Orientador : Luise Weiss / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-04T03:45:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Mariotto_RosanaGuimaraes_M.pdf: 13396931 bytes, checksum: 4d60d263c3fba796f1dfa174a6616d6b (MD5) Previous issue date: 2004 / Resumo: Este trabalho consiste em um estudo tridimensional denominado Receptáculos. Trata-se de vinte peças realizadas no período que vai de 1998 a 2004, utilizando-se cerâmica, porcelana, prata e cobre. Receptáculos é um conjunto que foi desenvolvido a partir de uma concepção inicial que buscava evocar, na tridimensionalidade, o corpo feminino na função de abrigo. No decorrer do processo, essa procura se transforma na tentativa de captação de um espaço interno. Neste texto, relata-se a trajetória de sua concretização, desde a vivência que desencadeou sua busca, os procedimentos realizados no atelier, os desenhos que acompanharam toda a reflexão e feitura das peças, até as reflexões finais sobre o processo de criação, após o término dos trabalhos / Mestrado / Artes / Mestre em Artes

El tema de esta tesis es: El rostro humano en la pintura. El mismo que se ve reflejado en el retrato, el autorretrato y el retrato colectivo, siendo el rostro humano, considerado como el espejo de la existencialidad del hombre y expuesto aquí en calidad de representación simbólica de la misma. Al respecto, se tomaron dos ejemplos de la pintura, que versan sobre este tema y que, a su vez, son considerados hitos fundamentales en el arte y su historia: "La Gioconda" de Leonardo da Vinci, y, "Autorretrato con la oreja vendada" de Vincent Van Gogh. El primero, por ser por sí solo el gran ejemplo de la pintura, la misma que en una reproducción fuera utilizada por Marcel Duchamp, en el inicio del arte de concepto; y, el segundo, por ser la imagen de uno de lo grandes del color, considerado iniciador del Expresionismo y del Fauvismo y que aún nos entrega lecciones y fuerza expresiva. Si uno es el análisis y el concepto; el otro es la pasión creadora en torno al desarrollo de la expresión propiamente pictórica. Estos ejemplos, son el pie de partida para realizar un análisis más extenso, desde mi forma de ver el arte y la pintura figurativa.

Orientador: Marco Antonio Alves do Valle / Made available in DSpace on 2018-08-16T23:47:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Andriani, Andre Guilles Troysi de Campos_M.pdf: 2648130 bytes, checksum: fbd0ab5d88a2ec8acd7031d37f2a923e (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Esta pesquisa teve como objetivo primordial levantar e apontar a importância da Fundação Nacional de Artes (FUNARTE) através do Instituto Nacional de Artes Plásticas (INAP), no desenvolvimento de uma política cultural para as artes plásticas, abrangente e democrática, jamais vista na história do Brasil até então. Demonstramos aqui a relevância do INAP no desenvolvimento cultural da arte brasileira contemporânea nas décadas de 70 e 80 e suas interações com a sociedade civil, em especial com a Associação Brasileira de Artistas Plásticos Profissionais (ABAPP), destacando as principais personalidades destas instituições que influenciaram o panorama das artes plásticas no Brasil através de projetos, debates e embates. Para concretizar esta pesquisa foram necessárias diversas viagens à cidade do Rio de Janeiro, onde foram feitos levantamentos de documentos no Centro de Documentação da FUNARTE (CEDOC), arquivos particulares e intensa pesquisa em jornais e revistas do período. Também foram registradas, nove horas e meia de entrevistas, com ex-diretores do INAP, ex-presidentes da ABAPP e artistas plásticos. Com todos os dados obtidos e confrontados, acreditamos ter conseguido demonstrar o pioneirismo da FUNARTE ao implantar uma política cultural que abarcava as novas linguagens de artes plásticas que não usufruíam os espaços públicos naquele momento e no intenso esforço de levar a atuação da instituição aos estados da Federação menos favorecidos em políticas públicas culturais. Foi também destacada a importância da ABAPP no pólo oposto deste processo, não como simples opositora, mas como provedora de propostas políticas e artísticas, com reivindicações próprias e inovadoras, proporcionando autonomia aos artistas plásticos durante o período de regime militar (1964- 1986). Concluiu-se que a FUNARTE e o INAP foram positivamente confrontados pela ABAPP e tiveram em seus quadros, profissionais competentes que trabalharam para descentralizar as ações do INAP do eixo Rio/São Paulo. Atuaram dentro do possível, combatendo as barreiras geográficas, econômicas e ideológicas do mercado de arte brasileiro dos anos 70, que haviam se infiltrado nos museus, galerias e salões públicos. Infelizmente o fechamento da FUNARTE durante o governo Collor de Mello em 1999, desincumbiu o Estado para com a cultura no Brasil de forma direta e provocou uma desestruturação geral nas artes plásticas, principalmente em ações para o jovem artista. O apoio estatal às artes plásticas