André Soares (Braga, 1720-1769) foi um criador de obras de arquitetura, talha, ferro, desenho e cartografia. A sua grande capacidade financeira permitiu-lhe não precisar de trabalhar. Como era corrente na época, as suas obras dividem-se por duas correntes artísticas: o rococó e o tardobarroco. O rococó chegou a Braga pela mão do arcebispo D. José de Bragança (1741-1756). André Soares beneficiou do seu apoio ao ser escolhido para desenhar o novo Paço Arquiepiscopal, em que oscilou entre o gosto joanino e os novos valores do rococó. Rapidamente, porém, mudou para o novo estilo, de que são exemplos a nova fachada da Capela de Santa Maria Madalena da Falperra e o Palácio do Raio. Mas também fez muito rapidamente uma nova inflexão decisiva: as obras de arquitectura passaram a ter um desenho que se revê num tardobarroco desornamentado e as de talha mantiveram-se num rococó vibrante, ideias que manteve até ao final da sua vida. A sua obra está espalhada um pouco por todo o Norte de Portugal: Braga, Viana do Castelo, Ponte de Lima, Arcos de Valdevez, Vila Verde, Esposende, Guimarães e Vila Nova de Gaia (esta perdida).

Orientador: Percival Tirapeli / Banca: Ana Kalasa El Banat / Banca: Clice de Toledo Sanjar Mazzilli / Resumo: Objetiva-se com esta pesquisa resgatar a história de Santos através do conjunto arquitetônico Carmelita, que guarda obras de Padre Jesuíno Monte Carmelo, Benedito Calixto, retábulo-mor com elementos ornamentais do estilo nacional português, azulejos marianos originais e imaginárias do século XVII e XVIII. A abordagem da pesquisa procura resgatar a visualidade, a técnica, e os acontecimentos históricos que envolveram os padres carmelitas junto com a formação da vila de Santos em 1540. A igreja da ordem terceira foi erguida 150 anos depois da igreja da ordem primeira do Carmo, no entanto, as duas foram unidas por uma torre, criando uma fachada incomum no barroco brasileiro. Na presente pesquisa o arcervo de ambas foi catalogado e analisado seguido as orientações do IPHAN- Instituto do Patrimônio Histórico Artístico Nacional. Ainda estão incluídas nesta abordagem a comparação dos templos carmelitas de Itu, Mogi das Cruzes e Santos, ampliando a compreensão do universo símbolico e dos sentimentos que permeavam a população que vivia no período de arte barroco/rococó. A alegoria e a metáfora permeiam as comprarações das três igrejas, significativamente, portas, janelas, dragões, arcos e volutas ganham força e sentimentos. A comunicação não precisa de palavras, é o querer ver, algo que se materialize do subjetivo para o objetivo. O espaço é imagem e entra em comunicação com seu espectador. Toda a documentação da pesquisa está envolvida com o fato histórico e a documentação fotográfica visa o entendimento da obra religiosa com a análise de sua técnica e composição estética. Deste modo, está dissertação oferece aos interessados uma reflexão da história dos carmelitas e sua contribuição artística para os templos religiosos de estilo barroco/rococó. / Abstract: The objective of this research is to rescue the imaginary of Santos City, which preserves work of art of Priest Jesuíno from Carmel Mount, Benedito Calixto, altarpieces, ornamental tiles of centuries XVII and XVIII. The approaching of the research seeks to rescue the visibility, technique and the events that had involved the Carmel priests together with the foundation of Santos village in 1540. The Church of the third order was raised 150 years after the church of the first order of Carmo, however, the two had been joined by a tower, creating an uncommom front ion the Baroque Brazilian style. In the present paper the quantify of both was catalogued and analyzed following the orientations of the IPHAN Instituto do Patrimônio Histórico Artístico Nacional (Brazilian Historical Institute). There are still enclosed in this research a comparison between the Carmelite temples of Itu, Mogi das Cruzes and Santos, extending the understanding of the symbolic universe and the Feelings that permeat the population that lived in the period of baroque / recoco arts. The representation and metaphor permeat the comparisons beteen the three churches, significantly, dors, windows, dragons, arcs and scrolls gain force and feelings. The communication does not need words, is the fondness to see, something that materializes of the subjetive onto the objective. The space is image and enters in communication with the observer. All the documentation of the research is involved with the historical fact and the photographic documentation aims the understanding of the religious masterpiece with the analysis of its technique and aesthetic composition. In this way this paper offers a reflection to the interested parts a reflection of the in Carmelite history and their artistic constribution for the religious temples of the Barroque art/rococó style. / Mestre

