[EN] Abstract One of the purposes of this work is to analyze the relationship of symbols and matter, from which they emanate. Specially, in the field of Psychology, Carl Jung pointed out the relationship of the oneiric-symbolic language with psychological integration of the individual and he discovered the concept of archetype. The relationship between art and symbols has been widely studied from various approaches. It has been treated empirically and in a fragmented manner by some artists such as Oteiza and Tàpies, who have searched for empty space and timelessness. It has been treated in a more theoretical way by Gaston Bachelard, who studied in depth the relationship between imagination and material experience. This allows us to advance the proposal that the symbolic language resides in the subconscious sphere of the human mind and it has its own rules that make it more likely to be conveyed through art. Therefore, the symbol, as discussed in this paper is a condensation of the representation of reality developed in the unconscious level of the human mind and in a direct relationship with the natural phenomena and the basic structure of matter. In this paper we deepen this symbol-matter relationship as the basis to show the fundamental role of art in recreation and regeneration of symbols in a social dialogue that allows a direct approach to reality and its understanding. This paper makes a study of artistic practice in different times and cultures through significant examples that we consider to be representative of the presented predicament. From prehistoric paintings full of primitive symbols to the contemporary art such as that of John Cage. Many artists in different periods have sought to reflect the present as experiencing existence. / [ES] Resumen Una de las pretensiones de este trabajo es profundizar en la relación de los símbolos con la materia, de la que emanan. Específicamente en el campo de la psicología, Carl Jung ha señalado la relación del lenguaje onírico-simbólico con la integración psicológica del individuo y descubierto el concepto de arquetipo. La relación del arte con los símbolos ha sido objeto amplio de estudio desde varios enfoques. Ha sido tratada de forma empírica y fragmentaria por algunos artistas como Oteiza y Tàpies, en búsqueda del espacio vacío y la intemporalidad. Y de forma más teórica por Gaston Bachelard, quien trató en profundidad la relación entre la imaginación y la experiencia material. Esto nos permite adelantar la propuesta de que el lenguaje simbólico reside en el ámbito subconsciente de la mente humana y tiene sus propias reglas que lo hacen más susceptible de ser vehiculado a través del arte. Por tanto, el símbolo, tal como se expone en este trabajo, es una condensación de la representación de la realidad, elaborada en el plano inconsciente de la mente humana y en una relación directa con los fenómenos naturales y la estructura básica de la materia. Con este trabajo pretendemos profundizar en esta relación símbolo-materia como base para mostrar el papel fundamental del arte en la recreación y regeneración de estos símbolos en el diálogo social que permite la comprensión y acercamiento a la realidad. El trabajo realiza un estudio de la práctica artística en distintas épocas y culturas con ejemplos que creemos representativos de la problemática planteada. Desde las pinturas prehistóricas llenas de símbolos primitivos hasta el arte más contemporáneo con artistas como John Cage, muchos artistas en diferentes épocas han buscado reflejar el presente como experimentación de la existencia. / [CA] Resum Una de les pretensions d'este treball és aprofundir en la relació dels símbols en la matèria, de la que emanen. Específicament en el camp de la psicología, Carl Jung ha assenyalat la relació del llenguatge oníric-simbòlic en la integració psicològica de l'individu i descobert el concepte d'arquetipus. La relació de l'art en els símbols ha estat objecte ampli d'estudi des de diversos enfocaments. Ha estat tractada de manera empírica i fragmentària per alguns artistas com Oteiza i Tàpies, en la búsqueda de l'espai buit i la intemporalitat. I de manera més teòrica per Gaston Bachelard, qui va intentar aprofundir la relació entre la imaginació i l'experiència material. Aço ens permet avançar la proposta de que el llenguatge simòblic resideix en l'àmbit subconscient de la ment humana i té les seues pròpies regles que ho fan més susceptible de ser vehiculat a través de l'art. Per tant, el símbol, tal com s'exposa en este treball, és una condensació de la representació de la realitat, elaborada en el pla insonscient de la ment humana i en una relació directa en els fenòmens naturals i l'estructura bàsica de la matèria. En este treball pretenem aprofundir en esta relació símbol-matèria com a base per mostrar el paper fonamental de l'art en la recreació i regeneració d'aquests símbols en el diàleg social que permet la comprensió i aproximació a la realitat. El treball realitza un estudi de la pràctica artística en diferents èpoques i cultures en exemples que creiem representatius de la problemàtica plantejada. Des de les pintures prehistòriques plenes de símbols primitius fins a l'art més contemporani en artistas com John Cage, molts artistas de diferents èpoques han cercat reflejar el present com experimentació de l'existència. / Olaso Delgado, A. (2016). Relación entre símbolo y materia en la representación artística de la realidad. El lenguaje de la materia y su representación [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/62530

