Orientador: Ana Luiza Bustamante Smolka / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-08-19T01:28:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Cotta_MariaAmeliadeCastro_D.pdf: 3641906 bytes, checksum: c03a938b320593839c2e17895c1d3a83 (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: O presente estudo tem como propósito analisar as personagens femininas e as personagens infantis no conto Irmãozinho e Irmãzinha (O Gamo Encantado), dos irmãos Grimm, explorando as possíveis relações desse conto com as condições da infância órfã e abandonada na contemporaneidade. A hipótese que sustenta o estudo encontra-se no pressuposto de que os contos, como obra literária, transcendem espaço e tempo de sua produção e, lidos ainda hoje, mobilizam imagens e suscitam debates sobre as possíveis interrelações e sobre as posições e lugares sociais ocupados pela criança e pela mulher na sociedade atual. Para proceder à análise do conto, realizamos leituras de diferentes tradutores, optando pela tradução de Íside Bonini (1961). As ideias de Vigotski e Bakhtin, mais especificamente os conceitos de dialogia e drama, deram suporte teórico às análises realizadas. Os temas que constituem os contos apontam para questões contemporâneas da condição humana, mostram posições e papéis sociais, lugares de poder, relações familiares; deixam entrever concepções de maternidades, de infâncias; circunstâncias como a orfandade, o abandono, os maus tratos. Esses temas encontram-se entrecruzados com a história da infância, mobilizando sentidos sobre a relação assimétrica entre adulto e criança e as complexas relações do cotidiano. Com base nas categorias levantadas, são analisadas as imagens de mulher, mãe, madrasta, maternidade; as condições das crianças: abandono e resistência e os sentidos de abandono e de ser órfão ontem e hoje. / Abstract: This study aims to analyze the female characters and children's characters in Little Brother and Little Sister's tale (The Enchanted Deer), of Grimm's brothers, exploring the possible relations with the conditions of the tale and orphaned and abandoned children in contemporary society. The hypothesis that guides the study is the assumption that the stories, as a literary work, beyond space and time of its production, and still read today, mobilize and raise discussions about the possible interrelations and social positions in places occupied by child and woman in society today. To undertake analysis of the tale, we performed readings of different translators, opting for Iside Bonini's translation (1961). The ideas of Vygotsky and Bakhtin, more specifically the concept of dialogue and drama, gave theoretical support to the analysis performed. The tales themes include issues of contemporary human condition, showing positions and social roles, positions of power, family relations; they suggest ideas of motherhood, childhood and circumstances as orphanhood, abandonment and abuse. These themes have relations with the history of childhood, mobilizing senses about asymmetric relationship between adult, child and the complex everyday life. Based on the raised categories, were analyzed the images of wife, mother, stepmother, maternity, the conditions of children - abandonment and resistance - and the senses of abandonment and orphanhood yesterday and today. / Doutorado / Psicologia Educacional / Doutor em Educação

Les figures féminines dans l’oeuvre fictionnelle de Jean-Paul Sartre nous semblent se situer au croisement de toutes les ambivalences sartriennes, et pouvoir éclairer ses prises de position dans le contexte socio-historique. Ses figures féminines lui permettent fréquemment de condamner l’inauthenticité des marginaux, en illustrant les formes de l’aliénation ‘féminine’, dont les constituants représentatifs sont 'se séquestrer', 'se faire l’objet du regard', et 'jouer la comédie maniérée'. Mais ce mode d’exister de la ‘féminité’ est mobilisé moins pour la différence sexuelle que pour la hiérarchie sociale. En dépit de la transgression provocatrice de la limite entre les deux sexes, l’idée liée à la féminité et à la masculinité demeure intacte : il s’agirait d’une stratégie, d'une collusion avec ses lecteurs. Néanmoins, sur un plan symbolique, des expressions métaphoriques liées au ‘visqueux’ unissent le féminin à la nature proliférante, rejoignant ainsi le dualisme traditionnel. Face à ce ‘féminin’ qui offre l’occasion de se confronter à l’altérité, l’horreur et la fascination sont toujours liées : la tentation de fuir l'altérité cache d’autre part le rêve d’une symbiose avec elle. Cette symbiose prend la forme de la ‘fraternité incestueuse’ ; face à son échec, naît une intense exigence portée aux femmes, comme celle à l’égard de la mère ; enfin, l’auteur en vient à édifier la femme en tant que 'ni l’un ni l’autre'. Face à l’Autre-femme, l’homme sartrien fuit, mais se refuse à l'exclure tout à fait de son chemin : ce glissement incessant caractérise la représentation des figures féminines sartriennes. / The female figures in Jean-Paul Sartre’s fictional work can be seen as standing at a crossroads where all the forms of ambivalence in his work intersect, and thus illuminate his viewpoints in the context of social history. Sartre often uses his female figures to condemn the inauthenticity of marginal persons by showing the forms of ‘feminine’ alienation, represented by such expressions as ‘be sequestered,’ ‘become the object of the gaze’ and ‘play affected comedy.’ However, this mode of existence of femininity is summoned for social hierarchy rather than sexual difference. In spite of the provocative transgression of the border between the two sexes, the idea related to femininity and masculinity remains intact: it seems to be a strategy in collusion with his readers. Nevertheless, at a symbolic level, the metaphorical expressions related to ‘viscosity’ link the feminine to proliferating nature, thus connecting with traditional dualism. In front of the ‘feminine’ that offers an opportunity to confront otherness, fear and fascination always intertwine: in the desire to escape otherness is hidden a dream of symbiosis with it. This symbiosis takes the form of ‘incestuous fraternity’; its failure gives birth to an intense craving for women - like that for a mother. In the end, for the author, the woman becomes ‘neither one nor the other.’ Faced with ‘the Other-woman,’ the Sartrian man runs away, but also refuse to completely rule her out of his life: this constant shift is characteristic of the representation of female figures in Sartre’s work.

