This thesis shines a light on the Euroamerican reception of Chinese experimental art from 1990-2004. A selection of twelve exhibitions held in the Euroamerican context on Chinese experimental art are analysed within this study and a elaborate look has been taken at the exhibition itself, the works on display , the exhibition catalogue and the reviews that have been generated. The study focusses on Chinese experimental artists overseas but gives a very good impression on how Chinese experimental art has been received in general in the Euroamerican context. Also an extensive part of this dissertation has been dedicated to explaining basic and more in-depth background information on Chinese experimental art in order to gain a better understanding of this art current. Here, special attention has been paid to the overseas artists, and concepts such as transexperiences, hybridity, third space, diaspora and exile, and the “East-West” dichotomy.

La tesi se centra en l'anàlisi de la fotografia que utilitza de forma deliberada tot un aparell escenogràfic en la seva elaboració amb la finalitat d'introduir la ficció dins del seu llenguatge i d'allunyar-se del registre neutre de l'entorn real. En altres paraules, el treball aborda les imatges fotogràfiques que són fruit d'una construcció, tant per la teatralitat de la presa com per les possibles manipulacions digitals de la imatge. La tesi es divideix en tres blocs diferents: primer de tot, se situa aquesta forma de creació dins del context artístic del segle XX, entenent que la ficció ha estat un aspecte difícil d'assimilar en el camp de la fotografia. En segon lloc, s'analitzen els diferents artistes que utilitzen aquest recurs, situant aquesta pràctica en relació amb altres disciplines com la pintura, el cinema, el teatre i les arts digitals. Així mateix, s'estudia la incursió de les últimes tecnologies en la imatge fotogràfica i els canvis conceptuals que això ha comportat. Aquest capítol està dividit en diferents apartats que sorgeixen de les relacions que es poden establir entre els diversos artistes. Els temes tractats estan determinats per temàtiques, recursos fotogràfics o altres aspectes comuns a aquests artistes i representatius de la fotografia construïda. La finalitat d'aquest recorregut és desvelar per què utilitzen aquesta forma de producció i la seva relació amb el context artístic i social actual.Finalment, l'últim capítol està dedicat a explicar la producció fotogràfica de l'autora en relació amb les diferents nocions que han anat apareixent en el transcurs del treball, és a dir, es contextualitza un treball propi en el conjunt de la investigació.NOTA: Tesi realitzada dins els projecte d'investigació Prospeccions Binàries2000-2003 (BHA2000-0734) i Prospeccions Binàries II (BHA2003-02938), finançats pel Ministerio de Ciencia y Tecnología i el Fons Europeu de Desenvolupament Regional (FEDER).Aquest projecte també ha estat possible gràcies al recolzament del Comissionat per a Universitats i Recerca (CUR) i del Departament d'Innovació, Universitats i Empresa (DIUE) de la Generalitat de Catalunya i del Fons Social Europeu / AUTHOR: Marta Negre"Photography in contemporary scenography. The creation of fictions and new realities".THESIS SUPERVISOR: Pilar Palomer Mateos.SUMMARY TEXT:The thesis is based on the analysis of the kind of photography that makes deliberate use of scenography in order to introduce fiction into its language and to distance itself from the neutral register of the real environment. That is to say, the study focuses on photographic images which are the result of a construction, because the shot is particularly theatrical, or because the image may have been digitally manipulated. The thesis comprises three blocks: first, since fiction has been difficult to assimilate in the field of photography, I situate this creative form inside the artistic context of the twentieth century. Second, I study the artists who use this resource, situating the practice in relation to other disciplines such as painting, cinema, theatre and the digital arts. I also study the impact of the latest technologies in photographic imaging and the conceptual changes that they have introduced. This chapter is divided into sections that emerge from the relationships that can be established between the different artists. The themes I deal with are classified by subject matter, photographic resources used, or other features which are common to the artists involved and which I consider to be representative of constructed photography. The aim is to determine why these artists use this form of production, and to define its relationship with today's artistic and social context.Finally, the last chapter presents my own photographic production against the background of the various notions that have appeared during the study; that is to say, I contextualize my own production inside the research project as a whole.