[ES] Los métodos de fabricación con tecnologías de escritorio, siendo la más reconocida la impresión 3D, han venido evolucionando rápidamente en los últimos años, haciendo que la tecnología se vuelva más accesible y tenga más aplicaciones gracias a entusiastas de la cultura "maker", siendo un campo que continúa desarrollándose y que se encuentra en un punto crucial para construir grandes proyectos con pocos recursos, al tener posibilidades infinitas de exploración. Esta tesis pretende mostrar a los lectores una aplicación exitosa de este ecosistema de creación basado en diseño, gestión y fabricación, así como su viabilidad y pertinencia aplicada en el campo de la enseñanza en áreas de la salud. Específicamente en el desarrollo de simuladores con una mayor empatía emocional con los estudiantes, un mayor nivel de detalle anatómico en relación a la morfología y texturas de los pacientes reales, apoyados en las técnicas de modelado escultórico 3D. Siendo las tecnologías en diseño y fabricación digital, unas herramientas importantes para la personalización de modelos anatómicos y simuladores según el requerimiento de cada especialista y tipología de paciente, satisfaciendo las crecientes demandas de atención médica al proporcionar dispositivos de formación médica personalizada basados en las necesidades individuales. Se presenta el flujo de trabajo para el diseño y la fabricación de órganos y/o simuladores utilizando diferentes tecnologías de uso común entre profesionales del diseño, con el fin de transmitir una experiencia de cómo abordar e integrar diferentes profesiones en trabajos basados en la gestión de proyectos de base tecnológica en una institución Universitaria. / [CA] Els mètodes de fabricació amb tecnologies d'escriptori, sent la més reconeguda la impressió 3D, han vingut evolucionant ràpidament en els darrers anys, fent que la tecnologia es torni més accessible i tingui més aplicacions gràcies a entusiastes de la cultura maker, sent un camp que continua desenvolupant-se i que es troba en un punt crucial per construir grans projectes amb pocs recursos, en tenir possibilitats infinites d'exploració. Aquesta tesi pretén mostrar als lectors una aplicació reeixida d'aquest ecosistema de creació basat en disseny, gestió i fabricació, així com la seva viabilitat i pertinència aplicada en el camp d'ensenyament en àrees de la salut. Específicament en el desenvolupament de simuladors amb una major empatia emocional amb els estudiants, un major nivell de detall anatòmic en relació a la morfologia i textures dels pacients reals recolzats en les tècniques de modelatge escultòric 3D. Sent les tecnologies en disseny i fabricació digital, unes eines importants per a la personalització de models anatòmics i simuladors segons la necessitat de cada especialista i tipologia de pacient, satisfent les creixents demandes d'atenció mèdica en proporcionar dispositius de formació mèdica personalitzada basats en les necessitats individuals. Es presenta el flux de treball pel disseny i la fabricació d'òrgans i / o simuladors utilitzant diferents tecnologies d'ús comú entre professionals del disseny, per tal de transmetre una experiència de com abordar i integrar diferents professions en treballs basats en la gestió de projectes de base tecnològica en una institució universitária. / [EN] The manufacturing methods with desktop technologies have been evolving rapidly in the last years, making technology more accessible and with more applications thanks to the culture maker enthusiasts, being a field that is in continue development and is at a crucial point to build big projects with few resources having infinite exploration possibilities. This thesis aims to show readers a successful application of this creation ecosystem based on design, management and manufacturing, as well as its viability and relevance applied in the field of education in health areas. Specifically in simulators development with greater emotional empathy with the students, a greater level of anatomical detail in relation to the morphology and textures of the real patients supported in 3D sculptural modeling techniques. Being the digital design and manufacturing technologies important tools for the customization of anatomical models and simulators according to the need of each specialist and patient type, satisfying the growing demands of medical care by providing personalized medical training devices based on individual needs. The workflow for organs design and manufacture and / or simulators is presented using different technologies commonly used by design professionals, in order to transmit an experience of how to approach and integrate different professions in projects based on project management of technological base in a University institution. / Como profesor de tiempo completo de la Universidad El Bosque (UEB) en Bogotá, y adicionalmente, firmado un contrato de patrocinio del doctorado en curso en la Universitat Politècnica de Valencia, la titularidad de la investigación le pertenece a la UEB. / Ávila Forero, JS. (2019). Implementación de tecnologías de diseño y fabricación digital aplicadas en la enseñanza de anatomía. Caso Estudio: Universidad El Bosque de Bogotá [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/122294

