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Memoria (licenciado en ciencias jurídicas y sociales) / El presente trabajo aborda la Excepción al derecho patrimonial de autor del artículo 32 de la Ley de Propiedad Intelectual, y su aplicabilidad a dos hipótesis de modificación del guion literario de Ficción: la adaptación a guion técnico, y la modificación del argumento de aquella obra. Complementariamente, se analizan los efectos del Derecho a la Integridad del guionista, como límite al derecho o privilegio que pueda ostentar el productor para modificar el guion La investigación implicó la creación de una matriz o esquema para la aplicación de la norma, que permite determinar si una hipótesis de uso de una obra en la producción cinematográfica se acoge a esta excepción. Su utilización permitió demostrar que la adaptación del guion literario de ficción a guion técnico es un uso que se acoge a esta excepción, mas no la modificación del argumento de la obra. Respecto al derecho a la integridad, se concluyó que otorga al guionista, y a todo autor, un derecho irrenunciable a oponerse a toda deformación y mutilación de su obra.

La presente tesis constituye una aproximación al análisis semiótico y psicoanalítico del falso documental de terror desde el estudio de la película V/H/S: Las crónicas del miedo. Se postula que esta película generaría en el espectador un encuentro con el exceso y lo real, a través del goce escópico, el cual lo sumerge en un simulacro de trasgresión y lo somete a la sociedad hipermoderna. Para ello, la metodología se centra en el análisis de los elementos narrativos y audiovisuales presentes en la película. El análisis semiótico estudia la película como un enunciado e identifica las estructuras discursivas de la historia, el punto de vista, el accionar del enunciador y la respuesta del enunciatario. El análisis consiste en la lectura de los bragues enuncivos y enunciativos. Los datos que arroja el análisis son interpretados con los conceptos de la teoría psicoanalítica presentes en el texto cinematográfico. Estos son: la mirada, el goce escópico, la perversión, la neurosis, lo real traumático y la fantasía. Se elige como representante de este subgénero a la película V/H/S: Las crónicas del miedo, debido a su estructura significativa e isotópica, su narrativa de terror y sus diferentes formas de mostrar la mirada. La presente investigación concluye con lo siguiente: la película V/H/S: Las crónicas del miedo genera en el espectador un encuentro con el exceso y lo real, mediante el goce escópico, el cual lo sumerge en un simulacro de trasgresión y lo somete a la sociedad hipermoderna. Además, este encuentro con lo real evidencia el accionar perverso del enunciador y la respuesta neurótica del enunciatario.

En este texto, el autor desarrolla la historia del neorrealismo italiano y el contexto histórico en el que se desenvolvió. De igual manera, se rastrea las características de su estética que supuso un momento de corte frente a las anteriores estéticas realistas. Frente al neorrealismo visto únicamente como crítica o crónica social, algunos críticos y filósofos como André Bazin y Gilles Deleuze relevaron sus aportes en la Historia del Cine tanto por las innovaciones en la puesta en escena como por ser el inicio de un cine que utilizó el tiempo cinematográfico en tanto elemento expresivo primordial. Fueron algunos directores provenientes de este movimiento, en la década del cincuenta, como Roberto Rossellini, Federico Fellini y Michelangelo Antonioni quienes hicieron el tránsito de una estética neorrealista al cine moderno, privilegiando al tiempo cinematográfico como una característica importante en el cine de autor de entonces, que Deleuze denominó como Imagen-tiempo. La vigencia de estos directores en el cine contemporáneo no es casual: marcaron un territorio que luego será emulado por jóvenes directores interesados en los efectos expresivos y poéticos del tiempo cinematográfico. Ese es el caso de varios de los directores mas interesantes de América Latina durante la primera década del año dos mil. Ese es el caso del cineasta argentino Lisandro Alonso. / The research focuses on the history of Italian neorealism and the historical context in which it developed. Similarly, it analyzes the characteristics of its aesthetics that implied a rupture with previous realistic aesthetics. Considering neorrealism only as a criticism or social chronicle, some critics and philosophers such as André Bazin and Gilles Deleuze, divulged its contributions in the History of Cinema both for its innovations in staging as for being the outset of a cinema that uses cinematographic time as a fundamental expressive element. Some of the directors of this movement in the decade of the fifties as Roberto Rossellini, Fellini and Michelangelo Antonioni started the movement from a neo-realistic aesthetic to modern cinema granting especial characteristic to cinematographic time in the author cinema of that time, which Deleuze labeled as the Time-Image. The authoritativeness of these directors in contemporary filmmaking is not fortuitous: they underline a territory that will be later imitate by young directors interested in the expressive and poetic effects of the cinematographic time. This is the case for some of the most interesting directors of Latin America during the first decade of the year 2000. This is the case of Argentinean director Lisandro Alonso.

En 1992 el entonces presidente del Perú, Alberto Fujimori, rompió el orden constitucional bajo el cual había sido elegido, en un acto para el que se acuñó el término “autogolpe de Estado”. Este jefe de gobierno, un civil, cerró en una noche y un día las instituciones democráticas, intervino el poder judicial, derogó la constitución, llamó a elecciones para un nuevo congreso constituyente, y gobernó hasta 1995 fuera de la ley, de la mano de las Fuerzas Armadas (luego se reelegiría hasta el 2000).