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:30Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007-05-25Bitstream added on 2014-06-13T19:27:56Z : No. of bitstreams: 1 marques_eg_me_ia.pdf: 1186471 bytes, checksum: 89aa75e6cf37fc39bfec90c42aba06ba (MD5) / Objetiva-se com esta pesquisa resgatar a história de Santos através do conjunto arquitetônico Carmelita, que guarda obras de Padre Jesuíno Monte Carmelo, Benedito Calixto, retábulo-mor com elementos ornamentais do estilo nacional português, azulejos marianos originais e imaginárias do século XVII e XVIII. A abordagem da pesquisa procura resgatar a visualidade, a técnica, e os acontecimentos históricos que envolveram os padres carmelitas junto com a formação da vila de Santos em 1540. A igreja da ordem terceira foi erguida 150 anos depois da igreja da ordem primeira do Carmo, no entanto, as duas foram unidas por uma torre, criando uma fachada incomum no barroco brasileiro. Na presente pesquisa o arcervo de ambas foi catalogado e analisado seguido as orientações do IPHAN- Instituto do Patrimônio Histórico Artístico Nacional. Ainda estão incluídas nesta abordagem a comparação dos templos carmelitas de Itu, Mogi das Cruzes e Santos, ampliando a compreensão do universo símbolico e dos sentimentos que permeavam a população que vivia no período de arte barroco/rococó. A alegoria e a metáfora permeiam as comprarações das três igrejas, significativamente, portas, janelas, dragões, arcos e volutas ganham força e sentimentos. A comunicação não precisa de palavras, é o querer ver, algo que se materialize do subjetivo para o objetivo. O espaço é imagem e entra em comunicação com seu espectador. Toda a documentação da pesquisa está envolvida com o fato histórico e a documentação fotográfica visa o entendimento da obra religiosa com a análise de sua técnica e composição estética. Deste modo, está dissertação oferece aos interessados uma reflexão da história dos carmelitas e sua contribuição artística para os templos religiosos de estilo barroco/rococó. / The objective of this research is to rescue the imaginary of Santos City, which preserves work of art of Priest Jesuíno from Carmel Mount, Benedito Calixto, altarpieces, ornamental tiles of centuries XVII and XVIII. The approaching of the research seeks to rescue the visibility, technique and the events that had involved the Carmel priests together with the foundation of Santos village in 1540. The Church of the third order was raised 150 years after the church of the first order of Carmo, however, the two had been joined by a tower, creating an uncommom front ion the Baroque Brazilian style. In the present paper the quantify of both was catalogued and analyzed following the orientations of the IPHAN Instituto do Patrimônio Histórico Artístico Nacional (Brazilian Historical Institute). There are still enclosed in this research a comparison between the Carmelite temples of Itu, Mogi das Cruzes and Santos, extending the understanding of the symbolic universe and the Feelings that permeat the population that lived in the period of baroque / recoco arts. The representation and metaphor permeat the comparisons beteen the three churches, significantly, dors, windows, dragons, arcs and scrolls gain force and feelings. The communication does not need words, is the fondness to see, something that materializes of the subjetive onto the objective. The space is image and enters in communication with the observer. All the documentation of the research is involved with the historical fact and the photographic documentation aims the understanding of the religious masterpiece with the analysis of its technique and aesthetic composition. In this way this paper offers a reflection to the interested parts a reflection of the in Carmelite history and their artistic constribution for the religious temples of the Barroque art/rococó style.

