La littérature fantastique au XXe siècle semble est issue d'un triple conflit qui est aussi celui de l'homme contemporain : rupture avec la réalité, crise identitaire et perte de sens de l'univers caractéristiques à l'époque postmoderne, profanisation graduelle de l'espace urbain. Dans ce contexte difficile troublé encore plus par des prévisions alarmistes de l'avenir proche, l'homme contemporain exorcise ses peurs à travers les œuvres fantastiques, il s'invente des monstres pour arriver à supporter le quotidien. Pourtant, l'intrusion de la Surnature ou de l'étrange dans l'espace urbain moderne se rapproche du besoin que les sociétés traditionnelles avaient pour la présence du sacré dans leurs univers. A travers l'œuvre de trois écrivains, Mircea Eliade, Jean Ray et H.P. Lovecraft, l'espace urbain profane devient paradoxalement l'espace fantastique par excellence et le désenchantement du monde moderne se trouve confronté aux anciennes et nouvelles croyances simultanément. Ainsi, l'effet de fantastique urbain revalorise les aspects du sacré et permet des incursions analytiques interdisciplinaires, oscillant entre la littérature et l'histoire des religions.

Thesis (M.A.)--Miami University, Dept. of French and Italian, 2003. / Title from first page of PDF document. Includes bibliographical references (p. 55-56).

No description available.

Th.--Lettres--Paris-Sorbonne, 1995. / Bibliogr. p. 266-267.

Écrivain français d’origine grecque, Pierre Gripari (1925-1990) est l’auteur de nombreux recueils de contes destinés aux enfants ou aux adultes. Pour les composer, il a eu recours à de nombreuses sources populaires, mais il a également emprunté à des littératures plus classiques. Dans Un passeur d’écriture. Pierre Gripari et les traditions littéraires, nous examinons donc comment il a repris, avec une érudition très éclectique, des thèmes empruntés à de grands écrivains, français et étrangers, comme Perrault, Pouchkine, Mérimée, Gogol, Hugo, mais aussi aux mythes grecs (Médée) et aux contes folkloriques. Notre travail de recherche se propose de montrer que ce jeu constant avec les références permet de saisir l’originalité d’un écrivain très singulier et comment sa passion de la réécriture contribue à la transformation des genres littéraires (récits ou théâtre). Le corpus retenu fait apparaître que les contes de Gripari dialoguent en permanence avec des modèles traditionnels. Les œuvres étudiées donnent des exemples de transposition d’une langue à l’autre, ainsi que de l’acclimatation de récits, comme les contes d’Afanassiev et les bylines, transposés de leur milieu d’origine dans un autre domaine culturel. Avec une grande variété, ces textes présentent des formes de contamination ou de parodie (notamment de Perrault), des jeux d’inversions (« La Fée », « Monologue de toile », « La Vénus d’El »), des réécritures en hommage (« Vie amoureuse de Jean Valjean », « Médée »). Elles soulignent la place du comique dans ces recréations. Prenant place au carrefour de diverses traditions culturelles, nos recherches portent non seulement sur les textes français, mais également sur les textes d’origine. Elles s’appuient sur des travaux théoriques, littéraires et esthétiques provenant de philologues français aussi bien que de critiques russes ou ukrainiens. En prenant ces relations interculturelles pour objet privilégié, notre étude révèle l’importance du rôle de passeur qu’a tenu Pierre Gripari entre le public français et d’autres traditions littéraires. / French writer of Greek origin, Pierre Gripari (1925-1990) is the author of numerous collections of tales intended for children or adults. To compose them, he turned to numerous popular sources, but he also borrowed from a more classic literature. In A boatman of writing. Pierre Gripari and the literary traditions, we thus examine how this writer took back, with a very eclectic learning, themes borrowed from such big writers, French and foreign, as Perrault, Pushkin, Mérimée, Gogol, Hugo, but also from the Greek myths and folk tales. This research shows, on one hand, the originality of a very singular writer and, on the other one, an evolution of literary genres. The reserved corpus shows how the tales of Gripari have a dialogue with the traditional models. The studied works give examples of the transposition of the language and the acclimatization of a narrative from its original environment to another one (tales of Afanassiev and bylines); contaminations and parodies (subjects of Perrault), inversions (« La Fée » (" The Fairy "), « Monologue de toile » ("Linen monologue"), « La Vénus d’El » (" The Venus of El "), rewritings in tribute (« Vie amoureuse de Jean Valjean », (" Jean Valjean's love life "), « Médée » ("Medea"), and others. They underline the place of the comic in these re-creations. Taking place in the crossroads of diverse cultural traditions, our researches concern not only the French texts, but also the original texts. They lean on theoretical, literary and aesthetic works produced by French philologists as well as by Russian or Ukrainian critics. By taking these intercultural relations for privileged object, our study shows the importance of boatman's role which Pierre Gripari held between the French reader and other literary traditions.