Esta tesis analiza varios aspectos de la sinestesia en la pintura y la relación entre el oído y la visión en las artes. Tras describir la historia de la relación entre el sonido y la forma desde la filosofía órfica y las teorías pitagóricas, profundiza en los pensamientos de ciertos pensadores importantes (por ejemplo, Newton y Runge) sobre las correspondencias entre las notas musicales y los colores del arco iris o la rueda y la esfera de colores. Más adelante, la tesis estudia los mitos y conceptos de la espiritualidad relativos al sonido y el color que ejercieron gran influencia en muchos artistas del siglo XX, a través de escuelas de pensamiento como la teosofía y la psicología, estudiadas por pintores, músicos y filósofos importantes en la evolución de las artes a principios del siglo XX (por ejemplo, Goethe, Rudolf Steiner, Wassily Kandinsky, Arnold Schönberg y Henri Bergson). Seguidamente, se investiga la relación entre la música y la pintura basándonos en la correspondencia entre pintores y músicos (cual es el caso de Kandinsky, Schönberg, Cage y Johns), centrándose a continuación en distintos artistas interdisciplinarios (por ejemplo, Èiurlionis, Cage, Vladamir-Rossine y Russolo). A continuación se presenta la influencia de las percepciones sonoras y la sinestesia sobre la pintura en Europa y América, destacando las relaciones e influencias compartidas entre Europa y América en los pensamientos y el desarrollo de la pintura sinestésica sonora visual, y la relación entre el arte de la música y la pintura. La tesis hace un recorrido por la historia contemporánea de la pintura sinestésica occidental que expresa percepciones sonoras, y muestra que la relación entre la música y la pintura y el interés por estudiar, entender y expresar el mundo sinestésico en la pintura es una constante en la historia del arte contemporáneo. Explica y analiza estudios recientes de científicos que trabajan con el fenómeno de la sinestesia y vea la obra de importantes pintores recientes que son sinestetas, como David Hockney, Mark Safan y Carol Steen. El trabajo de investigación realizado permite sugerir que la sinestesia y la expresión artística es parte de la naturaleza humana y tiene mucho que ver con su evolución como especie. La conclusión es que la pintura tiene la facilidad de sacar las experiencias sinestésicas desde las profundidades del ser, sin importarle el nivel consciente o subconsciente de aquéllas; llevando tales experiencias a la conciencia del artista y a la materia del mundo a través de abstracciones y analogías simbólicas creadas en el acto de pintar. / Theoretical and Practical Contributions of Synesthesia and Sound to Contemporary Painting.Doctoral thesis by Timothy B. Layden Directed by Doctor Domenec Corbella LlobetThis thesis analyses how synesthesia and music have influenced the development of contemporary painting. It compares the historical and mythological roots of the visualization of Sound with contemporary arts, science and philosophy. It gives examples of works of some of the most important contemporary painters explaining their influences and interrelations with the poetry and painting of the last two centuries. It describes the most important links, authentic and contrived, between painting and audio-visual synesthesia, giving examples of poetic associative audio-visual synesthesia in the arts as well as examples of the artistic expressions inspired in the projected synesthesia of true synesthetes. Moreover it highlights the connection between synesthesia, artistic expression and subjectivity. It describes how music inspired the birth of abstract painting and how this influenced the development of numerous movements in modern art which have developed into post modern art and the movements of today, which flourish in subjectivity encouraging originality and individuality. Based on the above research and the synesthetic and artistic experience of the author the following conclusions are made:Synesthesia is fundamental to human experience. Synesthetic sensations are subjective, connected to emotion and memory, and often felt as intangible and ineffable, beyond the individual experiencing it; art is the most accurate way of communicating such experiences. Today freedom of expression thrives, giving us the ability to choose like never before. ethnic, cultural and religious interaction is a defining factor of each individual ethnicity, culture and religion making the ability to understand different points of view crucial for the development of society. Artists have an important role in communicating the deeper and subtler levels of life that give value to experience. Emotions, intuition and synesthetic perceptions, which inspire wonderful works of art and revelations in science, and motivate invention are more powerful than reason and logic. Art is part of human nature, it is where we can communicate more than the obvious, deeper than the surface and more explicitly than words. Its value is in how it opens eyes to new points of view, inspires creativity and influences change. Through artistic creativity and by being more aware of synesthetic aspects of experience we can participate more consciously and actively to involve ourselves in life's evolution, as individuals integrated with nature.

