Made available in DSpace on 2014-12-02T11:16:51Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-12-16Bitstream added on 2014-12-02T11:21:19Z : No. of bitstreams: 1 000797288.pdf: 6000849 bytes, checksum: 66bec66a5e47b130ecdfe2b93654d077 (MD5) / Objetivo: Uma pesquisa acerca das características, forma e estética do cinema underground paulistano da década de 1960, na qual utilizou-se de um trailer falso construído a partir das observações de alguns filmes de cineastas chave deste movimento do cinema como um trabalho equivalente que complemente a pesquisa. Metodologia: Trata-se de uma análise qualitativa onde foram coletados dados de como se construir um trailer e a sua história desde sua criação e exibição e com isso, produzido através de um trabalho equivalente um trailer falso que imitasse boa parte dos filmes feitos pelo movimento “Boca-do-lixo”. Resultados: Feitas as pesquisas sobre filmes e sobre a vida dos diretores, observase algumas persistências de assuntos em comum, suas repetições de encenação e o mesmo senso de dúvida para onde o país seguiria em pré-ditadura, fazendo com que os personagens dos filmes se tornassem errantes, figuras perdidas e sem direção em seu posicionamento político. Conclusão: O “desbunde”, o deboche típico do Cinema Udi-Grudi, se tornou um dos caminhos palpáveis para os atos dos personagens no cinema. O trabalho equivalente tenta se aproximar desta mesma atmosfera. / Purpose: Research the characteristics, form and aesthetics of São Paulo’s underground films of the 60’s, in which a fake trailer was made using what was observed from key filmmakers of this film movement as a corresponding work that completes the research. Methodology: Qualitative analyses in which information was obtained on how to create a trailer and its history from its inception until exhibition, and through that, done an equivalent fake trailer that would copy the majority of the “boca-do-lixo” films. Results: Done the research on films and the life of directors, it can be noticed some common ideas through its repetition and the same sense of doubt as to where the country would go in this period of pre-dictatorship, making the characters in the films nomads, lost and no political ideals. Conclusion: Excess became a way which the characters could follow on the films. The matching work tries to follow this atmosphere.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Graduação em Comunicação, 2017. / Submitted by Raquel Almeida (raquel.df13@gmail.com) on 2017-08-03T17:06:13Z No. of bitstreams: 1 2017_ThalytaFernandesBonfim.pdf: 18397251 bytes, checksum: 3c9f74f72a4a4dea1818a437ed4882d6 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2017-09-15T16:28:51Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_ThalytaFernandesBonfim.pdf: 18397251 bytes, checksum: 3c9f74f72a4a4dea1818a437ed4882d6 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-15T16:28:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_ThalytaFernandesBonfim.pdf: 18397251 bytes, checksum: 3c9f74f72a4a4dea1818a437ed4882d6 (MD5) Previous issue date: 2017-09-15 / Para Gilles Lipovetsky, o que está sendo vivido entre o final do século XX e início do século XXI é um novo tipo de modernidade. Uma versão acelerada, exacerbada, hiper da anterior. Dentro dessa configuração social, surge uma nova forma de fazer filmes, regulada pela lógica hipermoderna que exige, entre outras coisas, a velocidade, o exagero e a aceitação: trata-se do hipercinema. David Fincher é um popular diretor hollywoodiano, contemporâneo deste período histórico. Seus filmes trazem várias marcas registradas, deixando clara a identidade própria do diretor. Esta pesquisa buscou determinar as características definidoras da hipermodernidade e do hipercinema, assim como descritas pelo autor supracitado e seus pares Sébastien Charles e Jean Serroy, para que fosse possível averiguar as formas de representação destes tempos em narrativas cinematográficas da mesma época. Por meio de uma análise fílmica de cunho interpretativo sociohistórico, foi proposta uma metodologia que englobou a observação de imagem, som e narrativa dos dez longas-metragens de David Fincher, focando em fragmentos fílmicos que se destacassem à luz da teoria adotada. Foi constatado que, apesar de não representar as marcas do hipercinema em sua forma mais acentuada, os filmes do diretor dialogam com todas as camadas do cinema da era do hiper. Algumas destas confluências são a construção