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A linha que contorna a crônica: a obra de Tarsila do Amaral / The line that contours the chronicle: the work of Tarsila do AmaralMaria Helena Cavalcanti Hofmann 31 March 2010 (has links)
A proposta desta dissertação é investigar o trabalho artístico de Tarsila do Amaral, sua obra plástica como também sua obra escrita. Esta pesquisa se propõe a compreender de que maneira sua pintura, elaborada como um desenho, com cores delimitadas por fios e imagens geometrizadas adquire uma dependência a uma narrativa de cunho literário. Tarsila do Amaral, pintora modernista, parece organizar os espaços em suas pinturas ao construir linhas, elaboradas cuidadosamente, imprimindo um aspecto aparentemente cerebral ao seu trabalho. Assim, partindo dessas duas formas de arte, imagem e texto, que dialogam entre si na obra da pintora, surgiu a necessidade de escrever a dissertação em forma de crônica. Ao longo da pesquisa este gênero literário demonstrou ser a forma mais adequada para lidar com o objeto de estudo, pois, escrever crônicas tendo como ponto de partida os quadros e textos de Tarsila do Amaral permitiu um olhar mais detalhado e demorado sobre sua obra, possibilitando também lidar com todos os aspectos de sua vida que tangenciaram sua arte. Parece importante perceber as influências estrangeiras em sua formação como pintora e sua busca por uma identidade como artista. Ressaltando o aspecto lúdico de sua obra, as crônicas a seguir buscam compreender como uma pintura racional pode gerar um resultado próximo a uma imagem infantil, especialmente no período Pau-Brasil. Já na fase Antropofágica, o foco de estudo se concentrou na tela Abaporu, em sua elaboração, inspiração e desdobramentos como movimento literário e artístico. Assim, vinte e uma crônicas proporcionam um panorama de aspectos relevantes na obra de Tarsila do Amaral desde o início de seus estudos de desenho até o período em que já recebia o devido reconhecimento por sua obra artística / The proposal of this dissertation is to investigate the artistic work of Tarsila do Amaral, both her plastic and written workmanship. This research intends to understand how her painting, elaborated as a drawing, with colors delimited by lines and geometrized images, acquires a dependence on a narrative of literary matrix. Tarsila do Amaral, modernist painter, seems to organize the spaces in her paintings when constructing lines, carefully elaborated, printing a cerebral aspect to her work. Therefore, from these two forms of art, image and text, which dialogue between them in the workmanship of the painter, the necessity of writing a dissertation in the chronicle form came out. This literary genre demonstrated to be the form that best adjusted to handle the study object throughout the research, thus writing chronicles having as a starting point Tarsila do Amarals pictures and texts allowed a more detailed and detained look at her workmanship, also making possible to treat all aspects of her life that touched her art. It seems important to realize the foreign influences on her formation as a painter and her search for an identity as an artist. Emphasizing the ludic aspect of her workmanship, the following chronicles seek to understand how a rational painting can produce a result close to a childish image, especially in the Pau-Brasil period. In the Anthropophagic phase, the focus of the study was especially concentrated on the Abaporu screen, on its elaboration, inspiration and unfoldings as literary and artistic movement. Accordingly, twenty one chronicles provide a panorama of the relevant aspects in the workmanship of Tarsila do Amaral since the beginning of her drawing studies until the period in which she has already received the right acknowledgment of her artistic work
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A linha que contorna a crônica: a obra de Tarsila do Amaral / The line that contours the chronicle: the work of Tarsila do AmaralMaria Helena Cavalcanti Hofmann 31 March 2010 (has links)