Dins del marc de referència de la cultura de la contemporaneitat, quan es vol tractar sobre el cel , és necessari un punt de vista nou que derivi del que s'ha anomenant la conquesta espacial. Aquest fet i les noves consideracions sobre les relacions entre el temps i l'espai, ens donen una visió diferent de l'espai i del cel, una visió que condiciona, en l'actualitat, les imatges i les actituds a l'hora de tractar-los, ja sigui des de l'art o des de la ciència. "Sobre el cel" és el títol d'una tesi llegida recentment a la Facultat de Belles Arts de Barcelona. La selecció del tema invita al descobriment d'una sèrie d'obres, dibuixos, pintures, escultures, arquitectures, fotografíes i vídeos, ja comentades per d'altres, per una artista del nostre temps i incita a una apreciació diferent, una confrontació de dues mirades, rescatant antigues mirades des de nous valors. / TITLE: "ABOUT THE SKY". Within the frame of reference of the contemporary culture, when the main subject of discussion is the sky, it is necessary a new point of wiew that leads to the called space conquest. This fact and the new considerations on the relations between time and space, give a diferent vision of the space and the sky. A vision that, at the present time, conditionates the images and the attitudes to consider them from the art or the science point of view. "About the Sky" (Sobre el Cel) is the title of a thesis, readed recently in the Barcelona's Fine Arts College. The selection of the subject invites the discovery of works series, drawings, paintings, sculptures, architectures and photographies, already commented by other people, for an artist of our time and incites a different appreciation, a confrontation of two glances, rescuing old looks from new values.KEYWORDS: Sky, Contemporary Art, Space conquest, A new reading of the tradition and the contemporary art.

La present tesi suposa una anàlisi de la representació del cos humà dintre de la trajectòria artística de Zush. A més a més d'un estudi comparat del mateix, amb l'obra de d'altres artistas coetanis i amb la de d'altres tradicions i èpoques distants a la nostra. En el primer capítol, les representacions que Zush ens mostra són de caràcter intimista, les quals desapareixen però, molt aviat en els seus primers anys de treball per a donar lloc, a una sort de representacions, on l'ésser humà apareix totalment frontal a l'espectador i de caràcter simbòlic. En el transcurs cronològic de l'obra que estudiem, se succeeixen constants canvis i alteracions de la imatge fins al límit de la deformació i de l'exageració, aspecte que ens permet a la fi parlar d'un ésser amb unes característiques properes a les del monstre. Desfiguracions que a nivell plàstic es tradueixen mitjançant la presència de màscares i d'altres tipus d'incognites rera les quals s'hi amaga fins a cert punt, la fisonomia humana.En el segon capítol es porta a terme una anàlisi iconogràfica de l'obra de Zush, alhora que també de les característiques dels personatges que de manera recurrent apareixen en la seva obra: el rostre, els ulls, els gestos, etc.. Essent en tots els casos la línia l'element formal per excel.lència i protagonista a la fi, de dibuixos, pintures i llibres d'artista, per no dir, de la seva cal.ligrafia i escriptura personal. Faceta aquesta darrera que s'estudia en el tercer capítol d'aquest treball.En el capítol quart, s'estudia l'obra digital de Zush, tècnica que intervé gairebé en tota la seva producció no tant com una finalitat sinò com un mitjà més d'expressió. Interacció que caracteritza l'obra d'un artista que intenta mantenir una relació viva i contínuament directa amb el públic. A partir d'aquest moment s'evidencien importants canvis referents especialment al tema que ens ocupa. La fragmentació i la velocitat a la qual apareixen les imatges, creen en l'espectador un cert sentiment de pèrdua. Concepte que en l'obra de Zush podem apreciar en els múltiples retrats i autorretrats que constantment és reconverteixen en una mena de substàncies amb capacitat de transformació i metamosfosi.En el cinquè capítol i sisè s'aporta una síntesi biogràfica de l'artista i un estudi de les principals tècniques pictòriques emprades, anàlisi que ens permet afirmar el caràcter pluridisciplinar de l'artista que aquí es presenta.Finalment en el darrer capítol es dur a terme una recopilació de l'extensa bibliografia que sobre l'artista s'ha publicat, tanmateix una bibliografia de caràcter general utilitzada per a portar a terme aquesta recerca. / The present thesis is an attempt of analysis of the human figure representation in Zush's artistic carreer and -beside the study of his artistic trajectory- his respective position among his comtemporaries and others artists belonging to traditions remotes from his . If Zush's former expression highlights by his intimistic representation , it is soon replaced by the depict of an omnipresent, unique and frontal character facing the viewer. In the chronological course of studio work, the constant change performed to the image leads us through distorsion and exageration to the creation of monsters. The plastic translation of this paticular metamorphosis is portrayed in these stranges and impressives masks.The second chapter focus on the iconographical analysis of Zush's work and a formal study of the most recurrent figures appearing in all his creations: faces, eyes and gestures. We study how the line is taking ownership of Zush's artistic dimension, such in sketches, paintings, calligraphie and handwritting, studied in the third chapter .Digital work -described in the fourth chapter- is another vertex of Zush's expression, regarded not only as a mean to a end but also as another medium of plastic expression. Indeed, from this point we can acknowledge the definitive change in the human figure representation and how the emphasis set on motion and fragmentation -paradigm of the digital creation- leads to internal confusion and a certain sense of lose .Fifth and sixth chapters track Zush's artistic biography and summarize the main technics used during all his career . In the seventh chapter i gathered an extended bibliography about Zush, a published and a general one, which i extensively used to carry out this research.