La tesis estudia como a lo largo de la historia de la arquitectura los proyectistas, elegían un trazado regulador y lo aplicaron según las necesidades del programa y los condicionantes del lugar. Optando, entre las alternativas que la geometría presenta, por la más conveniente en cada caso como recurso del diseño. La tesis se articula en torno a dos grandes núcleos: El levantamiento gráfico del bien y el análisis de sus partes mediante los instrumentos de la representación. El control métrico de la forma arquitectónica con la finalidad de la puesta en valor de las fábricas, facilitará su conocimiento, su interpretación y como actuará como guía para definir los criterios del proceso de su recuperación, y conservación. Aplicando el estudio a la iglesia de San Juan. Concluyendo que el modelo de trazado empleado como principio generador de la composición del templo se corresponde con la geometría del octograma, junto con el sistema de proporciones asociado al número de plata y, que se repetiría en un gran número de iglesias. / García Valldecabres, JL. (2010). La métrica y las trazas en la Iglesia de San Juan del Hospital de Valencia [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/131287

[ES] La innovación ha sido considerada como un Objetivo de Desarrollo Sostenible (ODS), promovidos por las Naciones Unidas, la innovación se ha convertido en el motor más importante de transformación y crecimiento de las compañías con un alto impacto en la sociedad (Unidas, 2017). Por lo que, el futuro económico y social de un país, dependerá de su capacidad para aprovechar las crecientes oportunidades que la tecnología y la innovación ofrecen para aumentar la productividad de las economías. En el caso de Ecuador, el índice mundial de innovación GII-2017, lo ubica en la posición 92 de 127, y con respecto a su región, está en la posición 14 de 18, escasamente a cuatro posiciones de ser el último. Dado este contexto, hay un creciente interés en establecer cómo se innova en las pymes, dado su alto nivel de contribución en las economías en desarrollo, donde actividades de innovación distintas a la I+D cumplen un papel más destacado en los procesos de innovación, entre esas actividades se inscribe el diseño. La relación entre diseño e innovación ha sido explorada en contextos fuera de las naciones latinoamericanas (LAT), dado el ámbito geográfico de los estudios existentes, desarrollados en países europeos. Por ello, la finalidad de esta tesis fue estudiar la relación diseño e innovación, centrada en la generación de innovación radical en pymes industriales, siendo este un campo científico poco explorado y con escasa bibliografía específica. El enfoque metodológico fue de tipo exploratorio y descriptivo, con métodos cuantitativos y cualitativos, en los cuales se usan datos primarios y secundarios, siendo los datos primarios recolectados, a través de una entrevista en profundidad a 66 pymes industriales del sector alimenticio de la ciudad de Guayaquil, sobre el rol del diseño en la innovación radical; a 15 expertos provenientes de 6 países, vinculados como docentes e investigadores en distintas universidades, consultores de diseño, y representantes de organizaciones con una amplia experiencia en la generación de innovación; y se caracteriza el territorio por la obtención de las variables del Sistema Nacional de Innovación al 2017. Se utilizaron fuentes secundarias, con el objetivo de brindar un soporte teórico a la temática, dentro de esas fuentes, también se revisaron todos los informes desarrollados en pymes industriales de sectores no tecnológicos, para identificar sus principales características y actividades desplegadas frente a la relación diseño e innovación. Finalmente se obtuvo como principal conclusión que el diseño desempeña el rol de facilitador de innovación radical, cuando existe en la gerencia una cultura hacia el uso del diseño en el nivel estratégico; lo que conlleva también a que los diseñadores posean un enfoque sistémico como una de sus capacidades básicas, abordando no solo el desempeño individual de las partes, sino también sus interacciones, donde confluyen tres componentes: i. El Sistema nacional de innovación (SNI), puesto que este ejercerá muchas condicionantes al desarrollo de la innovación en un territorio en particular; ii. El sistema de gestión de innovación propio de la empresa (SGI), de vital importancia para la fluidez de la innovación y iii. El accionar del diseño como actor focal en esta red de interacciones. / [CA] La innovació ha sigut considerada com un Objectiu de Desenrotllament Sostenible (ODS) , promoguts per les Nacions Unides, la innovació s'ha convertit en el motor més important de transformació i creixement de les companyies amb un alt impacte en la societat (Unides, 2017) . Pel que, el futur econòmic i social d'un país, dependrà de la seua capacitat per a aprofitar les creixents oportunitats que la tecnologia i la innovació oferixen per a augmentar la productivitat de les economies. En el cas d'Equador, l'índex mundial d'innovació GII-2017, ho ubica en la posició 92 de 127, i respecte a la seua regió, està en la posició 14 de 18, escassament a quatre posicions de ser l'últim. Dau este context, hi ha un creixent interés a establir com s'innova en les pimes, dau el seu alt nivell de contribució en les economies en desenrotllament, on activitats d'innovació diferents de la I+D complixen un paper més destacat en els processos d'innovació, entre eixes activitats s'inscriu el disseny. La relació entre disseny i innovació ha sigut explorada en contextos fora de les nacions llatinoamericanes (LAT) , donat l'àmbit geogràfic dels estudis existents, desenrotllats en països europeus. Per això, la finalitat d'esta tesi va ser estudiar la relació