A proposta desta dissertação é investigar o trabalho artístico de Tarsila do Amaral, sua obra plástica como também sua obra escrita. Esta pesquisa se propõe a compreender de que maneira sua pintura, elaborada como um desenho, com cores delimitadas por fios e imagens geometrizadas adquire uma dependência a uma narrativa de cunho literário. Tarsila do Amaral, pintora modernista, parece organizar os espaços em suas pinturas ao construir linhas, elaboradas cuidadosamente, imprimindo um aspecto aparentemente cerebral ao seu trabalho. Assim, partindo dessas duas formas de arte, imagem e texto, que dialogam entre si na obra da pintora, surgiu a necessidade de escrever a dissertação em forma de crônica. Ao longo da pesquisa este gênero literário demonstrou ser a forma mais adequada para lidar com o objeto de estudo, pois, escrever crônicas tendo como ponto de partida os quadros e textos de Tarsila do Amaral permitiu um olhar mais detalhado e demorado sobre sua obra, possibilitando também lidar com todos os aspectos de sua vida que tangenciaram sua arte. Parece importante perceber as influências estrangeiras em sua formação como pintora e sua busca por uma identidade como artista. Ressaltando o aspecto lúdico de sua obra, as crônicas a seguir buscam compreender como uma pintura racional pode gerar um resultado próximo a uma imagem infantil, especialmente no período Pau-Brasil. Já na fase Antropofágica, o foco de estudo se concentrou na tela Abaporu, em sua elaboração, inspiração e desdobramentos como movimento literário e artístico. Assim, vinte e uma crônicas proporcionam um panorama de aspectos relevantes na obra de Tarsila do Amaral desde o início de seus estudos de desenho até o período em que já recebia o devido reconhecimento por sua obra artística / The proposal of this dissertation is to investigate the artistic work of Tarsila do Amaral, both her plastic and written workmanship. This research intends to understand how her painting, elaborated as a drawing, with colors delimited by lines and geometrized images, acquires a dependence on a narrative of literary matrix. Tarsila do Amaral, modernist painter, seems to organize the spaces in her paintings when constructing lines, carefully elaborated, printing a cerebral aspect to her work. Therefore, from these two forms of art, image and text, which dialogue between them in the workmanship of the painter, the necessity of writing a dissertation in the chronicle form came out. This literary genre demonstrated to be the form that best adjusted to handle the study object throughout the research, thus writing chronicles having as a starting point Tarsila do Amarals pictures and texts allowed a more detailed and detained look at her workmanship, also making possible to treat all aspects of her life that touched her art. It seems important to realize the foreign influences on her formation as a painter and her search for an identity as an artist. Emphasizing the ludic aspect of her workmanship, the following chronicles seek to understand how a rational painting can produce a result close to a childish image, especially in the Pau-Brasil period. In the Anthropophagic phase, the focus of the study was especially concentrated on the Abaporu screen, on its elaboration, inspiration and unfoldings as literary and artistic movement. Accordingly, twenty one chronicles provide a panorama of the relevant aspects in the workmanship of Tarsila do Amaral since the beginning of her drawing studies until the period in which she has already received the right acknowledgment of her artistic work
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Pintura, historia e herois no seculo XIX : Pedro Americo e "Tiradentes Esquartejado"Christo, Maraliz de Castro Vieira 11 April 2005 (has links)
Orientador: Jorge Coli Sidney Junior / Acompanha: Anexo de imagens / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-05T06:12:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2005 / Resumo: A tela Tiradentes esquartejado, de Pedro Americo, produzida em 1893, pertencente ao acervo do Museu Mariano Procópio de Juiz de Fora (Minas Gerais -Brasil), representa, em grande formato, o corpo esquartejado do protomártir da República brasileira, executado em 1792 por crime de lesa-majestade, acusado de liderar um movimento pela Independência do Brasil. A leitura iconográfica da tela acentua a gênese de seu processo criativo, identificando a proposta inicial do artista em apresentar Tiradentes esquartejado não como tela isolada, mas compondo uma narrativa sobre a Conjuração Mineira, estruturada na forma de tragédia, enfatizando a fragilidade do movimento. A tela insere-se
nos dilemas da criação do panteão nacional republicano, em pleno ocaso da pintura histórica na cultura ocidental. As vicissitudes da produção, circulação e recepção da imagem permitem compreender seu esquecimento por mais de meio século e atualidade. A análise do método de trabalho de Pedro Americo denota o intenso diálogo com a história da