"La imatge neutra: la fotografia com a model en la pintura de finals del segle XX " estudia la influència que ha tingut el mitjà fotogràfic, tant en el procés analògic com en digital, en la transformació dels paràmetres establerts per la modernitat de la pintura de finals del segle XX, a partir d'anàlisis dels corrents i artistes més significatius del debat, vinculats tots ells amb l'obra artística de l'autor.Es demostra com la imatge òptica canvia la nostra manera de percebre la realitat, i com això ha estat motiu i forma de molts dels corrents figuratius, que han aparegut en la pintura a partir dels anys seixanta. Tracta de veure com la fotografia, lluny d'obstaculitzar el procés natural de la pintura, ha contribuït a donar-li noves perspectives formals i conceptuals. Estudia la funció codificadora que exerceixen els models fotogràfics en el producte artístic final, i mostra com la pintura accepta els seus límits i deixa contaminar-se per altres disciplines, en detriment de la puresa formal, per situar-se en un lloc més modest, però que continua sent efectiu. / "The neutral image: photography as a model in late twentieth century painting" studies the influence of photography, both analog and digital, in the transformation of the painting of the end of the twentieth century. It does so via an analysis of the most significant trends and artists in the debate, all of them linked to the artistic work of the author.The study shows how optical images change the ways in which we perceive reality, and how they have both inspired and shaped many of the figurative trends that have appeared in painting since the nineteen sixties. It reflects on how photography, far from hindering the natural process of painting, has contributed to providing it with new formal and conceptual perspectives. It studies the encoding function of photographic models in the final artistic product, and shows how painting accepts its limits and is open to influence by other disciplines, to the detriment of formal purity, to find its new position - a more modest position, but one that nonetheless remains effective.

El animal ha estado presente en el laboratorio a partir del siglo xx. Ya sea en la investigación científica, en el debate político o en la exploración artística, el animal ha carecido de refugio, es la víctima propiciatoria de todos los sacrificios contemporáneos.Sin la función exploratoria que las vanguardias adjudicaron al arte poco o nada habría que documentar de tales operaciones. La figuración plástica, por otro lado, ha afianzado su proximidad en los diseños derivados del industrialismo tardío. El pop como escuela última del siglo pasado ha visto explotar las hibridaciones entre imagen pictórica y mediática. El siglo xx fue el siglo del triunfo de la imagen visual. La profusión de imágenes ha saturado la visión y sustituido al mundo por su representación.La gráfica en el arte de finales de siglo cobraría una inusitada preponderancia por sobre las expresiones pictóricas. El arte conceptual y los minimalismos ejercieron una fuerte influencia sobre los estilos emergentes atrajeron una mayor atención hacia aspectos estructurales y sistemáticos de la práctica del arte. Hacia principios del siglo XXI el estatuto contemporáneo del dibujo es de primera relevancia respecto a otros recursos.Poco queda ya de las identidades clásicas, nada, a decir verdad, de los géneros pictóricos donde las presencias animales hallaban clara pertinencia. El código genético es el trazo definitorio de las identidades en el siglo XXI. Ni la naturaleza muerta, ni el paisaje, ni el retrato con animales subsisten más que como formas paródicas. Los individuos del finales del siglo perdían toda relación de permanencia y trascendencia. En ese proceso fueron desfigurándose y desmaterializándose como la misma sustancia de la obra artística. Devenido discurso el arte tendría que volverse por un lado autorreferencial y por el otro una aplicación comunicativa.No hallamos más a la naturaleza en nuestro entorno. El arte del siglo XX fue urbano, artificial, abstracto, sintético, teórico y, finalmente, sarcástico. La imagen de la naturaleza pasó a ser un tópico romántico trascendido y obsoleto; un lamento nostálgico. La sobre explotación de los recursos naturales aunada a la depauperación de las regiones rurales del planeta, particularmente en regiones extensas del tercer