En una sociedad tan diversa como en la que vivimos urge desarrollar relaciones basadas en respeto y valoración. Generar diálogo, reflexión y cuestionamientos en base a la cultura se vuelve un punto de partida para lograr una sociedad ética. Por su parte, la danza contemporánea reconoce la misma necesidad dentro de su disciplina y específicamente en el campo de la creación escénica. Al respecto, se postula la interculturalidad como un enfoque en la creación de obras de danza contemporánea Para ello, se recurrirá a varias fuentes teóricas en vista de complementar la información e identificar los aportes. En ese sentido, desarrollar la interculturalidad en las obras de danza contemporánea propone las salas de ensayo y el espacio escénico como un lugar en el cual los intérpretes pertenecientes a diferentes culturas un espacio con igualdad de condiciones para desenvolverse de manera favorable. / In a society as diverse as the one we live, it is urgent to develop relationships based on respect and appreciation. Generating dialogue, reflection and questioning based on culture becomes a starting point to achieve an ethical society. For its part, contemporary dance recognizes the same need within its discipline and specifically in the field of scenic creation. In this regard, interculturality is postulated as an approach in the creation of contemporary dance works. For this, various theoretical sources will be used in order to complement the information and identify the contributions. In this sense, developing interculturality in contemporary dance works proposes the rehearsal rooms and the stage space as a place in which performers belonging to different cultures find a space with equal conditions to function favorably.

La sociedad en la que vivimos hoy en día, del hiperconsumo y altamente mediatizada, continúa teniendo un impacto sobre las concepciones que tienen las personas en relación al cuerpo. El cuerpo ha pasado a ser un objeto-signo más que circula en la sociedad contemporánea; sociedad que vive bajo regímenes excesivos de trabajo, producción y autoexigencia, que se han enmarcados en una aparente “libertad”, pero que finalmente han conseguido hacernos perder el saber contemplativo y la importancia de uno mismo. Desde mi lugar, como artista en formación que trabaja desde el cuerpo en la carrera de danza, he observado cómo las disciplinas artísticas no son ajenas a estos cambios de la sociedad. El presente trabajo, describe las distintas concepciones sobre el cuerpo que se han construido a partir de la historia de la danza, donde en sus inicios se regía por doctrinas que determinaban cómo y quién debía ser un cuerpo que danza; no es hasta poco antes de terminada la Segunda Guerra Mundial que surge una brecha frente a este pensamiento de carácter apolíneo. Desde este momento, se manifiestan nuevas formas de expresión dancística, que aceptan y reconocen a los demás cuerpos capaces de bailar; cuerpos que construyen su movimiento desde sus subjetividades e individualidad, y son respetados. A modo de reflexión, este trabajo busca conocer el lugar que tienen hoy en día estas concepciones en el proceso formativo y quehacer artístico del bailarín profesional. / The society in in which we live today, of the hyper consumption and highly mediatized, continues having an impact on the conceptions that people have in relation to the body. The body has become one more sign-object that circulates in the contemporary society; a society that lives under excessive regimes of work, production and self-demand, which have been framed in an apparent "freedom", but which have finally managed to make us lose contemplative knowledge and the importance of ourselves. As an artist in training who works from the body in a professional dance career, I have witnessed how artistic disciplines are not exempt from these changes in the society. The present work describes the different conceptions about the body that have been built from the history of dance, where at the beginning it was ruled by doctrines that determined how and who a dancing body should be; it is not until shortly before the end of the Second World War that a gap arises in front of this thought of apollonian character. From this moment, new forms of dance expression are manifested, which accept and recognize other bodies capable of dancing; bodies that build their movement from their subjectivities and individuality, and are respected. As a reflection, this work seeks to know the place that these conceptions have today in the formation process and artistic work of the professional dancer.

