A presente dissertação tem como foco as relações entre público e arte, propostas por instituições culturais. O estudo parte do pressuposto de que, sobretudo a partir da década de 1960, um dispositivo pedagógico da arte é organizado, no sentido de responder a uma urgência histórica do nosso tempo, qual seja: a de criar estratégias de acessibilidade à arte. Nesse contexto, o principal objetivo do trabalho consiste em compreender as formas pelas quais esse dispositivo “ensina-nos” modos de nos relacionarmos com as artes visuais hoje. Como corpus de análise, optou-se por privilegiar um espaço específico de enunciação, a saber: quatro materiais didáticos produzidos por instituições culturais, destinados a professores e alunos, cuja temática é a obra do artista gaúcho Iberê Camargo. Com base no pensamento de Michel Foucault (em especial, os conceitos de saber, poder e subjetividade), buscou-se identificar nesses materiais: a) a maneira como a arte aparece objetivada pelos regimes de saber do dispositivo; b) como esses regimes são fixados e quais relações de poder estão em jogo; c) e, por fim, o modo como os materiais orientam a forma pela qual o sujeito deveria aproximar-se das artes visuais. As análises desenvolvidas possibilitaram apontar que os museus, ao se definirem como instituições educativas, legitimam o atravessamento de certos discursos pedagógicos em sua estrutura, dentre os quais destaquei: o construtivismo piagetiano, o “movimento interdisciplinar” e a educação libertadora de Paulo Freire. Essa dinâmica de organização dos saberes, por sua vez, talvez explique o porquê de o público ser convidado, nas atividades pedagógicas, a trazer referências pessoais e, a partir delas, estabelecer relações com formas de existência do artista e seu processo criativo. / The present dissertation has as focus the relations between the general public and the art, which are proposed by cultural institutions. The study parts from the presupposition that, mainly from the sixties, a pedagogical dispositif of art is organized in order to respond to a historic urgency of our time, namely: to create strategies to the art accessibility. In this context, the main objective of this study is to understand the ways in which this device "teaches us" ways of relating to the visual arts today. As a corpus analysis, it was chosen to focus on a specific space of enunciation: four teaching materials produced by cultural institutions, for teachers and students, whose theme is the gaucho artist's work Iberê Camargo. Based on the thought of Michel Foucault (especially the concepts of knowledge, power and subjectivity), the attempt was to identify in these materials: a) how art appears objectified by the knowledge systems from the dispositif, b) how these systems are fixed and which power relations are at stake, c) and, finally, how the materials guide the way in which the subject should approach the visual arts. By the developed analysis, it was possible to identify that the museums, when defining themselves as educational institutions, legitimate the crossing of certain pedagogical discourses in their structure, among which it was highlighted: Piaget's constructivism, the "interdisciplinary movement" and liberating education of Paulo Freire. This dynamic of knowledge organization, in turn, may explain why the public is invited, in educational activities, to bring personal references, and from them, establish relationships with forms of existence of the artist and his creative process.

Esta pesquisa tem como temática a avaliação no ensino de artes visuais na Educação Básica, problematizada a partir dos seus desdobramentos e implicações possíveis. Ao investigar as relações e tensionamentos que estão implicados nos discursos sobre avaliação em ensino de arte, o estudo pretende colocar o conceito de avaliação em movimento. Para isso, parte-se da análise de publicações sobre ensino de arte, em sua grande maioria brasileiras, excertos de legislações sobre educação e um conjunto de imagens de trabalhos artísticos realizados durante o percurso como aluna da educação básica a fim de enfatizar as presenças e ausências encontradas na discussão da área e contribuir ao estudo da temática. No decorrer da pesquisa, foi realizada uma busca referente ao termo “avaliação” nos escritos sobre ensino de artes visuais publicados no Brasil desde o final dos anos 70, a partir de autores que considerei como fundamentais na formação inicial do professor de Artes Visuais, tais como BARBOSA (1975, 1984, 2006, 2010), MARTINS; PICOSQUE; GUERRA (2009), FUSARI e FERRAZ (2010), HERNÁNDEZ (2000) e IAVELBERG; ARSLAN (2011). Para pensar e tensionar o conceito de avaliação, também utilizo FISCHER (2012) e VEYNE (1982), autores que se debruçam sobre a obra de Foucault, para questionar o quanto podemos estranhar práticas já tidas como naturalizadas, questões estas discutidas e problematizadas na Linha de Pesquisa Ética, Alteridade e Linguagem na Educação (PPGEdu - UFRGS), em especial as desenvolvidas por LOPONTE (2011). A partir desse trabalho, pensa-se nos desdobramentos dessa discussão sobre avaliação em ensino de arte e as implicações possíveis