mundo, ha generado una actitud catastrofista hacia el programa desarrollista de occidente y se plantean más dudas que certezas frente al destino de múltiples especies animales y vegetales. El imaginario tradicionalmente prolífico y virtuoso de la naturaleza como abundancia inabarcable y como fuente de secretos y maravillas se ha trocado en una visión apocalíptica de fin de la vida.La creciente preocupación en torno a la degradación acelerada de la naturaleza ha conducido a una conciencia política y civil de la ecología como postura ética y cultural de vanguardia. En correspondencia con el ecologismo desde el arte se ha hecho presente una actitud de reinterpretación de lo natural, ya no por medio de la imitación figurativa, sino como correlato cultural elíptico.Por ello, la presencia de los animales en el arte de las últimas décadas del siglo XX plantea paradojas interesantes. No son el tema central de tal práctica, a decir verdad ningún tema lo fue; son agentes de extrañeza y de descentramiento. Son un sujeto aparentemente banal, periclitado en la historia, pero abandonado al margen de mitologías y utopías ancestrales. Los grandes imaginarios zoológicos de claras connotaciones al culto han perdido pertinencia en un mundo tecnificado y mediatizado. Por otro lado ese espacio salvaje del mundo animal, como instinto y naturaleza pura, ha sido neutralizado por la práctica psicoanalítica. Es propio de la civilización actual no hallar otros referentes que los antropocéntricos. El estatuto animal ha sido degradado a la domesticación e incorporado a la cadena productiva. Lo animal es excesivo y excedente: un suplemento irracional sin lógica en el diseño de la civilización futura.La calidad espiritual del arte contemporáneo es débil, porque la sociedad que lo produce tiene un alma confundida. Las formas animales, tradicionalmente arquetipos de valor y conocimiento, nos son tanto más extrañas cuanto más manipulables y desintegradas nos parecen. Buscar un lugar para su manifestación en el arte necesariamente demanda una reconsideración de los procesos culturales de interpretación del mundo como un espacio donde aún tenga cabida la dimensión espiritual. / "Goldfish's Memory: Animals' Display and Representation in the Late 20th Century Western Drawings. (1970 - 2000)"The traditionally prolific and virtuous imaginary of nature, as an endless abundance and source of all secrets and wonders, has changed into an apocalyptic vision of the end of life, as we know it.The increasing concern about the fast degradation of nature has led to a civil and political conscience around ecology, as an avant-garde ethical and cultural posture. From the point of view of the ecology, seen through the lens of the Arts, there has been an attitude towards the re-interpretation of the natural, not by means of the figurative imitation, but as a cultural elliptic co-narrative. This is the reason why, the presence of animals in the art production of the last decades of the 20th Century poses some interesting paradoxes. Animals are not the central theme of this practice; actually, they never were: they are agents of estrangement and decentralization. They are an apparently banal subject, glorified in history, but put aside along with mythologies and ancestral utopias. The great imaginary from zoology, clearly bonded to cult and ceremonial practices, has lost its pertinence in a technophile and media-influenced world. On the other hand, the "savage" space of the animal realm, as pure and natural instinct, has been neutralized by a psychoanalytic practice. It is proper to the current civilization to find no other references that those anthropocentric. The animal statutory has been subdued to domestication and incorporated to the dynamics of the production line. The animal is excessive and a left over: it is an irrational supplement without logic in the design of the future civilization. The spiritual sphere of contemporary art is weak because the society that produces it bears a confused soul. Animals' form, traditionally depicted as a knowledge and value archetype, appears to us the stranger the more controllable and disintegrated they seem. To look for an appropriate space for their artistic manifestation obliges a reconsideration of all the cultural processes we use to interpret the world as a place where a spiritual dimension is still possible.

