La parole conteuse traverse et alimente l'oeuvre de Richard Desjardins. Elle dévoile un univers narratif riche et complexe où s'entremêle un réseau d'images qui soutiennent le récit. Par une construction savante, les structures de l'intrigue créent un sentiment d'attente et de suspense chez l'auditeur. Dans l'élaboration de ces scénarios, les métaphores contribuent à l'efficience du discours oral. En plus d'appuyer l'atmosphère poétique que cherchait à créer la mise en scène des récits, elles participent à la magnificence du discours. Ces formes écrites deviennent les réservoirs de l'oralité, puisqu'elles présentent une architecture où la voix peut se déployer. Par un maniérisme vocal hors du commun. l'interprétation dynamique de Desjardins assure les nombreux passages entre l'écrit et l'oralité. La parole conteuse est en effet au coeur de sa performance, puisque les phénomènes de corporéité présents dans la voix de l'interprète sont des caractéristiques participant à la dramatisation des textes de chansons. En créant stratégiquement une ambiance favorable au déploiement de la parole conteuse et propice au « racontage », le chanteur se métamorphose en conteur. Notre mémoire se veut une réflexion sur l'écriture des chansons de Richard Desjardins et leur mise en voix, leur « performance ». Il se concentre sur les procédés constituant les traces écrites et orales de la parole conteuse dans l'oeuvre de l'auteur. En travaillant avec des méthodes empruntées à l'analyse de l'écrit (Genette, Milly, Joubert et Jakobson) et de l'oralité (Jakobson et Zumthor), nous explorons successivement ces deux axes indissociables dans le corpus. En s'inspirant des études de la chanson québécoise (Julien, Chamberland, Perron et Giroux) et du renouveau du conte (Clame-Griaule, Massie et Robitaille), nous soulevons ainsi les éléments participant au déploiement de la parole conteuse chez l'auteur. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Richard Desjardins, Chanson québécoise, Parole conteuse, Écriture, Oralité, Récit, Image, Maniérisme vocal.

Ce mémoire est une étude de la notion de poéticité dans la chanson. Nos recherches abordent le poétique d'un point de vue rhétorique afin de montrer les effets produits par le poétique dans l'ensemble de ce qui compose l'univers d'une chanson. Pour ce faire, notre analyse prend en considération tous les éléments de la partition musicale qui entrent en relation avec des éléments linguistiques. Ce mémoire fait l'analyse de chansons tirées du corpus francophone québécois et dont les textes ont pénétré la mémoire collective. La proposition sur laquelle se base l'analyse des ces chansons est que les éléments poétiques d'une chanson se mettent au service d'un processus rhétorique comprenant tous les éléments qui composent l'univers d'une chanson, c'est-à-dire le texte et la musique, mais également l'interprète et son auditoire. Chanson et poésie se distinguent donc du point de vue de l'intentionnalité de départ et de la réception. Quoique certains éléments propres à l'écriture poétique soient employés à des fins rhétoriques, stylistiques, structurales ou rythmiques dans le texte de chanson, une chanson ne trouve son essence que dans l'union de son texte et de son univers musical. C'est donc par un ensemble d'éléments qui entrent en interaction que la chanson atteint son auditoire et trouve sa vérité. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Poétique, Chanson, Québécoise, Musique, Rhétorique.

Après avoir été à la recherche de"grands auteurs", le Québec est à la recherche de grandes figures mythiques afin de construire son histoire culturelle. Depuis quelques années, plusieurs chercheurs étudient différentes figures québécoises afin d'exposer leur mythification. C'est dans cette optique que je propose de démontrer l'établissement d'un autre mythe québécois, celui d'André Fortin. Bien que décédé il y a une dizaine d'années, André"Dédé" Fortin, chanteur et leader des Colocs, continue de figurer dans les quotidiens ; sa musique est toujours diffusée à la radio et différentes parutions le concernant ont été publiées lors des dernières années. Malgré qu'il ait été connu comme membre du groupe Les Colocs, il est le seul concerné par la persistance de sa figure après toutes ces années. Est-ce que sa position centrale au sein de la formation ainsi que l'aspect tragique et soudain de sa mort contribueraient à faire de lui un mythe? Le présent mémoire s'attache à démontrer l'établissement du mythe d'André Fortin par le biais d'une analyse basée sur neuf critères, allant de la modification d'éléments biographiques afin de mieux convenir à la mémoire collective jusqu'à l'évocation de sa figure dans divers contextes. Le corpus d'étude est composé d'articles publiés de son vivant, d'articles publiés après sa mort ainsi que de deux livres biographiques parus respectivement en 2001 et 2004.