arte, assim como o processo de desconstrução dos heróis no conjunto da obra do artista, enfatizando sua consonância com a pintura internacional do final do século XIX e originalidade / Resume: La toile Tiradentes écartelé de Pedro Americo, peinte en 1893, appartient à Ia collection du Musée Mariano Proc6pio de Juiz de Fora ( Minas Gerais - Brésil).Ellereprésente,engrand format, le corps écartelé du protomartyre de Ia République brésilienne, exécuté en 1792 pour crime de lese-majesté, accusé de commander un mouvement pour l'indépendance du Brésil. La lecture iconographique de Ia toile souligne Ia génese de son processus créateur,
tout en identifiant Ia proposition initiale de l'artiste de présenter Tiradentes écartelé non en tant que toile isolée mais comme une narration de Ia Conjuration "Mineira", structurée sous Ia forme d'une tragédie qui révele Ia fragilité du mouvement. La toile s'insere dans les débats de Ia création du panthéon national républicain, en pIein déclin de Ia peinture historique dans Ia culture occidentale. Les vicissitudes de Ia production , de Ia circulation et de Ia réception de l'image nous menent à comprendre l'oubli dont cette toile a été victime pour plus d'un demi siêcle ainsi que son actualité. L'analyse de Ia méthode de travail de Pedro Americo étonne aussi bien pour son intense dialogue avec l'histoire de l'art que pour son processus de déconstruction des héros dans l'ensemble de son oeuvre, en soulignant sa consonance avec Ia peinture intemationale de Ia fin du XIXe siêcle et son originalité / Abstract: The painting Tiradentes esquartejado (Tiradentes Lacerated) by Pedro Américo was painted in 1893 and now belongs to the Mariano Procópio Museum in Juiz de For a. It portrays the lacerated body of a proto martyr of the Brazilian republic who was executed in 1792 for treason, after being accused of leading a conspiracy against the Portuguese
Empire for the independence of the country. The iconographical analysis of the painting highlights the genesis of its creative process, identifying the artist' s initial proposal in exhibiting Tiradentes Esquartejado not as a single painting, but as part of a narrative on the "Conjuração Mineira"(Conspiracy in Minas Gerais), shaped into a tragedy, thus stressing the fragile feature of the movement. The painting is part of the dilemmas of creation of the national republican pantheon, exactly when historical painting in western culture is at its end. The vicissitudes of production, circulation and reception of the painting makes it possible for us to understand why it was forgotten for over half a century and also its up--to-dateness. The analysis of Pedro Americo's working method impresses for its intense dialogue with the history of art, as well as the heroes' deconstruction process in the artist' s works, stressing bis consonance with the intemational painting of the end of the 19thcentury and its originality / Doutorado / Historia Social / Doutor em História
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Estudo da obra de Gastão Manoel Henrique = uma hipotese sobre as suas diferentes fases / A study of the work of Gastão Manoel Henrique : a hypothesis about the different phasesGregato, Márcia Elisa de Paiva, 1972- 12 November 2009 (has links)
Orientador: Marco Antonio Alves do Valle / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-15T03:31:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2009 / Resumo: A presente tese apresenta como meta o estudo teórico, crítico e histórico da obra do escultor brasileiro Gastão Manoel Henrique, catalogando os trabalhos produzidos pelo artista a partir da década de cinquenta, investigando suas preocupações expressivas no contexto da história da arte na qual se encontra inserido, bem como analisando a organização formal e espacial das obras e seus procedimentos, comparando-as entre si e também alinhando-as aos trabalhos de outros artistas do período a fim de compreendê-las e classificá-las em distintas sete fases que configuram um recorte da obra do artista até o presente momento. A compreensão desse conjunto de obras se dá através do exame inicial de algumas das questões que marcam a introdução da arte moderna abstrata no Brasil dos anos cinquenta, apontando a Semana de Arte Moderna como marco inicial de nossa tradição artística, passando pela intervenção de Lúcio Costa, na tentativa de modernização da Escola Nacional de Belas Artes, que foi um dos primeiros atos do Governo Vargas com a nomeação dos diretores da área da cultura. Foram analisadas também, por sua relevância, as duas vertentes presentes e formadoras do Movimento Modernista no Brasil, sendo a primeira delas, representada por Graça Aranha, e identificada na obra de Ismael