foi transferido aos descontos via Lei Rouanet o que confluí para as idéias do Estado mínimo neoliberal, delegando aos departamentos de marketing dos patrocinadores, importantes decisões que têm se mostrado injustas socialmente. Atualmente vemos a tentativa do restabelecimento de um lugar legítimo para a FUNARTE e esperamos que esta retorne ativa através do atual CEAV (Centro de Artes Visuais da FUNARTE), deixando de ter um papel apenas burocrático e assumindo uma atuação efetiva e direta na cultura das artes plásticas, seguindo o exemplo pioneiro do antigo INAP, e se possível atingindo patamares superiores de excelência, proporcionais ao panorama atual / Abstract: The main purpose of this study was to investigate the importance of the National Foundation for the Arts (Fundação Nacional de Artes - FUNARTE) through the actions of the National Institute for the Fine Arts (Instituto Nacional de Artes Plásticas - INAP) in designing a cultural policy for the fine arts in Brazil. We demonstrate the relevance of INAP in the cultural development of contemporary Brazilian art in the 1970's and 80's as well as the Institute's interactions with the civil society, especially with the Brazilian Association of Fine Arts Professionals (Associação Brasileira de Artistas Plásticos Profissionais - ABAPP). Those institutions were also studied by focusing on their participants, especially the ones who most influenced the fine arts scenario in Brazil, eitherby means of projects, debates or clashes of ideas. The data for this research was collected from documents at the FUNARTE Documentation Center (CEDOC) in Rio de Janeiro; private archives; newspapers and magazines from the period; and a 9-and-a-half-hour video produced for this research, featuring interviews carried out with former directors of INAP, former presidents of ABAPP and fine artists. The data were collected and confronted by using historic and comparative methods; we believe they indicate the innovative role played by FUNARTE at designing and implementing a cultural policy that disseminated the new languages of fine arts in the foundation's projects and venues. The data also points to the foundations' great effort to promote its policy in the states of the Federation that had been least benefitted by earlier cultural public policies. The importance of ABAPP emerges in the opposite pole of this process, not simply as an opponent, but also as the promoter of political and artistic proposals, with singular and innovative demands that fostered autonomy among fine artists during the military regime (1964-1986). The results allow us to conclude that FUNARTE and INAP were positively challenged by ABAPP and that their members were competent professionals that worked to decentralize the actions of INAP from the Rio/São Paulo axis. Such professionals acted with all available means to overcome the geographical, economic and ideological barriers of the Brazilian art market of the 1970's, which had insidiously dominated museums, art galleries and public salons. Unfortunately, the closing down of FUNARTE during the presidency of Fernando Collor de Mello in 1999 broke the State free from its commitment with Brazilian culture and triggered an overall disarticulation of the fine arts, with a consequent democratic recess. FUNARTE is presently trying to reestablish it own legitimate role. We hope the foundation accomplishes this goal by the actions of the FUNARTE Center for the Visual Arts (Centro de Artes Visuais da Funarte - CEAV), leaving behind its bureaucratic praxis and assuming a more direct and effective role in the culture of fine arts, not only following the pioneer example of INAP but also excelling in terms of the challenges that face the present social scenario / Artes Visuais / Mestre em Artes

Made available in DSpace on 2018-08-01T23:30:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_10416_Dissertacao_Thiago_Arruda_Galeria_de_Arte_Álvaro Conde.pdf: 3410840 bytes, checksum: c78ad4f4f3e93b1037747570e5c37c63 (MD5) Previous issue date: 2016-11-16 / presente pesquisa tem como objetivo analisar a atuação da Galeria de Arte Álvaro Conde (GAAC) a partir de 1986, ano em que foi reaberta, e suas contribuições para a ampliação do repertório das artes plásticas no estado. Para isso, faz uma leitura histórica sobre o panorama socioeconômico e cultural do século XX, no Espírito Santo, bem como suas interlocuções com as políticas públicas voltadas para a arte e a cultura. Este estudo concentra-se em um ciclo de mostras estaduais, entre 1987 e 1988, e propõe uma reflexão sobre as exposições, a galeria e seu acervo. Ao resgatar a história desse espaço, destaca-se sua importância para o cenário local das artes, em contraponto com o isolamento cultural e as desiguais condições de produção e divulgação das artes no Espírito Santo, quando comparado a outros estados do país. Palavras-chave: Artes plásticas. Espírito Santo. Galeria de Arte Álvaro Conde. Memória. Identidade.