Notre mémoire porte sur la chanson émergente au Québec et ses liens avec la question identitaire. Il s'agit de savoir en quoi la chanson québécoise actuelle exprime une identité porteuse d'un projet politique et surtout dans quels thèmes il diffère du projet nationaliste exprimé par la chanson des années 1960 et 1970. Notre interrogation se situe dans les débats récents sur l'identité québécoise en particulier tels que présentés dans les études des sciences sociales et politiques confrontées à la diversité culturelle et au pluralisme. En regard des politiques d'intégration et de la démographie, diverses positions émergent de ces débats allant du multiculturalisme à l'interculturalisme en passant par le métissage et le cosmopolitisme. De ce point de vue, nous observons en chansons les différences marquées entre les composantes traditionnelles et récentes de l'identité exprimée. La chanson québécoise engagée de la période actuelle compose nécessairement avec les présences autochtones, anglophones et immigrantes et donne à entendre une identité appelée à se transformer. L'analyse de la scène musicale actuelle et l'étude de textes de chansons associées à la relève tracent les enjeux de la période actuelle. Aussi, l'identité selon les termes de la chanson émergente est non seulement composite, hétérogène et plurielle mais aussi changeante. Par conséquent, l'enjeu du projet politique d'émancipation, s'il en est un, ne serait plus tant la question identitaire tel qu'on l'affirme depuis les chansonniers, mais bien davantage le mode de vivre-ensemble et partant, les pouvoirs nécessaires à son développement. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Chanson québécoise, Identité, Interculturalisme.

Le présent mémoire met en lumière le caractère poétique de la chanson folklorique québécoise de langue française. Le point d'amorce de ce travail provient de l'appréciation des lettrés québécois qui, au XIXe siècle, recueillirent ces chansons notamment pour leurs qualités poétiques. La critique littéraire a toutefois rapidement délaissé cet objet d'étude, l'abandonnant à l'ethnologie et à l'histoire, négligeant ainsi d'investiguer ce qui constitue son présumé caractère poétique. Ce mémoire comble donc en partie cette lacune en abordant les différents aspects textuels, musicaux et performatifs qui sont à l'origine de la poéticité de certaines de ces chansons. Plus spécifiquement, nous interrogeons en premier lieu le caractère narratif de la chanson folklorique afin de voir si celui-ci ne fait pas obstacle à l'apparition du poétique, pour ensuite examiner d'un point de vue rhétorique la constitution de l'effet poétique par le truchement des figures et de leur organisation en réseaux sémantiques. En second lieu, nous faisons apparaître l'importance de certains éléments de thèmes de la chanson folklorique qui sont à l'origine de médiations à caractère poétique. Finalement, nous mettons en lumière les correspondances structurelles entre musique, performance et poésie et relevons ainsi l'incidence majeure que ces deux premiers éléments exercent sur la poéticité de la chanson folklorique. ______________________________________________________________________________