disseny i innovació, centrada en la generació d'innovació radical en pimes industrials, sent este un camp científic poc explorat i amb escassa bibliografia específica. L'enfocament metodològic va ser de tipus explorador i descriptiu, amb mètodes quantitatius i qualitatius, en els quals s'usen dades primàries i secundaris, sent les dades primàries recol·lectats, a través d'una entrevista en profunditat a 66 pimes industrials del sector alimentari de la ciutat de Cacau, sobre el rol del disseny en la innovació radical; a 15 experts provinents de 6 països, vinculats com a docents i investigadors en distintes universitats, consultors de disseny, i representants d'organitzacions amb una àmplia experiència en la generació d'innovació; i es caracteritza el territori per l'obtenció de les variables del Sistema Nacional d'Innovació al 2017. Es van utilitzar fonts secundàries, amb l'objectiu de brindar un suport teòric a la temàtica, dins d'eixes fonts, també es van revisar tots els informes desenrotllats en pimes industrials de sectors no tecnològics, per a identificar els seus principals característiques i activitats desplegades enfront de la relació disseny i innovació. Finalment es va obtindre com principal conclusió que el disseny exercix el rol de facilitador d'innovació radical, quan existix en la gerència una cultura cap a l'ús del disseny en el nivell estratègic; la qual cosa comporta també que els dissenyadors posseïsquen un enfocament sistèmic com una de les seues capacitats bàsiques, abordant no sols l'exercici individual de les parts, sinó també les seues interaccions, on confluïxen tres components: i. El Sistema nacional d'innovació (SNI) , ja que este exercirà moltes condicionants al desenrotllament de la innovació en un territori en particular; ii. El sistema de gestió d'innovació propi de l'empresa (SGI) , de vital importància per a la fluïdesa de la innovació i iii. L'accionar del disseny com a actor focal en esta xarxa d'interaccions. / [EN] Innovation has been considered as a Sustainable Development Goal (SDO), promoted by the United Nations, innovation has become the most important engine of transformation and growth of companies with a high impact on society (United, 2017) . Therefore, the economic and social future of a country will depend on its ability to take advantage of the growing opportunities that technology and innovation offer to increase the productivity of economies. In the case of Ecuador, the global innovation index GII-2017, places it in position 92 of 127, and with respect to its region, it is in position 14 of 18, scarcely to four positions of being the last. Given this context, there is a growing interest in establishing how to innovate in SMEs, given their high level of contribution in emerging economies, where innovation activities other than R & D play a more prominent role in innovation processes, among those activities the design is inscribed. The relationship between design and innovation has been explored in contexts outside Latin American nations (LAT), given the geographic scope of existing studies, developed in European countries. Therefore, the purpose of this thesis was to study the relationship design and innovation, focused on the generation of radical innovation in industrial SMEs, this being a scientific field little explored and with limited specific bibliography. The methodological approach was of exploratory and descriptive type, with quantitative and qualitative methods, in which primary and secondary data are used, with the primary data collected, through an in-depth interview with 66 industrial SMEs of the food sector of the city of Guayaquil, on the possible uses of design as a facilitator or driver of radical innovation; 15 experts from 6 countries, linked as lecturers and researchers in different universities, design consultants, and representatives of organizations with extensive experience in generating innovation; and the territory is characterized by obtaining the variables of the National Innovation System in 2017. Secondary sources were used, with the aim of providing a theoretical support to the subject, within those sources, all the reports developed in SMEs were also reviewed. industrial sectors of non-technology, to identify their main characteristics and activities deployed against the relationship design and innovation. Finally, we obtained as a main conclusion that design plays the role of facilitator of radical innovation, when there is a culture in the management towards the use of design at the strategic level; What also entails designers have a systemic approach as one of their basic capabilities, addressing not only the individual performance of the parties, but also their interactions, where three components converge: i. The National Innovation System (SNI), since this function is conditioned on the development of innovation in a particular territory; ii. The management system of the company's own innovation (SGI), the vital importance for the fluidity of innovation and iii. The action of design as a focal actor in this network of interactions. / Matovelle Villamar, RG. (2019). Estudio de la relación Diseño e Innovación. Una propuesta de incorporación en las pymes industriales de Guayaquil (Ecuador) [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/133976

