El presente trabajo de investigación consiste en el análisis de cómo la práctica del twerking, danza urbana conocida mundialmente, sirve como una herramienta de reapropiación del cuerpo y sexualidad de la mujer. Se plantea que esta danza permite, gracias a su carácter ritual, la conversión del cuerpo de la bailarina en un “cuerpo político” capaz de tomar control sobre el uso de sí mismo y de promover el ejercicio autónomo de la sexualidad y sensualidad en oposición a lo impuesto por la sociedad patriarcal. Para desarrollar y argumentar lo propuesto, la investigación se plantea en dos capítulos. En el primer capítulo, se explica el fenómeno del twerking, poniendo énfasis en las características de su práctica y en la recepción positiva y negativa que esta ha tenido. Asimismo, se explica cuál es la concepción de la mujer, su cuerpo y sexualidad según la normativa impuesta por la sociedad patriarcal. Se contextualiza, además, respecto a la lucha femenina en el arte que ha ido buscando y encontrando la manera de redefinir, con una mirada feminista, los conceptos “cuerpo femenino” y “sexualidad femenina”. Por otro lado, en el segundo capítulo, se explica qué características rituales propias de los actos performativos se encuentran en el twerking, lo cual permite exponer cómo la suma de estas le otorga al baile la capacidad de convertir el cuerpo danzante en un cuerpo político que contiene un discurso feminista de reapropiación y desdramatización del cuerpo y la sexualidad. Finalmente, se analiza cómo este discurso repercute en la sociedad al contraponerse radicalmente a la concepción patriarcal de cómo debe ser la mujer y cómo debe desenvolverse en el foro público. / The aim of this study is to analyze how the practice of twerking, a worldwide known urban dance, works as a way of re-appropriation of the female body and sexuality. It is suggested that this dance allows, due to its ritual character, the conversion of the dancer's body into a "political body" capable of taking control over the use of itself and capable of promoting the autonomous exercise of sexuality and sensuality in opposition to what is imposed by the patriarchal society. To develop and argue what is proposed, the investigation is presented in two chapters. In the first chapter, the phenomenon of twerking is explained, with an emphasis on the characteristics of its practice and the positive and negative reception it has had. Additionally, it is explained the conception of women, their body and sexuality according to the regulations imposed by the patriarchal society. It is also contextualized about to the female efforts in art that have been seeking and finding a way to redefine, with a feminist perspective, the concepts "female body" and "female sexuality". On the other hand, in the second chapter, it is explained which ritual characteristics of the performative acts are found in twerking, which allows to expose how the sum of these gives this dance the ability to convert the dancing body into a political body that contains a feminist discourse about reappropriation and de-dramatization of the body and sexuality. Finally, it is analyzed how this discourse affects society by radically opposing the patriarchal conception of how women should be and how they should behave in the public forum.

En una sociedad tan diversa como en la que vivimos urge desarrollar relaciones basadas en respeto y valoración. Generar diálogo, reflexión y cuestionamientos en base a la cultura se vuelve un punto de partida para lograr una sociedad ética. Por su parte, la danza contemporánea reconoce la misma necesidad dentro de su disciplina y específicamente en el campo de la creación escénica. Al respecto, se postula la interculturalidad como un enfoque en la creación de obras de danza contemporánea Para ello, se recurrirá a varias fuentes teóricas en vista de complementar la información e identificar los aportes. En ese sentido, desarrollar la interculturalidad en las obras de danza contemporánea propone las salas de ensayo y el espacio escénico como un lugar en el cual los intérpretes pertenecientes a diferentes culturas un espacio con igualdad de condiciones para desenvolverse de manera favorable. / In a society as diverse as the one we live, it is urgent to develop relationships based on respect and appreciation. Generating dialogue, reflection and questioning based on culture becomes a starting point to achieve an ethical society. For its part, contemporary dance recognizes the same need within its discipline and specifically in the field of scenic creation. In this regard, interculturality is postulated as an approach in the creation of contemporary dance works. For this, various theoretical sources will be used in order to complement the information and identify the contributions. In this sense, developing interculturality in contemporary dance works proposes the rehearsal rooms and the stage space as a place in which performers belonging to different cultures find a space with equal conditions to function favorably.