Pour souligner la pertinence dans ce qui fait problème dans les concepts polarisés de la réduction du sensible ou l’exacerbation du rationel qui guident les actions éducatives en arts plastiques dans l’enfance, l’étude fait immerger les contradictions et les ambigüités de la tension philosophique autour des notions de l’image picturale et l’imagination poétique à partir du contraste entre l’héritage culturel qui renvoie aux anciens grecs et la rupture due à la phénoménologie de l’imagination poétique chez Gaston Bachelard. Entre la sacralisation ou la condamnation philosophique qui demeure et ce que la phénoménologie bachelardienne de l’imagination matérielle projette dans l’éducation dans son interlocution avec Merleau-Ponty et Paul Ricoeur, on peut dire que l’imagination n’est pas une dynamique désordonée, le vestige fantasmé de la perception visuelle, au contraire, c’est la dynamique projective qui trouve toute sa force ou son énergie transfigurée quand elle place le corps en langages et transfigure la réalité pour engendrer des récits et modeler des actions dans la convivialité mondaine. Il s’agit d’une affirmation qui exige dans l’éducation enfantine l’importance dans la formation de l’expérience de l’enchantemant des premiers apprentissages extraits d’un savoir faire – fingere – qui depuis l’enfance constitue la ligne de démarcation à partir de laquelle on apprend à interpréter et à engendrer des actions qui donnent aux choses un autre cours. Cette étude, qui côtoie l’histoire de l’art et l’éducation, ne traite pas de la dimension historique, mais elle envisage un problème qui établit un rapport entre art et éducation depuis la philosophie. C’est uniquement en sortant du domaine de l’art, de l’éducation, de l’enfance, il est possible de se rendre compte d’un espace vide dans la discussion sur la dimension éducative de l’art dans l’enfance. Seulement d’un autre lieu, où la question de l’imagination poétique apparaît en tant que problème, il est possible d’écouter le silence autour du rapport entre la dimension fictionnelle et l’apprentissage du langage plastique et, ainsi, se rendre compte de l’absence de la discussion sur comment on la conçoit en éducation. / Para abarcar a relevância de problematizar concepções polarizadas na redução do sensível ou exacerbação do racional que orientam ações educativas em artes plásticas na infância, o estudo faz emergir as contradições e ambigüidades da tensão filosófica em torno das noções de imagem pictórica e imaginação poética a partir do contraste entre o legado cultural que remonta aos gregos antigos e a ruptura promovida pela fenomenologia da imaginação poética em Gaston Bachelard. Entre a sacralização ou a condenação filosófica que permanece e o que a fenomenologia bachelardiana da imaginação material projeta à educação, em sua interlocução com Merleau-Ponty e Paul Ricoeur, podemos afirmar que a imaginação não é dinâmica desordenada, vestígio fantasmal da percepção visual, pelo contrário, é dinâmica projetiva que encontra toda sua força ou energia transfigurativa quando coloca o corpo em linguagens e transfigura a realidade para engendrar narrativas e plasmar ações na convivência mundana. Afirmação que exige passar a considerar na educação infantil a importância formativa da experiência de encantamento das primeiras aprendizagens extraídas de um saber fazer – fingere – que desde a infância constitui a linha de demarcação a partir da qual aprendemos a interpretar e engendrar ações que dão às coisas outro curso. Este estudo, embora toque os limites da história tanto da arte como da educação, não diz respeito à dimensão histórica mas aponta um problema que é colocado à relação entre arte e educação desde a filosofia. Somente saindo do âmbito da arte, da educação, da infância, é possível constatar a existência da lacuna na discussão sobre a dimensão educativa da arte na infância. Apenas de outro lugar, onde a questão da imaginação poética apareça como problema, é possível escutar o silêncio em torno da relação entre dimensão ficcional e aprendizagem da linguagem plástica e, assim, constatar a ausência da discussão sobre como a concebemos na educação. / In order to deal with the relevance of problematizing polarized conceptions in the reduction of the sensitive or in the exacerbation of the rational which orient the