Com a chegada dos \"filmes falados\" nos anos finais da década de 20, o cinema brasileiro, que como outros ao redor do mundo vivia então um momento de grande vigor criativo, é obrigado a se reinventar, a praticamente recomeçar. Para os mais puristas, esse recomeço implicou numa recaída do cinema na velha arte teatral; para os mais otimistas, representou a consagração do dispositivo cinematográfico como o modo mais moderno e efetivo de dramatização. O cinema narrativo, com o acréscimo do som sincronizado, ao contrário das previsões iniciais, atinge rapidamente um novo estágio de popularidade. Esta pesquisa estuda de que modo nas duas décadas que se seguiram a novidade do \'cinema falado\', a dramaturgia do filme e a dramaturgia teatral dialogaram entre si para a construção de modelos dramáticos que pudessem atender as expectativas de um novo tipo de público, mais urbano e cosmopolita, num país que rapidamente buscava superar seu passado rural e as estruturas sociais e mentais a ele associadas. / With the arrival of \"talkies\" in the final years of the 1920s, Brazilian cinema, which like others around the world was living in a moment of great creative vigor, is forced to reinvent itself, practically starting again. To the more purists, this new beginning implied a relapse of the cinema into the old theatrical art; for the most optimistic, represented the consecration of the cinematographic \'dispositif\' as the most modern and effective mode of dramatization. Narrative cinema, with the addition of synchronized sound, unlike initial predictions, quickly reaches a new stage of popularity. This research studies how, in the two decades that followed the novelty of sound film, the dramaturgy of the film and theatrical dramaturgy interacted with each other to construct dramatic models that could meet the expectations of a new type of audience, more urban and cosmopolitan, in a country that quickly sought to overcome its rural past and the social and mental structures associated with it.

O objetivo deste trabalho é estudar o cenário de composição e produção de trilhas musicais no cinema brasileiro desde o período chamado de Retomada até a atualidade, analisando como as transformações tecnológicas na produção musical e cinematográfica, as renovações no elenco de profissionais e artistas do cinema e do mercado fonográfico, o restabelecimento de uma produção cinematográfica baseada nas leis de incentivo criadas na década de 1990 e outras contingências colaboraram para a solidificação de novos modelos de produção de trilhas musicais originais na contemporaneidade. O momento atual do mercado cinematográfico brasileiro é marcado por significativas reconfigurações nas cadeias de produção, com predominância de modelos organizacionais que se caracterizam pela produção \"projeto por projeto\", dentro dos quais é comum haver um enxugamento da estrutura profissional e logística. Os compositores musicais são caso a se destacar nesse cenário, pois seu perfil contemporâneo difere-se bastante da figura tradicional, que costumava se tratar de um músico alinhado às práticas da música de concerto, com o trabalho voltado para a escrita na partitura e a ausência de relação direta com o aparato técnico de gravação e edição analógicas. Os compositores e produtores musicais de hoje, por conta dos avanços tecnológicos nas ferramentas digitais de áudio, do barateamento de equipamentos e das transformações no mercado cinematográfico, fonográfico e publicitário, caracterizam-se em geral por criarem suas músicas já no ambiente de produção digital, comumente aliando composição, gravação, execução, edição, mixagem e sincronização com a imagem no mesmo processo; são em sua maioria donos de seus próprios estúdios de gravação ou empresas produtoras de áudio e são bastante autossuficientes, centralizando no próprio trabalho muitas das tarefas que antes requeriam um número maior de profissionais, bem como estruturas mais complexas de produção, muitas vezes inviáveis na realidade cinematográfica anterior do país. / This research aims at studying the setting of composition and production of musical scores for the Brazilian cinema since the period called as Retomada until nowadays, by analyzing how the technological transformations in music and film production, the renovations in the cast of professionals and artists involved in movies and in the music market, the reinstatement of movie production based on financial incentive laws created on the 1990s and other contingencies have collaborated to solidify new models of film scores production in the contemporary years. The present moment of Brazilian cinematographic market is marked by meaningful reconfigurations in the production chains, with the predominance of organization models characterized by the \"project by project\" productions, in which is common a reduction of the professional and logistic structure. Music composers are to be distinguished in this setting, for their contemporary profile is very different than the traditional figures, who used to be musicians aligned to the classical music practices, with works based in musical notation and without much direct relationship with the technical apparatus of analog recording and editing. Music composers and producers nowadays, because of the technological advances in digital audio tools, the lower costs of the equipment and the transformations in the movies, music and publicity markets, are characterized, in general, for creating their music in digital production environment, commonly allying composition, recording, execution, editing, mixing and synchronization with the image in the same process. They are, mostly, owners of their recording studios or audio producing companies and are very self-sufficient, concentrating in their own work a lot of tasks that would require a greater number of professionals and a more complex structure of production before, which were impracticable many times in the earlier cinematographic reality of the country.

