Se ha construido esta tesis sobre fundamentos cuya solidez resulta en la actualidad difícilmente cuestionable. Aceptando: que logos no es razón sino discurso de la razón, pues la razón siempre encuentra un medio simbólico para manifestarse, sea éste verbal, gráfico, gestual, etc.; que el proyecto arquitectónico es ya, en sí, arquitectura; y que el dibujo está ineludiblemente presente en todas las fases del proceso proyectual; habrá por fuerza que aceptar que: Desde la razón, la más genuina actividad del arquitecto (acción arquitectónica) se manifiesta siempre en un proyecto (discurso gráfico arquitectónico) a través del dibujo (expresión gráfica arquitectónica), medio simbólico de expresión de la razón del autor.El dibujo de arquitectura es en efecto el objeto de este trabajo. El dibujo arquitectónico en toda su amplitud y profundidad, en toda su potencialidad. Quiérese decir considerado, más allá de su evidente valor instrumental o técnico, como un auténtico lenguaje, como el medio simbólico imprescindible para la manifestación de la razón arquitectónica. Y en consecuencia, afirmando su papel constituyente y determinante en la totalidad de la elaboración del proyecto. Porque hay un momento en ésta, el inicial, el de concepción, en que el dibujo arquitectónico muestra todo su poderío. Y no obstante parece evidente que es el menos tratado e investigado hasta hoy, por más que sin su consideración racional resulte imposible la comprensión de la especificidad del dibujo de arquitectura.Se ha articulado la tesis en dos Partes, acompañadas de una Introducción, unas Conclusiones y una Bibliografía. La Parte Primera tiene por cometido aclarar ciertas cuestiones fundamentales y la posición de la autora ante ellas, para evitar que en la Parte Segunda, núcleo del trabajo, se den por supuesto o bien sean necesarios digresiones y excursos que, sin duda, dada la densidad del texto, dificultarían o incluso impedirían la unidad del discurso, y desde luego su seguimiento.La Parte Segunda se centra en el dibujo arquitectónico como clave de la acción arquitectónica y crisol de su correspondiente proyecto. De modo que, si el dibujo de concepción es prefigurar la intención arquitectónica, la articulación del proyecto es configurar dicha intención, y aún su lectura será un refigurar de nuevo todo lo anterior.Los dibujos que acompañan al texto escrito en absoluto tienen un carácter ornamental; bien al contrario, constituyen un discurso propio e independiente del verbal, de tal forma que ambos, cada uno en su lenguaje, responden a una misma intención, sin reflejarse puntualmente. / This thesis was built on foundations the solidity of which is difficult to bring into doubt in the present day. If we accept: that logos is not reason but the discourse of reason, since reason always finds a symbolic medium through which to manifest itself; that the architectural design is already architecture as such; and that the drawing is inescapably present at all stages of the design process; then we are obliged to accept that: from the basis of reason, the most genuine activity of the architect (architectural action) is always manifested in a design (architectural graphic discourse) through drawing (architectural graphic expression), the symbolic medium of expression of the author's reason.Architectural drawing is in effect the object of this work. Architectural drawing in all its breadth and all its depth, in all its potential. It should be considered, over and above its obvious instrumental or technical value, as a veritable language, the indispensable symbolic medium for the manifestation of architectural reason. And consequently, it states its constituent and determining role in the entirety of the design process. Because there is one moment of this, at the beginning, the conception, when the architectural drawing displays all its power. And yet, clearly, it is the stage which to date has been least dealt with, least explored, despite the fact that without considering it rationally it is impossible to understand the specific nature of architectural drawing.The thesis is organized in two Parts, together with an Introduction, Conclusions and a Bibliography. The objective of the First Part is to clarify certain fundamental issues and the author's position regarding them, so that in the Second Part, the core of the work, neither are they taken for granted nor do they require digressions or straying from the point in hand, which given the density of the text, would hinder or even prevent the unity of the discourse, and therefore the possibility of following it.The Second Part focuses on architectural drawing as the key to architectural action and the crucible of its corresponding design. Thus, if the conceptional drawing is the preshaping of the architectural intention, the articulation of the design is the shaping of this intention, and its interpretation will be a reshaping of everything done up to then.The drawings that accompany the text are in no way ornamental; on the contrary, they constitute a discourse of their own, independent of the verbal one. The two discourses, each in their own language, respond to the same intention, without reflecting each other at any given point.

Diseñador Gráfico / No autorizada para ser publicada en el Portal de Tesis Electrónicas de la U. de Chile.