La Sociedad de la Información y el Conocimiento se manifiesta como un escenario global conformado por factores de influencia, como lo son; la política global y local, la economía, el desarrollo tecnológico y la innovación organizacional. De ésta forma, el estudio de las nuevas condiciones del orden socioeconómico, evidencian variables estratégicas de organización y competencia empresarial, que incrementan las oportunidades de innovación y fortalecimiento económico de regiones, países y localidades. El escenario descrito, sitúa a la Gestión y Planificación Estratégica de Diseño, como un factor de innovación y productividad, a través del diagnóstico de los sistemas de actividades empresariales y los entornos competitivos, con la finalidad de identificar las variables que generan nuevas oportunidades, y desarrollar nuevos planteamientos estratégicos basados en la información y la capitalización del conocimiento para el fomento de la cooperación empresarial e institucional. / Ahumada Inostroza, LE. (2005). Gestión de Diseño y Planificación Estratégica del Conocimiento en los Clústeres Empresariales [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/1889

La tesi es desenvolupa al voltant de dos aspectes básics: el Ténic i el Creatiu. Aquesta tesi doctoral és un recorregut teòric pels punts i conceptes en què es basa la meua obra artística... l'empremta, el buit, l'ombra, la presència/absència, la fragmentació, són punts a partir dels quals podríem analitzar-la per a endinsar-nos més en ella fins a arribar als aspectes essencials d'aquesta obra. El gravat és plantejat com un procés obert, com a forma de treball creatiu relacionat amb un principi general de transferència d'una imatge d'un suport a un altre, l'art de conformar imatges per mitjà d'empremtes, incisions o relleus. 1 els gravadors estan considerats cori una totolitat, tintes,paper, plantilles. El calor, la textura ¡ les impressions són part de l'íntima transacció entre 'artista ¡ els seus materials. Sota la tècnica de la Col.lagrafia i amb la utilització de diferents materials desenvolupament una poètica plàstica i visual que basada en el concepte Niu (niu) com a element constructiu de la meua obra, es disgrega fins a convertir-se en la seua. pròpia essència. Aquesta plasticitat recorre una línia evolutiva, partint de la seua imatge real i figurativa fins a la seua disgregació més bàsica convertint-se en una imatge abstracta, esta evolució també va acompanyada de la seua corresponent utilització respecte al material de suport de la imatge que en un principi va ser el paper i després desemboque en tela. La finalització de la tesi no significa, la finalització de la investigació, només el final d'una etapa (espere) d'aquest procés d'investigació creatiu personal. / Planells Martínez, MJ. (2008). El gofratge i la petjada en la col.lagrafia [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/2008

El eje central de esta tesis gira en torno al estudio del espacio perspectivo en la pintura primitiva italiana. Todos los argumentos y conclusiones extraídos proceden de una misma reflexión, la de descifrar el proceso utilizado por pintores como Giotto o Duccio al intentar resolver la sensación de profundidad en sus obras. En base a estos términos partimos desde la hipótesis de que los procesos de construcción espacial, ya sean geométricos o mentales, mantienen unas pautas similares, pudiendo simplificarlos e identificarlos como una serie de esquemas seudo-perspectivos. El principal objetivo de nuestro estudio será el de lograr traducir y simplificar dichos modelos espacio-perspectivos, con la finalidad de conseguir un conjunto de esquemas perspectivos válidos para la creación artística. Para ello hemos analizado un número de obras representativo de este período. El resultado de los análisis y su clasificación nos ha ayudado a entender el espacio perspectivo del Trecento y del Quattrocento italiano. Además, el proceso seguido para extraer dichos esquemas, impregnados del indudable valor plástico de las obras estudiadas, nos ha servido como herramienta en el intento de explorar nuevos caminos en la representación perspectiva. En base a esta idea hemos intentado conseguir modelos espaciales útiles para la creación artística sustentados en los resultados conseguidos. Con este propósito hemos ejemplificado cada modelo perspectivo mediante geometrías sencillas, capaces de mostrar el resultado obtenido y su posible extrapolación al campo artístico. / Conesa Tejada, S. (2011). PERSPECTIVA NATURALIS Y PERSPECTIVA ARTIFICIALIS, EL ESPACIO PERSPECTIVO EN LA PINTURA PRIMITIVA ITALIANA. PROPUESTAS PARA LA CREACIÓN ARTÍSTICA [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/11002

La presente disertación incide sobre las prácticas pedagógicas del dibujo en el contexto de la educación artística y pretende comprender las condiciones que hoy las caracterizan. El trabajo intenta fijar estas condiciones en el ámbito de una problemática que no es solamente la de la enseñanza del dibujo, sino también, y sobre todo, la de su aprendizaje. Comprender el dibujo como dispositivo pedagógico y, en particular, la importancia de los ejercicios en el aprendizaje del dibujo, exige pensar el dibujo en la convergencia de diferentes circunstancias que concurren - simultáneamente - para tornarlo una experiencia contemporánea. Concebidos para fundar una pedagogía, los ejercicios de dibujo se revelan entonces determinantes para configurar un proceso cuya naturaleza es, sobre todo, práctica. Son estos ejercicios los que definen el espectro de lo que deberá ser trabajado en el contexto pedagógico, y lo que, hasta cierto punto, permitirá obtener una visión global y controlada sobre la estrategia de enseñanza que se derive