Nery no que diz respeito à aproximação dos artistas cariocas do surrealismo e dadaísmo internacionais; e a segunda, identificada na obra de Candido Portinari e representada por Mário de Andrade, tornando-se hegemônica com a revolução de 1930 e sua vinda para o Ministério da Educação e Saúde Pública - MESP, na gestão Gustavo Capanema. O estudo dessas duas vertentes possibilita a identificação de suas distintas conceituações teóricas, estéticas e ideológicas, bem como o reconhecimento da proximidade que há entre o Modernismo representado por Graça Aranha e os primeiros trabalhos de Gastão Manoel Henrique, nos quais se percebe a relação com outros artistas pioneiros do modernismo internacional, entre os quais se destaca Giorgio de Chirico, de onde se atribui a presença dos motivos arquitetônicos encontrados nos desenhos dos anos cinquenta. Foram também incorporados à tese os relatos do artista acerca das influências recebidas de seu pai, Elmano Henrique, cartazista de profissão e responsável pela educação estética do jovem Gastão, principalmente no que diz respeito ao rigor na fatura artística e conceitual, características identificadas em toda sua produção. Para a compreensão e argumentação das diversas fases, foram necessários ainda o estudo das participações do artista em exposições chaves da neovanguarda brasileira introdutora da arte contemporânea no Brasil; os diálogos múltiplos estabelecidos a partir de meados da década de sessenta entre artistas e espectadores, identificados também na obra de Lygia Clark e iniciados pelo filósofo Merleau-Ponty; e ainda, a partir dos anos oitenta, a influência de Constantin Brancusi, que produziu reverberações tanto em Gastão Manoel Henrique quanto em seu amigo Sergio Camargo. As sete fases identificadas e analisadas a partir desta pesquisa constituem um trabalho inédito que pretende inaugurar na Universidade Brasileira o estudo da obra deste escultor, apontando caminhos para novas pesquisas que possam surgir nacional e internacionalmente / Abstract: A study of the work of Gastão Manoel Henrique: a hypothesis about the different phases The present thesis presents as its goal, the theoretical, critic and historic study of the work from the Brazilian sculptor Gastão Manoel Henrique, cataloguing the works produced by the artist since the fifties, investigating his expressive concerns in the historical context of the art in which he is inserted, as well as analyzing the formal and spatial organization of the works and its procedures, comparing them among themselves and also aligning them with the works of other artists of the same period in order to understand and classify them in seven distinct phases which configure an indention of the artist work until the present moment. The understanding of these set of works is done through the initial examination of some questions that characterize the introduction of the abstract art in Brazil during the fifties, taking the "Semana de Arte Moderna" (Modern Art Week) as the initial landmark of our artistic tradition, passing through the intervention of Lúcio Costa in his attempt to modernize the "Escola Nacional de Belas Artes" (Arts National School), which was one of the first acts of the Vargas Government with the nomination of a director in the area of culture. It was also analyzed, because of its relevance, the two streams present in the formation of Modern Movement in Brazil. The fist one is represented by Graça Aranha, and it is identified in the work of Ismael Nery with respect to the approximation of the artists from Rio de Janeiro to the international Surrealism and Dadaism. The second one is identified in the work of Cândido Portinari and represented by Mário de Andrade, becoming hegemonic with the 1930 Revolution and his coming to the Ministry of Education and Public Health, in the administration of Gustavo Capanema. The study of these two streams made possible the identification of its distinct theoretical conceptions, esthetics and ideologies, as well as the recognition of the proximity between the Modernism represented by Graça Aranha and the first works of Gastão Manoel Henrique, in which it is noticed the relationship with other pioneer artists of the international Modernism, among whom we find Giorgio de Chirico, from whom it is attributed the presence of the architectural motifs found in the drawings of the fifties. It was also incorporated in the dissertation the reports of the artist about the influence he received from his father, Elmano Henrique, cartoonist as a profession and responsible for the esthetic education of the