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Determinar las principales características estéticas, relacionándolas y haciendo paralelismos con las salas limeñas, en la arquitectura de las salas de cine en la ciudad de Huancayo desde 1911 al 2009. Del mismo modo realizar una descripción interpretativa cualitativa de las dinámicas urbanas a la que cada una de ellas estaba sujeta en el período en el que fueron inauguradas. Además, interpretar sobre cuán favorable resultan las ausencias de dichos espacios en la contemporaneidad. / Tesis

[EN] The word identity began to invade all means of communication, social networks and the cultural world in Chile at the dawn of the XXI century. There are several factors that led to such focus of attention, some experts pointing to the economic model, Chile's active participation in international scenarios, as well as the massive development of accessible technology as possible causes. Amidst these changes, the cultural world was also experiencing certain adjustments in how theater, architecture and music were embracing this focus on identity. In the realm of visual arts there was a polarized trend in the strategies that were being used, which on the one hand leaned toward formal, thematic and iconographic aspects of European and/or North American art, and on the other hand delved into exploring the notion of Chilean nationality, and possibly identity. The present thesis reports on research into the identification of possible aspects related to Chilean identity, through visual art works produced and exhibited in this country between the years 2000 and 2015. The process of searching for such aspects of identity was based on formal, iconographic and thematic analyses of the work by 180 artists documented in books and catalogues resulting from the most important art exhibitions in Chile during the abovementioned time period. Relevant information was recorded, and analyzed from connotative and denotative standpoints, from which conclusions were drawn. This research shows that out of all the art work analyzed, 36.1% include themes (landscapes, scenery, people and objects) and/or images and forms (colors, motifs and configurations) associated to aspects of Chilean identity. This resulted in a set of selected visual resources, which could be considered to represent the notion of what can be termed "contemporary Chilean painting". / [ES] Iniciado el siglo XXI, la palabra identidad invade los medios de comunicación, las redes sociales y el mundo de la cultura en Chile. Muchas han de ser las causas de esta preocupación, pero algunos expertos señalan al modelo económico, a la inserción de Chile en escenarios internacionales y al masivo acceso a la tecnología, como las posibles causas. A propósito de este hecho, el mundo de la cultura observó algunos acomodos en la manera en que el teatro, la arquitectura o la música estaba dando cuenta de este fenómeno. En artes visuales observamos una tendencia al uso -polarizado- de estrategias de producción visual que por un lado tendían a asociarse en aspectos formales, temáticos e iconográficos con la producción europea y/o norteamericana y por el lado opuesto, esos mismos aspectos se trabajaban en asociación a una idea de país, a una posible identidad. La presente tesis da cuenta de una investigación tendiente a identificar rasgos de una posible identidad chilena, en la obra pictórica producida/exhibida en este país entre los años 2000 y 2015. El proceso de búsqueda de dichos rasgos se basó en el análisis formal, iconográfico y temático de la obra de 180 artistas, registrados en los libros y catálogos de las más relevantes exposiciones de pintura, montadas en Chile en el período mencionado. La información se registró en fichas que permitieron un análisis connotativo y denotativo, sobre cuya base que levantaron las conclusiones. La investigación muestra que del total de obras analizadas, el 36.1% presenta temas (paisajes, escenas, personas, objetos) y/o imágenes y formas (colores, motivos y configuraciones), asociados a los rasgos de identidad propios de Chile, pudiéndose estructurar así una batería de recursos visuales, que podríamos señalar como el imaginario de una "pintura chilena contemporánea / [CAT] Al començament del segle XXI, la paraula identitat invadeix els mitjans de comunicació, les xarxes socials i el mon de la cultura a Xile.Moltes han de ser les causes d'aquesta preocupació, però alguns experts assenyalen al model econòmic, a la inserció de Xile als escenaris internacionals i al massiu acces a la tecnología, com a possibles causes. Per aquest fet, el mon de la cultura va observar alguns acomodaments en la manera en la que el teatre, l'arquitectura o la música estaven evidenciant aquest fenòmen. A les arts visuals observem una tendència a l'ús -polaritzat- d' estratègies de producció visual que, per una banda, mostraven tendencia a asociarse amb aspectos formals, temàtics e iconogràfics amb la producción europea i/o Nordamericana, i per altra banda, aquestos mateixos aspectes es treballaven amb associació a una idea de país, a una possible identitat. La present tesi mostra una investigación tendent a identificar trets d'una possible identitat Xilena amb l' obra pictòrica produida/exhibida en aquest país entre els anys 200 i 2015. El procés de recerca d' aquestos trets es va basar en l' anàlisi formal connotatiu i denotatiu, sobre la base de la que després s'obtingueren les conclusions. La investigació mostra que del total d'obres analitzades, el 36,1% presenta temes (paissatges, escenes, persones, objectes) i/o imatges i formes(colors, motius i configuracions) associats a trets d' identitat propis de Xile, podent-se estructurar així una batería de recursos visuals, que podriem asenyalar com l'ímaginari d'una "pintura Xilena Contemporanea". / Benavente Millán, DC. (2016). RASGOS DE IDENTIDAD EN LA PINTURA CHILENA EN INICIOS DEL SIGLO XXI [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/61777 / TESIS

[EN] Aims of the thesis Aims: A - To identify and justify in a reasonable way, providing corroborated historical data, why saxophone players do not use the technique of the double/triple staccato. B - To locate the books (method books) dealing with the study of the double staccato in the saxophone and to do a comparative study analyzing the content of them. C - To offer this collective a reasoned collection of phrases appearing in the classical repertoire for saxophone which imply the use of this technique, in order to get a better quality of interpretation. D - To show, by means of methodological praxis in the classroom, that saxophone players can achieve quite a good command of the double/triple staccato, and to make the students who take part in this experiment get aware of the importance of studying and applying the lingual-guttural technique, when necessary, making thus the other saxophone players aware of its usefulness, both in an individual and a collective way. E - To offer the access, for those who are interested, before the publication of this work, to the most relevant