La sociedad en la que vivimos hoy en día, del hiperconsumo y altamente mediatizada, continúa teniendo un impacto sobre las concepciones que tienen las personas en relación al cuerpo. El cuerpo ha pasado a ser un objeto-signo más que circula en la sociedad contemporánea; sociedad que vive bajo regímenes excesivos de trabajo, producción y autoexigencia, que se han enmarcados en una aparente “libertad”, pero que finalmente han conseguido hacernos perder el saber contemplativo y la importancia de uno mismo. Desde mi lugar, como artista en formación que trabaja desde el cuerpo en la carrera de danza, he observado cómo las disciplinas artísticas no son ajenas a estos cambios de la sociedad. El presente trabajo, describe las distintas concepciones sobre el cuerpo que se han construido a partir de la historia de la danza, donde en sus inicios se regía por doctrinas que determinaban cómo y quién debía ser un cuerpo que danza; no es hasta poco antes de terminada la Segunda Guerra Mundial que surge una brecha frente a este pensamiento de carácter apolíneo. Desde este momento, se manifiestan nuevas formas de expresión dancística, que aceptan y reconocen a los demás cuerpos capaces de bailar; cuerpos que construyen su movimiento desde sus subjetividades e individualidad, y son respetados. A modo de reflexión, este trabajo busca conocer el lugar que tienen hoy en día estas concepciones en el proceso formativo y quehacer artístico del bailarín profesional. / The society in in which we live today, of the hyper consumption and highly mediatized, continues having an impact on the conceptions that people have in relation to the body. The body has become one more sign-object that circulates in the contemporary society; a society that lives under excessive regimes of work, production and self-demand, which have been framed in an apparent "freedom", but which have finally managed to make us lose contemplative knowledge and the importance of ourselves. As an artist in training who works from the body in a professional dance career, I have witnessed how artistic disciplines are not exempt from these changes in the society. The present work describes the different conceptions about the body that have been built from the history of dance, where at the beginning it was ruled by doctrines that determined how and who a dancing body should be; it is not until shortly before the end of the Second World War that a gap arises in front of this thought of apollonian character. From this moment, new forms of dance expression are manifested, which accept and recognize other bodies capable of dancing; bodies that build their movement from their subjectivities and individuality, and are respected. As a reflection, this work seeks to know the place that these conceptions have today in the formation process and artistic work of the professional dancer.

El “empoderamiento femenino” es una noción con una creciente popularidad. Actualmente, diversos espacios han adoptado este discurso como por ejemplo las escuelas de baile. Es así que, en los últimos años, ha venido surgiendo un rubro de academias dedicadas al empoderamiento mediante el baile. Por ello, la presente investigación plantea la siguiente pregunta principal: ¿de qué manera las alumnas jóvenes se relacionan con el discurso de empoderamiento femenino en una escuela de baile en Lima, Perú? Con el propósito de responder a esta, se mencionan los siguientes objetivos específicos: indagar cómo es entendido el empoderamiento femenino por parte de las alumnas como de la escuela de baile; explicar la manera en la que la escuela de baile se apropia de este discurso; y explicar cómo las alumnas experimentan mediante el cuerpo el discurso de empoderamiento femenino. La revisión de la literatura académica se divide en cuatro ejes temáticos: aproximaciones al concepto de empoderamiento femenino; estudios sobre empoderamiento femenino y danza; y estudios sobre construcción de corporalidades. En ese sentido, se puede evidenciar que existe un vacío en la literatura respecto de un abordaje crítico acerca del discurso de empoderamiento femenino, así como también en la manera en la que se aborda la construcción del cuerpo a partir de este discurso. Por ello, el presente estudio pretende contribuir a analizar esta noción dentro de las escuelas de baile partiendo desde la dimensión expresiva del cuerpo.