young Gastão, especially in respect to the strength in the artistic fatura and conceptual, identified characteristics in his production. In order to understand and argue the many phases, it was necessary the study of the artist participation in key Brazilian neo-vanguard expositions which were the beginning of the contemporary art in Brazil; and the multiple dialogues initiated in the mid sixties between artists and the audience, also identified on the work of Lygia Clark, and started by the philosopher Merleau-Ponty; and also, beginning in the eighties the influence of Constantin Brancusi, who produced reverberations not only in Gastão Manoel Henrique but also in his friend Sérgio Camargo. The seven phases identified and analyzed on this research constitute a singular work that pretend to inaugurate in the Brazilian University the study of the work of this sculptor, showing ways for new research that might come in the national and international scenario / Doutorado / Doutor em Artes
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As Bienais Nacionais de São Paulo : 1970-76 / The Nacional Biennial of São Paulo : 1970-76Zago, Renata Cristina de Oliveira Maia, 1981- 23 August 2018 (has links)
Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-23T17:34:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2013 / Resumo: A presente pesquisa de doutorado pretende analisar a função das Bienais Nacionais de São Paulo, que aconteceram entre os anos 1970 e 76, e entender a sua relevância no cenário artístico da época. Para isso, foi desenvolvida uma pesquisa pautada primordialmente em dados resgatados da documentação histórica gerada por esses eventos (incluindo-se aqui também os artigos de jornais publicados pela imprensa do período) e conservada no Arquivo Histórico Wanda Svevo da Fundação Bienal / Abstract: The purpose of this PhD research is to analyze the role of the "Bienais Nacionais de São Paulo", that happened between the years of 1970 and 1976, and to understand their importance in the art scene of the time. Therefore, we undertook a research guided primarily by the data recovered from the historical documentation engendered by these events (including the newspaper articles published by the press of the period) and preserved in the Wanda Svevo Historical Archives of the Art Biennial Foundation / Doutorado / Artes Visuais / Doutora em Artes Visuais
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Guignard e o ambiente artístico no Brasil nas décadas de 1930 e 1940 / Guignard e o ambiente artístico no Brasil nas décadas de 1930 e 1940Ribeiro, José Augusto Pereira 14 August 2009 (has links)
A presente dissertação tem como objetivo analisar a obra de Alberto da Veiga Guignard (1896-1962), focalizando especialmente seu percurso nas décadas de 1930 e 1940, período em que ela constituiu alguns de seus aspectos poéticos decisivos um vocabulário lírico ligado ao prosaico e o apreço por uma pintura de superfície. O estudo busca mostrar como esses aspectos sobretudo o lirismo colhido a materiais humildes da vida cotidiana podem estar ligados à proximidade do pintor com os poetas Manuel Bandeira e Murilo Mendes e, de outro modo, também com a imaginação onírica do artista Ismael Nery, que de algum modo dialoga com as paisagens imaginárias que marcam tão fortemente a pintura de Guignard. A dissertação procurou discutir a obra do pintor no quadro do modernismo brasileiro, principalmente no que concerne à questão nacional-popular, presente na pintura de Guignard de modo muito mais sutil e refratado, conforme se argumenta, do que em muitos de seus contemporâneos da geração modernista dos anos 1930. / The following essay has the objective of analyzing the work of Alberto da Veiga Guignard (1896 1962), especially focusing on his 1930s and 1940s trajectory, period on which his works most poetics aspects were constituted a lyric vocabulary linked to the prosaic and the esteem of the surface painting. The study searches how these aspects particularly the lyricism and the humble everyday life material can connect this painter to poets Manuel Bandeira and Murilo Mendes and, in another way, also with the imagination of the artist Ismael Nery, who, in some ways, dialogues with imaginary landscapes that strongly appear on Guignard. The dissertation discusses the work of this painter within the Brazilian Modernism, especially on what concerns the popularnational issues, present on Guignards paintings in a much more subtle and refracted way, as it is said, compared to his generations contemporaries Brazilian Modernists of the 1930s.