biographical data of all the composers whose works for saxophone have been selected for containing phrases where the application of the double staccato is required. (This last part (E) will be included as an annex) Materials used The materials that have been used are: For the theoretical part (history, analysis) the ones described in bibliography, such as books, method books for saxophone, method books for flute, scores for both instruments, the Internet, etc. For the praxis in the classroom we have used the book "Muy picado", dealing completely with the study of the double/triple staccato and divided into three volumes that are distributed all along the four years of study. Planning The planning of this work does not start after the approval of this project. The praxis in the classroom actually starts, applying the selected methodology, in the school year 2003/04. The initial idea was to develop the experiment in class during 8 years so that it covered several generations of students and, this way, we would be able to verify if the achieved average level was similar every year and, also, if it was high enough. Thus, after seeing the results, we could affirm if the methodology used had been the right one and, if it was so, we could conclude by saying that, at first, it would be possible to extend to all the students of the specialization, no matter of their school, the result of the experiment, generalizing thus the use of the lingual-guttural technique. In order to get more reliable results, the research has been extended up to 11 years. Results We must admit that not all our aims finish here. Specially, the last part of the aim "D" will take some time to be generalized. The aim "E" will finish when the corresponding publication appears. In order to get the generalization of our aims, it will be necessary to develop an important information campaign both in conservatories and in bands, with conferences/speeches for professionals including practical demonstrations. In these future presentations, professionals will be provided with the experience and results obtained in the classroom with the study of the double/triple staccato and its application to the phrases included in this work. / [ES] Objetivos de la tesis Objetivos: A - Identificar y justificar, razonadamente y con datos históricos contrastados, por qué los saxofonistas no utilizan la técnica del doble/triple picado. B - Localizar libros (métodos) dedicados al estudio del doble picado en el saxofón y realizar un estudio comparativo analizando el contenido de los mismos. C - Ofrecer a este colectivo una recopilación razonada de frases del repertorio clásico de saxofón donde sea necesario aplicar esta técnica para una mejor resolución interpretativa de las mismas. D - Demostrar, mediante la praxis metódica en el aula, que los saxofonistas pueden alcanzar el suficiente dominio del doble/triple picado, intentando que al menos los alumnos que participan en esta experimentación se conciencien de la necesidad de estudiar y aplicar la técnica linguo - gutural, cuando proceda, y contribuir con ello a que el resto de saxofonistas vean la utilidad de usarla, tanto a nivel individual como en agrupaciones. E - Poner a disposición de los interesados, previa publicación de este trabajo, los datos biográficos más relevantes de todos los compositores cuyas obras de saxofón hayan sido seleccionadas por contener frases para la aplicación del doble picado. (Este último apartado (E) se incluirá como anexo) Medios utilizados Los medios utilizados han sido: Para la parte teórica (historia, análisis) los reseñados en bibliografía, como libros, métodos para saxofón, métodos para flauta, partituras para ambos instrumentos, Internet, etc. Para la praxis en el aula se ha utilizado el libro "Muy picado" dedicado en su totalidad al estudio del doble/triple picado, y dividido en tres volúmenes distribuidos a lo largo de los cuatro años de carrera. Planificación temporal La planificación de este trabajo no arranca a partir de la aprobación del presente proyecto. En realidad la praxis en el aula, aplicando la metodología seleccionada, comienza en el curso 2003/04. La idea inicial era desarrollar la experimentación en clase durante 8 años, de manera que hubiesen pasado por las aulas diversas generaciones de alumnos y así, por un lado, poder comprobar si el nivel medio alcanzado en cada una de las promociones era similar, y por otro lado si era suficiente. De esta forma, a la vista de los resultados, se podría constatar si la metodología empleada había sido la adecuada, y caso de serlo podríamos llegar a la conclusión de que, en principio, sería factible extender a todos los alumnos de la especialidad, de cualquier otro centro, el resultado de la experiencia realizada, generalizando así la utilización de la técnica linguo-gutural. Para asegurar más los resultados la investigación se ha prolongado hasta 11 años. Resultados Debemos admitir que no todos los objetivos concluyen aquí. Sobre todo la última parte del objetivo "D" llevará tiempo conseguir que se generalice. El objetivo "E" quedará concluido en el momento salga la publicación correspondiente. Para lograr la generalización de los objetivos, será necesario desarrollar una amplia campaña divulgativa, tanto en conservatorios como en las bandas de música, mediante conferencias/charlas para profesionales con demostraciones prácticas. En estas futuras presentaciones, a los profesionales de la especialidad se aportará la experiencia y resultados obtenidos en el aula con el estudio del doble/triple picado y la aplicación del mismo a las frases incluidas en el presente trabajo / [CAT] Objectius de la tesi Objectius: A - Identificar i justificar, raonadament i amb dades històriques contrastades, per què els saxofonistes no utilitzen la tècnica del doble/triple picat. B - Localitzar llibres (mètodes) dedicats a l'estudi del doble picat en el saxofon i realitzar un estudi comparatiu analitzant-ne el contingut. C - Oferir a aquest col·lectiu una recopilació raonada de frases del repertori clàssic de saxofon on calga aplicar aquesta tècnica per millorar-ne la resolució interpretativa. D - Demostrar, mitjançant la praxi metòdica a l'aula, que els saxofonistes poden aconseguir prou domini del doble/triple picat, amb la intenció que almenys els alumnes que participen en aquesta experimentació es consciencien de la necessitat d'estudiar i aplicar la tècnica linguogutural quan escaigui, i contribuir amb això al fet que la resta de saxofonistes vegin la utilitat d'usar-la, tant individualment com en agrupacions. E - Posar a la disposició dels interessats, prèviament a la publicació d'aquest treball, les dades biogràfiques més rellevants de tots els compositors les obres de saxofon dels quals s'hagen seleccionat per contenir frases per a l'aplicació del doble picat. (Aquest últim apartat (E) s'inclourà com a annex) Mitjans utilitzats Els mitjans utilitzats han sigut: Per a la part teòrica (història, anàlisi), els ressenyats en bibliografia, com llibres, mètodes per a saxofon, mètodes per a flauta, partitures