El “empoderamiento femenino” es una noción con una creciente popularidad. Actualmente, diversos espacios han adoptado este discurso como por ejemplo las escuelas de baile. Es así que, en los últimos años, ha venido surgiendo un rubro de academias dedicadas al empoderamiento mediante el baile. Por ello, la presente investigación plantea la siguiente pregunta principal: ¿de qué manera las alumnas jóvenes se relacionan con el discurso de empoderamiento femenino en una escuela de baile en Lima, Perú? Con el propósito de responder a esta, se mencionan los siguientes objetivos específicos: indagar cómo es entendido el empoderamiento femenino por parte de las alumnas como de la escuela de baile; explicar la manera en la que la escuela de baile se apropia de este discurso; y explicar cómo las alumnas experimentan mediante el cuerpo el discurso de empoderamiento femenino. La revisión de la literatura académica se divide en cuatro ejes temáticos: aproximaciones al concepto de empoderamiento femenino; estudios sobre empoderamiento femenino y danza; y estudios sobre construcción de corporalidades. En ese sentido, se puede evidenciar que existe un vacío en la literatura respecto de un abordaje crítico acerca del discurso de empoderamiento femenino, así como también en la manera en la que se aborda la construcción del cuerpo a partir de este discurso. Por ello, el presente estudio pretende contribuir a analizar esta noción dentro de las escuelas de baile partiendo desde la dimensión expresiva del cuerpo.

La danza contemporánea ha logrado generar un mayor impacto en el ámbito artísticos del Perú. Actualmente en Lima, se hacen presente diversos estudios de danza que se han ubicado en construcciones antiguas y en mal estado en donde practican este estilo de danza. Sin embargo, el diseño para estos estos espacios va más allá de una habitación con espejos. La falta de conocimiento por parte de los bailarines sobre qué conceptos implican diseñar un estudio de danza se hace evidente en estos estudios. Por eso, a través de esta investigación, se realizará un análisis comparativo espacial y estructural de los espacios de danza, en donde se tomará como ejemplo a los casos presentes casos de estudio para un diseño adecuado de un salón de danza. / Contemporary dance has managed to generate a greater impact in the artistic field of Peru. Currently in Lima, there are various dance studios that have been located in old buildings and in poor conditions where they practice this style of dance. However, the design for these spaces goes beyond a room with mirrors. The lack of knowledge from the dancers about what concepts imply designing a dance studio is evident in these studies. For this reason, through this research, will be carried out a comparative spatial and structural analysis of dance spaces, where the present case studies will be taken as an example for an adequate design of a dance hall.

El presente trabajo busca exponer la responsabilidad ética del creador en danza en cuanto a presentación y difusión de una video danza, teniendo presente que para el público este formato no es tan usual en comparación a las presentaciones en vivo. Dado que, deseamos generar una reflexión sobre la formación o capacitación de los creadores en danza con el fin de que sepan cuáles los conceptos necesarios para realizar este tipo de proyecto. De igual forma, se muestra la importancia de la herramienta de video danza para la danza en general, cuáles son esas nuevas posibilidades que nos brinda. Asimismo, la situación presentada se discute en relación a los conceptos éticos sobre la responsabilidad que tiene el creador ante su público, ya que, ellos de alguna forma confían ante lo que se les presenta. Sin dejar de lado que la representación se vincula con el público en cuanto a la exposición de un cuerpo, esto se discute a cómo el creador y el espectador se relacionan, y agregándole los principios éticos de beneficencia y justicia. / This investigation seeks to present the ethical responsibility of the dance creator in terms of presentation and dissemination of a dance screen, bearing in mind that for the public this format is not so usual compared to live performances. Since, we want to generate a reflection on the formation or qualification of the creators in dance in order that they know what the necessary concepts to carry out this type of project. In the same way, the importance of the dance screen tool for dance in general will be shown, what are these new possibilities that it offers us. Likewise, the situation presented is discussed in relation to the ethical concepts about the responsibility that the creator has before his public, since they somehow trust what is presented to them. Without neglecting that the representation is linked to the public in terms of the exhibition of a body, this argue about how the creator and the spectator relate, and adding the ethical principles of beneficence and justice.