La danza contemporánea ha logrado generar un mayor impacto en el ámbito artísticos del Perú. Actualmente en Lima, se hacen presente diversos estudios de danza que se han ubicado en construcciones antiguas y en mal estado en donde practican este estilo de danza. Sin embargo, el diseño para estos estos espacios va más allá de una habitación con espejos. La falta de conocimiento por parte de los bailarines sobre qué conceptos implican diseñar un estudio de danza se hace evidente en estos estudios. Por eso, a través de esta investigación, se realizará un análisis comparativo espacial y estructural de los espacios de danza, en donde se tomará como ejemplo a los casos presentes casos de estudio para un diseño adecuado de un salón de danza. / Contemporary dance has managed to generate a greater impact in the artistic field of Peru. Currently in Lima, there are various dance studios that have been located in old buildings and in poor conditions where they practice this style of dance. However, the design for these spaces goes beyond a room with mirrors. The lack of knowledge from the dancers about what concepts imply designing a dance studio is evident in these studies. For this reason, through this research, will be carried out a comparative spatial and structural analysis of dance spaces, where the present case studies will be taken as an example for an adequate design of a dance hall.

El presente trabajo busca exponer la responsabilidad ética del creador en danza en cuanto a presentación y difusión de una video danza, teniendo presente que para el público este formato no es tan usual en comparación a las presentaciones en vivo. Dado que, deseamos generar una reflexión sobre la formación o capacitación de los creadores en danza con el fin de que sepan cuáles los conceptos necesarios para realizar este tipo de proyecto. De igual forma, se muestra la importancia de la herramienta de video danza para la danza en general, cuáles son esas nuevas posibilidades que nos brinda. Asimismo, la situación presentada se discute en relación a los conceptos éticos sobre la responsabilidad que tiene el creador ante su público, ya que, ellos de alguna forma confían ante lo que se les presenta. Sin dejar de lado que la representación se vincula con el público en cuanto a la exposición de un cuerpo, esto se discute a cómo el creador y el espectador se relacionan, y agregándole los principios éticos de beneficencia y justicia. / This investigation seeks to present the ethical responsibility of the dance creator in terms of presentation and dissemination of a dance screen, bearing in mind that for the public this format is not so usual compared to live performances. Since, we want to generate a reflection on the formation or qualification of the creators in dance in order that they know what the necessary concepts to carry out this type of project. In the same way, the importance of the dance screen tool for dance in general will be shown, what are these new possibilities that it offers us. Likewise, the situation presented is discussed in relation to the ethical concepts about the responsibility that the creator has before his public, since they somehow trust what is presented to them. Without neglecting that the representation is linked to the public in terms of the exhibition of a body, this argue about how the creator and the spectator relate, and adding the ethical principles of beneficence and justice.