La thèse propose moins un inventaire des films du cinéma libanais que le relevé et l’analyse de formes cinématographiques et de pratiques artistiques contemporaines répondant aux drames, aux incertitudes, aux crises identitaires et aux amnésies forcées entraînées durablement par la guerre civile (1975-1990). à partir de la notion d’ « images d’après », on étudie la crise de la représentation qui affecte tant les modes de narration, les discours, la figuration que les formes individuelles et collectives de la mémoire et de l’histoire. de ce « nœud de tensions » découle un art de l’effritement du langage, de l’espace, du temps. une temporalité sismique problématise et brise la linéarité et la factualité, bouleversant les catégories du réel et de l’imaginaire, du documentaire et de la fiction. ce processus est d’abord questionné à travers le lyrisme et la distanciation critique de cinéastes comme borhane alaouié, maroun bagdadi et jocelyne saab, puis à travers le travail de la génération des joana hadjithomas et khalil joreige, lamia joreige, jayce salloum, mohamed soueid, akram zaatari : outre le recours fictionnel et figuratif à une temporalité spectrale conduisant ghassan salhab à faire surgir le fantastique, les créations artistiques libanaises d’après-guerre inventent et explorent une syntaxe et des matériaux esthétiques complexes capables de recréer et renouer des liens authentiques avec le réel. les œuvres d’après-guerre qui sont étudiées traduisent une pratique créatrice discursive et poétique caractérisée par l’utilisation de divers supports médiatiques, et dont la dynamique a pour source et pour effet de penser les événements traumatiques et de les historiciser. / The thesis proposes less of an inventory of lebanese films, but more so it aims to collect and analyze the cinematographic forms and contemporary artistic practices that respond to tragedies, uncertainties, identity crises, and forced amnesia resulting from the incessant civil war (1975-1990.) using the notion of ‘images in the aftermath,’ the thesis explores the crisis of representation that impacts the modes of storytelling, addressing of speech, and figuration, as well as individual and collective forms of memory and history. from this ‘knot of tensions’ stems an art of erosion of language, space, and time. a seismic temporality problematizes and breaks the linear and factual, which shakes the core of categories that are linked to the real and the imaginary, documentary and fiction. this process is at firsthand questioned with lyricism and critical distancing by filmmakers such as borhane alaouié, maroun bagdadi, and jocelyne saab, then through the works of a generation including joana hadjithomas and khalil joreige, lamia joreige, jayce salloum, mohamed soueid, and akram zaatari. in addition to the fictional and figurative use of a spectral temporality leading artists such as ghassan salhab to exploit the fantastic, the lebanese artistic creations of the post-war era invent and explore a new syntax and complex aesthetic tools capable of recreating and renewing authentic ties with the real. the post-war works that are observed and studied transliterate a creative and discursive practice that is poetic, and characterized with the use of various media whose dynamics invoke the ability to think of, and apprehend, the traumatic events that may then be historicized.

La littérature « stupéfiante » apparaît à travers les substances addictives prises par les poètes dès le milieu du XIXe siècle ; cela permet une nouvelle forme d’écriture liée à la drogue. Celle-ci apparaît alors aux yeux des aliénistes, des psychologues, mais aussi des artistes, comme un véritable instrument d'exploration mentale. Entre 1870 et 1914, dans le roman réaliste et naturaliste, les comportements addictifs et obsessionnels chez les personnages de fiction prennent une importance spécifique. L’aspect de la dépendance à une substance ou à un objet devient un sujet littéraire mais voué à une description précise de phénomènes mentaux. La dépendance est définie comme la répétition d'actes censés procurer du plaisir par l'intermédiaire d'un objet matériel ou d'une situation, recherchés et consommés avec avidité. Nous traiterons dans cette thèse l’addiction aux produits psycho-actifs en vogue à l’époque : l’alcool, la morphine, le haschisch, l’opium et l’éther. L’invention romanesque à visée scientifique a pour but de montrer ou démontrer des faits de manière réaliste afin d’informer, d’avertir ou de théoriser à travers une apparence artistique plaisante. Néanmoins, l’écrivain naturaliste veille a rester dans l’axe du concret sans jamais pervertir son roman de données non vérifiées, d’extrapolations, d’exubérances qui ne permettraient alors plus à son texte d’être crédible. Face aux théories médicales et à l’étiologie de la dépendance, les auteurs utilisent leur imagination pour décrire des phénomènes médicaux d’intoxication et de dépendance à des substances. [etc.] / The addictive literature appears through addictive substances taken by poets in the middle of the 19th century; it allows a new dimension of writing influenced by drugs. This appears not only in psychiatrists and psychologists but also to artists as a real instrument of mental exploration. Between 1870 and 1914, in the realist and naturalist novel, the addictive and obsessional behavior of fictional characters has significant importance. The aspect of specific dependence to a substance or to an object becomes a literary subject but is dedicated to a specific description of mental phenomena. Dependence is defined as the repetition of certain behavior in order to get some pleasure from a material object or a situation, desired and consumed with greed. We will restrict ourselves in this thesis to work on the addiction of substances at that time: alcohol, morphine, hashish, opium and ether. Fictional invention with scientific intent shows or demonstrates facts in a realistic way in order to inform, warn or theorize by giving a pleasant and artistic appearance. However, the naturalistic author has to stay within the realms of reality without ever corrupting his novel with unchecked information, exaggeration, exuberances which would prevent the text from being credible. Confronted by medical theories and the etiology of dependence, the authors use their imagination to describe the medical phenomena of poisoning and dependence on psychoactive products. [etc.]