O objetivo principal desta dissertação é construir uma reflexão acerca das representações cinematográficas dos cantos de trabalho camponeses no cinema brasileiro, tendo como recorte a análise comparativa de sua presença nas obras de Humberto Mauro e Leon Hirszman, e abarcando como questões transversais a discussão sobre o trabalho como matéria prima cinematográfica, a presença do universo camponês na cinematografia brasileira, as distintas significações do canto de trabalho como fenômeno social e artístico, a influência de Humberto Mauro na conformação do modernismo cinematográfico brasileiro e a relevância do mundo do trabalho na obra de Leon Hirszman. Para dar conta desta temática, optou-se por proceder a uma análise fílmica por capítulo, começando pelas obras de Humberto Mauro ­ Aboio e cantigas e Cantos de trabalho ­ passando pela trilogia dos cantos de trabalho de Leon Hirszman e finalizando com a análise de S. Bernardo, mais especificamente de sua sequência final. Desta forma, para além de um estudo comparativo, a dissertação se propõe a construir um quadro complexo e aberto das inter-relações estéticas e sociais entre cinema, canto e trabalho. / The main goal of this dissertation is to build a reflection about the cinematic representations of peasants work songs in Brazilian cinema, from the comparative analysis of their presence in the Humberto Mauro and Leon Hirszman filmographies, embracing as crosscutting issues the discussion about the work as raw film material, the presence of peasant universe in Brazilian cinema, the different meanings of the work songs as social and artistic phenomenon, the influence of Humberto Mauro in the Brazilian film modernism and the relevance of the working world in the Leon Hirszman\'s artistic and intellectual trajectory. To handle this issue, we decided to make a film analysis by chapter, beginnig by Humberto Mauro`s works - Aboio e cantigas e Cantos de trabalho - through the trilogia dos cantos de trabalho of Leon Hirszman and ending with S. Bernardo, more specifically of its final sequence. In this way, in addition to a comparative study, the dissertation intends to build a complex and open picture about social and aesthetic interrelationships between cinema, song and work.

O principal objetivo desta pesquisa é fazer um estudo e uma discussão comparativa sobre o modo como dois importantes personagens sociais são retratados pela cinematografia brasileira em um conjunto delimitado de filmes: o Metalúrgico e o Motoboy. Por meio de uma análise estética e narrativa, investiga-se como cineastas lançaram o olhar sobre a realidade contemporânea e construíram um imaginário audiovisual dessas categorias profissionais. Com base em autores como Bernardet (2003), Tomizaki (2007), Eisenstein (1990), Pudovkin (1961), Silva (2011), Nichols (1991) entre outros que discutem o tema, analisam-se seis documentários brasileiros que retratam a vida e saga dos protagonistas deste estudo. Recorre-se também, para cotejar a produção nacional em relação ao que cineastas estrangeiros têm produzido sobre o tema, a filmes correlatos, como A Classe operária vai ao paraíso (1971), Sem destino (1969) e outros. A análise inclui a discussão de aspectos técnicos que vão do posicionamento de câmeras, tomadas de cena até a montagem e trilha sonora. Entre as conclusões, pode-se observar que, enquanto os metalúrgicos construíram uma identidade ante a sociedade, os motoboys continuam a ser uma incógnita perturbadora, personagens que vêm sabe-se lá de onde, vivendo um eterno e cruel presente, sem perspectivas de futuro, trabalhando numa profissão perigosa e de certa forma desprestigiados pela população. O processo de pesquisa da tese são o fundamento e a orientação para um novo documentário a ser finalizado e que vem sendo pensado como uma reflexão cinematográfica sobre os avanços e reveses, expectativas e desilusões do projeto de modernização industrial e urbana da sociedade brasileira. / The main objective of this research is to make a study and a comparative discussion on how two important social characters are portrayed by the Brazilian cinema in a set, delimited, of movies: the Metallurgical and the Motoboy. Through an aesthetic and narrative analysis, investigating as filmmakers cast their eyes on contemporary reality and built a visual imagery of these professional categories. Based on authors like Bernardet (2003), Tomizaki (2007), Eisenstein (1990), Pudovkin (1961), Silva (2011), Nichols (1991) among others discussing the issue, we analyze six Brazilian documentaries depicting the life and saga of the protagonists of this study. It also refers to collate domestic production in relation to foreign filmmakers that have produced on the subject, about related films such as The Working class goes to paradise (1971), Easy rider (1969) and other examples. The analysis includes a discussion of technical issues ranging from cameras placement, taken to the assembly and soundtrack. Among findings, it can be observed that, while the metallurgical built an identity to society, couriers remain a disturbing unknown, characters who come who knows where, living in an eternal and cruel fate, without future prospects, working in a dangerous profession and somewhat discredited by the population. The research process of the thesis are the basis and the guidance for a new documentary to be finalized and intended as a cine reflection on the progress and setbacks on the expectations and disappointments of industrial and urban modernization project of Brazilian society.