para as práticas docentes em arte. Em especial, o estudo nos convoca a pensar em outros modos de encarar a avaliação que se faz no ensino de arte, problematizando a maneira como o discurso se movimenta nas publicações, nas legislações e nas imagens, levando a pensar que tal temática é tão complexa a ponto de poucos quererem tocá-la. / This research has a literally work the assessment in the teaching of visual arts in the basic education, direct related after unfolding and possible implications. After investigating the relations and tendencies that are implied in the discussing about assessment, in arts’ teaching, the study allows to put the concept of assessment in movement. Beyond that, begins with publications analysis about arts’ teaching, most of all, Brazilians except legislations about education, and a sort of images of artistics jobs, during the journey with the student of basic education with the target to emphasize the presences and absences found in the discussion of the area and add to the thematic studies. Beyond this report, to be aware about the unfolding from this discussion in the art major, and possible implications, for the teaching practices in art. During the research, it was done one search for the term “evaluation” in the writes about visual arts, published in Brazil since the end 1970´s, beyond the authors that were considered to be relevant in the initial formation of the visual arts teacher, like BARBOSA (1975, 1984, 2006, 2010), MARTINS; PICOSQUE; GUERRA (2009), FUSARI e FERRAZ (2010), HERNÁNDEZ (2000) and IAVELBERG; ARSLAN (2011). To think and tension the evaluation´s concept, I also use FISCHER (2012) and VEYNE (1982), authors that address over Foucault´s work, to question how much we can be amazed by practices already considered natural before that, questions ones, discussed and problematized in the line of ethics, otherness and language in the education (PPGEdu - UFRGS), in special developed by LOPONTE (2011). This study specially requests to think about in other ways to face the assessments, that are related to the arts’ teaching, rending problematic the way the discuss moves the publications in the legislations and images, guiding to think that this thematic is really complex as a result of this fact, few people want to handle this major.

Paul Auster, um escritor norte-americano nascido em 1945, já publicou inúmeros romances, poemas e diversos textos críticos. É também tradutor, roteirista e já dirigiu filmes, como Sem Fôlego (1995). Seu trabalho integra as mais diferentes artes, como literatura, fotografia e cinema, aproximando-as dentro da própria narrativa literária. É ainda neste espaço que a figura do autor se problematiza, a partir dos nomes atribuídos a narrador e personagens, por exemplo. Um desses nomes pode ser ―Paul Auster-, mas, ao invés dele pode-se procurar deixar um espaço em branco, ou então negá-lo. Da mesma forma, quando fala de espaços, como aquele onde o escritor reside, o Brooklin, é sempre a partir de uma multiplicidade e de uma diferença cultural que não consegue fixar um único sentido ou origem. Seja, então, na autobiografia ou biografia, no diário, no retrato ou utilizando-se de elementos do documentário, sua obra aproxima a ficção de suas próprias ―verdades‖, deixando de lado o ―real preexistente‖ como ponto de partida, e baseando-se também na narração a partir da memória. Neste trabalho, esboçam-se aproximações entre sua obra e as de outros artistas, como Diego Velázquez, René Magritte e Orson Welles, para então repensar o que se entende pelo conceito de ―representação‖ nas artes, quais são seus limites, e como o próprio pensar artístico reflete (sobre) esse problema. / Paul Auster, a North-American writer born in 1945, has already published many novels, poems, and texts on art criticism. He is also a translator, scriptwriter and has directed films, such as Blue in the Face (1995). His work involves different arts, like literature, photography and cinema, approximating them inside the literary narrative. It is also in this space that the notion of ―author‖ is discussed, considering the names attributed to the narrator and the characters, for example. One of these names might be ―Paul Auster‖, but, instead of accepting this option, a blank space may be left, or the name could be denied. This way, when Auster mentions spaces, such as the one where the writer resides, that is, Brooklyn, it is always from a perspective of multiplicity and cultural difference which can‘t settle on one meaning or origin. May it be, then, in the autobiography or the biography, in the diary, the portrait or making use of elements from the documentary as a genre, his work makes fiction closer to its own ―truths‖, leaving aside the ―real‖ as a notion of something preexistent, and also taking the narration from the perspective of memory. This thesis establishes relations between Auster‘s works and the works of other artists, such as Diego Velázquez, René Magritte and Orson Welles, seeking to rethink what is understood by the concept of ―representation‖ in the arts, which are its limits, and how art can poetically reflect (on) this problem.