Submitted by Larissa Cristina Thomann null (35359280875) on 2016-08-08T16:14:37Z No. of bitstreams: 1 O duplo em Cosmétique de l'ennemi de Amélie Nothomb.pdf: 2207937 bytes, checksum: 4c5cdd4d39ab776ced43cc954122c0ef (MD5) / Approved for entry into archive by Ana Paula Grisoto (grisotoana@reitoria.unesp.br) on 2016-08-11T12:41:50Z (GMT) No. of bitstreams: 1 thomann_lc_me_arafcl.pdf: 2207937 bytes, checksum: 4c5cdd4d39ab776ced43cc954122c0ef (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-11T12:41:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 thomann_lc_me_arafcl.pdf: 2207937 bytes, checksum: 4c5cdd4d39ab776ced43cc954122c0ef (MD5) Previous issue date: 2016-06-21 / Dans l’oeuvre Cosmétique de l’ennemi (2001), de la romancière belge Amélie Nothomb (1967), les personnages, le temps et l’espace sont construits en tenant compte des característiques doubles dans le récit. Le double est considéré facteur prédominant dans la construction narrative, parce que l’espace se divise en deux – la salle d’attente d’un aéroport et l’imagination de Jérôme -, le temps – chronologique et psychologique – les personnages qui se dedoublent. En ce qui concerne le temps, le travail est composé de deux histoires, celle qui coïncide avec le début de l’intrigue - qui est marquée par le temps chronologique - et présente un narrateur à la troisième personne, oniscient. Mais le temps psychologique existe dans le récit où Textor commence à raconter sa vie. Otto Rank a donné au double ce nom basé sur des analyses litteraires et antropologiques, mais ce sont les travaux de Freud, principalement, qu’on a utilisé pour faire l’analyse psychologique. Freud, dans L’inquiétante étrangeté (Das Unheimlich), écrit en 1919, se penche sur le double comme le sentiment d'étrangeté causé par la perte, soudaine, de la notion de ce qui est réel et de ce qui est imaginaire, qui provoque crainte et tremblement . L’inquiétante étrangeté c’est, donc, une expérience secrète familère qui a été une fois refoulée, puis relâchée. Dans Cosmétique de l’ennemi (2001), il y a le même point de vue du psychanalyste parce que, face à son double, Jérôme ne croit pas être l’assassin de sa femme. Textor, toutefois, lui dit que les deux sont la même personne et, en plus, qu’il est l’ennemi intérieur de Jérôme et sa partie destructrice, qui n’oublie rien, en faisant allusion à la memoire et à son inconscient, partie de l'être humain qui n’oublie rien et dont rien ne se perd, mais qu’est réprimée, citant Freud. Le début du travail et la fin sont similaires dans la forme: au début, nous avons un paragraphe séparé des autres provoquant le doute chez le lecteur en ce qui concerne les personnages, et pour donner une explication rationnelle sur cela il y a aussi un paragraphe final seul, sur une page non numérotée à la fin du récit. Pourtant, après l'explication, il y a une certaine ambiguïté dans laquelle le lecteur ne peut pas distinguer ce qui est vrai de l’imagination de Jérôme. / Na obra Cosmétique de l’ennemi (2001), da escritora belga Amélie Nothomb (1967), tanto as personagens, quanto o tempo e o espaço são construídos de forma a garantir características duplas à narrativa. O duplo é analisado como fator predominante na construção da narrativa, sendo parte do espaço que se divide em dois: sala de espera de um aeroporto e imaginação de Jérôme; bem como parte do tempo – cronológico e psicológico; e, ainda, como característica das personagens. No que se refere ao tempo, a obra é composta de duas narrativas. Uma que é marcada pelo tempo cronológico e coincide com o início da obra, apresentando um narrador em terceira pessoa e onisciente. Já na outra, o tempo psicológico compõe a narrativa em que Textor começa a contar sobre sua vida. Otto Rank deu ao duplo esta denominação baseando-se em análises literárias e antropológicas, mas é em Freud, principalmente, que baseamos nossa análise psicológica. Freud, em O estranho (Das Unheimlich), de 1919, analisa o duplo como sendo o sentimento de estranheza causado pela perda, súbita, de noção do que é realidade e do que é imaginação, o que provoca o temor e o tremor. Logo, o estranho é uma experiência secretamente familiar e que foi um dia reprimido e, depois, liberado. Em Cosmétique de l’ennemi há indícios do mesmo ponto de vista do psicanalista, pois, ao ser deparado com o seu duplo, Jérôme não acredita ter assassinado sua esposa. Textor, no entanto, o confronta dizendo ser a mesma pessoa, além de ele próprio ser o inimigo interior e, portanto, a parte destrutiva de Jérôme. Textor diz, ainda, ser a parte de Jérôme que não se esquece de nada, aludindo à memória e ao inconsciente, parte do ser humano que não se esquece de nada e da qual nada é perdido, apenas recalcado, citando Freud. Tanto o começo da obra quanto o final são parecidos em sua forma: no início, temos um parágrafo separado dos demais, causando uma dúvida no leitor sobre quem são as personagens; já no final, para dar uma explicação racional à dúvida do leitor, também há um parágrafo separado dos demais, numa página não numerada ao final da obra. Ainda assim, depois da explicação, há certa ambiguidade em que o leitor não consegue discernir o que é realidade ou imaginação de Jérôme.