Esta dissertação visa discutir a representação do negro em dois filmes brasileiros: Rio, Zona Norte (Nelson Pereira dos Santos, 1957) e A Grande Cidade (Carlos Diegues, 1966). Objetiva-se compreender de que modo estas narrativas fílmicas definem o lugar dos personagens negros e conjugam certas relações sociais na estrutura dramática. Nos dois filmes, a presença de personagens negros no espaço urbano do Rio de Janeiro é elemento constitutivo da diegese e revela a disposição dos diretores em abordar o tema racial, num contexto de ampliação do debate sobre a cultura brasileira, especialmente, a cultura popular. Demonstramos que a problemática racial está presente nos filmes citados, ainda que não formulada em um discurso verbal. Assim, em cada um deles, a representação do negro se articula com uma representação do popular, de forma diferente. Em Rio, Zona Norte, a incorporação do negro já demonstra tensões em uma reflexão sobre o engajamento nacionalpopular. Em A Grande Cidade estas tensões são exacerbadas em uma reflexão sobre a crise daquele engajamento. / This work discuss the representation of black Brazilians in two films: Rio, Zona Norte (Nelson Pereira dos Santos, 1957) and A Grande Cidade (Carlos Diegues, 1966). The objective is to understand how these filmic narratives define the place of black characters and combine social relations in dramatic structure. In both, the presence of black characters in urban areas of Rio de Janeiro is a element of the narrative and reveals the will of the directors to discuss the theme race in the context of the debate about Brazilian culture, especially the popular culture. We demonstrate that the racial problem is present in the films cited, though it isnt couched in verbal discourse. Thus, in each of them, the black representation is linked to a representation of popular, differently. In Rio, Zona Norte, the incorporation of the black already shows tensions in the reflection on the national popular engagement. In A Grande Cidade these tensions are exacerbated in a reflection on the crisis of that engagement.

Esta dissertação dedica-se à análise das séries televisivas brasileiras Cidade dos Homens (2002-2005) e Antonia (2006-2007), tomadas aqui como obras privilegiadas para se debater o lugar simbólico que a periferia adquire no universo audiovisual e na dinâmica social atual. Interessa particularmente compreender como tais programas se colocam perante as assimetrias de poder, a dominação e a desigualdade social, abordando as implicações éticas, estéticas e políticas da representação. Destaca-se padrões e divergências entre os projetos, localizando-os num repertório cinematográfico e televisivo e interpretando-os dentro do campo de tensões sociais contemporâneas. / The following dissertation analyses the Brazilian television shows Cidade dos Homens (2002-2005) and Antonia (2006-2007). Such productions are in a privileged position to discuss the simbolic place that poverty in urban outskirts develops in the audiovisual environment and nowadays social dynamics. This study is particularly interested in understanding how these programmes portrait power asymmetries, social domination and inequity, at the same time they confront ethical, esthetic and political implications of such representation. I highlight patterns and differences, as I look upon them in the light of a broader movie and television production spectrum, interpreting each object minding the paradigms of contemporary social tension.