educational procedures in visual arts in childhood, this work brings up the contradictions and ambiguities of the philosophical tension around the notions of pictorial image and poetic imagination by means of contrasting the cultural legacy since the ancient Greece and the rupture promoted by the phenomenology of poetic imagination put forward by Gaston Bachelard. Between the sacralization or the remaining philosophical condemnation and what the Bachelardian phenomenology of material imagination projects to the education, in its dialogue with the works of Merleau-Ponty and Paul Ricoeur, we may affirm that the imagination is not a disordered dynamics, a phantasmatic remainder of visual perception, but, on the contrary, it is a projective dynamics which finds all of its strength or energy transfigured when it translates the body into languages and transfigures reality to engender narratives and plasmate actions in everyday’s living together. Such an affirmation demands that we begin to consider, in child education, the formative importance of the experience of enchantment of the first learning extracted of a know how to do – fingere – which since childhood has constituted the demarcation line from which we learn how to interpret and engender actions which make things take another course. Although the present work touches the thresholds both of art and education, it does not concern the historical dimension, but points to a problem which is put by philosophy about the relationship between art and education. Only if we move away from the domains of art, education and childhood, it will be possible to realize the existence of a gap in the discussion about the educative dimension of art in childhood. Only from another standpoint, where the question of poetic image appears as a problem, we can listen to the silence around the relationship between the fictional dimension and the learning of the pictorial language, and so perceive the absence of the discussion about how we conceive it in education. / Para abarcar la relevancia de problematizar concepciones polarizadas en la reducción de lo sensible o exacerbación de lo racional que orientan acciones educativas en artes plásticas en la infancia, el estudio hace emergir las contradicciones y ambigüedades de la tensión filosófica acerca de las nociones de imagen pictórica e imaginación creadora a partir del contraste entre el legado cultural que remonta a los griegos antiguos y la ruptura promovida por la fenomenología de la imaginación poética en Gaston Bachelard. Entre la sacralización o la condenación filosófica que permanece y lo que la fenomenología bachelardiana de la imaginación material proyecta a la educación, en su interlocución con Merleau-Ponty y Paul Ricoeur, podemos afirmar que la imaginación no es dinámica desordenada, vestigio fantasmal de la percepción visual, al contrario, es dinámica proyectiva que encuentra toda su fuerza o energía transfigurativa cuando coloca el cuerpo en lenguajes y transfigura la realidad para engendrar narrativas y plasmar acciones en la convivencia mundana. Afirmación que exige pasar a considerar en la educación infantil la importancia formativa de la experiencia de encantamiento de los primeros aprendizajes extraídos de un saber hacer – fingere – que desde la infancia constituye la línea de demarcación a partir de la cual aprendemos a interpretar y engendrar acciones que dan a las cosas otro curso. Este estudio, aunque toque los límites de la historia tanto del arte como de la educación, no dice respeto a la dimensión histórica pero apunta un problema que es colocado a la relación entre arte y educación desde la filosofía. Solamente saliendo del ámbito del arte, de la educación, de la infancia, es posible constatar la existencia de la lacuna en la discusión sobre la dimensión educativa del arte en la infancia. Apenas de otro lugar, donde la cuestión de la imaginación poética aparezca como problema, es posible escuchar el silencio alrededor de la relación entre dimensión ficcional y aprendizaje del lenguaje plástico y, así, constatar la ausencia de la discusión sobre cómo la concebimos en la educación.