de ahí - así como la fidelidad de las prácticas pedagógicas en función de los contenidos planeados. La enseñanza del dibujo apenas consta de contenidos identificados como relevantes para la formación del alumno. Esos contenidos, que cumplen designios al servicio de objetivos bien delimitados y que dependen de estrategias pedagógicas, apelan al mismo tiempo a mecanismos de instrucción y de experimentación, que tienen lugar en un medio pedagógico concreto. A pesar de ser aparentemente marginales y menores, tanto la naturaleza de estos dispositivos (los ejercicios de dibujo) como las especificidades que configuran el medio pedagógico (el aula) son indispensables para una práctica exitosa de aprendizaje del dibujo artístico contemporáneo. / Rodrigues Esteves, PJ. (2011). El dibujo como dispositivo pedagógico. Fundamentos del dibujo en la enseñanza contemporánea de las artes plásticas [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/15176

[EN] Study of the backgrounds and scenarios of the commercial animation cinema made in the United States in the 1980-2005 period. The 80 full-lenght feature films we understand as more representative of the industrial production of the period have been critically reviewed, bearing in mind, at all times, the context in which they were created: the commercial policy of the cinematographic studios and, most specially, the technological evolution along those 25 years, in which we witness the shift from traditional to digital animation, with all its intermediate hybrid forms. A synopsis of the United States pictorical styles evolution is also done, as possible references for the background painters. To develop the central aim of this study the pictorial treatment of the different elements that compose the backgrounds are systematically analyzed. This elements can be natural (clouds, rocks, vegetation, etc.), human constructions (castles, ancient and modern cities, interiors and objects) and fantastic and futuristic environments. Likewise the use of light and chromatism in backgrounds is studied as a dramatic resource in the different situations of the cinematographic narrative. Finally, on the basis of a synthesis of the perceptive phenomenon in the visual arts, the modalities of perspective (mostly conical perspective drawing, exceptions and alterations) used in the making of the backgrounds are analyzed, as well as the use, expressive possibilities and contribution of each one to the visual development and story dramatization. / [ES] Estudio de los fondos y escenarios del cine de animación comercial estadounidense en el periodo 1980-2005. Se han revisado críticamente los 80 largometrajes que entendemos como más representativos de la producción industrial del periodo, teniendo presente, en todo momento, el marco en que se crearon: la política comercial de los estudios cinematográficos y, muy especialmente, la evolución tecnológica a lo largo de esos 25 años, en los que se asiste al cambio de la animación tradicional a la digital, con todas sus formas híbridas intermedias. También se realiza una sinopsis de la evolución de los estilos pictóricos en los Estados Unidos, como posibles referencias para los pintores de fondos. Para desarrollar el objetivo central del trabajo se analiza de forma sistemática el tratamiento pictórico de los distintos elementos que componen los fondos. Estos elementos pueden ser naturales (nubes, rocas, vegetación, etc.), construcciones humanas (castillos, ciudades antiguas y modernas, interiores y objetos) y ambientes fantásticos y futuristas. Así mismo se estudia el uso de la luz y el cromatismo en los fondos como recurso dramático en las diferentes situaciones del relato cinematográfico. Por último, sobre la base de una síntesis del fenómeno perceptivo en las artes visuales, se analizan las modalidades de perspectiva (mayoritariamente el dibujo de perspectiva cónica, sus excepciones y alteraciones) utilizadas en la elaboración de los fondos y el uso, posibilidades expresivas y contribución de cada una de ellas al desarrollo visual y a la dramatización de la historia. / [CA] Estudi dels fons i escenaris del cinema d'animació comercial nord-americana en el període 1980-2005. S'han revisat críticament els 80 llargmetratges que entenem com més representatius de la producció industrial del període, tenint present, en tot moment, el marc en què es van crear: la política comercial dels estudis cinematogràfics i, molt especialment, l'evolució tecnològica al llarg d'eixos 25 anys, en els quals es que s'assistix al canvi de l'animació tradicional a la digital, amb totes les seues formes híbrides intermèdies. També es realitza una sinopsi de l'evolució dels estils pictòrics als Estats Units, com a possibles referències per als pintors de fons. Per a desenvolupar l'objectiu central del treball s'analitza de forma sistemàtica el tractament pictòric dels diferents elements que componen els fons. Aquests elements poden ser naturals (núvols, roques, vegetació, etc.), construccions humanes (castells, ciutats antigues i modernes, interiors i objectes) i ambients fantàstics i futuristes. Així mateix s'estudia l'ús de la llum i el cromatisme en els fons com a recurs dramàtic en les diferents situacions del relat cinematogràfic. Finalment, sobre la base d'una síntesi del fenomen perceptiu en les arts visuals, s'analitzen les modalitats de perspectiva (majoritàriament el dibuix de perspectiva cònica, les seues excepcions i alteracions) utilitzades en l'elaboració dels fons i l'ús, possibilitats expressives i contribució de cadascuna d'elles al desenvolupament visual i a la dramatització de la història. / Pardo Cervera, U. (2015). La perspectiva en animación: Análisis de los fondos en largometrajes de animación producidos en California entre 1980 y 2005 [Tesis doctoral]. Editorial Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/53350