Na Antiguidade Clássica oferendas efêmeras constituídas por guirlandas e festões de flores e frutos foram depositadas em frisos nas antigas construções dando origem aos relevos e esculturas ornamentais que, executados em pedra, foram aplicados sobre os frontispícios dos templos. Esse rico repertório ornamental foi reeditado na Renascença e, na Contra-Reforma, se tornaria representativo de uma estética oficializada pelo Concílio de Trento, dirigida à constituição da igreja enquanto expressão terrena da casa de Deus. No universo laico, a estética estaria subordinada ao poder real, configurando no espaço cortesão uma arte palaciana. No mundo ibérico esses motivos ornamentais seriam transpostos para a madeira, passando a recobrir as superfícies internas dos templos religiosos, também chamados de igrejas cintilantes de ouro, repertório este que chegou ao Brasil pelas mãos de mestres entalhadores, religiosos ou leigos provenientes do Reino. Nos templos construídos em São Paulo, entre os séculos XVII e XVIII, encontram-se exemplares de talha representativa das ocorrências estilísticas que se sucederiam no mesmo período na Europa, assumindo em alguns casos, particularidades regionais. O presente estudo parte dos tratados renascentistas, buscando identificar entre os conjuntos remanescentes do período colonial paulista, alguns dos elementos que teriam contribuído para a formação do repertório ornamental tridentino e palaciano que ocorreram primeiramente nos grandes centros europeus, geradores e difusores de estética, chegando a Portugal, e sendo editados na antiga Província de São Paulo de Piratininga, envolvendo aspectos que em muito ultrapassariam a materialidade dos suportes físicos. / In Classical Antiquity, ephemeral offers of wreaths and embroideries made of flowers and fruits were placed in the friezes of the ancient constructions, thus originating the ornamental engravings and sculptures that, worked in stone, were applied to the frontispiece of temples. This rich ornamental repertoire was reedited in the Renaissance and, in the Counter-Reformation, would become representative of a type of aesthetics made official by the Council of Trent with the intent of constituting the church as the earthly expression of the house of God. In the universe of laity, this aesthetic principle would be under royal power, configuring a palatial art in the court space. In the Iberian world, these ornamental motifs would be transferred to woodwork and cover the inner surfaces of the religious temples, which were also called shinny churches of gold. This repertoire arrived in Brazil through the hands of carving masters, both clergy and laymen coming from the Kingdom. In the temples built in São Paulo, between the seventeenth and the eighteenth centuries, we can find examples of this type of carving that represent the stylistic manifestation which occurred in Europe in the same period, but in some cases presenting regional particularities. This study begins with the Renaissance treaties, seeking to identify among the remaining sets of the colonial period in São Paulo some of the elements that would have contributed to the formation of the palatial and Tridentine ornamental repertoires that occurred firstly in the great European centers, which generated and spread aesthetic trends. These trends would reach Portugal and later the old Province of São Paulo de Piratininga in Brazil, where they found a new expression, involving aspects that greatly surpassed the simple materiality of physical supports.

Na Antiguidade Clássica oferendas efêmeras constituídas por guirlandas e festões de flores e frutos foram depositadas em frisos nas antigas construções dando origem aos relevos e esculturas ornamentais que, executados em pedra, foram aplicados sobre os frontispícios dos templos. Esse rico repertório ornamental foi reeditado na Renascença e, na Contra-Reforma, se tornaria representativo de uma estética oficializada pelo Concílio de Trento, dirigida à constituição da igreja enquanto expressão terrena da casa de Deus. No universo laico, a estética estaria subordinada ao poder real, configurando no espaço cortesão uma arte palaciana. No mundo ibérico esses motivos ornamentais seriam transpostos para a madeira, passando a recobrir as superfícies internas dos templos religiosos, também chamados de igrejas cintilantes de ouro, repertório este que chegou ao Brasil pelas mãos de mestres entalhadores, religiosos ou leigos provenientes do Reino. Nos templos construídos em São Paulo, entre os séculos XVII e XVIII, encontram-se exemplares de talha representativa das ocorrências estilísticas que se sucederiam no mesmo período na Europa, assumindo em alguns casos, particularidades regionais. O presente estudo parte dos tratados renascentistas, buscando identificar entre os conjuntos remanescentes do período colonial paulista, alguns dos elementos que teriam contribuído para a formação do repertório ornamental tridentino e palaciano que ocorreram primeiramente nos grandes centros europeus, geradores e difusores de estética, chegando a Portugal, e sendo editados na antiga Província de São Paulo de Piratininga, envolvendo aspectos que em muito ultrapassariam a materialidade dos suportes físicos. / In Classical Antiquity, ephemeral offers of wreaths and embroideries made of flowers and fruits were placed in the friezes of the ancient constructions, thus originating the ornamental engravings and sculptures that, worked in stone, were applied to the frontispiece of temples. This rich ornamental repertoire was reedited in the Renaissance and, in the Counter-Reformation, would become representative of a type of aesthetics made official by the Council of Trent with the intent of constituting the church as the earthly expression of the house of God. In the universe of laity, this aesthetic principle would be under royal power, configuring a palatial art in the court space. In the Iberian world, these ornamental motifs would be transferred to woodwork and cover the inner surfaces of the religious temples, which were also called shinny churches of gold. This repertoire arrived in Brazil through the hands of carving masters, both clergy and laymen coming from the Kingdom. In the temples built in São Paulo, between the seventeenth and the eighteenth centuries, we can find examples of this type of carving that represent the stylistic manifestation which occurred in Europe in the same period, but in some cases presenting regional particularities. This study begins with the Renaissance treaties, seeking to identify among the remaining sets of the colonial period in São Paulo some of the elements that would have contributed to the formation of the palatial and Tridentine ornamental repertoires that occurred firstly in the great European centers, which generated and spread aesthetic trends. These trends would reach Portugal and later the old Province of São Paulo de Piratininga in Brazil, where they found a new expression, involving aspects that greatly surpassed the simple materiality of physical supports.