per a tots dos instruments, Internet, etc. Per a la praxi a l'aula s'ha utilitzat el llibre Muy picado, dedicat íntegrament a l'estudi del doble/triple picat, i dividit en tres volums distribuïts al llarg dels quatre anys de carrera. Planificació temporal La planificació d'aquest treball no arranca a partir de l'aprovació del present projecte. En realitat, la praxi a l'aula, aplicant la metodologia seleccionada, comença en el curs 2003/04. La idea inicial era desenvolupar l'experimentació en classe durant 8 anys, de manera que hagueren passat per les aules diverses generacions d'alumnes i així, d'una banda, poder comprovar si el nivell mitjà aconseguit en cadascuna de les promocions era similar, i d'altra banda, si era suficient. D'aquesta manera, a la vista dels resultats, es podria constatar si la metodologia emprada havia sigut l'adequada, i cas de ser-ho podríem arribar a la conclusió que, en principi, seria factible estendre a tots els alumnes de l'especialitat, de qualsevol altre centre, el resultat de l'experiència realitzada, i generalitzar així la utilització de la tècnica linguogutural. Per assegurar més els resultats, la investigació s'ha perllongat fins a 11 anys. Resultats Hem d'admetre que no tots els objectius conclouen ací. Sobretot l'última part de l'objectiu D costarà temps aconseguir que es generalitze. L'objectiu E quedarà conclòs així que isca la publicació corresponent. Per aconseguir la generalització dels objectius, caldrà desenvolupar una àmplia campanya divulgativa, tant en conservatoris com en les bandes de música, mitjançant conferències/xarrades per a professionals amb demostracions pràctiques. En aquestes presentacions futures, als professionals de l'especialitat s'aportarà l'experiència i resultats obtinguts a l'aula amb l'estudi del doble/triple picat i l'aplicació d'aquest a les frases incloses en el present treball. / Pérez Morell, E. (2016). Análisis histórico de la utilización del doble/triple picado en el saxofón y su enseñanza en la actualidad [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/62319 / TESIS

[EN] The thesis is an initial approach to the biography and work of Antonio López. It deals with an approximation and trust on reality. It focuses on the study of his fundamental drawings, since 1949 until 2011 and also on the meaning of reality and time for Antonio López. Finally, it studies the possibility of existence of a school or group of "realism in Madrid". In the drawings it is revealed to whom and how he discovers the natural drawing; the meaning of the drawing for Antonio López in which what changes the essence of the drawing, painting and sculpture is studied as well as his creative process, the modalities in his drawings (draft, notes of painting from life, rough sketches, design examples and final design) and the themes. In his themes we can find an existential connotation and a temporal and spatial dimension that is investigated as a sequence of nature. They established six thematic scopes: the human figure, domestic interiors, intimate places, food, garden and fruit compositions and landscapes. The human figure is represented on its own, in couples, dressed or naked, sitting with a view to the knee, standing, lying, a close up portrait, medium or whole detail, in general and in different periods or stages of human life. He mainly painted the members of his family as well as others and even invented them. In the interior spaces he represents the inner moments of himself, his intimacy. Consequently, the works of art in his studio represent works of art of extraordinary and expressive intensity. In the garden theme a dialogue with nature is established. In all the landscapes, Tomelloso, his home town, appears and the place where he lives, Madrid. We analyse the importance of reality in his work. A synthesis of the evolution of his realism is made as a symbolic resource. When analysing time, the classification is as follows: the time represented, the time of the representation, the historic time. The time is essential in his work, it is present and it dwells in his work. His work is a testimony of the passage of time and that is what moves and conditions his work. Analysing time in his work La familia de Juan Carlos I, time is of great relevance as it is the masterpiece of his career. The traces of his creative process are present in his work as his own identity, reflection of how the artists have learnt from each other throughout history. His mastery skills make him an exceptional artist with a peculiar philosophy and method. Time is very significant in the way his work concludes. It is always open, ever changing with present time containing the past and so the artist corresponds with his loyalty. In the last chapter, we study the possible existence of a school or group of "realism in Madrid", formed by six artists such as Antonio López is located. It is confirmed that Antonio López, along with Julio and Francisco López Hernandez brothers, Amalia Avia Maria Isabel Moreno and Quintanilla, did not form a school, nor a group of Madrid realism rules or stipulated rules, but a group of peers, friends, who met at the Faculty of Fine Arts of San Fernando, Madrid, in the fifties, and whose artistic work part of reality, with a different look. Maria Moreno, a famous painter and wife of Antonio Lopez is considered by the artist his "light". / [ES] La tesis versa sobre una aproximación a la biografía y obra de Antonio López, en la que se indaga su acercamiento y confianza en la realidad. Se profundiza en el estudio de los dibujos fundamentales, desde 1949 hasta 2011, y en el significado de la realidad y del tiempo para Antonio López. Por último, se estudia la posibilidad de una escuela o grupo de "realismo madrileño". En los dibujos se investiga: con quién y cómo descubre el dibujo del natural; el significado del dibujo para Antonio López, en el que se estudia qué es lo que cambia la esencia en el dibujo, pintura y escultura; su proceso de creación; las modalidades que presentan los dibujos (boceto, apunte del natural, bosquejo, croquis y dibujo definitivo) y la temática. En sus temas se encuentran connotaciones de tipo existencial y se indaga en una temática espacio-temporal de naturaleza secuencial. Se establecen seis ámbitos temáticos: la figura humana, interiores domésticos, espacios íntimos, alimentos, el jardín y composiciones frutales, y el paisaje. La figura humana la representa sola, emparejada, vestida o desnuda; sentada con una visión hasta la rodilla, de pie, tumbada; en plano de detalle, primer plano, medio, entero, de conjunto o general, y en diferentes periodos y etapas del ciclo vital. Principalmente, toma como modelos a su familia, aunque hay otros ajenos a ella e, incluso, inventados. En los espacios íntimos es dónde el artista retrata el interior de su ser, su intimidad, constituyendo los dibujos de su estudio obras de una extraordinaria intensidad expresiva. En el tema del jardín establece un diálogo con la naturaleza. En sus paisajes están presentes el lugar donde nace, Tomelloso, y el lugar