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Eduardo Sued: Minotauros / Eduardo Sued: MinotaurosGilton Monteiro dos Santos Junior 19 March 2008 (has links)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A pintura de Eduardo Sued se caracteriza por uma variedade de soluções e um
procedimento radicalmente assistemático. Observando o método de ação adotado pelo
pintor, propõe-se uma análise crítica e interpretativa de sua produção apoiado em duas
noções centrais, logicamente relacionadas: o desvio e o labirinto. Compreendida como
estratégia revisionária, o desvio condiz à aspectos estritos à operação da pintura, no
tocante à maneira como Sued lida com a tradição e principalmente como conduz a
experiência da pintura nos termos de sua atualidade. O segundo conceito, labirinto,
confere caráter às conseqüências produzidas por esta experiência, senão à experiência
mesma, consistindo aí a unidade da produção. Neste aspecto, o labirinto estará presente
tanto naquele momento que concerne às relações intra-poéticas, quanto na possibilidade
aberta de se interpretar esta obra, seja em partes, seja em seu conjunto. A idéia de
reconstrução deriva desse processo vivo e fragmentado da pintura. Reconstruir é buscar
sentidos possíveis para a pintura hoje, algo que legitime seu papel no mundo
contemporâneo, sem pretender, evidentemente, encerrar-se em dogmas. Repondo os
termos de uma herança construtiva vigente na obra, as noções de desvio/labirinto
revelam vínculos com certa tradição moderna, sem deixar de inserir e apontar nesta
pintura os dilemas da contemporaneidade, que lhe são próprias / Eduardo Sueds paintings are underlined for kinds of results and a radical
unsystematic process. Seeing the painters action method we propose a critic and
interpretative analyses of his production. We use two ideas for it. The first is the swerve
and the second is the labyrinth. The swerve is a strategic revision that suits with the
operation of painting, demonstrating the mode as Sued works the tradition and
labyrinths idea ascribe the character to the form of experience, its image, residing there
the unit of production. Thus the labyrinth will be present as in intra-poetics relations
moment as in possible way to interpret this work. The reconstruction idea comes of its
lively and broke process to paint to reconstruct possible meanings to the painting today
something that it will do lawful at the contemporaneous world no to intend to reduce it
for dogmas. The labyrinths and swerve ideas discover links to the modern tradition
through their constructive heritage. And they dont leave to replace and to underline in
these paintings contemporaneous dilemmas that are theirs
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Eduardo Sued: Minotauros / Eduardo Sued: MinotaurosGilton Monteiro dos Santos Junior 19 March 2008 (has links)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A pintura de Eduardo Sued se caracteriza por uma variedade de soluções e um
procedimento radicalmente assistemático. Observando o método de ação adotado pelo
pintor, propõe-se uma análise crítica e interpretativa de sua produção apoiado em duas
noções centrais, logicamente relacionadas: o desvio e o labirinto. Compreendida como
estratégia revisionária, o desvio condiz à aspectos estritos à operação da pintura, no
tocante à maneira como Sued lida com a tradição e principalmente como conduz a
experiência da pintura nos termos de sua atualidade. O segundo conceito, labirinto,
confere caráter às conseqüências produzidas por esta experiência, senão à experiência
mesma, consistindo aí a unidade da produção. Neste aspecto, o labirinto estará presente
tanto naquele momento que concerne às relações intra-poéticas, quanto na possibilidade
aberta de se interpretar esta obra, seja em partes, seja em seu conjunto. A idéia de
reconstrução deriva desse processo vivo e fragmentado da pintura. Reconstruir é buscar
sentidos possíveis para a pintura hoje, algo que legitime seu papel no mundo
contemporâneo, sem pretender, evidentemente, encerrar-se em dogmas. Repondo os
termos de uma herança construtiva vigente na obra, as noções de desvio/labirinto
revelam vínculos com certa tradição moderna, sem deixar de inserir e apontar nesta
pintura os dilemas da contemporaneidade, que lhe são próprias / Eduardo Sueds paintings are underlined for kinds of results and a radical
unsystematic process. Seeing the painters action method we propose a critic and
interpretative analyses of his production. We use two ideas for it. The first is the swerve