[ES] ¡MPROV! INTERDISCIPLINARIA. Propuesta de improvisación en música folk & jazz con la creación de audiovisual y danza contemporánea. ¡MPROV! Interdisciplinaria tiene su nombre español porque la idea nació en esta tierra, estos dos signos de exclamación se han puesto para atraer la atención de los lectores a una forma mejorada de la improvisación musical. Es un juego de palabras; ¡mprov! representa el verbo improve que significa mejorar en inglés, su forma de interdisciplinariedad es la versión mejorada del acto de improvisar. Así que ¡MPROV! interdisciplinaria no es una improvisación musical habitual, su objetivo principal es realizar una propuesta de producción e investigación destinada a descubrir el potencial entre la improvisación instrumental interrelacionada con el audiovisual y la danza contemporánea. A nivel metodológico se ha desarrollado desde la revisión teórica de la improvisación en las artes escénicas y la música hasta la propia creación como investigación. Los resultados prácticos de esta investigación creativa han generado por un lado, 13 proyectos interdisciplinarios entre música improvisada, producción audiovisual, danza contemporánea, pintura, poesía, teatro, con artistas nacionales e internacionales donde la viola es el eje vertebrador. La composición y la producción de ¡MPROV! Interdisciplinaria (2022) se encuentra basada en estos elementos: armonía, ritmo, silencio, color y movimiento con la música improvisada en piano con audiovisuales sincronizados, danza contemporánea y viola. / [CA] ¡MPROV! INTERDISCIPLINARI: Proposta d'improvisació en música folk & jazz amb la creació d'audiovisual i dansa contemporània. ¡MPROV! Interdisciplinaria té el nom en espanyol perquè la idea va néixer en aquesta terra; aquests dos signes d'exclamació s'han emprat per atraure l'atenció dels lectors cap a una forma millorada de la improvisació musical. És un joc de paraules; ¡mprov! representa improve aquell significa millorar en anglès, de manera que la seva forma d'interdisciplinarietat és la versió millorada de l'acte d'improvisar. Així que ¡MPROV! Interdisciplinaria no és una improvisació musical habitual, el seu objectiu principal és fer una proposta de producció i recerca destinada a descobrir el potencial de la improvisació instrumental interrelacionada amb l'audiovisual i la dansa contemporània. Metodològicament, s'ha desenvolupat començant per la revisió teòrica de la improvisació en les arts escèniques i la música, fins la creació mateixa com a recerca. Els resultats pràctics d'aquesta recerca creativa han generat 13 projectes interdisciplinaris entre música improvisada, producció audiovisual, dansa contemporània, pintura, poesia, teatre, amb artistes nacionals i internacionals i en què la viola és l'eix vertebrador. La composició i la producció de ¡MPROV! Interdisciplinaria (2022) està basada en aquests elements: harmonia, ritme, silenci, color i moviment, amb la música improvisada en piano, amb audiovisuals sincronitzats, dansa contemporània i viola. / [EN] ¡MPROV! INTERDISCIPLINARY: Proposal for improvisation in folk & jazz music with the creation of audiovisual and contemporary dance. ¡MPROV! Interdisciplinary has its Spanish name because the idea was born in this land, these two exclamation marks have been placed to draw the readers' attention to an improved form of musical improvisation. It's a play on words; ¡mprov! represents improve which means to develop, to optimize in English, its form of interdisciplinarity is the improved version of the act of improvising. So, ¡MPROV! Interdisciplinary is not a usual musical improvisation, its main objective is to realize a production and research proposal aimed at discovering the potential between instrumental improvisation interrelated with audiovisual and contemporary dance. On a methodological level, it has been developed from the theoretical review of improvisation in the performing arts and music to the creation itself as research. The practical results of this creative research have generated, on the one hand, 13 interdisciplinary projects between improvised music, audiovisual production, contemporary dance, painting, poetry, theater, with national and international artists where the viola is the vertebral axis. The composition and production of ¡MPROV! Interdisciplinaria (2022) is based on these elements: harmony, rhythm, silence, color and movement with improvised music on piano with synchronized audiovisuals, contemporary dance and viola. / Akansu, N. (2024). ¡MPROV! Interdisciplinaria. Propuesta de improvisación en música folk & jazz con la creación de audiovisual y danza contemporánea [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/203151

La presente investigación aborda cómo la imagen es utilizada en la obra Lo Que Fue y No Pudo Ser, la cual es resultado de mi proceso creativo del curso de Proyecto final 1 de la carrera de Danza Contemporánea en la PUCP. Esta obra se desarrolló durante el periodo de confinamiento por la pandemia y el único medio en el que se podía realizar el proceso creativo fue mediante el video. En dicho punto de partida me encontré con conflictos tanto creativos como personales, ya que me vi en la situación de adaptar un proyecto que había sido planeado para realizarse de manera presencial. Por esa razón el proceso creativo tuvo que ser diseñado para un resultado en formato audiovisual y es a partir de este que me surgieron dos cuestionamientos: la necesidad de tener un público presente en un escenario y mi línea creativa. En la búsqueda de mi línea creativa, la autoficción cobra un peso importante puesto que es de mi interés el tener procesos creativos desde mis vivencias para luego llevarlas a una ficción. ¿Cómo es el proceso de creación de un artista? Aquello, originó una búsqueda de un nuevo lenguaje y el cuestionamiento de “si es o no es danza contemporánea”. Por último, la presente investigación también cuestiona la presencia escénica del artista, puesto que esta es entrenada para ser aplicada en un escenario. No obstante, ¿Qué es lo que ocurre con ella cuando este está en un video? Debido a todas aquellas interrogantes mencionadas, es que se genera la presente investigación dentro de los códigos del video, videodanza y la autoficción. / The present investigation addresses how the image is used in the work What Was and Could Not Be, which is the result of my creative process of the Final Project Course 1 of the Contemporary Dance career at PUCP. This work was developed during the period of confinement due to the pandemic and the only medium in which the creative process could be carried out was through video. At that starting point I found both creative and personal conflicts, since I found myself in the situation of adapting a project that had been planned to be carried out in person. For this reason, the creative process had to be designed for a result in audiovisual format and it is from this that two questions arose: the need to have an audience present on stage and my creative line. In the search for my creative line, autofiction takes on an important weight since it is in my interest to have creative processes from my experiences and then turn them into a fiction. How is the process of creating an artist? That originated a search for a new language and the questioning of “whether or not it is contemporary dance”. Finally, this research also questions the stage presence of the artist, since it is trained to be applied on stage. However, what happens to her when she is in a video? Due to all those questions mentioned, it is that the present investigation is generated within the codes of video, videodance and autofiction.