Hoy me provoca ir al cine. Miro la cartelera de cine comercial y la mayoría de películas que se exhiben corresponden a producciones norteamericanas que carecen de atributos artísticos e innovadores. Como espectadora no tengo alternativa: La película que debo ver será gringa o gringa. No hay más opción… O mejor dicho sí la hay. Puedo agenciarme un DVD pirata, bajarme la película de internet y así darme la opción de ver cinematografías de otros lados del mundo y disfrutar de estéticas y contenidos variados. Entonces aparece la pregunta de rigor: ¿Por qué no hay películas nacionales, latinoamericanas, asiáticas, africanas dentro del circuito comercial, que me permitan disfrutar de mi libertad de ver, oír y consumir aquello que me apetezca?

En un contexto, en el cual el cine y los productos audiovisuales se siguen transformando a partir de las nuevas tecnologías, se ha vuelto más necesario el cuestionamiento sobre cómo y qué discursos se están reproduciendo a través de ellos. Asimismo, en una sociedad en la cual aún se repiten patrones que minimizan y sexualizan a la mujer y los cuerpos feminizados, se vuelve prioridad encontrar miradas y herramientas que vayan en contra de ello. Por estos motivos, el presente estudio ahonda en cómo el movimiento de cine independiente estadounidense, Mumblecore, ha influido en la representación de personajes femeninos construidos bajo una mirada femenina. Esto se determina a partir del análisis de las protagonistas de las películas más representativas del movimiento: Funny ha ha (2002) y Frances Ha (2012). Para lograrlo, el estudio aplica una metodología de análisis de personajes, bajo los estatutos de la Teoría Fílmica Feminista (TFF) y el análisis de temáticas que se desprenden del mundo interno y externo de las protagonistas. En paralelo, la investigación analiza la estética visual y códigos cinematográficos que propone cada película. De esta manera, se abre paso a conclusiones que destacan la diferencia entre ambas protagonistas y cómo una de ellas se inscribe más en la mirada femenina que la otra y cómo efectivamente el Mumblecore se presenta como una suerte de espacio seguro para que la mirada femenina pueda desarrollarse, evolucionar y expandirse. / In a context in which cinema and audiovisual products continue to be transformed, based on new technologies, it has become more necessary to question how and what discourses are being reproduced through them. Likewise, in a society in which patterns that minimize and sexualize women and feminized bodies are still repeated, it becomes a priority to find perspectives and tools that go against it. For these reasons, the present study delves into how the American independent film movement, Mumblecore, has influenced the representation of female characters constructed under a female gaze. This is determined from the analysis of the protagonists of the most representative films of the movement: Funny haha (2002) and Frances Ha (2012). To achieve this, the studio applies a methodology of character analysis, under the statutes of Feminist Film Theory (FFT) and the analysis of themes that arise from the internal and external world of the protagonists. At the same time, the research analyzes the visual aesthetics and cinematographic codes proposed by each film. In this way, it opens the way to conclusions that highlight the difference between the two protagonists and how one of them is inscribed more in the female gaze than the other one and how effectively Mumblecore is presented as a kind of safe space for the female gaze to develop, evolve and expand.

Licenciado en artes con mención en teoría e historia del arte

Magíster en artes con mención en teoría e historia del arte / Análisis y reflexión en torno a las estrategias utilizadas por el cineasta chileno Raúl Ruiz para crear un modelo de invención fílmica a partir del desplazamiento de operaciones narrativas desde el texto literario al audiovisual, en “Palomita Blanca” (1973) y “Días de Campo” (2004). La investigación da cuenta del modo como a partir del trabajo de lectura desborde y torcedura de textos literario, Ruiz pone en crisis la concepción tradicional de máquina productora de espectáculos (políticos o de entretención) que ha dominado al cine, e impulsa el tránsito hacia lo que la creación cinematográfica pudo haber sido y todavía puede ser: una máquina de pensar

Memoria para optar al título de Periodista / En primer lugar, este documental nació debido a un compromiso social latente en nosotros como periodistas y realizadores audiovisuales. Nos motiva denunciar los abusos cometidos en nuestro país, sobre todo hacia las personas más desposeídas. Vemos en Chile un Estado que limita su rol y despliega una legislación ambigua sin incluir a las minorías mayoritarias, con redes de influencia de operadores políticos, a lo que se suma una población desinformada y con muchas necesidades. Creemos que el documental cinematográfico es una poderosa herramienta de transformación de la realidad, si se desarrolla en la dirección correcta, esto es, apostando a través del cine por la conquista de una sociedad más justa, libre e igualitaria, mediante un trabajo artístico de calidad estética, y con un criterio ético y un lenguaje que pueda ser asimilado por miles de personas de distintos estratos y sectores sociales, tanto en Chile como en Latinoamérica y el mundo. Es por eso que escogimos el tema minero como eje de nuestro trabajo, ya que comprendemos que es una temática siempre actual y de tremenda relevancia, que necesita ser conocido por la sociedad en general. Es el cobre el mineral que más contribuye a la economía nacional y, al mismo tiempo, el que brinda mayores ganancias a capitales privados extranjeros. Este recurso natural adquiere un valor que está por sobre los derechos de los habitantes y el medio ambiente de aquellas zonas donde se obtiene, ya que los grandes proyectos de extracción, generalmente, conllevan el desalojo de pueblos y profundos cambios demográficos y ambientales en el territorio. Así ha sucedido por lo menos reiteradas veces en los últimos años, donde casos como el de la minera Los Pelambres o el de Pascua Lama en el norte chico, son solo los ejemplos más conocidos.