Submitted by Edisangela Bastos (edisangela@ufpa.br) on 2013-07-04T21:16:09Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23898 bytes, checksum: e363e809996cf46ada20da1accfcd9c7 (MD5) Dissertacao_ArtesVisuaisEnsino.pdf: 3504977 bytes, checksum: 1e60b2d6b3e60b21ca817ed835330fcb (MD5) / Approved for entry into archive by Ana Rosa Silva(arosa@ufpa.br) on 2013-08-06T15:04:42Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertacao_ArtesVisuaisEnsino.pdf: 3504977 bytes, checksum: 1e60b2d6b3e60b21ca817ed835330fcb (MD5) license_rdf: 23898 bytes, checksum: e363e809996cf46ada20da1accfcd9c7 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-08-06T15:04:42Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertacao_ArtesVisuaisEnsino.pdf: 3504977 bytes, checksum: 1e60b2d6b3e60b21ca817ed835330fcb (MD5) license_rdf: 23898 bytes, checksum: e363e809996cf46ada20da1accfcd9c7 (MD5) Previous issue date: 2013 / Este estudo constituiu-se numa análise das Representações de Professores de Artes Visuais acerca de suas práticas pedagógicas no contexto do Ensino Médio. Tendo como objetivo geral analisar as Representações de Professores de Artes Visuais do Ensino Médio sobre a Prática Pedagógica. A análise fora produzida a partir do conceito de Representações na perspectiva de Roger Chartier (1990; 1991;1994): sobre prática pedagógica com Veiga (2011; 2010): sobre formação de professores: Pimenta (2009) e Coelho (2009; 2010): em Arte com Barbosa (2009; 2010) e Fusari & Ferraz (2001; 2009). Utilizamos como caminho metodológico a Análise de Conteúdo de Bardin (2010). O estudo é uma pesquisa do tipo analítico- descritiva. Utilizamos como instrumento de coleta de dados: documentos oficiais e questionário, do qual participaram 15 professores de Arte efetivos da Rede Pública Estadual do Ensino Médio. Os resultados do estudo revelaram, que acerca da prática pedagógica, os professores, em sua maioria, apesar de terem um bom tempo de serviço, demonstraram a representação de uma triangulação apresentada em três vértices: leitura, baseada no senso comum, sem fundamentação Teórica/Ideal; o fazer, a prática no improviso, predominando o lado Prático/Real, e a contextualização superficial por falta de fundamentação, de unidade teórica/prática. Ressaltamos como aproximações conclusivas a vulnerabilidade na formação de professores de Arte. Essa formação é deficiente no que tange à capacidade de desenvolver a prática pedagógica com qualidade nas escolas públicas estaduais. Inferimos que urge a necessidade de (re) avaliar a formação de professores de Artes Visuais inicial e continuada, forjando um profissional com compromisso reflexivo-crítico com a sua prática social na educação. / This study consisted of an analysis of representations of Teachers of Visual Arts about their teaching practices in the context of high school. Aiming at analyzing Representations of Teachers of Visual Arts High School on Teaching Practice. The analysis was produced from the concept of representations from the perspective of Roger Chartier (1990, 1991, 1994): on pedagogical practice with Veiga (2011, 2010): on teacher: Pimenta (2009) and Coelho (2009, 2010): Art in with Barbosa (2009, 2010) and Fusari & Ferraz (2001, 2009). Use as methodological way content analysis of Bardin (2010). The study is a descriptive-analytical type. Used as instrument for data collection: official documents and a questionnaire, which was attended by 15 teachers of Art of Effective Networking State Public High School. The results of the study revealed that about teaching practice, teachers mostly, despite having a good time of service, demonstrated the representation of a triangulation presented in three vertices: reading, based on common sense, without substantiation Theoretical/ideal; doing so, the practice in improvisation, predominantly hand practical/Real, and the contextualization of superficial reasons for lack of drive theory/practical. We emphasize approaches as conclusive vulnerability in teacher Art. This training is deficient regarding the ability to develop pedagogical quality in public schools. We infer that there is an urgent need to (re)assess the training of teachers of Visual Arts start and continuing commitment to forging a professional-reflective critical to their social practice in education.

