Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2010-2011 / La recherche-création présentée dans ce mémoire est conçue de détours. Le mémoire lui-même est un détour. La rétroactivité motive son actualité. Cheminant de la performance à la photographie, retournant à la photographie par le dessin, en passant par l'organisation d'événements sans cesser de penser et d'écrire la pratique : la problématique disciplinaire, par le biais de ce que j'ai nommé l'hyperdisciplinarité, y est poursuivie. C'est néanmoins notre relation à la philosophie et à l'histoire de l'art qui en émerge. Les deux projets principaux qui sont présentés, L'Immédiat en différé et Deuil, trouvent une résonance auprès des écrits de Derrida. Aussi, sans en être au diapason, ils ne dissonent pas avec le mouvement romantique. Posant les questions de l'art et du langage -à quoi répond celle de l'ironie- c'est finalement les notions de «l'entre» et du temps qui nous emportent. À la différence des temps de la chronologie et de l'immédiateté, Déjà, hélas, enfin. Une fois pour toutes suggèrent ceux de l'éphémère romantique et du posthume.

Ce mémoire questionne le processus créatif et la finalité de l’art. Qu’est-ce que l’art, qu’est-ce qu’un artiste, qu’est-ce qu’une œuvre, aujourd’hui et depuis toujours ? Une œuvre se concrétise-t-elle toujours par un objet fini ? Pour l’artiste l’œuvre et la vie ne forment-elles pas un tout ? L’art n’est-il pas une manière de vivre et, réciproquement, la vie, une réalisation de l’art ? Des réponses à ces questions sont cherchées à travers le travail d’artistes tels Lee Friedlander, Francis Alÿs, Gabriel Orozco, Tehching Hsieh, ainsi qu’à travers mon propre cheminement, à travers le quotidien, l’ordinaire de la vie. Tout au long du projet de recherche, dont le présent mémoire est le compte-rendu, la dérive, la déambulation ou la marche sont utilisées non seulement comme médium de création artistique mais comme métaphore du processus de création. Ce sont les éléments collectés à partir d’un iPod Touch, au hasard d’une année de déambulations, qui serviront de base pour illustrer les diverses conclusions tirées de ces questionnements alors qu’ils seront re-présentés et ré-animés dans une installation qui concrétisera les résultats de cette démarche sous trois formes différentes, qui ont toutes en commun la succession comme principe de matérialisation, l’animation de type stop-motion, la planche contact et le livre.

Ce mémoire se fonde sur mon œuvre Bureau de recherche sur l’art à l’intérieur de laquelle je travaille depuis plusieurs années en tant qu’artiste et chercheuse. Il porte sur la description organisationnelle du lieu ainsi que sur sa signification. Introduisant différents concepts issus de mes expériences et de mes recherches, ce mémoire reflète mes questionnements face au milieu de l’art et porte une réflexion sur ma situation d’artiste. J’y aborde entre autres les enjeux liés à mon statut, le processus de légitimation de mon œuvre ainsi que le contexte d’émergence. M’incluant dans le Bureau de recherche sur l’art, je souhaite présenter une partie de ma réalité à l’intérieur d’une performance de recherche qui prend place dans différents contextes. Ce mémoire est basé sur mon expérience lors de mon occupation dans les Ateliers du Roulement à billes pendant mes études à la maîtrise. Antérieurement, le Bureau de recherche a été produit dans la Galerie des arts visuels de l’Université Laval lors de l’exposition des Récipiendaires des prix et des bourses des finissants (es) au baccalauréat en arts visuels de 2007. Il retrouve une place dans ce lieu, lors de l’exposition qui met fin à mon parcours à la maîtrise en 2013.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2009-2010 / Paysages de l’holocène est une recherche création sur la forme de pensée et de connaissance liées à la pratique artistique. Cette thèse situe l’art dans l’ensemble de la connaissance transdisciplinaire en l’associant avec les modes de type gnostiques, tels le sacré, l’alchimie et l’hermétisme. Elle s’appuie sur la création de cinq œuvres (36 paysages de l’holocène, Labyrinthe, la Courbure, Pierres gravées et Quatuors de l’holocène) traversées par une conscience historique et géologique et imbues d’une émotion cosmique et existentielle. Ces œuvres évoquent la présence humaine sur la Terre et tout particulièrement le regard — à la fois contemplatif et créateur — que l’esprit pose sur le monde. La thèse, sous-titrée Une expérience de connaissance par la création d’art, examine les processus de réflexion opérant dans la poïétique de ces œuvres, et fait l’hypothèse que la création d’art est un mode « inséparablement opératif et méditatif » (F. Bonardel) s’apparentant à une gnose, vécue comme un sentiment de signifiance, comme une expérience de l’être ; c’est-à-dire une connaissance participative où l’objet de l’œuvre, le sujet qui connaît (l’artiste) et le mode de connaissance lui-même (l’art) se révèlent en même temps. À travers le récit détaillé du processus de création, on en vient à voir que la création est informée par une « cosmologie d’atelier », propre à l’œuvre, singulière et non dualiste, structurant les opérations et la pensée de l’artiste. À partir de textes sur la recherche création, l’esthétique, l’histoire des religions, la pensée systémique, la transdisciplinarité, et s’appuyant sur de nombreux écrits d’artistes, l’essai décrit l’art comme un mode de conscience et d’être, qu’il compare au « sacré » tel que décrit par M. Eliade et G. Bateson. Il le situe ensuite dans la transdisciplinarité, en l’établissant comme un paradigme des « facultés créatrices » (W. Heisenberg) opérant dans la « zone de non-résistance » décrite par B. Nicolescu. Mais loin de se présenter comme une théorie générale de la connaissance artistique, l’essai finit par revenir sur lui-même et s’explique comme une aventure de création de théorie : un processus créateur à part entière lui aussi, une « méta œuvre » plastique et scripturale, vivant dans une dimension imaginaire de la connaissance. / Paysages de l’holocène (Landscapes of the Holocene) is an art-based research project exploring the thought process and form of knowledge related to artistic practice. Artistic practice is located within transdisciplinary inquiry as a way of knowing associated to Gnostic epistemologies such as the sacred, alchemy and hermeticism. The research is based on the creation of five works (36 paysages de l’holocène, Labyrinthe, la Courbure, Pierres gravées et Quatuors de l’holocène), each infused with an awareness of history and geology, and soaked in cosmic and existential emotionality. These works evoke our human presence on earth, particularly our human gaze — at once contemplative and constructive — upon the world. Subtitled Une expérience de connaissance par la création d’art (an experience of knowing through the creation of art), the dissertation examines the reflection processes taking place in the making (the poïetics) of the five works. It hypothesizes that art creation is a non objective form of knowledge, a feeling of signification, an experience of Being: i.e. a participative epistemology in which the subject of the work, the knower (the artist) and the mode of inquiry itself (art) are revealed at once, in the same process. Through a detailed narrative of the creative process, we come to see that creation is in/formed by a “studio cosmology” specific to the work, singular and non dualistic, defining the operations and the thinking of the artist. The essay draws from several artists’ writings, and texts on art-based research, aesthetics, history of religions, systems thought, and transdisciplinarity, to comparatively describe art in relation to the Sacred as defined by M. Eliade and G. Bateson : as a mode of consciousness and a mode of Being. It proceeds to locate art in a transdisciplinary context, establishing it as a paradigm of the “creative faculties” (W. Heisenberg) operating in the “zone of non resistance” described by B. Nicolescu. Yet, far from claiming to be a general theory of artistic knowledge, the essay returns upon itself and appears as an adventure in theory creation: a creative process in its own right, a “meta-work” of both aesthetic and written nature, living in an imaginary dimension of knowledge.