[EN] The flight of the flying human figure must be situated, because of its abundance and dynamic particularities, in the art of the Modern Age, especially in the Italian art. In a context in which modern physics are calling into question the validity of the previous Aristotelian theories, and flying machines (which have a fantastic aspect in the literature) are invented, visual art develops a flight free from all the earthly obstacles that prevent the man from elevating. In this work we have inquired about the configuration of the flying human figure in the visual depiction (mainly Italian) from the XV century until the first half of the XVIII century, about the process of creation that allows to picture this movement which does not exist in external reality, about the visual resources involved in its expression, and about how the expression of flight evolves along this period. The flight of the aerial figures is an invention, in real life there is no actual reference of this kind of movement. In spite of its connection to flight, floatation, and weightlessness, it is not fully identifiable with neither of these dynamic phenomena. The mobile possibilities that flying figures exhibit support the idea that this kind of movement is detached from the everyday action of human beings: total freedom of trajectories which contradicts physical reality, elasticity and flexibility, constant movement, and changes in the nature and substance; moreover, it is a movement that appears to occur in a specific space-time. Its dynamism is attractive because of its visual character and also because of the ideas it conveys, which reveal a connection with the ideas in angelology and classic mythology. In the expression of flight within each artistic style, the taste and interests of the time are manifested. During the Quattrocento the change takes place, and the most significant features that are developed later appear in that moment. The presence of flying figures becomes progressively more abundant, mainly with the depictions of putti and cherubim. Also, from the XVI century onwards, the symbolism of flight as an approach to the spiritual world and physical emancipation becomes settled. In the final stage of this period, during the Rococo, flight becomes less abundant, and the visual complexity it had reached in previous stages is simplified and becomes subtler. The creative process to represent flight is based on intuition as a generator of internal and sensory experiences, visual memory and invention; from all these we find, under different terminologies, evidence in the texts of the Modern Age. Moreover, the use of visual information from different real actions (both in moving and static objects) and its transformation reveals itself in numerous pieces, especially in sketches. The dynamic resources of the artistic language are used to transmit the mobile characteristic of flying figures, mainly by stressing its dynamism, and prolonging the art work observation time. In ceiling pictures, these resources concentrate in the expressive use of the space of representation, and, frequently, in generating the sensation that the flying figures are part of the material reality of the spectator, merging the real and the fantasy world through both the symbolism and the material elements involved. The floating figure of the human figure cannot be dissociated from the Italian cultural context in the Modern Age, and to a great extent our knowledge of flight is defined by the art works coming from this period. / [ES] El vuelo de la figura humana se localiza, por sus particularidades dinámicas y abundancia, en el arte de la Edad Moderna, especialmente en el arte italiano. En un contexto en el que la Física cuestiona las teorías aristotélicas y se inventan máquinas voladoras (que tienen una faceta fantástica en la literatura), el arte plástico desarrolla un vuelo libre de todos los obstáculos terrenales que impiden al hombre elevarse. En este trabajo nos preguntamos cómo ha sido configurado el vuelo de la figura humana en la plástica (principalmente la italiana) desde el siglo XV hasta la mitad del siglo XVIII, cuál es el proceso de creación que permite dar imagen a este movimiento que no existe en la realidad externa, qué recursos plásticos participan en su expresión y cómo evoluciona la expresión del vuelo a lo largo de este periodo. El vuelo de la figura humana es una invención, en la vida material no existe un referente real de este movimiento. A pesar de su conexión con el vuelo, la flotación y la ingravidez, no es identificable plenamente con ninguno de estos fenómenos dinámicos. Las posibilidades móviles que exhiben las figuras voladoras apoyan la idea