de personagens singulares; a mistura equilibrada entre narrativas clássicas e múltiplas; e a presença da violência e da velocidade nos enredos. / For Gilles Lipovetsky, what is being lived between the end of the twentieth century and the beginning of the twenty-first century is a new type of modernity. An accelerated, exacerbated, hyper version of the previous one. Within this social configuration, a new way of making films emerges, regulated by the hypermodern logic that demands, among other things, speed, exaggeration and acceptance: it is the hypercinema. David Fincher is a popular Hollywood director, contemporary of this historical period. His films bring several trademarks of his work, making clear the director's own identity. This research sought to determine the defining characteristics of hypermodernity and hypercinema, as described by the aforementioned author and his peers Sébastien Charles and Jean Serroy, so that it was possible to ascertain ways of representing these times in contemporary cinematographic narratives. Through a film analysis of socio-historical interpretation, it was proposed a methodology that included the observation of the image, sound and narrative of the ten feature films by David Fincher, focusing on film fragments that stood out in the light of the theory adopted. It was found that, although they do not represent hypercinema's marks in their most accentuated form, the films of the director dialogue with all of the hyper-era cinema layers. Some of these confluences are the construction of singular characters; the balanced mixture between classic and miltiple narratives; and the presence of violence and speed in its plots.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-12-19T13:03:29Z No. of bitstreams: 1 2016_MaurícioDiasChadesdeAlencar.pdf: 2827901 bytes, checksum: fbaaa8448e62284c5075ad9b0217e509 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2017-01-13T17:30:15Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_MaurícioDiasChadesdeAlencar.pdf: 2827901 bytes, checksum: fbaaa8448e62284c5075ad9b0217e509 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-13T17:30:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_MaurícioDiasChadesdeAlencar.pdf: 2827901 bytes, checksum: fbaaa8448e62284c5075ad9b0217e509 (MD5) / “Eu vejo”, videre, do latim, vídeo. Vídeo funciona como verbo de ação, ato mesmo de olhar. O vídeo está em todas as artes da imagem, pois todas pretendem, em comum, dar a ver. Está no desenho, na fotografia, na pintura, como o gesto de fazer imprimir o visível e o invisível. A escrita desta dissertação mistura-se e confunde-se com o próprio ato de fazer vídeos: os 6 vídeos e 6 ensaios aqui apresentados ora tocam-se, orbitando uma constelação de conceitos semelhantes, ora separam-se, abrindo-se para outras possibilidades e outros signos. O que torna o trabalho coeso, possível de ser organizado como série de vídeos e de textos, são 3 temas principais, formatados nas seguintes perguntas: a partir de experiências colhidas na biografia do artista, como é possível re-fazer, ritualizar a morte em um gesto-vídeo? Como o vídeo pode ser um estado de pensamento para que se proponham outros dispositivos-cinema? Como descrever a paisagem tornando-a outra, integrando e espacializando o vídeo? ________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / “I see”, videre, from latin, video. Video works as an action verb, the act of looking. Video is found within all image arts, as they all agree in the intent of giving sight. It’s in drawing, photography, painting, as a gesture through which both visible and invisible are printed. The writing of this dissertation merges and confounds itself with the actual video making process: the 6 videos and 6 essay herein presented will, at times, touch one another, orbiting a constellation filled with similar concepts and, at times, separate from one another, opening up to accept distinct possibilities and other star signs. What makes this work cohesive, with the possibility of being organized as a series of video and text, is the presence of 3 main themes, formatted within the questions that follow: departing from experiences gathered in the biography of the artist, how is it possible to re-do, ritualize the death of a gesture-video? How can video be a state of thinking so that different device-cinema be proposed? How to describe landscape turning it into something else, integrating and spatializing video?