donde vive, Madrid. Se analiza la importancia de la realidad en su obra. Se hace una síntesis de la evolución de su realismo, siendo éste un recurso simbólico. En el análisis del tiempo se establece una clasificación: el tiempo representado, el tiempo de la representación y el tiempo histórico. El tiempo es fundamental en su obra, está presente y habita en ella. Su obra es testimonio del transcurso del tiempo, y éste es el que mueve y condiciona su trabajo. Se analiza el tiempo en la obra La familia de Juan Carlos I, por ser una obra cumbre en su trayectoria artística y en la que el tiempo es relevante. Las huellas de su proceso creativo están presentes en su obra como señas de identidad, que reflejan cómo los artistas han aprendido unos de otros a lo largo de la historia. Su magisterio lo hace un artista excepcional, aunado a un método de trabajo y filosofía peculiares. El tiempo es significativo en la manera de concluir su obra, que siempre está abierta, cambiante, con el tiempo en presente, que contiene todo su pasado, y en la que el artista corresponde con su fidelidad. En el último capítulo, se estudia la posible existencia de una escuela o grupo de realismo madrileño, formado por seis artistas entre los que se ubicaría Antonio López. Se corrobora que Antonio López, junto con los hermanos Julio y Francisco López Hernández, Amalia Avia, María Moreno e Isabel Quintanilla, no formaron una escuela, ni tampoco un grupo de realismo madrileño con unas normas o reglas estipuladas, pero sí un grupo de compañeros, de amigos, que se conocieron en la Facultad de Bellas Artes de San Fernando, de Madrid, en los años cincuenta, y cuyo trabajo artístico parte de la realidad, con una mirada diferente. María Moreno, pintora célebre y esposa de Antonio López, es considerada por el artista su "luz". / [CAT] La tesi versa sobre una aproximació a la biografia i obra d'Antonio López, en què s'indaga el seu acostament i confiança en la realitat. S'aprofundeix en l'estudi dels dibuixos fonamentals, des de 1949 fins a 2011, i en el significat de la realitat i del temps per a Antonio López. Finalment, s'estudia la possibilitat d'una escola o grup de "realisme madrileny". En els dibuixos s'investiga: amb qui i com descobreix el dibuix del natural; el significat del dibuix per a Antonio López, en el qual s'estudia què és el que canvia l'essència en el dibuix, pintura i escultura; el seu procés de creació; les modalitats que presenten els dibuixos (esbós, apunt del natural, esbós, croquis i dibuix definitiu) i la temàtica. En els seus temes es troben connotacions de tipus existencial i s'indaga en una temàtica espai-temporal, de naturalesa seqüencial. S'estableixen sis àmbits temàtics: la figura humana, interiors domèstics, espais íntims, aliments, el jardí i composicions fruiters, i el paisatge. La figura humana la representació sola, aparellada, vestida o nua; asseguda amb una visió fins al genoll, de peu, tombada; en pla de detall, primer pla, mitjà, sencer, de conjunt o general, i en diferents períodes i etapes del cicle vital. Principalment, pren com a models a la seva família, i hi ha altres aliens a ella, i fins i tot, inventats. En els espais íntims és on l'artista retrata l'interior del seu ésser, la seva intimitat, constituint els dibuixos del seu estudi obres d'una extraordinària intensitat expressiva. En el tema del jardí estableix un diàleg amb la natura. En els seus paisatges estan presents el lloc on neix, Tomelloso, i el lloc on viu, Madrid. S'analitza la importància de la realitat en la seva obra. Es fa una síntesi de l'evolució del seu realisme, sent aquest un recurs simbòlic. En l'anàlisi del temps s'estableix una classificació: el temps representat, el temps de la representació i el temps històric. El temps és fonamental en la seva obra, és present i habita. La seva obra és testimoni del transcurs del temps, i aquest és el que mou i condiciona la seva feina. S'analitza el temps en l'obra La familia de Juan Carlos I, per ser una obra mestra en la seva trajectòria artística i en la qual el temps és rellevant. Les empremtes del seu procés creatiu són presents en la seva obra com a senyals d'identitat, que reflecteixen com els artistes han après els uns dels altres al llarg de la història. El seu magisteri ho fa un artista excepcional, conjuminat a un mètode de treball i filosofia peculiars. El temps és significatiu en la manera de concloure la seva obra, que sempre està oberta, canviant, amb el temps en present, que conté tot el seu passat, i en la qual l'artista correspon amb la seva fidelitat. En l'últim capítol, s'estudia la possible existència d'una escola o grup de realisme madrileny, format per sis artistes entre els que se situaria Antonio López. Es corrobora que Antonio López, juntament amb els germans Julio i Francisco López Hernández, Amalia Avia, María Moreno i Isabel Quintanilla, no van formar una escola, ni tampoc un grup de realisme madrileny amb unes normes o regles estipulades, però sí un grup de companys , d'amics, que es van conèixer a la Facultat de Belles Arts de San Fernando, de Madrid, als anys cinquanta, i el treball artístic part de la realitat, amb una mirada diferent. Maria Moreno, pintora cèlebre i esposa d'Antonio López, és considerada per l'artista la seva "llum". / García Pérez, P. (2016). Dibujos. Realidad y tiempo en la obra de Antonio López [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/62325 / TESIS

[EN] Abstract One of the purposes of this work is to analyze the relationship of symbols and matter, from which they emanate. Specially, in the field of Psychology, Carl Jung pointed out the relationship of the oneiric-symbolic language with psychological integration of the individual and he discovered the concept of archetype. The relationship between art and symbols has been widely studied from various approaches. It has been treated empirically and in a fragmented manner by some artists such as Oteiza and Tàpies, who have searched for empty space and timelessness. It has been treated in a more theoretical way by Gaston Bachelard, who studied in depth the relationship between imagination and material experience. This allows us to advance the proposal that the symbolic language resides in the subconscious sphere of the human mind and it has its own rules that make it more likely to be conveyed through art. Therefore, the symbol, as discussed in this paper is a condensation of the representation of reality developed in the unconscious level of the human mind and in a direct relationship with the natural phenomena and the basic structure of matter. In this paper we deepen this symbol-matter relationship as the basis to show the fundamental role of art in recreation and regeneration of symbols in a social dialogue that allows a direct approach to reality and its understanding. This paper makes a study of artistic practice in different times and cultures through significant examples that we consider to be representative of the presented predicament. From prehistoric paintings full of primitive symbols to the contemporary art such as that