Esse trabalho discute o foley brasileiro através da apresentação de aspectos técnicos, estéticos e históricos dessa atividade. A partir de entrevistas com profissionais da área e da experiência profissional da autora em foley, é traçado um panorama da atividade que compreende: os usos do foley na trilha sonora cinematográfica; técnicas de gravação; o desenvolvimento da atividade no país dos anos 1950 até hoje; e a observação dos estúdios e artistas de foley brasileiros mais proeminentes em atividade. / The present work discusses the Brazilian foley by presenting technical, aesthetic and historical aspects of the activity. Through interviews with foley professionals and the professional expertise of the author, this overview of Brazilian foley comprehends: the use of foley in the film soundtrack, recording techniques, the development of the activity in Brasil since the 1950´s, and the observation of the most prominent foley studios and foley artists in Brazil at the present.

Essa dissertação tem por objetivo colocar em perspectiva crítica e histórica o fenômeno da individualização de personagens no documentário contemporâneo, muitos elevados a título dos filmes, e o critério de seleção desses personagens por valores como carisma, talento e rentabilidade cênica, em sintonia com a noção de performance em sentido amplo (inclusive empresarial). Os filmes centrais para essa discussão são Estamira (2006), de Marcos Prado, e A pessoa é para o que nasce (2006), de Roberto Berlinner, ambos protagonizados por mulheres em situação de déficit social e orgânico, mas inseridas em uma dinâmica de superávit cênico e produtivo, como auto-empreendedoras que trabalham para ter imagem. Nesses dois documentários, e em alguns outros, impõese um \"modelo egológico\", centrado nos indivíduos, sem muitas implicações sociais. A pesquisa não lida apenas com uma circunscrição do documentário nos anos 2000, operando ainda um breve panorama histórico do documentário brasileiro posterior a Cabra marcado para morrer (1984), de Eduardo Coutinho, além de analisar uma mudança de estratégias de enfoque na comparação com a linhagem moderna dos anos 1960, conectada ao Cinema Novo, quando o \"outro de classe\" era abordado em uma perspectiva política e social, com o posicionamento dos filmes por meio de um locutor associado a um saber, procedimento classificado por Jean-Claude Bernardet como modelo sociológico. / The objective of this dissertation is to place the phenomenon of characters\' individualization in the contemporary documentary inside a critic and historical perspective, transforming many times the name of the character in the name of the movie, and to discuss the selection criterion of these characters by values as charisma, talent or scenic´s profitability, in tune with the notion of performance in a broad sense (inclusive in a business sense). The central movies of this discussion are Marcos Prado´s Estamira (2006) and Roberto Berlinner´s A pessoa é para o que nasce (2006), both with principal female characters that are inserted in a social and organic deficit situation, but, still, in a dynamics of scenic and productive superavit, acting as selfentrepreneurial that build their own images. In these documentaries and others are imposed a self-logical model, centered in the individuals, without many social implications. The research doesn´t deal only with a documentary circumscription in the 2000´s, operating still in a brief historical panorama of the Brazilian documentary that follows Cabra marcado para morrer (1984) and analyzing a strategy change of focus in comparison with the 1960´s modern lineage, connected into the Cinema Novo, when the another of lower class was approached in a political and social situation and placing the movie through a narrator that were associated with a knowledge, procedure that is classified by Jean-Claude Bernardet as sociological model.