Submitted by Anderson Marinho da Silva (ams2005@oi.com.br) on 2017-01-29T10:32:33Z No. of bitstreams: 10 Capa ... sumário.pdf: 340053 bytes, checksum: fd462c74a718b3e8f97a1bdde3f3eb17 (MD5) 1 Introdução.pdf: 90132 bytes, checksum: 12d01806bd1db0e538a94b8eb49176aa (MD5) 2 A PINTURA DE MARINHA, SUA ORIGEM E DESENVOLVIMENTO.pdf: 258566 bytes, checksum: c110a3aecc6803845aa7f0f9a2dc5d74 (MD5) 2.2 A PINTURA DE MARINHA E OS PRECURSORES DO IMPRESSIONISMO.pdf: 401388 bytes, checksum: f2589d45404b4254a7893eab0c709e91 (MD5) 3 A PINTURA DE MARINHAS NO BRASIL E NA BAHIA.pdf: 2727993 bytes, checksum: 3d2f042b1378646be92aca368857ea70 (MD5) 4 MANOEL IGNÁCIO DE MENDONÇA FILHO.pdf: 1726774 bytes, checksum: 5e5dba0371aa8320bcf6fa7a3ae9e87e (MD5) 4.2 SALÕES BAIANOS DE BELAS ARTES E ANÁLISE DAS OBRAS.pdf: 5950340 bytes, checksum: cf7d8e3126fbea3cf86a049f1cbb1d7e (MD5) 6 Artista e Gestor.pdf: 412886 bytes, checksum: 05d4bd43e60220e277b2d78ca7640e0c (MD5) 7 Considerações Finais.pdf: 165767 bytes, checksum: 02e12fa0902df574957f862a52452ae3 (MD5) Referências e Anexos.pdf: 1768439 bytes, checksum: d8c9bb6ae422cd7845bc8cd1242861b6 (MD5) / Approved for entry into archive by Lêda Costa (lmrcosta@ufba.br) on 2017-02-13T16:11:52Z (GMT) No. of bitstreams: 10 Capa ... sumário.pdf: 340053 bytes, checksum: fd462c74a718b3e8f97a1bdde3f3eb17 (MD5) 1 Introdução.pdf: 90132 bytes, checksum: 12d01806bd1db0e538a94b8eb49176aa (MD5) 2 A PINTURA DE MARINHA, SUA ORIGEM E DESENVOLVIMENTO.pdf: 258566 bytes, checksum: c110a3aecc6803845aa7f0f9a2dc5d74 (MD5) 2.2 A PINTURA DE MARINHA E OS PRECURSORES DO IMPRESSIONISMO.pdf: 401388 bytes, checksum: f2589d45404b4254a7893eab0c709e91 (MD5) 3 A PINTURA DE MARINHAS NO BRASIL E NA BAHIA.pdf: 2727993 bytes, checksum: 3d2f042b1378646be92aca368857ea70 (MD5) 4 MANOEL IGNÁCIO DE MENDONÇA FILHO.pdf: 1726774 bytes, checksum: 5e5dba0371aa8320bcf6fa7a3ae9e87e (MD5) 4.2 SALÕES BAIANOS DE BELAS ARTES E ANÁLISE DAS OBRAS.pdf: 5950340 bytes, checksum: cf7d8e3126fbea3cf86a049f1cbb1d7e (MD5) 6 Artista e Gestor.pdf: 412886 bytes, checksum: 05d4bd43e60220e277b2d78ca7640e0c (MD5) 7 Considerações Finais.pdf: 165767 bytes, checksum: 02e12fa0902df574957f862a52452ae3 (MD5) Referências e Anexos.pdf: 1768439 bytes, checksum: d8c9bb6ae422cd7845bc8cd1242861b6 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-13T16:11:52Z (GMT). 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Nesse sentido, analisa-se, formal e historicamente, a pintura de marinha de Mendonça Filho, bem como se observa a gestão desse artista na direção da EBA, enfatizando sua política de valorização e melhoria do ensino das Artes. Adotam-se os métodos histórico, comparativo, dedutivo e o regressivo de Bloch, retornando até o século XVII, em que a pintura de marinha aparece desvinculada, como motivo independente, e chegando até a primeira metade do século XX, desenvolvendo a análise e síntese sobre a produção com a temática marinha na Bahia. Para tanto, utilizam-se documentos pertencentes ao Arquivo Histórico da EBA/UFBA, periódicos das bibliotecas e acervos públicos. Fontes primárias, jornais da época e entrevistas foram analisados, contextualizando sua produção artística e estabelecendo relações com a época, identificando elementos comuns à sua contemporaneidade. / On this research, it is proposed to systematically study the artistic work of Manoel Ignácio de Mendonça Filho, pausing in seascape painting and its understanding through his education and interaction with the interests of the time, as well as his performance at Bahia’s School of Fine Arts and its consequences for the renewal of art teaching in this institution. So, it analyzes, formal and historically Mendonça Filho’s marine paintings, as well as it’s observed the artist’s management at the “EBA” guidance, emphasizing his valuation policy and improvement of the arts education. Are adopted the historic, comparative, deductive and regressive methods of Bloch, coming back to the seventeenth century, when the marine painting appears unrelated, as an independent reason, and coming to the first half of the twentieth century, developing the analysis and synthesis about the production with the marine thematic in Bahia. Therefore, are used documents belonging to the historical archive of “EBA/UFBA”, periodicals from libraries and public collections. Primary sources, newspapers from those times and interviews were analyzed, contextualizing the artistic production and establishing the relations with the time, identifying common elements with the contemporaneity.