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-11-21Bitstream added on 2014-06-13T18:07:02Z : No. of bitstreams: 1 leal_ff_me_ia.pdf: 549031 bytes, checksum: c8e3b72d43b47053ad53f6c6c350268a (MD5) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / O presente trabalho equivalente e relatório circunstanciado trata da crítica cinematográfica do ponto de vista da proximidade do crítico em relação ao objeto de análise, levando em conta como principal fundamento da peça cinematográfica a forma como o espectador é tocado.Como recurso é usada uma bibliografia específica sobre cinema e uma filmografia que juntas funcionam como base para a pesquisa. Foram utilizados, ainda, quatro curtas-metragens dirigidos pelo próprio autor entre 2008 e 2010. Um média-metragem documentário foi produzido como trabalho equivalente, onde os conceitos abordados por esta dissertação são exemplificados e discutidos através da pesquisa, sempre tendo como objetivo primário a interação entre espectador e obra / The present equivalent work and detailed report treats the cinematographic critic under the point of view of the proximity of the critic in respect to the object of analysis, taking as main basis of the cinematographic play the way that the viewer is reached. As resource it’s used a specific bibliography about cinema and a filmography which together work as basis to the research. It were also utilized, four short-cut movies directed by the author himself between 2008 and 2010. A medium-cut documentary was produced as equivalent work, where the studied concepts by this dissertation are exemplified e discussed through the research, always having as primary objective the interaction between viewer and work

Orientador: Pelópidas Cypriano de Oliveira / Resumo: Objetivo: Uma pesquisa acerca das características, forma e estética do cinema underground paulistano da década de 1960, na qual utilizou-se de um trailer falso construído a partir das observações de alguns filmes de cineastas chave deste movimento do cinema como um trabalho equivalente que complemente a pesquisa. Metodologia: Trata-se de uma análise qualitativa onde foram coletados dados de como se construir um trailer e a sua história desde sua criação e exibição e com isso, produzido através de um trabalho equivalente um trailer falso que imitasse boa parte dos filmes feitos pelo movimento "Boca-do-lixo". Resultados: Feitas as pesquisas sobre filmes e sobre a vida dos diretores, observase algumas persistências de assuntos em comum, suas repetições de encenação e o mesmo senso de dúvida para onde o país seguiria em pré-ditadura, fazendo com que os personagens dos filmes se tornassem errantes, figuras perdidas e sem direção em seu posicionamento político. Conclusão: O "desbunde", o deboche típico do Cinema Udi-Grudi, se tornou um dos caminhos palpáveis para os atos dos personagens no cinema. O trabalho equivalente tenta se aproximar desta mesma atmosfera. / Abstract: Purpose: Research the characteristics, form and aesthetics of São Paulo's underground films of the 60's, in which a fake trailer was made using what was observed from key filmmakers of this film movement as a corresponding work that completes the research. Methodology: Qualitative analyses in which information was obtained on how to create a trailer and its history from its inception until exhibition, and through that, done an equivalent fake trailer that would copy the majority of the "boca-do-lixo" films. Results: Done the research on films and the life of directors, it can be noticed some common ideas through its repetition and the same sense of doubt as to where the country would go in this period of pre-dictatorship, making the characters in the films nomads, lost and no political ideals. Conclusion: Excess became a way which the characters could follow on the films. The matching work tries to follow this atmosphere. / Mestre

Made available in DSpace on 2015-01-16T01:01:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000464517-Texto+Completo-0.pdf: 1115696 bytes, checksum: 01d0397608922588e23526e058cb971b (MD5) Previous issue date: 2014 / Our work has as study object the construction of the type-character of the Villain, in Horror Movies. For our analysis, were chosen the following movies: Das Cabinet Des Dr. Caligari (1920), by Robert Wiene; The Phantom of The Opera (1925), by Rupert Julian; Mystery of The Wax Museum (1933), by Michael Curtiz; The House on Haunted Hill (1959), by William Castle. The theorical sustention is made, having as basis the a priori categories: “Cinema”, by Edgar Morin; “Archetype”, by Carl Gustav Jung; “Imaginary”, by Michel Maffesoli; “Stereotype”, by Ruth Amossy and Anne Pierrot; “Horror”, by Noël Carroll. The Method used is the Complexity Paradigm, proposed by Edgar Morin, and our technique of analysis is the Film Analysis, proposed by Francis Vanoye and Anne Goliot-Lété. In our study, we have found characteristics that may be recurrent on the analyzed characters. Thanks to the analysis, is evident to us that, in Horror movies, the Villain