and the second is the labyrinth. The swerve is a strategic revision that suits with the
operation of painting, demonstrating the mode as Sued works the tradition and
labyrinths idea ascribe the character to the form of experience, its image, residing there
the unit of production. Thus the labyrinth will be present as in intra-poetics relations
moment as in possible way to interpret this work. The reconstruction idea comes of its
lively and broke process to paint to reconstruct possible meanings to the painting today
something that it will do lawful at the contemporaneous world no to intend to reduce it
for dogmas. The labyrinths and swerve ideas discover links to the modern tradition
through their constructive heritage. And they dont leave to replace and to underline in
these paintings contemporaneous dilemmas that are theirs
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Artes plasticas : vanguarda e participação politica (Brasil anos 60 e 70)Cavalcanti, Jardel Dias 29 September 2005 (has links)
Orientador: Italo Arnaldo Tronca / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-04T23:57:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2005 / Resumo: Esta pesquisa foca a relação entre a produção das artes plásticas e o contexto político brasileiro instaurado pelo Golpe Militar de março de 1964. A análise das questões artísticas, como seus desdobramentos no campo social, elegeu como local privilegiado de investigação os anos de 1964 a 1970. As interseções entre a arte e a política foram evidenciadas no posicionamento crítico dos artistas, dado no cerne de suas poéticas, nos programas estabelecidos pelas exposições de arte e num projeto de vanguarda nacional engajada / Abstract: The present work focus the relationship between visual arts and the brazilian political situation after the 1964 military coup. Artistic issues and its reflections in the social field were analyzed in the years from 1964 to 1970. The interconnections between visual arts and the brazilian military politics came up though the artists critical position in their artistic production, in the art exhibitions programs and in the project of politically commited ¿avant-garde¿ / Doutorado / Historia da Arte / Doutor em História
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Guignard e o ambiente artístico no Brasil nas décadas de 1930 e 1940 / Guignard e o ambiente artístico no Brasil nas décadas de 1930 e 1940José Augusto Pereira Ribeiro 14 August 2009 (has links)
A presente dissertação tem como objetivo analisar a obra de Alberto da Veiga Guignard (1896-1962), focalizando especialmente seu percurso nas décadas de 1930 e 1940, período em que ela constituiu alguns de seus aspectos poéticos decisivos um vocabulário lírico ligado ao prosaico e o apreço por uma pintura de superfície. O estudo busca mostrar como esses aspectos sobretudo o lirismo colhido a materiais humildes da vida cotidiana podem estar ligados à proximidade do pintor com os poetas Manuel Bandeira e Murilo Mendes e, de outro modo, também com a imaginação onírica do artista Ismael Nery, que de algum modo dialoga com as paisagens imaginárias que marcam tão fortemente a pintura de Guignard. A dissertação procurou discutir a obra do pintor no quadro do modernismo brasileiro, principalmente no que concerne à questão nacional-popular, presente na pintura de Guignard de modo muito mais sutil e refratado, conforme se argumenta, do que em muitos de seus contemporâneos da geração modernista dos anos 1930. / The following essay has the objective of analyzing the work of Alberto da Veiga Guignard (1896 1962), especially focusing on his 1930s and 1940s trajectory, period on which his works most poetics aspects were constituted a lyric vocabulary linked to the prosaic and the esteem of the surface painting. The study searches how these aspects particularly the lyricism and the humble everyday life material can connect this painter to poets Manuel Bandeira and Murilo Mendes and, in another way, also with the imagination of the artist Ismael Nery, who, in some ways, dialogues with imaginary landscapes that strongly appear on Guignard. The dissertation discusses the work of this painter within the Brazilian Modernism, especially on what concerns the popularnational issues, present on Guignards paintings in a much more subtle and refracted way, as it is said, compared to his generations contemporaries Brazilian Modernists of the 1930s.
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