O presente estudo parte de interrogações sobre o intervalo existente entre o projeto e o trajeto em arte. A idéia que persigo diz respeito à percepção do tempo vivido durante o acontecimento da criação. Tais como pontos de passagem, este tempo refere-se ao "tempo em suspenso", o tempo desterritorializado, que não pode ser medido ou espacializado. Por trabalhar com gravura em metal, tanto na prática de atelier, como na orientação de trabalhos no curso de Artes Visuais da Universidade Federal de Pelotas (UFPEL), interesso-me pela possibilidade de desvendar a proximidade ou distância que possa haver entre o que idealizamos e o que realizamos, ou entre a intenção poética e a criação da obra. As idéias aqui contidas foram influenciadas por Henri Bergson, Gilles Deleuse, André Compte-Sponville, Cecília Salles, Sandra Rey, Nilza Haertel, Edith Derdyk, Ernesto Bonato, Jean Lancri, Jorge Larrosa, Tomaz Tadeu e Marly Meira, entre outros. São abordados aspectos das imagens de tempo que foram sendo construídas, conforme autores dos campos da física, da filosofia e da arte; depois, questões relacionadas à gravura em metal e à "criação em processo". E, no final, estabeleço a interseção destas duas primeiras, na tentativa de encontrar pontos de contato possíveis entre a experiência que temos do tempo nos percursos que se prolongam por substâncias incorporais. Há uma conecção entre os três tempos kronos, aiôn e kairós durante os desacertos a que nos submetemos ao aventurar-nos na experiência da criação, o que nos impõe eternos recomeços.

O presente estudo parte de interrogações sobre o intervalo existente entre o projeto e o trajeto em arte. A idéia que persigo diz respeito à percepção do tempo vivido durante o acontecimento da criação. Tais como pontos de passagem, este tempo refere-se ao "tempo em suspenso", o tempo desterritorializado, que não pode ser medido ou espacializado. Por trabalhar com gravura em metal, tanto na prática de atelier, como na orientação de trabalhos no curso de Artes Visuais da Universidade Federal de Pelotas (UFPEL), interesso-me pela possibilidade de desvendar a proximidade ou distância que possa haver entre o que idealizamos e o que realizamos, ou entre a intenção poética e a criação da obra. As idéias aqui contidas foram influenciadas por Henri Bergson, Gilles Deleuse, André Compte-Sponville, Cecília Salles, Sandra Rey, Nilza Haertel, Edith Derdyk, Ernesto Bonato, Jean Lancri, Jorge Larrosa, Tomaz Tadeu e Marly Meira, entre outros. São abordados aspectos das imagens de tempo que foram sendo construídas, conforme autores dos campos da física, da filosofia e da arte; depois, questões relacionadas à gravura em metal e à "criação em processo". E, no final, estabeleço a interseção destas duas primeiras, na tentativa de encontrar pontos de contato possíveis entre a experiência que temos do tempo nos percursos que se prolongam por substâncias incorporais. Há uma conecção entre os três tempos kronos, aiôn e kairós durante os desacertos a que nos submetemos ao aventurar-nos na experiência da criação, o que nos impõe eternos recomeços.