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Ce mémoire aborde la chanson comme discours révélateur de la manière dont les auteurs, compositeurs ou interprètes se perçoivent en tant qu'artistes. Les textes sont étudiés selon une approche sociosémiotique fondée sur une analyse de contenu qui prend en considération les questions rhétoriques et formelles et qui ainsi débouche sur une poétique et sur une histoire de la chanson autoreprésentative au Québec. Dans ce mémoire, le discours de la chanson sur elle-même est envisagé dans une perspective historique, à partir de 1957, date de la naissance de l'industrie de la chanson moderne populaire au Québec, jusqu'en 2004. Les paroles de chansons autoreprésentatives révèlent que les artistes sont coincés entre leur désir d'atteindre l'idéal d'un art pur et les hauts standards de rentabilité imposés par l'industrie du disque. Cette problématique permet de constituer l'état d'un champ artisque tel que Pierre Bourdieu le définit, c'est-à-dire que d'un côté il y a le pôle de grande production où se situe l'industrie et ses « produits» et de l'autre, le pôle de production restreinte où se retrouvent les tenants de l'art pour l'art. L'auteur de chansons autoreprésentatives refuse de se soumettre aux positions établies par le champ et il tente de tailler une place de choix: tout d'abord comme chansonnier porte-parole (de 1957 à 1977) se retrouvant partagé entre l'industrie naissante et l'artisanat, ensuite comme anti-vedette (de 1978 à 1989) prenant position contre la vedette sans toutefois atteindre l'idéal d'un art pur, tel que le fait, à son avis, le musicien de la rue, puis comme auteur-compositeur ou interprète (de 1990 à nos jours) étant aux prises avec un conflit interne l'obligeant à départager son côté auteur-compositeur (proche de l'art) de son côté interprète (proche de l'industrie). Tous les aspects de sa production artistique contribuent à la constitution de chacune de ces figures, c'est-à-dire autant par la façon qu'il définit sa condition (Qui chante?) que de la manière qu'il écrit ses oeuvres (Quoi chanter ?), sans oublier ses motivations (Pourquoi chanter ?). L'artiste recherche la reconnaissance et il revendique son statut dans les textes de ses chansons. L'originalité de cette étude réside dans le fait que le discours critique sur la chanson québécoise n'a jamais considéré l'autoreprésentation comme révélatrice d'une condition artistique spécifique. Ce mémoire fournit une meilleure compréhension des tensions qui traversent la chanson et montre l'ambiguité de son inscription dans le champ artistique. Quelles chansons entendrons-nous au lendemain de la crise qui sévit dans le champ artistique de la chanson au Québec? ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Chanson, Autoreprésentation, Québec, Histoire, Artiste, Auteur-compositeur-interprète, Chansonnier, Porte-parole, Vedette, Anti-vedette, Écriture, Discours, Industrie, Art pour art.