are the personification of metaphors, which represent our deepest fears, or incarnations of our desires and fantasies. We can also detach the duality, or ambiguity of the characters, as proof that none Villain brings, in itself, the personification of pure evil. Similarly evident were the motivations of the characters, which are the result of internal and subjective questions, and outward actions suffered by these characters; also the characteristics that, although present in characters of Horror Movies, in the same way are present in Villains of movies belonging to any and all Genres. These characteristics are recurrent and immutable, because they are part of the deposit of references and the cultural baggage. Furthermore, our study about Horror, as cinematographic Genre showed the moralist and conservative character present in the narratives of the movies belonging to this Genre, that aim to Always show to the spectator that such world where the characters live, before the arrival of the Villain, is the ideal world, and that the order and harmony must be re-established. / Nosso trabalho tem como objeto de estudo a construção do personagem-tipo do Vilão, em filmes de Horror. Para nossa análise foram escolhidas as seguintes obras cinematográficas: O Gabinete do Dr. Caligari (1920), de Robert Wiene; O Fantasma da Ópera (1925), de Rupert Julian; Os Crimes do Museu (1933), de Michael Curtiz; A Casa dos Maus Espíritos (1959), de William Castle. A sustentação teórica de nossa pesquisa é construída, tendo por base as categorias a priori “Cinema”, em Edgar Morin; “Arquétipos”, em Carl Gustav Jung; “Imaginário”, em Michel Maffesoli; “Estereótipo”, em Ruth Amossy e Anne Pierrot; “Horror”, em Noël Carroll. O Método utilizado é o Paradigma da Complexidade, proposto por Edgar Morin, e nossa técnica de análise é a Análise Fílmica, proposta por Francis Vanoye e Anne Goliot-Lété. Em nosso estudo, encontramos algumas características que podem ser recorrentes nos personagens analisados. Graças às análises realizadas, ficou, para nós, evidente que, nos filmes de Horror, o Vilão é a personificação de metáforas, que representam nossos medos mais profundos, ou encarnações de nossos desejos e fantasias. Também podemos destacar a dualidade, ou ambiguidade dos personagens, como prova de que nenhum Vilão traz, em si, a personificação da maldade pura. Igualmente evidente ficaram as motivações dos personagens, que são sempre frutos de questões internas e subjetivas, e de ações exteriores sofridas por esses personagens; como também as características que, embora presentes em personagens em filmes de Horror, da mesma forma estão presentes em Vilões de obras fílmicas pertencentes a todo e qualquer Gênero. Essas características são recorrentes e imutáveis, pois fazem parte do depósito de referências e bagagem cultural. Além disso, nosso estudo do Horror, enquanto Gênero cinematográfico evidenciou o caráter moralista e conservador presente nas narrativas dos filmes pertencentes a esse Gênero, que visam sempre mostrar ao espectador que aquele mundo que os personagens vivem, antes da chegada do Vilão, é o mundo ideal, e que a ordem e harmonia devem voltar a ser estabelecidas.

Esta dissertação apresenta uma análise das representações da marginalidade na obra cinematográfica de Pedro Almodóvar, com base na Sociologia do Desvio de Goffman, Becker e Elias, atualizada pela teoria de covering de Yoshino. A intenção do trabalho é problematizar a produção audiovisual do início da carreira do diretor manchego, de forma a comprovar que os filmes Pepi, Luci e Bom e outras garotas de montão (1980), Labirinto de Paixões (1982), Maus hábitos (1983) e O que eu fiz para merecer isto? (1984) documentam seu engajamento na dinâmica contracultural desenvolvida na Espanha da época. Almodóvar representa a marginalidade em seus filmes do período, configurando o que alguns críticos denominam como estética do mau gosto, de tal forma que as obras produzidas registram a luta pela liberdade democrática após anos de regime ditatorial. Pensar na cinematografia de Almodóvar a partir do ponto de vista da sociologia do desvio é refletir sobre as políticas de visibilidade de identidades culturais minoritárias. O trabalho do diretor apresenta menos inovações formais, pois parte de estruturas narrativas clássicas, mesmo quando mistura os gêneros; mas inova quando revela a marginalidade, cotidianiza-a, potencializando o processo de sua assimilação. / This research presents an analysis of the portrayal of deviance in Pedro Almodóvars early movies, based upon the Sociology of Deviance by Goffman, Becker and Elias, reviewed through Yoshinos covering theory. The purpose of the work is to review the movies produced by Almodóvar in the early 80s, in order to prove that features like Pepi, Luci, Bom and other girls on the heap (1980), Labyrinth of Passion (1982), Bad habits (1983) and What have I done to deserve this? (1984) register his commitment in the countercultural dynamics developed in Spain at the time. Almodóvar portrays deviants in his movies of the period, configuring what some critics name aesthetics of bad taste, in such a way that the films produced register the fight for democratic freedom after years of dictatorship. To think about Almodóvars cinematography from the point of view of the sociology of deviance is to reflect about the visibility of cultural minorities identities. The work of the director presents less formal innovations, as he uses classical narrative structures, even when mixing genres; but innovates when reveals deviance, from a day-by-day perspective, empowering the process of its assimilation.