O presente estudo parte de interrogações sobre o intervalo existente entre o projeto e o trajeto em arte. A idéia que persigo diz respeito à percepção do tempo vivido durante o acontecimento da criação. Tais como pontos de passagem, este tempo refere-se ao "tempo em suspenso", o tempo desterritorializado, que não pode ser medido ou espacializado. Por trabalhar com gravura em metal, tanto na prática de atelier, como na orientação de trabalhos no curso de Artes Visuais da Universidade Federal de Pelotas (UFPEL), interesso-me pela possibilidade de desvendar a proximidade ou distância que possa haver entre o que idealizamos e o que realizamos, ou entre a intenção poética e a criação da obra. As idéias aqui contidas foram influenciadas por Henri Bergson, Gilles Deleuse, André Compte-Sponville, Cecília Salles, Sandra Rey, Nilza Haertel, Edith Derdyk, Ernesto Bonato, Jean Lancri, Jorge Larrosa, Tomaz Tadeu e Marly Meira, entre outros. São abordados aspectos das imagens de tempo que foram sendo construídas, conforme autores dos campos da física, da filosofia e da arte; depois, questões relacionadas à gravura em metal e à "criação em processo". E, no final, estabeleço a interseção destas duas primeiras, na tentativa de encontrar pontos de contato possíveis entre a experiência que temos do tempo nos percursos que se prolongam por substâncias incorporais. Há uma conecção entre os três tempos kronos, aiôn e kairós durante os desacertos a que nos submetemos ao aventurar-nos na experiência da criação, o que nos impõe eternos recomeços.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacao_alexandre_guimaraes_2011.pdf: 1448953 bytes, checksum: af799b059a020763de1229e1f70e1919 (MD5) Previous issue date: 2011-04-13 / The Virtual Learning Environment (VLE) of the School of Visual Arts Distance Education (FAV-EaD) is the search field of this work. It consists an ethnographic experience called virtual ethnography and its focus is the representation of teaching in the VLE, whose job performance is directly linked to the tutor. Thus, this research also had a character self-ethnographic therefore I build reports of my experiences as a tutor at VLE, immersed in other matters involving: a) displacements and encounters between the teacher and the graphic designer, b) review of my teaching experience and remeaning to the Art Education, c) analysis of subject´s positions of the teaching´s actors at VLE. / Este trabalho tem como campo de pesquisa o Ambiente Virtual de Aprendizagem (AVA) da Licenciatura em Artes Visuais Modalidade a Distância (FAV-EaD), da Faculdade de Artes Visuais (FAV) da UFG. Consta de uma experiência etnográfica denominada etnografia virtual e seu foco é a representação do trabalho docente no AVA, cuja performance profissional está diretamente ligada ao tutor. Nesse sentido, esta pesquisa também teve um caráter autoetnográfico, pois construí relatos de minhas experiências como tutor no AVA, imersas em outras questões que envolvem: a) deslocamentos e encontros entre o professor e o designer gráfico; b) revisão de minha experiência docente e ressignificações do arte/educar; c) análise de posições dos sujeitos que realizam o trabalho docente no ambiente virtual de aprendizagem.

Esta pesquisa de doutorado em Artes Visuais começou no ano de 2010, na Escola de Comunicação e Artes da Universidade de São Paulo - ECA/USP, intitulada O que se ensina e o que se aprende nas Licenciaturas em Artes Visuais a distância?, sob orientação da Profa. Dra. Ana Mae Tavares Bastos Barbosa, e tem como objetivo principal o de realizar síntese analítica e crítica de currículos de formação de profissionais de Ensino de Artes Visuais nos cursos de Licenciatura em Artes Visuais oferecidos na modalidade de Educação a Distância. Trata, principalmente, do mapeamento de uma área ainda iniciante em termos de pesquisa: a verificação da qualidade da formação de professores de arte visuais feita na modalidade de Ensino chamada de Educação a Distância EaD. Como o tema é inédito na área de Ensino de arte, os três capítulos, mais as considerações finais percorrem um caminho pavimentado de muito mais perguntas do que certezas, buscando dar voz aos atores desses processos educativos, em especial aos alunos dos cursos dessas licenciaturas. Composta de referencial teórico inter e multidisciplinar, mais a pesquisa de campo, com entrevistas, busca traçar as bases para a construção de uma Epistemologia do Ensino de Artes Visuais por Educação a Distância, se colocando como uma abertura ao diálogo e à reflexão, necessários, em especial no cenário contemporâneo aonde, a cada dia mais, a Educação a Distância vem ganhando significativa expressão numérica, com a convicção de que EaD não pode ser entendida somente, como uma sucessão, ou substituição da Educação presencial, pois, sua função é, além de aumentar o acesso ao conhecimento, a de realizar-se como uma prática significativa e consequente em relação aos princípios dos projetos pedagógico contemporâneos. / This doctoral research in Visual Arts began in 2010 in the School of Communication and Arts of University of São Paulo - ECA / USP, entitled \"O que se ensina e o que se aprende nas Licenciaturas em Artes Visuais a distância?