[EN] The flight of the flying human figure must be situated, because of its abundance and dynamic particularities, in the art of the Modern Age, especially in the Italian art. In a context in which modern physics are calling into question the validity of the previous Aristotelian theories, and flying machines (which have a fantastic aspect in the literature) are invented, visual art develops a flight free from all the earthly obstacles that prevent the man from elevating. In this work we have inquired about the configuration of the flying human figure in the visual depiction (mainly Italian) from the XV century until the first half of the XVIII century, about the process of creation that allows to picture this movement which does not exist in external reality, about the visual resources involved in its expression, and about how the expression of flight evolves along this period. The flight of the aerial figures is an invention, in real life there is no actual reference of this kind of movement. In spite of its connection to flight, floatation, and weightlessness, it is not fully identifiable with neither of these dynamic phenomena. The mobile possibilities that flying figures exhibit support the idea that this kind of movement is detached from the everyday action of human beings: total freedom of trajectories which contradicts physical reality, elasticity and flexibility, constant movement, and changes in the nature and substance; moreover, it is a movement that appears to occur in a specific space-time. Its dynamism is attractive because of its visual character and also because of the ideas it conveys, which reveal a connection with the ideas in angelology and classic mythology. In the expression of flight within each artistic style, the taste and interests of the time are manifested. During the Quattrocento the change takes place, and the most significant features that are developed later appear in that moment. The presence of flying figures becomes progressively more abundant, mainly with the depictions of putti and cherubim. Also, from the XVI century onwards, the symbolism of flight as an approach to the spiritual world and physical emancipation becomes settled. In the final stage of this period, during the Rococo, flight becomes less abundant, and the visual complexity it had reached in previous stages is simplified and becomes subtler. The creative process to represent flight is based on intuition as a generator of internal and sensory experiences, visual memory and invention; from all these we find, under different terminologies, evidence in the texts of the Modern Age. Moreover, the use of visual information from different real actions (both in moving and static objects) and its transformation reveals itself in numerous pieces, especially in sketches. The dynamic resources of the artistic language are used to transmit the mobile characteristic of flying figures, mainly by stressing its dynamism, and prolonging the art work observation time. In ceiling pictures, these resources concentrate in the expressive use of the space of representation, and, frequently, in generating the sensation that the flying figures are part of the material reality of the spectator, merging the real and the fantasy world through both the symbolism and the material elements involved. The floating figure of the human figure cannot be dissociated from the Italian cultural context in the Modern Age, and to a great extent our knowledge of flight is defined by the art works coming from this period. / [ES] El vuelo de la figura humana se localiza, por sus particularidades dinámicas y abundancia, en el arte de la Edad Moderna, especialmente en el arte italiano. En un contexto en el que la Física cuestiona las teorías aristotélicas y se inventan máquinas voladoras (que tienen una faceta fantástica en la literatura), el arte plástico desarrolla un vuelo libre de todos los obstáculos terrenales que impiden al hombre elevarse. En este trabajo nos preguntamos cómo ha sido configurado el vuelo de la figura humana en la plástica (principalmente la italiana) desde el siglo XV hasta la mitad del siglo XVIII, cuál es el proceso de creación que permite dar imagen a este movimiento que no existe en la realidad externa, qué recursos plásticos participan en su expresión y cómo evoluciona la expresión del vuelo a lo largo de este periodo. El vuelo de la figura humana es una invención, en la vida material no existe un referente real de este movimiento. A pesar de su conexión con el vuelo, la flotación y la ingravidez, no es identificable plenamente con ninguno de estos fenómenos dinámicos. Las posibilidades móviles que exhiben las figuras voladoras apoyan la idea de que su movimiento está alejado de las acciones cotidianas del ser humano: libertad total de trayectorias que contradice la realidad física, elasticidad y flexibilidad, movimiento constante y cambios en la naturaleza de su sustancia; además, se trata de un movimiento que parece transcurrir en un espacio-tiempo también específico. Su dinamismo es atractivo por su visualidad y también por las ideas que transmite, las cuales manifiestan una conexión con ideas de la angelología