Submitted by Roberth Novaes (roberth.novaes@live.com) on 2018-07-11T12:31:36Z No. of bitstreams: 1 TESE-arquivo completo-ficha.pdf: 3744532 bytes, checksum: 28be5a19f2e7b266726985f848a05d3d (MD5) / Approved for entry into archive by Rosevânia Machado (rosevaniamachado.s@gmail.com) on 2018-07-11T14:24:08Z (GMT) No. of bitstreams: 1 TESE-arquivo completo-ficha.pdf: 3744532 bytes, checksum: 28be5a19f2e7b266726985f848a05d3d (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-11T14:24:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TESE-arquivo completo-ficha.pdf: 3744532 bytes, checksum: 28be5a19f2e7b266726985f848a05d3d (MD5) / A presente tese – “Caligrafias alquímicas: corpo e transmutação na lírica de Maria Lúcia Dal Farra” – tem como hipótese central de trabalho que a produção literária de Dal Farra (1994/2012), professora, crítica, teórica e poetisa, apresenta como elemento motriz da sua escrita os princípios da transmutação. Atravessando os pressupostos da transformação por diferentes vias, investigamos os três livros de poesias publicados até então pela escritora: Livro de Auras (1994); Livro de Possuídos (2002) e Alumbramentos (2012). Desta análise, seccionamos o nosso trabalho em quatro partes (ou quatro capítulos) com o objetivo de construir o nosso estudo. No primeiro deles – “A alquimia do corpo” – apostamos que a primeira instância que se posiciona como estando predisposta à transformação é o corpo da escritora. Sempre se apresentado ao público com indumentária roxa, acreditamos que esse retrato corporal desemboca em um aspecto caro à estética dalfarreana: o esoterismo. Ao se trajar dessa maneira, a autora põe em xeque os corpos de feiticeiras, quiromancistas e mulheres que sempre estiveram em situação de reclusão na sociedade. Por fim, o corpo assim trajado, em conformidade com a nossa leitura, coloca-se em estado reivindicatório de liberdade. No segundo momento da tese, “A alquimia das letras”, verificamos como o processo de transformação incide nos escritores da tradição literária ocidental na poesia de Dal Farra. Um conjunto de escritores é incorporado em seu texto, seja de modo mais explícito ou sub-reptício, buscando, por meio do uso das expressões literárias desses autores, confrontá-los, reverenciá-los e, principalmente, recriá-los em sua letra. Para isso, nomes de escritores como Anne Sexton, Mariana Alcoforado, Lorca e Rilke são mobilizados no texto dalfarreano para que entrem em estado de transmutação, haja vista que a escrita criativa de Dal Farra usa-os de modo reconfigurado. Já no terceiro capítulo da tese, “A alquimia do olhar”, investimos em verificar como o olhar da escritora se mostra dotado de forte potência transformadora. Sob esse objetivo, de início, trazemos várias expressões da crítica literária que comumente retrata a escritora como detentora de um olhar diferencial, apurado e sensível. Apostamos que esse olhar é responsável pelo processo de leitura poética recriadora de uma série de telas de pinturas de artistas como: Van Gogh, Salvador Dali, Gustav Klimt e Max Ernst. Os textos pictóricos são apropriados pela escritora para que ela construa seus próprios textos poéticos, mas eles são inseridos no texto sob o signo da mudança. O mesmo acontece com a série de tapeçarias “La dame à la licorne”, alocada no Museu de Cluny, em Paris, e sem autoria determinada. Ao se colocar como leitora dessas peças tapeçais, Dal Farra mais uma vez investe fortemente em utilizar elementos da alquimia e do esoterismo na construção do próprio texto, denunciando, portanto, a proeminência dos procedimentos alquímicos transmutacionais da escrita poética dela. Partindo para o último capítulo da tese, “A alquimia dalfarreana”, mostramos neste momento quais as especificidades que existem na produção de Dal farra que nos fazem validar a hipótese de “uma poética da transmutação”. Nesta seção apresentamos como a problematização da alquimia, transformação e metamorfose não se faz presente somente na escrita poética dalfarreana, mas atravessa outros campos de atuação da autora, tais como: a crítica, as entrevistas e os depoimentos. Por meio da verve teórico-crítica de Dal Farra, escritoras como Florbela Espanca e Gilka Machado tiveram a possibilidade de ter seus nomes revistos no cenário da crítica literária, sendo transformadas, portanto. Além disso, parece-nos que essa série de transformações que se fazem presentes na literatura dalfarreana desemboca num desejo utópico de renascimento e recriação de um “mundo novo”, fundamentado em paradigmas humanistas. Com isso, a tese se pauta em mostrar uma leitura da produção da escritora em diálogo com teóricos como Jacques Derrida, Deleuze, Giorgio Agamben e Georges Didi-Huberman (dentre outros), com a finalidade de trazer uma possível clave de leitura para a estética da autora. / This thesis - " Caligrafias alquímicas: corpo e transmutação Maria Lucia Dal Farra " - has as its central hypothesis that the literary production Dal Farra (1994/2012) , teacher , critical , theoretical and poet , presented as part driving your writing the principles of transmutation. Traversing the assumptions of transformation in different ways , we investigated the three books of poetry published so far by the writer : Livro de Auras (1994); Livro de Possuídos (2002) and Alumbramentos ( 2012). In this analysis , we resect our work in four parts in order to build our study. In the first of them - " A alquimia do corpo" - we bet that the first instance that is positioned to be predisposed to transformation is the body of the writer. Always presented to the public with purple dress , we believe that this body picture ends in an expensive aspect to dalfarreana aesthetics esotericism . By dressing this way , the author calls