Loco Locass est d'abord considéré comme un groupe de chansonniers engagé, et pour décrire son art, ce groupe invente un genre appelé la rapoésie. Le qualificatif engagé évoque surtout la teneur politique des discours qui meublent ses chansons, mais on fait ici le pari que l'intitulé générique indique que son engagement ne procède pas uniquement de cette conception sartrienne qui consiste à diffuser une œuvre qui se préoccupe des exigences du social et de la métaphysique : en fondant une nouvelle catégorie littéraire, un nouveau pacte de lecture, les rapoètes semblent s'engager, selon les termes de R. Barthes, à prendre les responsabilités formelles qui sont le propre de l'écrivain. Partant du legs de ces deux penseurs, le présent mémoire entend montrer que le qualificatif engagé est effectivement approprié pour décrire l'œuvre de ce trio puisque celle-ci réfléchit au fait littéraire en même temps qu'elle donne à l'homme un miroir de lui-même et de son monde. L'objectif de la première partie est de dévoiler trois portraits rapoétiques. D'une part, elle présente ce qui, dans l'environnement familial et scolaire où ils évoluent, paraît disposer les trois individus à devenir des artistes. D'autre part, elle s'attarde à voir ce qui, dans le parcours professionnel que chacun réalise en dehors du trio, permet d'actualiser certains acquis artistiques et d'en acquérir d'autres, qui tous mènent à la rapoésie. Enfin, la mise en place de ces trajectoires individuelles permet de présenter la démarche que chacun entreprend en formant Loco Locass, de même que la démarche du groupe lui-même : une démarche polémique et esthétique qui s'en prend aux lieux communs de la pensée et de la culture. La seconde partie cherche quant à elle à comprendre l'identité générique et culturelle de cette œuvre qui se réclame d'au moins trois genres établis (rap, poésie, manifeste) et qui recourt notamment à un modèle américain (le rap) pour exprimer sa québécitude. En analysant les pochettes d'albums, cette partie du mémoire informe d'abord des genres et références culturelles que l'œuvre convoque afin de se présenter à son public éventuel. Et l'image qu'elle donne d'elle, soit celle d'une chanson authentiquement rap, poétique et québécoise, est ensuite confirmée par l'analyse de la figure textuelle du rapoète qui, en plus de se réclamer à la fois du rappeur et du poète, convoque un certain nombre de figures mythologiques et/ou sacrées pour donner une représentation de lui-même. Enfin, la troisième partie s'efforce de vérifier si l'être de l'œuvre s'accorde au paraître présenté dans la partie précédente. Elle s'intéresse d'abord à la manière dont les rapoèmes organisent et transmettent le sens, constatant d'une part que le rapoète argumente comme un signataire de manifeste et que d'autre part son style allie son et sens, fond et forme, créant ainsi un au-delà de la langue qui se greffe au travail rhétorique. Cette dernière partie se termine par un examen des méthodes de composition musicale : conciliant instruments et technologie numérique, la musique parvient à brouiller les frontières génériques, culturelles, géographiques et temporelles. En somme, ce mémoire fait voir en quoi la rapoésie témoigne d'un engagement qui part de l'origine du geste créatif et se rend jusqu'à la diffusion d'une œuvre, d'un engagement qui entend jouer un rôle dans la société civile et artistique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Littérature québécoise, chanson, engagement, politique, manifeste, rap, poésie, Loco Locass.

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Ce mémoire porte sur l’œuvre chantée de Michel Latraverse, dit Plume. Nous y définissons le projet esthétique de cet auteur-compositeur-interprète en nous questionnant sur l’auditeur anticipé dans ses chansons. D’une part, nous constatons que Latraverse mise sur une forme d’hybridité quand il se définit en tant qu’artiste. L’hétérogénéité de ses influences lui permet d’explorer un grand nombre de styles musicaux et d’aborder une multitude de sujets. Dans ses textes, il cherche le beau à travers la simplicité et la bassesse du quotidien. Cependant, il tend malgré tout à exposer la laideur du monde en développant un réflexe d’exclusion qui n’épargne personne, brisant par le fait même toutes les solidarités. D’autre part, à l’aide des théories de la lecture, nous montrons que Latraverse, en puisant à la fois aux cultures savante et populaire, et malgré ses réflexes d’exclusion, rend possible un rapprochement entre des lecteurs aux compétences parfois très inégales. À la fin, nous concluons que Plume Latraverse opère un rabaissement systématique de l’humain afin d’en ramener l’existence à sa plus simple expression, physique et corporelle. C’est ainsi qu’il crée une communauté du bas où chacun a sa place et au sein de laquelle l’exclusion n’est plus possible. / The object of this master’s dissertation is the musical work of Michel Latraverse, also known as Plume. By identifying the anticipated listener of this singer-songwriter’s songs, we will define his aesthetic project. We will first note how Latraverse, when defining himself as an artist, relies on a certain hybridity. His influences are diverse and varied, and thus allow him to explore different musical styles and topics. His writings explore beauty within every day life’s simplicity and commonness. However, by putting forth an exclusion reflex from which no one is safe, Latraverse also tends to expose life’s ugliness. We will then show, using reader-response criticism theories, how Latraverse draws from both popular and learned cultures and thus, in spite of his exclusion reflex, allows readers of sometimes very different proficiency to reconcile. All this will allow us to conclude that Plume Latraverse systematically belittles man in order to bring him back to his most humble physical and corporal expression. He thus creates a community of the lowly where each find their place and where exclusion is no longer possible.