O trabalho trata da relação entre arquitetura moderna e cinema brasileiro, tendo como objetos os filmes Flores raras (2013), Eu sei que vou te amar (1986) e Insolação (2009), nos quais obras da arquitetura moderna foram utilizadas como cenário. Este usual procedimento do cinema, também denominado produção de locação, consiste na apropriação de lugares existentes para filmagens, valendo-se de seus espaços e atmosferas. Flores raras teve como cenário a Residência Edmundo Cavanelas (1954); Eu sei que vou te amar, a Casa da Lagoa (1942), ambas projetadas por Oscar Niemeyer; e Insolação foi filmado em diversos edifícios inseridos na paisagem de Brasília, tais como a concha acústica e a curia metropolitana. Identifica-se, de forma geral, o aspecto cenográfico destas obras de arquitetura, a fim de compreender os fatores que contribuiram para sua escolha como locação; para tal, toma-se como referencial teórico o estudo de Eric Rohmer sobre a organização do espaço no cinema; textos de Juhani Pallasmaa sobre a arquitetura do filme; Bernard Tschumi e a dimensão sensual da arquitetura; e Peter Zumthor, sobre a questão da atmosfera na arquitetura. Utiliza-se o conceito semiótico de visualidade e visibilidade, de Lucrécia Ferrara, assim como o procedimento metodológico de leitura de textos não verbais proposto pela autora; realizam-se, então, leituras de sequências dos filmes, considerando seu roteiro e outros materiais como contextualização. A partir dos filmes, identificam-se três aspectos distintos da arquitetura moderna localizados na historiografia da arquitetura. A dimensão cenográfica da arquitetura nos três filmes é apresentada tanto nas leituras quanto nas sequências ilustradas compostas por fotogramas dos mesmos. / The present thesis consists of the relation between modern architecture and the Brazilian movies Flores raras (2013), Eu sei que vou te amar (1986) and Insolação (2009), on which modern architecture is taken as set. At cinema, this is an usual procedure called production of locations: real places and buildings are used as sets, counting with their spaces and ambience. Flores raras was shot at Edmundo Cavanelas\'s house (1954); Eu sei que vou te amar, at Lagoa\'s house (1942), both designed by Oscar Niemeyer; Insolação was shot on several buildings and landscapes in Brasilia, such as the concert hall and the metropolitan curia. The scenographic dimension is identified on these buildings, in order to comprehend the factors which were taken in consideration to be chosen as location; for this reason, some theoretical references are taken: Eric Rohmer\'s study about the organization of space on cinema; Juhani Pallasmaa\'s texts about the architecture of films; Bernard Tschumi and the sensual dimension of architecture; and Peter Zumthor, about athmosphere issues on architecture. It is also considered the semiotic concept of visuality and visibility, conceived by Lucrecia Ferrara, as well as her non verbal method of analysis. Then, movie sequences analysis are carried out, considering the screenplay and other contextualization materials. Based on these movies, three distinct aspects of modern architecture are spotted on the historiography of architecture. The scenographic dimension of architecture on the films mentioned above is presented on analysis and on ilustrated sequences composed by their own frames as well.

A pesquisa tem por objetivo investigar o processo de construção de personagens na produção documentária brasileira contemporânea a partir da noção de autorrepresentação do sujeito filmado, tendo como hipótese inicial a ideia de que o estatuto da personagem no filme se define a partir da tensão entre a performance da pessoa real, seu projeto de atuação e as estratégias enunciativas do autor. Partindo da apresentação de uma proposta de definição da autorrepresentação - que rejeita a premissa de que a encenação deva ser analisada dentro do binômio de verdade e falsificação - a pesquisa se desenvolve tendo como recurso fundamental a análise fílmica imanente. Foram selecionados quatro filmes brasileiros contemporâneos como corpus central de análise: Entreatos (João Moreira Salles, 2004), Juízo (Maria Augusta Ramos, 2007), Serras da Desordem (Andréa Tonacci, 2008) e Jogo de Cena (Eduardo Coutinho, 2007). As análises fílmicas se organizam a partir dos diferentes níveis de consciência dos sujeitos filmados em relação à própria performance e buscam investigar até que ponto essa consciência implica num maior ou menor nível de autenticidade. Conectando os dois eixos centrais de reflexão - do desempenho e das estratégias enunciativas que o transcendem - se coloca a questão que sintetiza o desafio maior da pesquisa: como avaliar o quão bem representada é uma pessoa? / The present study aims at investigating the character construction process in contemporary Brazilian documentary film production from the notion of self-representation of the filmed subject, sustaining as initial hypothesis the idea that the status of the character in the film is defined by the tension between the performance of the real person, his acting project and the enunciative strategies of the author. Starting with the presentation of a proposed definition of selfrepresentation - which rejects the assumption that acting should be analyzed within the binomial real or fake -, the research develops, relying on immanent film analysis as fundamental resource. We have selected four contemporary Brazilian films as the central analysis corpus: Entreatos (João Moreira Salles, 2004), Juízo (Maria Augusta Ramos, 2007), Serras da Desordem (Andrea Tonacci, 2008) and Jogo de Cena (Eduardo Coutinho, 2007). Filmic analysis is organized by the different levels of consciousness of the filmed subjects in relationship to their own performance and seeks to investigate to what extent this awareness implies a higher or lower level of authenticity. By connecting the two central axes of reflection - performance and the enunciative strategies that transcend it -, the question that synthesizes the major challenge of the research arises: how to evaluate how well a person is represented?