into question the bodies of sorceresses , Palm Readers and women who have always been in seclusion situation in society. Finally, the body thus dressed in accordance with our reading , is placed in the state set of claims of freedom . In the second part of the thesis , " A alquimia das letras" , we see how the transformation process focuses on the writers of Western literary tradition in poetry of Dal Farra . A set of writers is incorporated in its text , is more explicitly or surreptitious , seeking , through the use of literary expressions of these authors , confront them , revere them , and especially recreate them in your letter. For this, writers names like Anne Sexton , Mariana Alcoforado , Lorca and Rilke are mobilized in dalfarreano text to enter into transmutation of state , given that creative writing Dal Farra uses the reset mode. In the third chapter of the thesis, "A alquimia do olhar" ,we invest in to see how the look of the writer shown endowed with strong processing power . Under this goal , initially , we bring various expressions of literary criticism that often portrays the writer as having a differential look , refined and sensitive . We believe that this view is responsible for recreative poetic reading process of a series of paintings of artists screens such as Van Gogh, Salvador Dali , Gustav Klimt and Max Ernst. The same happens with the series of tapestries " La Dame à la licorne " allocated in the Cluny Museum in Paris, and without particular authorship. When you stand as a reader of these tapeçais parts, Dal Farra once again invests heavily in use elements of alchemy and esotericism in the construction of the text itself, denouncing therefore the prominence of transmutational alchemical procedures of poetic writing it. Moving on to the last chapter of the thesis, " A alquimia dalfarreana " show at this point that the specifics that exist in the production of Dal spree that make us validate the hypothesis " a poetics of transmutation”. In this section we present as the questioning of alchemy, transformation and metamorphosis is not present only in dalfarreana poetic writing , but through other fields of activity of the author, such as criticism, interviews and testimonials. Through the theoretical -critical Dal Farra verve , writers like Florbela Espanca and Gilka Machado had the opportunity to have their names reviewed in literary criticism scenario, being transformed so . Moreover , it seems that this series of transformations that are present in dalfarreana literature leads a utopian desire of rebirth and recreation of a "new world" , based on humanistic paradigms. Thus, the thesis is guided to show a writer's production of reading with theoretical dialogue as Jacques Derrida , Deleuze , Giorgio Agamben and Georges Didi- Huberman ( among others) , with the purpose of bringing a possible reading key to the aesthetic the author

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-09-06T17:56:25Z No. of bitstreams: 1 tese 02.doc: 43544576 bytes, checksum: 6a0884a8c085eef565a5698bf0fb94a5 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-09-11T13:20:57Z (GMT) No. of bitstreams: 1 tese 02.doc: 43544576 bytes, checksum: 6a0884a8c085eef565a5698bf0fb94a5 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-11T13:20:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese 02.doc: 43544576 bytes, checksum: 6a0884a8c085eef565a5698bf0fb94a5 (MD5) / Este trabalho investiga o constante diálogo que o artista plástico e cineasta Peter Greenaway estabelece entre os diversos campos da arte, analisando quatro de seus filmes, a partir de sua força poética e natureza híbrida. Greenaway localiza o seu cinema num território ambíguo que se encontra na fronteira do próprio cinema, do teatro e das artes plásticas. Dessa forma, ele cria uma rede de significados que se deslocam em várias direções e níveis, provocando um forte trânsito de imagens. Seus desenhos e pinturas, vistos em exposições, assim como composições visuais concebidas para óperas contemporâneas e instalações artísticas, migram para os seus filmes. A maneira que ele define os planos cinematográficos é, muitas vezes, presidida pela simetria e perspectiva da pintura renascentista ou pelo excesso formal do Barroco. Greenaway volta a essas tradições, cruzando-as com a tecnologia e a arte contemporâneas. Ele fragmenta o plano cinematográfico em quadros simultâneos, referindo-se à pintura cubista. Transferindo a sua narrativa para um espaço antilusionista, Peter Grenaway insiste na artificialidade da linguagem cinematográfica. / This work investigates the constant dialog that the painter and filmmaker Peter Greenaway establishes among the several fields of art, analyzing four of his films, starting from their poetic power and hybrid nature. Greenaway places his cinema in an ambiguous territory, which is embedded among cinema itself, the theatrical and the visual arts. Therefore he creates a web of meanings, which mingle through several directions and many levels, resulting in a dense transit of images. His drawings and paintings, shown in art galleries, as well as his visual compositions to contemporary operas and art installations, often migrate into his films. The way he defines his cinematic framings and compositions is often presided by symmetry and perspective originated in the renascence painting or the excessive formalism from the baroque period. Greenaway returns to those traditions and relates them to technology and contemporary art. He fragments the cinematic composition into simultaneous “framings within frame”, referring to cubist painting. Transferring his narrative to an antillusionist realm, Peter Greenaway insists on the artificiality of the cinematic language.