La recherche universitaire sur les séries télévisées en France est relativement récente. Depuis plusieurs années, on peut remarquer que les séries ont acquis peu à peu une certaine forme de légitimité qui tend à se manifester à travers la manière dont le public les aborde. Le postulat de base lorsque l'on aborde la série télévisée est qu'elle serait un sous-genre du cinéma. Elle s'en démarquerait par son format particulier, son aspect feuilletonnesque permettant au spectateur de suivre une histoire sur du long terme, tout en s'identifiant plus facilement aux personnages dont il va suivre les pérégrinations pendant des semaines, voire des années. Pourtant si elle possède les marques du cinéma, ses références ainsi qu'un mode semblable de création et de production, elle est également à rapprocher de tous les avatars de la sérialité qui l'ont précédé (roman-feuilleton, radiodrama,etc.).Des budgets de plus en plus conséquents sont alloués à la création de séries aux États-Unis et l'on confie ces projets à des réalisateurs soucieux de se démarquer et de donner une profondeur à leur travail à travers des sujets les plus originaux possibles. On a pu voir alors depuis les années 90,la qualité de la série télévisée américaine s'imposer sur les autres et se développer à travers une myriade de thèmes différents. Comme pour les autres médias, nous désignons les séries à travers le prisme de la catégorie générique. La notion de genre, qu'elle soit littéraire, cinématographique ou autre, est très difficile à appréhender et à définir. C'est dans la continuité de ces recherches que j'envisage une étude approfondie du médium sériel dans laquelle il conviendrait de se demander si à travers cette notion du genre, la série télévisée américaine n'a fait que réemployer les outils qui étaient à sa disposition ou si, comme les autres arts, elle s'est construite à travers eux, se les appropriant et leur donnant de nouvelles formes. Il s'agit en réalité d'une défense de la série télévisée en tant que médium possédant ses propres codes esthétiques. Il faut alors pour cela choisir un genre connu pour ses formes, ses codes et ses mythes. En cela, le fantastique me semble parfaitement approprié à une étude de cette ampleur. En effet, le fantastique et plus précisément l'apparition du surnaturel est présent depuis toujours dans la culture populaire à travers la littérature,les arts plastiques et picturaux, la musique et le cinéma. Il est donc légitime que la série télévisée se soit appropriée ses thèmes et son imagerie. En partant de réflexions théoriques sur l'étude des formes narratives génériques comme celle de Todorov par exemple il sera possible de bâtir le point de départ de notre démarche. Afin de donner une profondeur au sujet et de pouvoir mener une étude concrète, il sera nécessaire de poursuivre cette réflexion sur le seul terrain de la série fictionnelle américaine contemporaine. Il conviendra alors d'étudier à travers des exemples relativement larges(True Blood, Angel, American Horror Story, Buffy, Charmed, Pushing Daisies, Medium,Supernatural, Game of Thrones, The Walking Dead, Teen Wolf, etc.) la manière dont la série américaine traite des thèmes, des figures et des mythes propres au fantastique. / Serial studies in France are relatively recent. But for several years, we can see that the series have gradually acquired some form of legitimacy that tends to manifest itself through the way the public addresses to it. The basic premise when we approach the television series is that it would be a cinema subgenre. It would be different by its format, its “feuilletonnesque” appearance allowing the viewer to follow a story in the long term, while more easily identify himself with the character she will follow the peregrinations for weeks or even years. Yet if it has the film marks, references and a similar mode of creation and production, it is also close to all the avatars of seriality that preceded (serial novel, radio drama, etc.).More and more budget is allocated to the creation of series in the United States and weentrust these projects to directors eager to stand and give a depth to their work through the most original topics. Then we have seen since the 90's, the quality of the American television series win over others and develop through a myriad of different themes. As other medias, we mean the series through the prism of the generic category. The notion of genre, whether in literature, cinema or otherwise, is very difficult to understand and define. This is a continuation of this research I plan a thorough study of the serial medium in which it would be appropriate to wonder if through this notion of gender, the American television series has only re-employ the tools that were available orif, like the other arts, it has been built through them, appropriating them and giving them new forms.This is actually a defense of the TV series as a medium with its own aesthetic codes. It is then necessary to choose a genre known for its shapes, its codes and myths. In this case, fantasy seems perfectly suitable for a study of this magnitude. Indeed, the fantastic and specifically the appearance of the supernatural is always present in popular culture through literature, visual and pictorial arts, music and film. It is therefore legitimate that the TV series will appropriate its themes and imagery. Starting from theoretical considerations of the study generic narrative forms like Todorov, for example, it will be possible to build the starting point of our thinking. To give depth to the subject and to take concrete study, it will be necessary to continue to reflect on the sole field of contemporary American fiction series. It should be studied through relatively broad examples (TrueBlood, Angel, American Horror Story, Buffy, Charmed, Pushing Daisies, Medium, Supernatural, Game of Thrones, The Walking Dead, Teen Wolf, etc.) of how the American series deals with themes, figures and myths to the fantastic.

