisa está dividida em cinco capítulos, que trazem a lume oito características da identidade sonora e artística de Elomar: 1. a concepção sonorainstrumental como forma de resistência cultural; 2. o estilo pessoal de execução violonística; 3. o trabalho sobre as sonoridades “típicas” do Nordeste; 4. a relação com a arte da cantoria; 5. música de fronteira; 6. o imaginário constituído em torno da arte e a literatura medievais; 7. o imaginário com relação ao êxodo rural decorrente da seca no sertão; 8. a opção pelo caminho independente no mercado musical.

Submitted by Morgana Silva (morgana_linhares@yahoo.com.br) on 2016-09-19T19:14:05Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 4549937 bytes, checksum: dec8aff296db94da24e99c834d2ed8bd (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-19T19:14:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 4549937 bytes, checksum: dec8aff296db94da24e99c834d2ed8bd (MD5) Previous issue date: 2015-06-23 / The proposal of this dissertation is a critical translation of five extracts from the Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen (essay of a method to play the flute), by Johann Joachim Quantz, published in Berlin in 1752. This work presents essential questions about the German Flute Technique and about the instrumental practices from the eighteenth century. It’s importance and influence is justified by it’s widely dissemination over the centuries after many different editions and translation to many languages form German to Japanese. Translate this work to Portuguese turn it possible the access of a Brazilian student to a fundamental primary fount of information about the musical practices of the eighteenth century. This translation was made from a compilation of the French (1752), the English (2001) and Spanish (2007) editions. For the comments, it was tried to do an immanent reading with the purpose of unveil the categorical connections the influenced Quantz in the construction of his technical and musical ideas. This reading embraced a aesthetical, historical and musical analysis of some specific parts of the treaty, based, mainly, on the technical and musical concepts of Taffanel e Gaubert (1958) and Henry Altès (1880), and on the historical and aesthetical perspectives of Enrico Fubini (1970, 2008) and Nikolaus Harnoncourt (1998). It can be understood then that the music and/or the flute learning, specifically, demands the development of a technique that can be only achieved through a widely human formation that could unite practical knowledge and academic formation, experience and knowledge. Music by Quantz aims to move human trough a sound that is based in expression, ideal the music can be made from sensitive and affective melodic conduction. / A proposta é realizar uma tradução comentada de cinco extratos do Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen (Ensaio de um método para tocar a flauta transversal), de Johann Joachim Quantz, publicado em Berlim no ano de 1752. Esta obra trata de questões fundamentais sobre a técnica da flauta alemã e da práxis instrumental, portanto, musical dos anos setecentos. A relevância e influência se justificam por sua ampla disseminação, realizada através de numerosas edições e traduções, que vão desde o alemão até o japonês. Verter os trechos selecionados para o português possibilita o acesso do estudante brasileiro a uma importante fonte primária sobre a prática musical do século XVIII. A tradução foi realizada através de cotejamento entre as edições francesa (1752), inglesa (2001) e espanhola (2007). Para os comentários, buscou-se fazer uma leitura imanente com intuito de desvendar os nexos categoriais que arrimaram Quantz na construção de seu ideário técnico e musical. Esta leitura abarcou uma análise estética, histórica e musical de temas pontuais do tratado, fundamentada, principalmente, nos conceitos técnicos e musicais de Taffanel e Gaubert (1958) e Henry Altès (1880), e nas perspectivas históricas e estéticas de Enrico Fubini (1970, 2008) e Nikolaus Harnoncourt (1998). Percebe-se, então, que o aprendizado da música ou da flauta, especificamente, exige a construção de uma técnica que só se realiza através de uma formação humana mais ampla, que possa unir saber prático e formação intelectual, experiência e conhecimento. A música de Quantz pretende mover as paixões humanas através de uma sonoridade que se funda em expressividade, ideal este que se faz música através de condução melódica sensível e afetiva.