y de la mitología clásica. En la expresión del vuelo de cada estilo artístico se manifiestan los gustos e intereses del momento. En el Quattrocento tiene lugar el momento de cambio y surgen las características más significativas, que posteriormente se desarrollan. La presencia de figuras voladoras es progresivamente más abundante, sobre todo las representaciones de putti y querubines. Asimismo, desde el siglo XVI se consolida el simbolismo del vuelo como acercamiento al mundo espiritual y a la liberación física. En la fase final de este periodo, durante el Rococó, el vuelo es menos abundante, y la complejidad visual que había alcanzado se simplifica y serena. El proceso creativo para representar el vuelo se basa en la intuición como generadora de experiencias internas y sensoriales, la memoria visual y la invención; de todo ello encontramos, bajo otros términos, evidencias en los textos de la Edad Moderna. Además, el uso de información visual a partir de diversas acciones reales (tanto con modelos en movimiento como estáticos) y su transformación se trasluce en numerosas obras, especialmente en dibujos preparatorios. Los recursos dinámicos del lenguaje plástico se orientan a transmitir las características móviles de las figuras voladoras, principalmente acentuando su dinamismo y prolongando el tiempo de observación de la obra. En las pinturas cenitales, estos recursos se centran en el uso expresivo del espacio de representación, y con frecuencia, en generar la sensación de que las figuras voladoras forman parte de la realidad material del espectador, fusionando el mundo real y el de la fantasía, tanto a través del simbolismo como de la materia. El movimiento flotante de la figura humana no puede desligarse del contexto cultural italiano de la Edad Moderna, y en gran medida nuestro conocimiento del vuelo está definido por las representaciones de esta época. / [CA] El vol de la figura humana es localitza, per les seues particularitats dinàmiques i abundància, en l'art de l'Edat Moderna, especialment en l'art italià. En un context en el qual la Física qüestiona les teories aristotèliques i s'inventen màquines voladores (que tenen una faceta fantàstica en la literatura), l'art plàstic desenvolupa un vol lliure de tots els obstacles terrenals que impedeixen a l'home elevar-se. En aquest treball ens preguntem com ha sigut configurat el vol de la figura humana en la plàstica (principalment la italiana) des del segle XV fins a la meitat del segle XVIII, quin és el procés de creació que permet donar imatge a aquest moviment que no existeix en la realitat externa, quins recursos plàstics participen en la seua expressió i com evoluciona l'expressió del vol al llarg d'aquest període. El vol de la figura humana és una invenció, en la vida material no existeix un referent real d'aquest moviment. Malgrat la seua connexió amb el vol, la flotació i la ingravitació, no és identificable plenament amb cap d'aquests fenòmens dinàmics. Les possibilitats mòbils que exhibeixen les figures voladores recolzen la idea que el seu moviment està allunyat de les accions quotidianes de l'ésser humà: llibertat total de trajectòries que contradiu la realitat física, elasticitat i flexibilitat, moviment constant i canvis en la naturalesa de la seua substància; a més, es tracta d'un moviment que sembla transcórrer en un espai-temps també específic. El seu dinamisme és atractiu per la seua visualitat i també per les idees que transmet, les quals manifesten una connexió amb idees de la angelologia i de la mitologia clàssica. En l'expressió del vol de cada estil artístic es manifesten els gustos i interessos del moment. En el Quattrocento té lloc el moment de canvi i sorgeixen les característiques més significatives, que posteriorment es desenvolupen. La presència de figures voladores és progressivament més abundant, sobretot les representacions de putti i querubins. Així mateix, des del segle XVI es consolida el simbolisme del vol com a acostament al món espiritual i a l'alliberament físic. En la fase final d'aquest període, durant el Rococó, el vol és menys abundant, i la complexitat visual que havia aconseguit se simplifica i serena. El procés creatiu per a representar el vol es basa en la intuïció com a generadora d'experiències internes i sensorials, la memòria visual i la invenció; de tot açò trobem, sota altres termes, evidències en els textos de l'Edat Moderna. A més, l'ús d'informació visual a partir de diverses accions reals (tant amb models en moviment com a estàtics) i la seua transformació es reconeix en nombroses obres, especialment en dibuixos preparatoris. Els recursos dinàmics del llenguatge plàstic s'orienten a transmetre les característiques mòbils de les figures voladores, principalment accentuant el seu dinamisme i perllongant el temps d'observació de l'obra. En les pintures zenitals, aquests recursos se centren en l'ús expressiu de l'espai de representació, i amb freqüència, a generar la sensació de que les figures voladores formen part de la realitat material de l'espectador, fusionant el món real i el de la fantasia, tant a través del simbolisme com de la matèria. El moviment flotant de la figura humana no pot deslligar-se del context cultural italià de l'Edat Moderna, i en gran manera el nostre coneixement del vol està definit per les representacions d'aquesta època. / Peris Medina, MC. (2016). La figura humana voladora en la Edad Moderna. Expresión de su movimiento en la plástica italiana [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/60153