\" under supervision of Profa. Dra. Ana Mae Tavares Bastos Barbosa, and aims to perform the analytical and critical synthesis of the training curricula of professional education in Visual Arts Bachelor of Visual Arts offered in the form of distance education. Comes mainly from the mapping of a fledgling area research terms checking the quality of teacher education in visual art made teaching method called Distance Education (e-Learning). As the topic is unprecedented in the field of art education, the three chapters, plus the final considerations go a path paved with more questions than answers, seeking to give voice to these actors educational processes, in particular the students of undergraduate courses such. Composed of inter and multidisciplinary theoretical framework, more field research with interviews, seeks to trace the foundations for building an epistemology of teaching Arts, posing as an opening to dialogue and reflection necessary, especially in the contemporary scenario where, every day more, distance education has been gaining significant numeric expression, with the belief that distance education cannot be understood only as a succession or replacement of classroom education, because its function is, in addition to increasing access to knowledge, to be held as a significant and consistent practice on the principles of contemporary pedagogical projects.

Esta pesquisa de doutorado em Artes Visuais começou no ano de 2010, na Escola de Comunicação e Artes da Universidade de São Paulo - ECA/USP, intitulada O que se ensina e o que se aprende nas Licenciaturas em Artes Visuais a distância?, sob orientação da Profa. Dra. Ana Mae Tavares Bastos Barbosa, e tem como objetivo principal o de realizar síntese analítica e crítica de currículos de formação de profissionais de Ensino de Artes Visuais nos cursos de Licenciatura em Artes Visuais oferecidos na modalidade de Educação a Distância. Trata, principalmente, do mapeamento de uma área ainda iniciante em termos de pesquisa: a verificação da qualidade da formação de professores de arte visuais feita na modalidade de Ensino chamada de Educação a Distância EaD. Como o tema é inédito na área de Ensino de arte, os três capítulos, mais as considerações finais percorrem um caminho pavimentado de muito mais perguntas do que certezas, buscando dar voz aos atores desses processos educativos, em especial aos alunos dos cursos dessas licenciaturas. Composta de referencial teórico inter e multidisciplinar, mais a pesquisa de campo, com entrevistas, busca traçar as bases para a construção de uma Epistemologia do Ensino de Artes Visuais por Educação a Distância, se colocando como uma abertura ao diálogo e à reflexão, necessários, em especial no cenário contemporâneo aonde, a cada dia mais, a Educação a Distância vem ganhando significativa expressão numérica, com a convicção de que EaD não pode ser entendida somente, como uma sucessão, ou substituição da Educação presencial, pois, sua função é, além de aumentar o acesso ao conhecimento, a de realizar-se como uma prática significativa e consequente em relação aos princípios dos projetos pedagógico contemporâneos. / This doctoral research in Visual Arts began in 2010 in the School of Communication and Arts of University of São Paulo - ECA / USP, entitled \"O que se ensina e o que se aprende nas Licenciaturas em Artes Visuais a distância?\" under supervision of Profa. Dra. Ana Mae Tavares Bastos Barbosa, and aims to perform the analytical and critical synthesis of the training curricula of professional education in Visual Arts Bachelor of Visual Arts offered in the form of distance education. Comes mainly from the mapping of a fledgling area research terms checking the quality of teacher education in visual art made teaching method called Distance Education (e-Learning). As the topic is unprecedented in the field of art education, the three chapters, plus the final considerations go a path paved with more questions than answers, seeking to give voice to these actors educational processes, in particular the students of undergraduate courses such. Composed of inter and multidisciplinary theoretical framework, more field research with interviews, seeks to trace the foundations for building an epistemology of teaching Arts, posing as an opening to dialogue and reflection necessary, especially in the contemporary scenario where, every day more, distance education has been gaining significant numeric expression, with the belief that distance education cannot be understood only as a succession or replacement of classroom education, because its function is, in addition to increasing access to knowledge, to be held as a significant and consistent practice on the principles of contemporary pedagogical projects.