of John Cage. Many artists in different periods have sought to reflect the present as experiencing existence. / [ES] Resumen Una de las pretensiones de este trabajo es profundizar en la relación de los símbolos con la materia, de la que emanan. Específicamente en el campo de la psicología, Carl Jung ha señalado la relación del lenguaje onírico-simbólico con la integración psicológica del individuo y descubierto el concepto de arquetipo. La relación del arte con los símbolos ha sido objeto amplio de estudio desde varios enfoques. Ha sido tratada de forma empírica y fragmentaria por algunos artistas como Oteiza y Tàpies, en búsqueda del espacio vacío y la intemporalidad. Y de forma más teórica por Gaston Bachelard, quien trató en profundidad la relación entre la imaginación y la experiencia material. Esto nos permite adelantar la propuesta de que el lenguaje simbólico reside en el ámbito subconsciente de la mente humana y tiene sus propias reglas que lo hacen más susceptible de ser vehiculado a través del arte. Por tanto, el símbolo, tal como se expone en este trabajo, es una condensación de la representación de la realidad, elaborada en el plano inconsciente de la mente humana y en una relación directa con los fenómenos naturales y la estructura básica de la materia. Con este trabajo pretendemos profundizar en esta relación símbolo-materia como base para mostrar el papel fundamental del arte en la recreación y regeneración de estos símbolos en el diálogo social que permite la comprensión y acercamiento a la realidad. El trabajo realiza un estudio de la práctica artística en distintas épocas y culturas con ejemplos que creemos representativos de la problemática planteada. Desde las pinturas prehistóricas llenas de símbolos primitivos hasta el arte más contemporáneo con artistas como John Cage, muchos artistas en diferentes épocas han buscado reflejar el presente como experimentación de la existencia. / [CAT] Resum Una de les pretensions d'este treball és aprofundir en la relació dels símbols en la matèria, de la que emanen. Específicament en el camp de la psicología, Carl Jung ha assenyalat la relació del llenguatge oníric-simbòlic en la integració psicològica de l'individu i descobert el concepte d'arquetipus. La relació de l'art en els símbols ha estat objecte ampli d'estudi des de diversos enfocaments. Ha estat tractada de manera empírica i fragmentària per alguns artistas com Oteiza i Tàpies, en la búsqueda de l'espai buit i la intemporalitat. I de manera més teòrica per Gaston Bachelard, qui va intentar aprofundir la relació entre la imaginació i l'experiència material. Aço ens permet avançar la proposta de que el llenguatge simòblic resideix en l'àmbit subconscient de la ment humana i té les seues pròpies regles que ho fan més susceptible de ser vehiculat a través de l'art. Per tant, el símbol, tal com s'exposa en este treball, és una condensació de la representació de la realitat, elaborada en el pla insonscient de la ment humana i en una relació directa en els fenòmens naturals i l'estructura bàsica de la matèria. En este treball pretenem aprofundir en esta relació símbol-matèria com a base per mostrar el paper fonamental de l'art en la recreació i regeneració d'aquests símbols en el diàleg social que permet la comprensió i aproximació a la realitat. El treball realitza un estudi de la pràctica artística en diferents èpoques i cultures en exemples que creiem representatius de la problemàtica plantejada. Des de les pintures prehistòriques plenes de símbols primitius fins a l'art més contemporani en artistas com John Cage, molts artistas de diferents èpoques han cercat reflejar el present com experimentació de l'existència. / Olaso Delgado, A. (2016). Relación entre símbolo y materia en la representación artística de la realidad. El lenguaje de la materia y su representación [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/62530 / TESIS

[EN] CULINART: Dramatic Strategies and artistic creation as a process of integration and transformation. Summary The following research work done for this thesis starts with the experience acquired at the "Accademia di Belle Arti di Roma" and the subsequent implementation of a personal vision from the theatrical space and its relationship with the educational project developed by Som3 called CULINART: Sensory alimentary Education through art. To this end, we have created a range of culinary and artistic training programs that facilitate, through practical experimentation, a more effective and deep learning about the relationship between what we eat and how that affects us physically and emotionally, that is, our health, starting from innovative and motivating perspective for participants. The exploration of the creative processes from our senses is produced jointly by the disclosure of some of the major problems of environmental nature that affect our social reality. Thus, with the expression as a starting point and the deepening of the importance of healthy alimentary habits, the aim of the project rely on independent expression of emotions, thoughts and feelings from participants regardless of their intellectual, social or religious level, promoting development of creativity and social integration processes, using experimentation through research. The project seeks to deepen the understanding of the plastic and visual languages, knowledge and respect of our own environment, as well as the reinterpretation of the scenic areas with an educational and creative role from a framework in which to develop open and flexible creativity itself. / [ES] CULINART: Estrategias Dramáticas, Creación plástica y Gastronomía como proceso de integración y transformación. Resumen El siguiente trabajo de investigación realizado para esta Tesis doctoral parte de la experiencia en la Accademia di Belle di Roma y la puesta en marcha de una visión personal a partir del espacio escenográfico y su relación con el proyecto educativo desarrollado por SOM3 llamado CULINART: Educación sensorial alimentaria a través del Arte. Para ello se han creado diferentes acciones formativas culinarias y artísticas que facilitan, mediante la experimentación práctica, un aprendizaje más eficaz y profundo sobre la relación entre aquello que comemos y el modo en que nos afecta a nivel físico y emocional, es decir, a nuestra salud, partiendo de una perspectiva innovadora y motivadora para los participantes. La exploración de los procesos creativos a partir de nuestros sentidos se produce de manera conjunta a través de la divulgación de algunos de los principales problemas de índole medioambiental que afectan a nuestra realidad social. De este modo, con la expresión como punto de partida y la profundización sobre la importancia de unos hábitos alimentarios saludables, se persigue que los participantes puedan expresar de forma autónoma emociones, ideas y sentimientos independientemente de su nivel intelectual, social o religioso, favoreciendo el desarrollo de la capacidad creadora y sus procesos de integración social, utilizando para ello la experimentación a través