La presente investigación aborda cómo la imagen es utilizada en la obra Lo Que Fue y No Pudo Ser, la cual es resultado de mi proceso creativo del curso de Proyecto final 1 de la carrera de Danza Contemporánea en la PUCP. Esta obra se desarrolló durante el periodo de confinamiento por la pandemia y el único medio en el que se podía realizar el proceso creativo fue mediante el video. En dicho punto de partida me encontré con conflictos tanto creativos como personales, ya que me vi en la situación de adaptar un proyecto que había sido planeado para realizarse de manera presencial. Por esa razón el proceso creativo tuvo que ser diseñado para un resultado en formato audiovisual y es a partir de este que me surgieron dos cuestionamientos: la necesidad de tener un público presente en un escenario y mi línea creativa. En la búsqueda de mi línea creativa, la autoficción cobra un peso importante puesto que es de mi interés el tener procesos creativos desde mis vivencias para luego llevarlas a una ficción. ¿Cómo es el proceso de creación de un artista? Aquello, originó una búsqueda de un nuevo lenguaje y el cuestionamiento de “si es o no es danza contemporánea”. Por último, la presente investigación también cuestiona la presencia escénica del artista, puesto que esta es entrenada para ser aplicada en un escenario. No obstante, ¿Qué es lo que ocurre con ella cuando este está en un video? Debido a todas aquellas interrogantes mencionadas, es que se genera la presente investigación dentro de los códigos del video, videodanza y la autoficción. / The present investigation addresses how the image is used in the work What Was and Could Not Be, which is the result of my creative process of the Final Project Course 1 of the Contemporary Dance career at PUCP. This work was developed during the period of confinement due to the pandemic and the only medium in which the creative process could be carried out was through video. At that starting point I found both creative and personal conflicts, since I found myself in the situation of adapting a project that had been planned to be carried out in person. For this reason, the creative process had to be designed for a result in audiovisual format and it is from this that two questions arose: the need to have an audience present on stage and my creative line. In the search for my creative line, autofiction takes on an important weight since it is in my interest to have creative processes from my experiences and then turn them into a fiction. How is the process of creating an artist? That originated a search for a new language and the questioning of “whether or not it is contemporary dance”. Finally, this research also questions the stage presence of the artist, since it is trained to be applied on stage. However, what happens to her when she is in a video? Due to all those questions mentioned, it is that the present investigation is generated within the codes of video, videodance and autofiction.

El objetivo principal de esta tesis ha sido desarrollar un análisis de las recientes transformaciones metodológicas y conceptuales en la creación y producción en la danza contemporánea, que son debidas a la introducción de las nuevas tecnologías digitales y su relación con el contexto artístico contemporáneo. Los artistas, cada vez más, van percibiendo el paradigma cibernético que ha estado configurando la sociedad contemporánea, en la cual las transformaciones tecnológicas que se reflejan en las artes, evocan y revelan nuevos modos de trabajo y producción, resultado de la conjunción entre arte y tecnologías. El uso de softwares para crear coreografías, para promover la comunicación y la creación colaborativa a través de redes de trabajo, y para promover conceptuaciones híbridas del lenguaje de la danza y de los sistemas interactivos, son algunos ejemplos que ayudan a ilustrar las maneras por las cuales esos nuevos procesos tecnológicos están siendo empleados por los coreógrafos contemporáneos, incluyendo a la autora, que amplían los conceptos anteriores de espacio, tiempo y cuerpo en la danza. / Martinez Pimentel, LC. (2008). El cuerpo híbrido en la danza: transformaciones en el lenguaje coreográfico a partir de las tecnologías digitales. Análisis teórico y propuestas experimentales [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/3838

Vicente (Vicent) Asencio Ruano fue un compositor que debe ser encuadrado dentro de las postrimerías del movimiento nacionalista español y particularmente del valenciano. Mucho más que la cita folclórica, empleó, asimilándolos, los elementos que le confieren personalidad propia; aportando elegancia y refinamiento a nuestra música de raíz folclórica que generó su inventiva. De los procedimientos técnicos compositivos de su época utilizó exclusivamente aquellos que favorecieran esta tendencia. Este tesis no ha quedo limitarse a un análisis superficial de la partitura sino que se ha intentado extraer al máximo todo su contenido y encontrarle una explicación académica o buscar una justificación científica desde el punto de vista musical para llegar a comprender que procedimientos musicales conformaron el estilo de este compositor para que pudiera alcanzar los postulados estéticos que anhelaba (en este caso nacionalista). De la breve biografía que se inserta de Vicente (Vicent) Asencio Ruano (1908-1979), se desprende que fue un músico importante en su época, muy preocupado en defender los valores esenciales de nuestra música valenciana. Estas razones, además de mi trato directo y amistoso, me indujeron a proponer este tema para la tesis doctoral. Como todo toda tesis doctoral o trabajo científico de investigación, esta tesis se divide en cuatro capítulos: - Material y Métodos: el material utilizado es la partitura de la Obra completa para piano de Vicente Asencio. La metodología se divide en tres grandes apartados: 1º Análisis estructural. 1º Influencias folclóricas y análisis de motivos. 3º Análisis tonal -modal y armónico. - Resultados (en este casos del Análisis Musical): - Discusión: las consecuencias del Análisis Musical en cada uno de los tres grandes apartados se conformaban en: Análisis estructura,, Influencias folclóricas y análisis de motivos, y Análisis tonal -modal y armónico. - Conclusiones. / Montesinos Comas, E. (2004). Análisis Musical de la Obra para Piano de Vicente Asencio [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/4162