Ce mémoire de maîtrise en arts visuels porte sur la création d'une structure malléable tenant lieu de paysage scénographique mis en scène par la présence de mon corps habité par la danse butô. Balbutiement ... de fil en aiguille témoigne également de la laborieuse aventure de création d'une structure : de sa fabrication artisanale à sa mise en espace et à sa mise en mouvement. Il est l'occasion de relier mes trois champs d'expertise : les arts visuels, les arts textiles et la danse. Cette recherche tente de répondre à la question suivante : est-ce que je fabrique des objets pour mon corps ou est-ce que j'utilise mon corps pour créer des objets? J'en arrive à la conclusion que plus que jamais ma pratique est intrinsèquement liée à ces trois domaines artistiques et que l'un ne peut pas exister sans l'autre.

±Sous tous ces rapports, l'art reste pour nous, quant à sa suprême destination, une chose du passé¿ (HEGEL, G.W.F., Cours d'esthétique I, trad, de Jean-Pierre Lefebvre et Veronicka von Schenck, Paris : éd. Hotho, Aubier, 1995, p. 18). Voilà de quelle façon s'amorce le Cours d'esthétique de Hegel. D'emblée, le professeur y annonce la fin de l'art. L'allégation est brutale, voire polémique, mais somme toute délicate comparée aux suspicions passées de la philosophie à l'endroit de la forme artistique. La question que pose Hegel est la suivante : l'oeuvre d'art est-elle une force qui persiste à affirmer sa présence malgré les conditions défavorables des temps modernes? Avant tout, l'étude présentée a pour objectif de relater le passage de l'art religieux à l'art conceptuel à travers la déclaration de la fin de l'art du philosophe, mais aussi, elle propose quelques éclaircissements concernant la vie de la forme artistique contemporaine. Ce mémoire ne tente pas de circonscrire la modalité exacte de l'art, quoique bien délimitée par la philosophie de Hegel; plutôt, il demande si la thèse de la fin de l'art est un jugement justifiable à son époque, et s'il peut l'être encore aujourd'hui.

Le but de ce travail de recherche est de cerner et de circonscrire un certain esprit des temps pour observer ses manifestations dans l'art actuel. J'ai d'abord voulu rendre compte des valeurs qui marquent l'époque que nous vivons, aux plans philosophique et esthétique. Le champ de la connaissance a fait des bonds importants depuis la Renaissance et le Siècle des Lumières. La modernité a élargi les moyens d'analyse et de synthèse des phénomènes du monde. Récemment, la postmodernité semble cependant mettre en doute les expérimentations modernistes lorsqu'elle propose la multiplication des instruments de connaissance. En deuxième étape, j'ai voulu analyser l'esprit qui sous-tend le travail sculptural du post-formalisme américain et par la suite brosser un tableau historique de la situation de la sculpture au Québec. Finalement, je me suis arrêtée sur 1'installation aLomph aBram de l'artiste montréalais David Moore pour en montrer les appartenances contemporaines aux points de vue historique, intellectuel et esthétique. / Montréal Trigonix inc. 2018