de la investigación. El proyecto busca la profundización en la comprensión de los lenguajes plásticos y visuales, el conocimiento y respeto de nuestro propio entorno, así como la reinterpretación de los espacios escénicos con una función educativa y creativa a partir de un marco de trabajo abierto y flexible donde desarrollar la propia creatividad. / [CAT] CULINART: Estratègies Dramàtiques i creació plàstica com a procés d'integració i transformació. Resum El següent treball d'investigació realitzat per a esta Tesi doctoral part de l'experiència en l'Accademia dI Belle dI Roma i la posada en marxa d'una visió personal a partir de l'espai escenogràfic i la seua relació amb el projecte educatiu desenvolupat per SOM3 cridat CULINART: Educació sensorial alimentària a través de l'Art. Per a això s'han creat diferents accions formatives culinàries i artístiques que faciliten, per mitjà de l'experimentació pràctica, un aprenentatge més eficaç i profund sobre la relació entre allò que mengem i el mode en què ens afecta nivell físic i emocional, és a dir, a la nostra salut, partint d'una perspectiva innovadora i motivadora per als participants. L'exploració dels processos creatius a partir dels nostres sentits es produïx de manera conjunta a través de la divulgació d'alguns dels principals problemes d'índole mediambiental que afecten la nostra realitat social. D'esta manera, amb l'expressió com a punt de partida i l'aprofundiment sobre la importància d'uns hàbits alimentaris saludables, es pretén aconseguir que els participants puguen expressar de forma autònoma emocions, idees i sentiments independentment del seu nivell intel·lectual, social o religiós, afavorint el desenrotllament de la capacitat creadora i els seus processos d'integració social, utilitzant per a això l'experimentació a través de la investigació. El projecte busca l'aprofundiment en la comprensió dels llenguatges plàstics i visuals, el coneixement i respecte del nostre propi entorn, així com la reinterpretació dels espais escènics amb una funció educativa i creativa a partir d'un marc de treball obert i flexible on desenrotllar la pròpia creativitat. / Rico Tortosa, B. (2016). CULINART: Estrategias Dramáticas, Creación plástica y Gastronomía como proceso de integración y transformación [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63443 / TESIS

[EN] The objectives of this thesis are very simple, inquire about painting, about the Realist movement in painting and the plea and the first cause of all creative act, resulting in the perception of pictorial representation and realistic in this case. Why the representation is not abstract and realistic?, or why one or the other predominates?; the reason for the strong presence of the image in the XXI century and its pictorial representation; an analysis of the contents and composition of these images are largely the paint benchmark leads to a reflection on a greater presence of realistic painting in our country and outside it, and in our country focuses on two main geographical locations, Madrid and Valencia. The first line of research that focuses on the teacher Antonio Lopez Garcia, and has the background to his uncle Antonio López Torres and called Madrid School, which already is represented in the American photorealism that arises after the Pop-Art USA with some of its members, for example Claudio Bravo or Lopez called. The second axis is Valencia, as a core of social realism and political, while claiming not only more freedom to open up to Europe involve cultural and economic influences of the avant-garde and trends in Europe predominate, but also to an exchange, to open cultural exchanges increasingly present City increasingly curious, more interested in knowledge, more plural, and above all, the main difference is the benchmark. The model, perhaps the cause. Social evolution in the XXI century puts us at all, before a dramatic proliferation of the image, how to perceive or express, it is what changes. So the first chapter expresses some ideas that help us to understand a way of expression that has always existed but now prevails, we all enter through the eyes, the image in the XXI century is equated with the written word and voice; this communicative visual twist to what is essential to understand any realistic painting that is done today. The development of the painting, which reflects reality as the spread within the pictorial realism returns to have a greater presence in the XXI century, after the dominance of the avant-garde in the twentieth century, is in the second chapter of this research. Another objective thereof is to analyze the presence of visual realism and leading to it. The motivation of the artists and the need to represent the world through mimesis, a representation of the reality that the artist formulated as true is another question that artists are carried out from beginning to create and that this chapter addresses from the viewpoint of a painter. Another objective of this research is the analysis of how this mimetic, realistic representation interacts with other artistic disciplines, and also with new technologies, the use of social networks and the Internet as a means of dissemination and as a source of knowledge and culture visual; the analysis of how this affects the painting and vice versa, develop in the next chapter, in the XXI century. The controversy over the photographic reference or model directly the environment, cities or nature, human figure or everyday objects, the evolution of traditional genres respect to the reference, or the use of drawing, optics or new methodology and technologies such as painting process are also studied in this paper, providing certainly a rich and varied range of technical processes and contained in the current Realistic painting, a painting that can also transmit an implicit knowledge, communicate and seduce a spectator , increasingly part of a realistic painting in our country that still hosts influences from other countries and continent, that perfectly recalls the languages and techniques of the past and not encompassed in schools or certain movements involved in numerous occasions similarities. / [ES] Los objetivos de esta tesis son: investigar sobre la pintura, sobre el movimiento Realista en la pintura y sobre el motivo y la causa de todo acto creativo, la percepción que deriva en la representación pictórica y en este caso realista. ¿Por qué la representación es realista y no abstracta?, o ¿por qué predomina una u otra?; el porqué de la fuerte presencia de la imagen en el siglo XXI y su representación pictórica; un análisis de los contenidos y la composición de estas imágenes que en gran medida son el referente de la pintura, conduce a una reflexión sobre una mayor presencia de la pintura Realista en nuestro país y fuera de él, y en nuestro país se centra en dos localizaciones geográficas principales, la Comunidad de Madrid y la Comunidad Valenciana. El primer eje de la investigación que se centra en el maestro Antonio López García, y tiene como antecedentes a su tío, Antonio López