de que su movimiento está alejado de las acciones cotidianas del ser humano: libertad total de trayectorias que contradice la realidad física, elasticidad y flexibilidad, movimiento constante y cambios en la naturaleza de su sustancia; además, se trata de un movimiento que parece transcurrir en un espacio-tiempo también específico. Su dinamismo es atractivo por su visualidad y también por las ideas que transmite, las cuales manifiestan una conexión con ideas de la angelología y de la mitología clásica. En la expresión del vuelo de cada estilo artístico se manifiestan los gustos e intereses del momento. En el Quattrocento tiene lugar el momento de cambio y surgen las características más significativas, que posteriormente se desarrollan. La presencia de figuras voladoras es progresivamente más abundante, sobre todo las representaciones de putti y querubines. Asimismo, desde el siglo XVI se consolida el simbolismo del vuelo como acercamiento al mundo espiritual y a la liberación física. En la fase final de este periodo, durante el Rococó, el vuelo es menos abundante, y la complejidad visual que había alcanzado se simplifica y serena. El proceso creativo para representar el vuelo se basa en la intuición como generadora de experiencias internas y sensoriales, la memoria visual y la invención; de todo ello encontramos, bajo otros términos, evidencias en los textos de la Edad Moderna. Además, el uso de información visual a partir de diversas acciones reales (tanto con modelos en movimiento como estáticos) y su transformación se trasluce en numerosas obras, especialmente en dibujos preparatorios. Los recursos dinámicos del lenguaje plástico se orientan a transmitir las características móviles de las figuras voladoras, principalmente acentuando su dinamismo y prolongando el tiempo de observación de la obra. En las pinturas cenitales, estos recursos se centran en el uso expresivo del espacio de representación, y con frecuencia, en generar la sensación de que las figuras voladoras forman parte de la realidad material del espectador, fusionando el mundo real y el de la fantasía, tanto a través del simbolismo como de la materia. El movimiento flotante de la figura humana no puede desligarse del contexto cultural italiano de la Edad Moderna, y en gran medida nuestro conocimiento del vuelo está definido por las representaciones de esta época. / [CAT] El vol de la figura humana es localitza, per les seues particularitats dinàmiques i abundància, en l'art de l'Edat Moderna, especialment en l'art italià. En un context en el qual la Física qüestiona les teories aristotèliques i s'inventen màquines voladores (que tenen una faceta fantàstica en la literatura), l'art plàstic desenvolupa un vol lliure de tots els obstacles terrenals que impedeixen a l'home elevar-se. En aquest treball ens preguntem com ha sigut configurat el vol de la figura humana en la plàstica (principalment la italiana) des del segle XV fins a la meitat del segle XVIII, quin és el procés de creació que permet donar imatge a aquest moviment que no existeix en la realitat externa, quins recursos plàstics participen en la seua expressió i com evoluciona l'expressió del vol al llarg d'aquest període. El vol de la figura humana és una invenció, en la vida material no existeix un referent real d'aquest moviment. Malgrat la seua connexió amb el vol, la flotació i la ingravitació, no és identificable plenament amb cap d'aquests fenòmens dinàmics. Les possibilitats mòbils que exhibeixen les figures voladores recolzen la idea que el seu moviment està allunyat de les accions quotidianes de l'ésser humà: llibertat total de trajectòries que contradiu la realitat física, elasticitat i flexibilitat, moviment constant i canvis en la naturalesa de la seua substància; a més, es tracta d'un moviment que sembla transcórrer en un espai-temps també específic. El seu dinamisme és atractiu per la seua visualitat i també per les idees que transmet, les quals manifesten una connexió amb idees de la angelologia i de la mitologia clàssica. En l'expressió del vol de cada estil artístic es manifesten els gustos i interessos del moment. En el Quattrocento té lloc el moment de canvi i sorgeixen les característiques més significatives, que posteriorment es desenvolupen. La presència de figures voladores és progressivament més abundant, sobretot les representacions de putti i querubins. Així mateix, des del segle XVI es consolida el simbolisme del vol com a acostament al món espiritual i a l'alliberament físic. En la fase final d'aquest període, durant el Rococó, el vol és menys abundant, i la complexitat visual que havia aconseguit se simplifica i serena. El procés creatiu per a representar el vol es basa en