Dada la coyuntura por el Covid-19, la producción de diferentes obras audiovisuales ha ido en aumento por la facilidad que brinda el mundo digital. Este nuevo contexto lleva al profesional de lo audiovisual a buscar nuevas formas de poder reinventarse y contar historias. Por ello, en Confiar en mí, una vez más se profundiza y reflexiona sobre la labor del realizador audiovisual en tiempos de confinamiento a partir de la experimentación del lenguaje audiovisual, y exploración performativa como una forma de transmitir emociones, además de la simbiosis entre ambos frentes para lograr contar una historia que invite a la reflexión final de los espectadores. En otras palabras, demostrar el poder del audiovisual para guiar las subjetividades de los espectadores y crear nuevas formas de contar historias sin necesidad de palabras. Confiar en mí, una vez más muestra el viaje interno por diferentes capítulos de la vida por el que atraviesa un bailarín para poder descubrirse y aceptarse, todo ello contado a través de la simbiosis generada entre performances y el lenguaje audiovisual. Los objetivos por lograr son los siguientes: 1) incentivar la reflexión sobre el difícil proceso por el que atraviesa un joven bailarín homosexual que busca dedicar su vida al arte, específicamente a la danza a partir de una inmersión performativa, 2) mostrar el proceso por el que atraviesa un joven bailarín para lograr su descubrimiento y autoaceptación a través de un viaje interno performativo y 3) exponer y describir el rol de los bailarines varones en la danza clásica, así como el tecnicismo presente en el desarrollo de la danza. Con el fin de lograr estos objetivos, se recurrió a la teoría de la videodanza y coreografía de la mirada brindada por Alejandra Toro, así como a la Antropología de los sentidos de Constance Classen. / Given the situation due to Covid-19, the production of different audiovisual works has been increasing due to the ease provided by the digital world. This new context leads the audiovisual professional to look for new ways to reinvent himself and tell stories. For this reason, Confiar en mí, una vez más explores and reflects on the work of the audiovisual producer in times of confinement through the experimentation of audiovisual language and performative exploration as a way of transmitting emotions, as well as the symbiosis between both fronts to tell a story that invites the final reflection of the viewers. In other words, to demonstrate the power of the audiovisual to guide the subjectivities of viewers and create new ways of telling stories without the need for words. Confiar en mí, una vez más shows the internal journey through different chapters of life that a dancer goes through in order to discover and accept himself, all told through the symbiosis generated between performances and audiovisual language. The objectives to be achieved are the following: 1) to encourage reflection on the difficult process a young homosexual dancer goes through in order to dedicate his life to art, specifically to dance, through a performative immersion, 2) to show the process a young dancer goes through to achieve his discovery and self-acceptance through an internal performative journey, and 3) to expose and describe the role of male dancers in classical dance, as well as the technicality present in the development of dance. To achieve these objectives, the following theories were used: the Videodance and Choreography of the Gaze provided by Alejandra Toro, as well as Constance Classen's Anthropology of the Senses.

Las relaciones de poder están dadas en distintos ámbitos pero sobre todo en la educación. En esta investigación, se describirá particularmente en las aulas de danza. Las profesoras y alumnas entran en esta relación en la que el cuerpo, instrumento artístico, se ve en el medio. Un cuerpo vulnerable y completamente entregado a la formación escénica. Siendo así a la propia imagen de este a la que se le adhiere comentarios negativos por parte de las profesoras y finalmente, terminan afectando su salud mental. Los comentarios que se utilizan para dar indicaciones en las clases de danza se tornan ofensivos para las alumnas y probablemente, muchos de estos no se dan con esa intención, sin embargo, las sobre pasan de la manera en la que su sensibilidad se ve perjudicada y trae consecuencias graves en sus vidas diaria. En el momento en que la profesora utiliza su poder para ello sin obtener alguna objeción, aparece el abuso de poder. Es decir, cuando los límites entre comentarios constructivos y destructivos se tornan difusos y vulneran la salud mental de las alumnas. Como consecuencia, el desconocimiento de posibles extremos como trastornos alimenticios aparece.