Torres y a la llamada Escuela Madrileña, que ya se ve representada en el fotorrealismo Americano que surge tras el Pop-Art en EE.UU con algunos de sus miembros, por ejemplo Claudio Bravo o los denominados López. El segundo eje, es la Comunidad Valenciana, como núcleo principal de un Realismo más social, a la vez que más reivindicativo no solo de la libertad que la apertura a Europa cultural y económica conllevan, influencias de las vanguardias y tendencias que en Europa predominan, sino también a un intercambio, a una Ciudad abierta con intercambios culturales cada día más presentes, cada vez más curiosa, más interesada en el conocimiento, más plural, y sobre todo, la diferencia principal es el referente. El modelo, tal vez la causa. La evolución social en la que el siglo XXI nos sitúa, a todos, ante una espectacular proliferación de la imagen, la manera de percibirla o expresar, es lo que cambia. Por eso el primer capítulo expresa algunas ideas que nos ayudan a comprender una manera de expresión que siempre ha existido pero que ahora predomina, todo nos entra por los ojos, la imagen en el siglo XXI se equipara con la palabra escrita y con la voz; este giro comunicativo a lo visual es imprescindible para comprender cualquier pintura realista que se realiza en la actualidad. El desarrollo de la pintura, la realidad que refleja y como la transmite dentro del realismo pictórico que vuelve a tener una mayor presencia en el siglo XXI, tras el predominio de las vanguardias en el siglo XX, se trata en el Capítulo segundo de esta investigación. Otro de los objetivos de la misma es el análisis de esa presencia del realismo pictórico y que lleva a ella. La motivación de los artistas y la necesidad de representar el mundo a través de la mimesis, una representación de la realidad que el artista formula como verdadera es otra de las preguntas que los artistas se llevan cabo desde que empiezan a crear y que este capítulo responde desde el punto de vista de un pintor. Otro de los objetivos de esta investigación es el análisis de cómo esta representación mimética, realista interactúa con otras disciplinas artísticas, y también con las nuevas tecnologías, el uso de las redes sociales e internet como medio de difusión y como fuente de conocimiento y de cultura visual; el análisis de cómo afecta todo esto a la pintura y viceversa, se desarrollan en el siguiente capítulo, en el siglo XXI. La polémica sobre el referente fotográfico o que el modelo sea directamente el entorno, las ciudades o la naturaleza, la figura humana o los objetos cotidianos, la evolución de los géneros tradicionales respecto al referente, o el uso del dibujo, la óptica o las nuevas tecnologías como metodología y proceso pictórico también se estudian en este documento, aportando sin duda un rico y variado espectro de procesos técnicos y contenidos en la pintura Realista actual, una pintura que, puede también transmitir un conocimiento implícito, comunicar, y seducir a un espectador, cada día más / [CAT] Els objectius d'aquesta tesi són: investigar sobre la pintura, sobre el moviment Realista en la pintura i sobre el motiu i la causa primera de tot acte creatiu, la percepció que deriva en la representació pictòrica i en aquest cas realista. Per què la representació és realista i no abstracta ?, o ¿per què predomina una o altra? el perquè de la forta presència de la imatge en el segle XXI i la seva representació pictòrica; una anàlisi dels continguts i la composició d'aquestes imatges que en gran mesura són el referent de la pintura, condueix a una reflexió sobre una major presència de la pintura Realista al nostre país i fora d'ell, i al nostre país se centra en dos localitzacions geogràfiques principals, la Comunitat de Madrid i la Comunitat Valenciana. El primer eix de la investigació que se centra en el mestre Antonio López García, i té com a antecedents al seu oncle, Antonio López Torres ja l'anomenada Escola Madrilenya, que ja es veu representada en el fotorealisme Americà que sorgeix després el Pop-Art a EE.UU amb alguns dels seus membres, per exemple Claudio Bravo o els anomenats López. El segon eix, és la Comunitat Valenciana, com a nucli principal d'un Realisme més social, alhora que més reivindicatiu no solament de la llibertat que l'obertura a Europa cultural i econòmica comporten, influències de les avantguardes i tendències que en Europa predominen, sinó també a un intercanvi, a una Ciutat oberta amb intercanvis culturals cada dia més presents, cada vegada més curiosa, més interessada en el coneixement, més plural, i sobretot, la diferència principal és el referent. L'evolució social en la qual el segle XXI ens situa, a tots, davant d'una espectacular proliferació de la imatge, la manera de percebre-o expressar, és el que canvia. El primer capítol expressa algunes idees que ens ajuden a comprendre una manera d'expressió que sempre ha existit però que ara predomina, la imatge en el segle XXI s'equipara amb la paraula escrita i amb la veu; aquest gir comunicatiu al visual és imprescindible per a comprendre qualsevol pintura realista que es realitza en l'actualitat. El desenvolupament de la pintura, la realitat que reflecteix i com la transmet dins del realisme pictòric que torna a tenir una major presència al segle XXI, després del predomini de les avantguardes al segle XX, es tracta en el capítol segon d'aquesta investigació . Un altre dels objectius de la mateixa és l'anàlisi d'aquesta presència del realisme pictòric i que porta a ella. La motivació dels artistes i la necessitat de representar el món a través de la mimesi, una representació de la realitat que l'artista formula com a veritable és una altra de les preguntes que els artistes es duen terme des que comencen a crear. Un altre dels objectius d'aquesta investigació és l'anàlisi de com aquesta representació mimètica, realista interactua amb altres disciplines artístiques, amb les noves tecnologies, l'ús de les xarxes socials i internet com a mitjà de difusió i com a font de coneixement i de cultura visual; l'anàlisi de com afecta tot això a la pintura i viceversa, es desenvolupen en el següent capítol, al segle XXI. La polèmica sobre el referent fotogràfic o que el model sigui directament l'entorn, les ciutats o la natura, la figura humana o els objectes quotidians, l'evolució dels gèneres tradicionals respecte al referent, o l'ús del dibuix, l'òptica o les noves tecnologies com a metodologia i procés pictòric també s'estudien, aportant sens dubte un ric i variat espectre de processos tècnics i continguts en la pintura Realista actual, una pintura que, pot també transmetre un coneixement implícit, comunicar, i seduir un espectador d'una pintura Realista al nostre país que segueix albergant influències d'altres països i continent, que recuperat els llenguatges i les tècniques del passat i que sense englobar-se en escoles o moviments determinats / Cañadas Mata, FJ. (2016). EL REALISMO EN LA PINTURA ESPAÑOLA DEL SIGLO XXI. Un estudio crítico sobre autores, dimensión y situación [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63467 / TESIS