la intuïció com a generadora d'experiències internes i sensorials, la memòria visual i la invenció; de tot açò trobem, sota altres termes, evidències en els textos de l'Edat Moderna. A més, l'ús d'informació visual a partir de diverses accions reals (tant amb models en moviment com a estàtics) i la seua transformació es reconeix en nombroses obres, especialment en dibuixos preparatoris. Els recursos dinàmics del llenguatge plàstic s'orienten a transmetre les característiques mòbils de les figures voladores, principalment accentuant el seu dinamisme i perllongant el temps d'observació de l'obra. En les pintures zenitals, aquests recursos se centren en l'ús expressiu de l'espai de representació, i amb freqüència, a generar la sensació de que les figures voladores formen part de la realitat material de l'espectador, fusionant el món real i el de la fantasia, tant a través del simbolisme com de la matèria. El moviment flotant de la figura humana no pot deslligar-se del context cultural italià de l'Edat Moderna, i en gran manera el nostre coneixement del vol està definit per les representacions d'aquesta època. / Peris Medina, MC. (2016). La figura humana voladora en la Edad Moderna. Expresión de su movimiento en la plástica italiana [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/60153 / TESIS

El presente trabajo tiene el objetivo de investigar acerca de todos los aspectos estéticos de la indumentaria femenina del Rococó para abstraerlos como fuentes de inspiración para la creación de una colección de moda. La moda es cíclica y cada una de sus facetas es importante para su evolución. A lo largo de la historia se han desarrollado diferentes estilos que marcaron el mundo artístico del diseño. Debido a ello diferentes casas de moda toman como referencia la moda del pasado para revalorarla en el presente y presentar una propuesta moderna. La indumentaria Rococó es una muestra de ello, pues presenta una estética particular del siglo XVIII en Francia, la cual refleja un deseo egocentrista de poseerlo todo. Se caracteriza por un excesivo cargo de elementos ornamentales en las prendas femeninas, lo cual simbolizaba las riquezas de los aristócratas. No obstante, la mujer era el centro de atención y se buscaba resaltar una silueta estereotipada para la época. Estos fueron aspectos importantes que marcaron un antes y un después en la historia de la moda. / The present work aims to investigate all the aesthetic aspects of Rococo women's clothing to abstract them as sources of inspiration for the creation of a fashion collection. Fashion is cyclical and each of its facets is important for its evolution. Throughout history, different styles have been developed that marked the artistic world of design. Due to this, different fashion houses take the fashion of the past as a reference to revalue it in the present and present a modern proposal. Rococo clothing is an example of this, as it presents a particular aesthetic from the 18th century in France, which reflects a self-centered desire to own everything. It is characterized by an excessive amount of ornamental elements in women's garments, which symbolized the wealth of the aristocrats. However, women were the center of attention and they sought to highlight a stereotypical silhouette for the time. These were important aspects that marked a before and after in the history of fashion. / Trabajo de investigación

Orientador: Percival Tirapeli / Banca: Omar Khouri / Banca: André Luiz Tavares Pereira / Banca: Marcos Horácio Gomes Dias / Banca: Marcos Tognom / Resumo: A presente pesquisa tem por objetivo buscar, nas fontes primárias, as autorias das pinturas ilusionistas de algumas igrejas coloniais do Estado de São Paulo. Foram selecionadas as igrejas das cidades de São Paulo - igreja da Venerável Ordem Terceira de São Francisco da Penitência da cidade de São Paulo (pintura no forro da capela-mor, medalhão da nave e zimbório) e a igreja da Venerável Ordem Terceira de Nossa Senhora do Carmo (pintura no painel do forro da sacristia, biblioteca, nave, coro e capela-mor); na cidade de Itu - igreja Matriz de Nossa Senhora da Candelária (pintura no forro da capela-mor) e a igreja de Nossa Senhora do Carmo (pintura no forro da capela-mor, nave e o forro em caixotão da "capela velha"); na cidade de Mogi das Cruzes - igreja de Nossa Senhora do Carmo (pintura no forro da capela-mor) e a igreja da Ordem Terceira de Nossa Senhora do Carmo (pinturas no forro da capela-mor, nave e vestíbulo). Com base em tal documentação é possível discutir e rever as atribuições estabelecidas por Frei Adalberto Ortmann (1951) e Mário de Andrade (1963), legitimando ou refutando-as. Inventariar e/ou catalogar os pintores atuantes entre as cidades de São Paulo, Itu e Mogi das Cruzes do período colonial e os pintores que interferiram nas obras primitivas a partir de 1850. Realizar um inventário dos forros pintados no Estado de São Paulo (períodos barroco e rococó), estabelecendo fases para a pintura paulista colonial dentro de seu conjunto e contexto, apresentando as obr... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This resarch aims to search into the primary sources the ilusionist paintings' authorship of some colonial churches of São Paulo State. In São Paulo city - Venerável Ordem Terceira de São Francisco da Penitência da cidade de São Paulo church (paintings on the ceiling of the presbytery, nave medallion and the dome) and Venerável Ordem Terceira de Nossa Senhora do Carmo church (paintings on the panel of the ceiling of the sacristy, library, nave, choir and presbytery); in Itu city - Nossa Senhora da Candelária main church (painting on the ceiling of the presbytery) and the Nossa Senhora do Carmo church (paintings on the ceiling of the presbytery, nave, and the panels ceiling of the "old chapel"); in Mogi das Cruzes city - Nossa Senhora do Carmo church (painting on the ceiling of the presbytery) and Ordem Terceira de Nossa Senhora do Carmo church (paintings on the ceiling of the presbytery, nave and vestibule of the sacristy). Based on these documents, it is possible to discuss an to review the atributions established by Frei Adalberto Ortmann (1951) and Mário de Andrade (1963), legitimating or refuting them. To catalogue the active painters in São Paulo, Itu and Mogi das Cruzes cities in the colonial period and the painters interfered in the primitive works since 1850. To make a catalogue of the ceilings painted in São Paulo State (baroque and rococo period), establishing phases for the colonial paulista painting inside the whole setting and context, presenting the works and th... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:30:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marcos Horacio Gomes Dias.pdf: 72936304 bytes, checksum: d4c6858e7871e463f4e212c10a2d4105 (MD5) Previous issue date: 2012-05-18 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / ABSTRACT: The objective of this research is regarding the context of the appearance of Minas Gerais s art in the 18th century, marked by the Portuguese colonization and e statement of the Christian Catholic values. The works of that period are defined by the rhetoric and they are conditioned by the economy of the gold and for a society based on canons aristocrats and slavocrats. The history of Minas Gerais is characterized, above all, by a specific religiosity inside the Portuguese colonial territory marked by the secular organization of the orders third, brotherhoods and fraternities. In that sense, an entire artistic apparatus was important to show, to distinguish and to order that society that had been rich quickly, at the same time, that great sections of that same society were poor, enslaved and without perspective of life. The general objective of the research was to promote an analysis of the religious iconography of those different fraternities by analyzing the speech of the power of the monarch instituted at that time through the symbols and allegories crystallized in the artistic works of those groups. The more significant secular associations in Minas Gerais, due to the amount and quality of their temples and chapels, are: Order Third of Nossa Senhora do Carmo, Order Third of São Francisco de Assis, Fraternity of Nossa Senhora do Rosário and Fraternity of Nossa Senhora das Mercês. Specifically, it was aimed at determing the hagiografic narrative located in a colonial context as a result of a narrow relationship between Roman Catholicism and the Portuguese absolutist State / A problemática desta pesquisa é referente ao contexto do surgimento da arte mineira no século XVIII, marcada pela colonização portuguesa e a afirmação dos valores católicos cristãos. As obras desse período são definidas pela retórica e são condicionadas pela economia do ouro e por uma sociedade baseada em cânones aristocratas e escravocratas. A história de Minas Gerais caracteriza-se, acima de tudo, por uma religiosidade específica dentro do território colonial português assinalada pela organização laica das ordens terceiras, confrarias e irmandades. Nesse sentido, todo um aparato artístico foi importante para mostrar, distinguir e ordenar essa sociedade que ficara rica rapidamente, ao mesmo tempo em que grandes setores dessa mesma sociedade estivessem pobres, escravizados e sem perspectiva de vida. O objetivo geral da pesquisa foi promover uma análise da iconografia religiosa dessas diferentes irmandades analisando o discurso do poder instituído nessa época por meio dos símbolos e alegorias cristalizados nas obras artísticas desses grupos. As associações leigas mais significativas em Minas Gerais, por conta da quantidade e qualidade de seus templos e capelas, são: Ordem Terceira de Nossa Senhora Do Carmo, Ordem Terceira de São Francisco de Assis, Irmandade de Nossa Senhora do Rosário e Irmandade de Nossa Senhora das Mercês. Especificamente, objetivou-se determinar a narrativa hagiográfica localizada num contexto colonial fruto de uma relação estreita entre catolicismo romano e o Estado absolutista português