La littérature fantastique au XXe siècle semble est issue d’un triple conflit qui est aussi celui de l’homme contemporain : rupture avec la réalité, crise identitaire et perte de sens de l’univers caractéristiques à l’époque postmoderne, profanisation graduelle de l’espace urbain. Dans ce contexte difficile troublé encore plus par des prévisions alarmistes de l’avenir proche, l’homme contemporain exorcise ses peurs à travers les œuvres fantastiques, il s’invente des monstres pour arriver à supporter le quotidien. Pourtant, l’intrusion de la Surnature ou de l’étrange dans l’espace urbain moderne se rapproche du besoin que les sociétés traditionnelles avaient pour la présence du sacré dans leurs univers. A travers l’œuvre de trois écrivains, Mircea Eliade, Jean Ray et H.P. Lovecraft, l’espace urbain profane devient paradoxalement l’espace fantastique par excellence et le désenchantement du monde moderne se trouve confronté aux anciennes et nouvelles croyances simultanément. Ainsi, l’effet de fantastique urbain revalorise les aspects du sacré et permet des incursions analytiques interdisciplinaires, oscillant entre la littérature et l’histoire des religions. / During the 20th century, fantastic fiction seems to be the outcome of a triple conflict also attached to contemporary societies : a gap between the real world and the supernatural; an identity crisis in a meaningless post-modern era; and, a gradual divestment of ancient sacred symbols. In this highly problematic reference frame, obscured even more in anticipation of an alarming near future, Modern Man desperately struggles to alleviate his multiple fears through fantastic literature ; he creates imaginary monsters in order to help him cope with reality. Nevertheless, the encroaching of the Supernatural or the uncanny in the modern urban enclosed space is connected to the need that traditional societies expressed for the presence of the sacred in their universe. Throughout the works of three authors, Mircea Eliade, Jean Ray and H.P. Lovecraft, the urban and profane space paradoxically becomes a space of the fantastic par excellence. The disil! lusionment of the modern world finds itself exposed to and confronted by both topical and archaic beliefs. Thus, the urban fantastic effect is constantly reassessing features of the sacred and allows rich interpenetrations of different disciplines such as literature and history of religions.