Los libros han demostrado, y demostrarán constantemente más que cualquier otro soporte o género, su capacidad para jugar un rol flexible. En este sentido, el "Libro-Arte" es un nuevo híbrido, distinto de cualquier antecedente, cuya identidad está continuamente emergiendo a la actualidad. A diferencia de otros géneros artísticos, los libros permanecen viables, expresivos y transformables, pero por el contrario sigue siendo considerando por ciertos expertos como algo "incidental", un soporte al que los artistas recurren de manera complementaria y a menudo permanece encerrado en círculos elitistas de difusión. Sin embargo, a lo largo del siglo XX el "Libro-Arte" ha prestado su apoyo a muchas sensibilidades estéticas, integrándose e interaccionando con ellas, mutando, expandiendo y transformando su concepto. En un intento de clarificar la situación y la realidad de este nuevo género artístico, a la hora de elaborar mi tesis he marcado dos objetivos principales. En primer lugar, esclarecer y establecer un perfil terminológico y conceptual lo más definitivo posible del "Libro-Arte", a sabiendas que la creación artística no para de avanzar y por tanto cualquier afirmación taxativa puede quedarse obsoleta, aparte de la propia naturaleza del "Libro-Arte" como una creación compleja y susceptible de numerosos puntos de vista. En segundo lugar, deseo mostrar una visión histórico-panorámica del desarrollo que el "Libro-Arte" ha ido experimentado a lo largo del tiempo, repasando las distintas acepciones conceptuales y terminológicas que se han ido derivando de dicho proceso evolutivo. La metodología desarrollada a lo largo de todo este trabajo se fundamenta en la consulta y estudio en profundidad de fuentes de información de distinta procedencia, la mayor parte de ellas foráneas debida a la inexistencia en nuestro país de bibliografía propia sobre el tema, obtenidas a través de las bibliotecas de distintas instituciones culturales públicas y privadas de Barcelona, Madrid, Londres ("Victoria & Albert Museum") y Nueva York ("Museum of Modern Art").

DE LA TESIS:1) ANTECEDENTES Ángeles Santos, pintora recordada por muchos de su generación como la creadora del cuadro Un mundo, que pintó en 1929 siendo una muchacha de apenas dieciocho años, reside actualmente en la galería de los pintores injustamente olvidados.Prueba esta aseveración el que, de entre toda su fecunda obra pictórica, tan sólo pueda contemplarse públicamente este cuadro, enorme lienzo que se exhibe actualmente en el "Museu de l'Empordà" de Figueres. El cuadro es acreedor, por sí solo, por el universo que encierra, de un detallado y completo estudio.Probablemente habrá contribuido al general olvido de esta excepcional pintora el que el resto de sus lienzos se hayan ido desperdigando entre colecciones particulares y sótanos de Museos, entre otros, el de Arte Contemporáneo de Madrid.No es de extrañar, pues, que en los años treinta sus obras tuvieran tanta resonancia en los ambientes artísticos y fuera tan bien acogida por la crítica como un caso inaudito de pintora genialmente precoz.La primera de sus numerosas exposiciones fue en Valladolid en 1928. En 1930 el "X Salón de Otoño" de Madrid dedicó una sala a sus cuadros. Fue componente de la Sociedad de Artistas Ibéricos, expuso en Copenhague, Berlín y París. Sus obras también atravesaron el Atlántico para poder ser contempladas en el Carnegie Institute de Pittsburgh.Todo ello demuestra que en este breve período de tiempo la escena artística española fue testigo de la ascensión meteórica de esta pintora.2) OBJETIVOHe pretendido, al desarrollar los diferentes aspectos que componen este trabajo, confeccionar un Catalogo crítico y recopilar la máxima información existente acerca de la obra de Ángeles Santos, que permitiese poner de manifiesto, lo más objetivamente posible, la aportación de esta pintora a nuestro patrimonio artístico.En base a las investigaciones efectuadas en torno a la fuerte repercusión que en los círculos artísticos produjo su obra más temprana, y teniendo en cuenta que, desde 1933, se produce un cambio notable en su estilo, el cual no abandonará hasta nuestros días, he creído oportuno centrar el estudio en el período anterior a la guerra civil española.Sin querer significar con ello que la obra posterior carezca de interés, solamente se incluye al final de este trabajo una breve referencia a la misma debido a que