Submitted by DANIELLE MANOEL DOS SANTOS PEREIRA null (30278641814) on 2017-05-19T14:55:01Z No. of bitstreams: 1 TESE (Final).pdf: 35554767 bytes, checksum: aed74bf8ff15e822c2ad95b7784ed554 (MD5) / Approved for entry into archive by Luiz Galeffi (luizgaleffi@gmail.com) on 2017-05-19T14:59:34Z (GMT) No. of bitstreams: 1 pereira_dms_dr_ia.pdf: 35554767 bytes, checksum: aed74bf8ff15e822c2ad95b7784ed554 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-19T14:59:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 pereira_dms_dr_ia.pdf: 35554767 bytes, checksum: aed74bf8ff15e822c2ad95b7784ed554 (MD5) Previous issue date: 2017-03-23 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / A presente pesquisa tem por objetivo buscar, nas fontes primárias, as autorias das pinturas ilusionistas de algumas igrejas coloniais do Estado de São Paulo. Foram selecionadas as igrejas das cidades de São Paulo - igreja da Venerável Ordem Terceira de São Francisco da Penitência da cidade de São Paulo (pintura no forro da capela-mor, medalhão da nave e zimbório) e a igreja da Venerável Ordem Terceira de Nossa Senhora do Carmo (pintura no painel do forro da sacristia, biblioteca, nave, coro e capela-mor); na cidade de Itu - igreja Matriz de Nossa Senhora da Candelária (pintura no forro da capela-mor) e a igreja de Nossa Senhora do Carmo (pintura no forro da capela-mor, nave e o forro em caixotão da “capela velha”); na cidade de Mogi das Cruzes - igreja de Nossa Senhora do Carmo (pintura no forro da capela-mor) e a igreja da Ordem Terceira de Nossa Senhora do Carmo (pinturas no forro da capela-mor, nave e vestíbulo). Com base em tal documentação é possível discutir e rever as atribuições estabelecidas por Frei Adalberto Ortmann (1951) e Mário de Andrade (1963), legitimando ou refutando-as. Inventariar e/ou catalogar os pintores atuantes entre as cidades de São Paulo, Itu e Mogi das Cruzes do período colonial e os pintores que interferiram nas obras primitivas a partir de 1850. Realizar um inventário dos forros pintados no Estado de São Paulo (períodos barroco e rococó), estabelecendo fases para a pintura paulista colonial dentro de seu conjunto e contexto, apresentando as obras e as qualidades de cada grupo tipológico, consagrando-as dentro do território brasileiro num conjunto único de obras de alta qualidade que escapam à tradicional linha evolutiva. / This resarch aims to search into the primary sources the ilusionist paintings’ authorship of some colonial churches of São Paulo State. In São Paulo city - Venerável Ordem Terceira de São Francisco da Penitência da cidade de São Paulo church (paintings on the ceiling of the presbytery, nave medallion and the dome) and Venerável Ordem Terceira de Nossa Senhora do Carmo church (paintings on the panel of the ceiling of the sacristy, library, nave, choir and presbytery); in Itu city - Nossa Senhora da Candelária main church (painting on the ceiling of the presbytery) and the Nossa Senhora do Carmo church (paintings on the ceiling of the presbytery, nave, and the panels ceiling of the “old chapel”); in Mogi das Cruzes city - Nossa Senhora do Carmo church (painting on the ceiling of the presbytery) and Ordem Terceira de Nossa Senhora do Carmo church (paintings on the ceiling of the presbytery, nave and vestibule of the sacristy). Based on these documents, it is possible to discuss an to review the atributions established by Frei Adalberto Ortmann (1951) and Mário de Andrade (1963), legitimating or refuting them. To catalogue the active painters in São Paulo, Itu and Mogi das Cruzes cities in the colonial period and the painters interfered in the primitive works since 1850. To make a catalogue of the ceilings painted in São Paulo State (baroque and rococo period), establishing phases for the colonial paulista painting inside the whole setting and context, presenting the works and the qualities of each typological group, consecrating them in the brazilian territory in a single group of high quality works which escaped from the traditional evolutive line. / FAPESP: 2013/04082-1