Esta pesquisa, contribuindo para os estudos em Literatura Comparada, evidencia a correlação entre Literatura e Artes Plásticas, que tem sido vista desde a Antigüidade quando ícones da analogia entre o verbal e o pictórico deixaram suas marcas na correspondência entre as artes. Tal correlação atravessou vários períodos da História e continua presente em inúmeras pesquisas, na época contemporânea. Este trabalho examina a especificação teórica de vários escritores relacionados ao tema e enfoca principalmente as formas como Pedro Nava (1903-1984) utilizou os artifícios verbal e pictórico ao lidar com duas artes distintas / This research, as a contribution to the studies in Comparative Literature, makes evident a correlation between Literature and Plasticart. It has been seen since Antiquity when icons of the analogy between word and image left their marks in the arts correspondence. Such correlation has passed through several History periods and has been present in a number of researches in the contemporary age. This work examines the theoretical specification of several writers in relation to the theme and focuses mainly on the ways as Pedro Nava (1903-1984) made use of verbal and pictorial devices in dealing with two different arts

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-06-24T16:15:57Z No. of bitstreams: 1 2016_SaradeOliveiraLimaScholzeArtifon.pdf: 3531890 bytes, checksum: 726e34a8867ebacd44b5da059d722a53 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-07-07T19:21:28Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_SaradeOliveiraLimaScholzeArtifon.pdf: 3531890 bytes, checksum: 726e34a8867ebacd44b5da059d722a53 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-07T19:21:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_SaradeOliveiraLimaScholzeArtifon.pdf: 3531890 bytes, checksum: 726e34a8867ebacd44b5da059d722a53 (MD5) / O objetivo deste texto é realizar uma análise da obra Ondina, produzida pelo artista Walmor Corrêa, considerando as várias facetas interpretativas que técnica e tema suscitam. Para isso, o apoio metodológico proposto é a semiótica plástica desenvolvida por Algirdas Julien Greimas. O intuito da investigação é explorar os elementos constitutivos do quadro para desenvolver campos relacionais que contribuam para sua significação. Nesse sentido, buscamos entender a obra dentro do sistema de linguagem das artes plásticas, no qual o arranjo composicional, os formantes cromáticos e a técnica utilizada são relevantes para a interpretação do objeto. Além disso, verifica-se que sua temática se insere em um percurso de transmissão e confluências míticas no território brasileiro, o que contribuiu para a formação de uma identidade regional. Procura-se demonstrar o processo de incorporações e transformações das imagens e conteúdos já presentes na cultura europeia a partir do panorama de configuração sociopolítica no Brasil. Assim, percebe-se que a obra Ondina traz à tona um espectro de referências culturais e históricas as quais possibilitam um diálogo entre formas de tempos distintos. Portanto, propomos uma relação da obra com outras produções plásticas evidenciando o processo de incorporação e metamorfoses entre formas e mito dentro do imaginário no Ocidente. Percebemos Ondina como uma produção que evoca o mito, mas que possui sua própria poética devido à forma transformada que apresenta. Por esse motivo é necessário explorar a coexistência desses elementos e como eles contribuem para incorporar sentido à obra. Após a investigação de tais dimensões, também propomos uma reflexão sobre Ondina dentro da série em que foi concebida: Unheimlich, imaginário popular brasileiro. Verifica-se uma relação entre essa imagem e as demais e procura-se retirar mais elementos significativos para sua análise, considerando tal produção no período da pós-modernidade. ________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This text aims to analyze Ondina, a work produced by the artist Walmor Corrêa. It’s considered a range of interpretative facets that technique and theme evoke in this work. For that, the methodological basis proposed is the plastic semiotics, developed by Algirdas Julien Greimas. It’s intended to explore the work’s components to achieve relational fields that contribute to its signification. It’s sought to comprehend this artistic work inside the plastic arts’ field, in which, compositional arrangement, chromatic components and technique are relevant to the object’s interpretation. Besides, it’s verified that the work’s theme can be inserted in a path that covers mythical transmissions and transformations in Brazilian territory. This contributes to a regional identity. In this sense, it’s intended to demonstrate how incorporations of images and subjects, already existent in European culture, were possible in Brazil. Then, it can be noticed that Ondina brings a range of cultural and historic references that make possible a dialogue among forms in different times. Thus, it’s intended to make a relation among this artwork and other plastic productions to show the process of incorporation and metamorphosis between form and myth in the occident imaginary. Ondina is a work that evokes the myth, but has its own poetic because of its own transformed form. In this sense, it’s necessary to explore the coexistence of these elements and how they contribute to incorporate meaning to the work. After the investigation of these dimensions, it’s also proposed an analysis about Ondina and the set of works in which it was conceived: Unheimlich, imaginário popular brasileiro. It’s verified the relation among this image and the others and it’s necessary to take more meaningful elements to the analysis considering these productions in the post-modern period.