ésta pertenece a una etapa de la producción de la pintora aún inconclusa, pues todavía pinta en la actualidad, por lo que no se dispone de la suficiente perspectiva histórica para poder valorarla con objetividad. Por otra parte, la diferencia de estilos entre ambas etapas aconseja asimismo analizar su producción posterior en un estudio aparte, del cual puede ser punto de partida este trabajo.3) FUENTESEn lo concerniente a la obtención de datos precisos en el desarrollo de este estudio, he consultada fuentes de diversa índole.Para la confección de un catalogo lo má s completo posible de sus obras, ha sido de inestimable ayuda la relación obtenida de la propia Ángeles Santos. Esta relación se ha ido engrosando a partir de los catálogos de exposiciones y otras publicaciones que he ido encontrando a lo largo de cuatro años de investigación en España y en el extranjero. Además, el continuado contacto con la pintora me ha facilitado una más profunda comprensión de su personalidad y de su obra. Merece especial mención la ayuda recibida de Rafael Santos Torroella, hermano de la artista, quien ha publicado diversos artículos sobre ella en los que se encuentran muchas aportaciones de gran valor. Sin duda alguna, se trata de la persona que posee más información sobre la pintora y con gran amabilidad me ha permitido el acceso a todas estas fuentes. Aún así, la labor de investigación me ha permitido localizar una considerable cantidad de material inédito, olvidado, o muy poco conocido.4) ESTRUCTURACIÓN Y METODOLOGÍAEn primer lugar se encuentra un capítulo que titulo Aspectos biográficos, donde se recogen aquellos datos de la vida de la pintora, así como los hechos y circunstancias del momento artístico que he considerado más relevantes para una mayor comprensión de su obra.El siguiente capítulo es el Catálogo critico (en el que se recoge toda la información de diversa índole recopilada acerca de cada una de las obras realizadas por la pintora desde sus comienzos hasta el estallido de la guerra civil.La metodología utilizada ha sido confeccionar una Ficha técnica para cada obra estudiada. Las Fichas están ordenadas cronológicamente y en cada una de ellas se incluye el título, las dimensiones, las características físicas, químicas y técnicas, el estado de conservación, las restauraciones, la cronología, el lugar de ejecución, la localización actual, las exposiciones y la bibliografía. A continuación se halla una descripción de los elementos que aparecen en el cuadro, un análisis y una interpretaciónDado que en su totalidad se trata de una obra figurativa, primeramente se describen en detalle los elementos que aparecen en el cuadro o dibujo. A continuación se analizan los aspectos técnicos y la factura pictórica. Finalmente, en la interpretación de las obras he considerado interesante incluir las opiniones y declaraciones de la crítica. De esta manera, un comentario relevante sobre una obra queda recogido en la ficha del cuadro correspondiente. Finalmente, se incluye la fotografía de la obra y el calco de su firma.El seguimiento detallado de este Catálogo crítico permite observar la evolución del estilo de la pintora y la maduración de su técnica, y pone de manifiesto la gran personalidad artística de Ángeles Santos, que yo reivindico como conclusión global de esta Tesis.En un apéndice de la Tesis se exponen las conclusiones acerca del Análisis de los materiales y técnicas pictóricas utilizados por la pintora, los cuales se han obtenido a partir de la extracción de muestras de la capa pictórica y su observación al microscopio.Para el estudio de las Exposiciones realizadas por la pintora he recogido la información existente sobre el carácter de las mismas, expositores, organizadores, cuadros expuestos y demás características. La ficha de cada exposición se acompaña de los fragmentos de la crítica que he juzgado más interesantes. En el apartado Testimonios se encuentran las declaraciones de la pintora y las entrevistas concedidas por ella, así como artículos y poesías dé los diferentes autores que escribieron sobre su personalidad y su obra.Para la confección del Cuerpo bibliográfico he procurado ceñirme lo más posible al ISBD (International Standard Bibliographical Description). Los asientos bibliográficos así redactados podrán imbricarse mas fácilmente con los que en el futuro conformarán la bibliografía de autores españoles del siglo XX.