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Graduação em Comunicação, 2015. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2015-05-06T14:04:39Z No. of bitstreams: 1 2015_MilenaTimesCarv alho.pdf: 9376844 bytes, checksum: 7aa42cbab2fb3c5cafe97942aa0727b7 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2015-05-07T13:46:05Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_MilenaTimesCarv alho.pdf: 9376844 bytes, checksum: 7aa42cbab2fb3c5cafe97942aa0727b7 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-05-07T13:46:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_MilenaTimesCarv alho.pdf: 9376844 bytes, checksum: 7aa42cbab2fb3c5cafe97942aa0727b7 (MD5) / A partir de uma retomada da constituição das políticas públicas voltadas para o setor cinematográfico em vários períodos históricos, é possível constatar que o foco da política de fomento se concentrou primordialmente na etapa de produção dos filmes. Na última década, iniciativas como a Lei do Audiovisual e o Fundo Setorial do Audiovisual conseguiram garantir um significativo montante de recursos que têm contribuído para o crescimento da produção de filmes nacionais. No entanto, o público atingido pela maioria desses filmes ainda representa um percentual pouco expressivo do mercado. Partindo dessa constatação, a presente pesquisa se propõe a investigar como tem sido formulada e implementada no Brasil uma política de acesso ao cinema, por meio de um estudo de caso do programa mais representativo dessa vertente na política em vigor, o Cinema Perto de Você. Adotando o aporte teórico-metodológico da Economia Política da Comunicação e sua aplicação aos estudos sobre a atividade cinematográfica, bem como reflexões contemporâneas sobre a conceituação e caracterização das políticas públicas de cultura e do acesso à cultura, analisamos a perspectiva de acesso adotada pelo Cinema Perto de Você, os atores e relações de poder envolvidos na sua formulação e implementação, e em que medida ele cumpre com o objetivo de diversificar, descentralizar e expandir a oferta de cinema à população brasileira. Concluímos que o programa, se por um lado tem contribuído positivamente para a expansão do parque exibidor, por outro, enxerga o acesso prioritariamente como prática de consumo, reforçando a hegemonia do modelo comercial de produção, distribuição e exibição, o que lhe impede de atuar significativamente na diminuição das desigualdades de acesso e na diversificação do conteúdo oferecido. / From a resumption of the establishment of public policies for the film industry in various historical periods, it is clear that the focus of the policy focused primarily on the film production. In the last decade, initiatives such as the Audiovisual Law and the Audiovisual Sector Fund managed to secure a significant amount of resources that have contributed to the growth of production of national films, but the audience reached by the majority of these films is still a small percentage of market. Based on this finding, the present study aims to investigate how it has been formulated and implemented in Brazil a cinema access policy, through a case study of the most representative program this strand in the policy in course, the Cinema Perto de Você. Adopting the theoretical and methodological support of the Political Economy of Communication and its application to studies of film activity, as well as contemporary studies on the conceptualization and characterization of public policies on culture and access to culture, we analyzed the perspective of access adopted by the Cinema Perto de Você, the actors and power relations involved in its formulation and implementation, and to what extent it complies with the aim of diversifying, decentralizing and expanding the offer of films to the Brazilian population. We conclude that the program, on the one hand, has contributed positively to the expansion of the exhibitor park, and on the other hand faces the access primarily as a consumption practice, reinforcing the hegemony of the business model of production, distribution and exhibition, which prevents the Cinema Perto de Você from acting significantly in the reduction of inequalities of access and the diversification of the offered content.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Gradução em Comunicação Social, 2013. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2013-05-02T15:43:25Z No. of bitstreams: 1 2013_PatriciaColmeneroMoreiraAlcantara.pdf: 2642180 bytes, checksum: 285d75729af4201e3437f6703cdb6d10 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-05-03T12:28:05Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_PatriciaColmeneroMoreiraAlcantara.pdf: 2642180 bytes, checksum: 285d75729af4201e3437f6703cdb6d10 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-05-03T12:28:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_PatriciaColmeneroMoreiraAlcantara.pdf: 2642180 bytes, checksum: 285d75729af4201e3437f6703cdb6d10 (MD5) / O amor é um dos assuntos mais recorrentes em todas as formas artísticas. Escritores, artistas e diretores se debruçaram sobre ele, como assunto e como musa. Diante de uma sociedade que abandonou antigos padrões, rompendo com casamentos, inaugurando novas aventuras sexuais e questionando que tipos de relação gostariam de viver, este trabalho investigou o panorama das relações amorosas no cinema contemporâneo. Para tanto, utilizou noções de Gilles Deleuze e partiu da crise da imagem-ação e do rompimento com o cinema narrativo clássico para examinar o cinema atual diante das características da imagem-tempo. Tendo imperado um cinema romântico do happy end até os anos 60, questionamos qual o amor que surgiu a partir desse momento. Os caminhos em busca dessa resposta foram traçados pelos estudos teóricos sobre o amor, os afetos e o cinema e por meio de análise fílmica de quatro filmes principais: “Uma mulher é uma mulher” (1961), de Jean-Luc Godard; “A Bela Junie” (2008), de Christophe Honoré; “Um lugar qualquer” (2010), de Sofia Coppola e “Os sonhadores” (2003), de Bernardo Bertolucci. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / Love is one of the most recurrent subject in all art forms. Writers, artists and directors have looked upon it as a theme and as a muse. Faced with a society that abandoned old patterns, breaking marriages, opening new sexual adventures and wondering what kind of relationship they would like to live, this study investigated the panorama of love relationships in contemporary cinema. For this purpose, we used concepts of Gilles Deleuze and started with the crisis of the action-image and break with the classical narrative cinema to examine the current cinema on the characteristics of the time-image. Having reigned a romantic cinema with happy ending stories, until the 60s, we questioned the love that emerged from that time on. The paths in search of this response were outlined by theoretical studies about love, affections and film and film analysis through four major films: "A woman is a woman" (1961), by Jean-Luc Godard, "La belle personne" (2008), by Christophe Honoré, "Somewhere"(2010), by Sofia Coppola's and "The dreamers" (2003), by Bernardo Bertolucci.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Graduação em Comunicação, 2013. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2013-07-01T15:28:29Z No. of bitstreams: 1 2013_DanielaMarinhoMartins.pdf: 8678414 bytes, checksum: 0800fad92be5eb80add7feb0136d1671 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-07-01T15:51:06Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_DanielaMarinhoMartins.pdf: 8678414 bytes, checksum: 0800fad92be5eb80add7feb0136d1671 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-07-01T15:51:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_DanielaMarinhoMartins.pdf: 8678414 bytes, checksum: 0800fad92be5eb80add7feb0136d1671 (MD5) / O cinema é por excelência a arte da modernidade. Em Brasília, cidade símbolo do Brasil moderno, o Cinema ganharia espaço em seus primeiros anos: exemplo disso é o Cine Brasília, inaugurado junto com a cidade. Diante de tal perspectiva, esta dissertação tem como objetivo revelar o circuito exibidor brasiliense entre 1960 a 1963. Assim, ilustra parte da vida cultural e social brasiliense da época. Para tal, foi realizado um mapeamento da programação de exibição cinematográfica de Brasília a partir da coleta de dados do jornal Correio Braziliense. Foram analisadas 819 edições do impresso desse período e sistematizada a programação cinematográfica diária. Diante dessas informações, foi traçado um panorama acerca das salas de cinema e o do circuito alternativo de exibição da Capital em seus primeiros anos. _______________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / Cinema is the art of modernity par excellence. In Brasilia, a city that stands as the symbol of modern Brazil, Cinema gained its space during the city's early years: for instance, the cinema room Cine Brasília was inaugurated alongside with the city. Faced with this prospect, this dissertation aims to reveal the movie screening circuit of Brasília from 1960 to 1963. It thus shows part of Brasilia's cultural and social life from the period. The movies that played in Brasilia at the time were mapped by collecting information of the newspaper Correio Braziliense. 819 printed editions from the period were analyzed and the daily screening schedule was systemazied. With this information, it was drawn an overview of the Capital's cinema rooms and alternative film circuit from its early years.