Las relaciones de poder están dadas en distintos ámbitos pero sobre todo en la educación. En esta investigación, se describirá particularmente en las aulas de danza. Las profesoras y alumnas entran en esta relación en la que el cuerpo, instrumento artístico, se ve en el medio. Un cuerpo vulnerable y completamente entregado a la formación escénica. Siendo así a la propia imagen de este a la que se le adhiere comentarios negativos por parte de las profesoras y finalmente, terminan afectando su salud mental. Los comentarios que se utilizan para dar indicaciones en las clases de danza se tornan ofensivos para las alumnas y probablemente, muchos de estos no se dan con esa intención, sin embargo, las sobre pasan de la manera en la que su sensibilidad se ve perjudicada y trae consecuencias graves en sus vidas diaria. En el momento en que la profesora utiliza su poder para ello sin obtener alguna objeción, aparece el abuso de poder. Es decir, cuando los límites entre comentarios constructivos y destructivos se tornan difusos y vulneran la salud mental de las alumnas. Como consecuencia, el desconocimiento de posibles extremos como trastornos alimenticios aparece.

Existen diferentes rutas para el desarrollo de una coreografía dentro de ellas está el agotamiento de una idea, a partir de la revisión de la literatura se encuentran pocas fuentes que trabajan con este método. Por consiguiente, es importante innovar la forma de cómo se construye una pieza, a través, del agotamiento como premisa compositiva, en donde de una sola idea creativa nacen diferentes variables para una composición coreográfica, y que sea útil para quienes están incorporándose en la danza. El presente estudio se realiza desde las artes escénicas con el objetivo de aplicar el agotamiento como premisa compositiva para crear una composición coreográfica. Siguiendo una metodología de exploración de premisas, sesiones prácticas, registros en bitácoras, se llega a la creación del dúo coreográfico “Cuerpos en movimiento”. A través de los hallazgos de la composición, la muestra en escena y el conversatorio con el público se analiza cómo se ha aplicado el agotamiento de las premisas durante en el laboratorio y la manera en que se presenta en la coreografía y cómo están tratados el flujo, tiempo y espacio. En conclusión, el uso del agotamiento como premisa compositiva es una herramienta que permite llegar a la creación de un nuevo proceso coreográfico a través de la búsqueda de diversas posibilidades y combinaciones posibles, que da un repertorio definido de movimiento y variaciones de los elementos coreográficos. / There are different routes for the development of choreography, among them is the exhaustion of an idea. From the review of the literature, few sources are found that work with this method. Consequently, it is important to innovate the way a piece is constructed, through exhaustion as a compositional premise, where different variables for a choreographic composition are born from a single creative idea, and that it is useful for those who are entering dance. The present study is carried out from the performing arts with the objective of applying exhaustion as a compositional premise to create a choreographic composition. Following a methodology of exploring premises, practical sessions, log records, the creation of the choreographic duo “Bodies in Motion” is reached. Through the findings of the composition, the sample on stage and the conversation with the public, we analyze how the exhaustion of the premises has been applied during the laboratory and the way it is presented in the choreography and how flow, time and space are treated. In conclusion, the use of exhaustion as a compositional premise is a tool that allows us to create a new choreographic process through the search for different possibilities and combinations, which gives a defined repertoire of movement and variations of choreographic elements.