Aquesta tesi és un estudi de com i perquè l'home s'apropia, altera i genera diferents d'objectes "artificis" en el context artístic contemporani per a construir la seva identitat. Aquesta respon a desitjos encoberts des del seu propi cos i és per això que fer un anàlisi de l'artifici, on projecta el seu "jo", ha permès despullar l'home de sentits i arribar a generar preguntes i apropar-nos a algunes respostes sobre la identitat, que han permès conèixer, de manera més autèntica, les realitats que amaga en el seu propi cos.Habitualment els estudis que s'han fet en art contemporani sobre "el doble" han estat basats en l'anàlisi d'un mateix tipus d'objecte "formal", quan aquesta manera d'operar ha pogut limitar l'estudi i conseqüentment acotar possibles conclusions. El que s'ha perseguit en aquesta tesi ha estat demostrar, mitjançant els diferents capítols, com la diversitat de l'objecte artificial pot respondre a un mateix sentit pel que fa la projecció del "jo" en l'objecte.En el primer capítol de la tesi es fa un recorregut per mites i fabulacions per tal que pugui ser constatat, al final de la tesi, com el sentit, les respostes i els interrogants d'aquests/es han arribat a tenir una important presència en el context artístic actual. Sota l'interrogant de ..la natura pot ser artifici? està basat el segon capítol de la tesi on, fent un recorregut des del macrocosmos fins al microcosmos es fa una apropiació d'algunes de les darreres obres artístiques per veure com respon l'artifici dins d'aquests dos contextos. El "sublim artificial" i com aquest forma part del paisatge contemporani tanca el capítol.En el capítol tercer, es fa un estudi de l'objecte artificial com a "generador" de sentit en el context de l'art i s'analitza aquest fet des de dues perspectives diferents: l'erotisme i el fracàs. Per tal de analitzar el fracàs, s'ha fet l'apropiació d'algunes obres que generen el seu discurs des de la disfuncionalitat, l'accident o l'absurd.En el quart capítol s'han analitzat les diferents formes que pot adoptar el Posthumà en l'art contemporani i el com i el perquè d'algunes de les raons per les quals aquest pot esdevenir esclau. Dins de l'anàlisi de la forma d'aquest cossos artificials s'ha fet un recorregut que va de l'artefacte a la màquina, de l'autòmat al robot de l'ortopèdia a la pròtesis i a les prolongacions.La intenció del cinquè capítol ha estat motivar el sorgiment de preguntes sobre quines són les maneres en què l'objecte artificial es "comporta" (rols) dins del llenguatge de l'art, i per tal de fer un apropament a la seva "essència" com a "ens", s'ha fet des de la postura que defensa Heidegger, la qual parteix de la manera d'entendre l'ànima en el pensament d'Aristotèlic. Tanmateix, s'ha fet un estudi de certes obres on el comportament de l'objecte respon a alguns tipus de manifestacions que fomenten la il·lusió animista: el moviment, l'electricitat, la projecció lumínica i la sonoritat. Per últim s'ha parlat de l'automatisme com acte de creació.El sisè capítol actuar sota les bases de la dialèctica de la poètica i de l'estètica de l'objecte tecnològic. S'han comparat obres de diferents artistes per analitzar de les diferents postures i s'ha fa un estudi del "perquè" de l'insistència en l'ús de l'estètica barroca en el referent tecnològic.El setè capítol, l'estudi de l'artifici en el meu treball artístic, te caràcter d'epíleg ja que fa apologia del discurs de la tesi.En el capítol vuit s'ha arribat a les conclusions de la tesi i s'ha explicitat la bibliografia utilitzada per a defensar algunes de les postures i posicionaments durant la redacció. / "Art and wish. The artistic work, a source of hidden wishes" TEXT:This thesis is a study of whys and wherefores man takes possession of, alters and generates different objects "tricks" in the contemporary artistic context in order to build their identity. In the first chapter of the thesis looks over some myths and fables to check, as the sense, the answers and the questions fables of these have arrived to have an important presence in the appliance that appears in art to today.Under the query can be nature skill? The second chapter is based on the thesis, making a journey from the microcosm to the macrocosm is an appropriation of some of the latest works of art to see how the artifice in these two contexts does. The "sublime artificial" and how this part of the contemporary landscape closes the chapter. The third chapter is a study of the artificial object as a "generator" of meaning in the context of art and analyses this fact from the eroticism and from failure. In the fourth chapter looks at the different ways you can adopt Posthumous in contemporary art and the reasons for this may become a slave. The fifth chapter is intended to motivate the emergence of questions about what are the ways in which artificial object "implies" (roles) within the language of art, and to make an approach to its "essence" as "us" is from a position heideggerian which starts from the understanding of the soul in Aristotelian thought. However, a study of works on the object that appeared to respond to events that promote illegal animistic thinking. In the same chapter speaks of automatism as act of creation. The sixth chapter operates under the rules of the dialectic of poetics and aesthetics of the object technology. Works of different artists are compared to analyze the positions taken and a study of "because" the insistence on the use of the Baroque style in the technical reference. The seventh chapter, the epilogue is the study of artifice in my work and finally, chapter eight, clarifying the conclusions that could get the thesis finished.