Dans une approche stylistique, mêlant linguistique de l’énonciation, pragmatique et linguistique textuelle, cette thèse explore l’œuvre romanesque de Boris Vian en interrogeant les relations qu’entretiennent le potentiel imageant du langage et la création de l’univers fictionnel vianesque. En dépassant la perspective qui conçoit le plus souvent la fictionnalisation comme une mise en fiction du réel, ce travail propose un élargissement du concept, également entendu comme création de fiction. Le corpus, volontairement restreint à un genre littéraire (le genre romanesque) et à un auteur particulier, rassemble les six romans signés Boris Vian (production qui s’étend de 1942 à 1953). Ce choix tient à la volonté de caractériser l’œuvre romanesque dans son ensemble tout en mettant en évidence les spécificités de l’évolution du style vianesque. À partir de différents pôles d’analyses, cette étude cherche à comprendre la particularité des fictions vianesques, apportant un éclairage inédit sur le style et l’esthétique de l’auteur. L’étude des procédés langagiers à l’œuvre dans la fictionnalisation, au cœur de ce travail, s’attache progressivement à l’observation des lieux textuels d’entrée et de sortie de la fiction, des jeux langagiers et des figures du discours. Cette recherche examine ainsi les outils récurrents permettant le passage du monde de référence du lecteur vers celui de la fiction.Par un jeu constant avec les normes (que celles-ci soient d’ordre langagiers ou littéraires), le texte vianesque présente un monde souvent déroutant pour le lecteur qui doit alors le « décoder » pour comprendre les nouvelles lois régissant cet univers. Ce travail de thèse propose une nouvelle grille d’analyse pour appréhender la fiction vianesque. / This thesis explores the novelistic work of Boris Vian from a stylistic perspective at the intersection of the linguistics of enunciation, pragmatics and textual linguistics. It focuses on the relations between the imaging potential of language and the Vianian creation of a fictional universe. It broadens the traditional perspective that conceives of fictionalization as putting reality in fiction by considering fictionalization as the creation of fiction. The corpus is restricted to one literary genre (novels) and one author. It includes the six novels written under the name Boris Vian (between 1942 and 1953). This choice is motivated by a willingness to characterize both the Vianian novelistic œuvre in its totality and the specificity of the evolution of the Vianian style. This study uses different analytical perspectives to understand the peculiarities of Vianian fiction and to highlight the style and aesthetics of the author in an original way. The study of the linguistic processes at play in Vianian fictionalization, which is at the center of this thesis, seeks to gradually observe the places in the text where fiction enters and exits, plays on words, and figures of speech. This research scrutinizes the recurring tools which allow going from the reader’s world of reference to the world of fiction. The Vianian text often presents a world that baffles the reader because it constantly plays with various (linguistic or literary) norms. Hence the reader needs to “decode” that world to understand the new laws by which it abides. This dissertation therefore proposes a new analytical perspective to further our understanding of Vianian fiction.

Notre travail interroge l’affinité entre une figure – le paradoxe – et le discours sur les mœurs, tel qu’il s’invente et se développe de Montaigne à La Bruyère : il étudie l’appropriation d’un fait de langue et sa requalification en fait de style. La confrontation des théories existantes sur le paradoxe aux exemples de notre corpus fait apparaître la gradualité de la figure, dont la configuration prototypique connaît des réalisations discursives de forme et d’étendue variables, et dont l’étude stylistique implique l’articulation des points de vue microstructural et macrostructural. En promouvant une approche englobante, continuiste et contextualisée des formes de l’écriture paradoxale, nous soulignons la dimension matricielle du paradoxe, sa propension à constituer, pour les textes que nous étudions, un principe générateur, une forme ordonnatrice : l’étymon d’un style. Nous défendons en effet l’idée selon laquelle le paradoxe constitue un lieu commun de la prose moraliste, c'est-à-dire la forme-sens dans laquelle se cristallisent une éthique et une esthétique, un rapport soupçonneux aux vérités admises et aux discours institués. L’examen des différents usages de la figure et des fonctions qui lui sont dévolues nous permet ainsi d’éclairer les soubassements épistémologiques de l’entreprise moraliste. / Our work reflects upon the affinity between a figure of speech – the paradox – and the moral discourse, as it emerges and evolves from Montaigne to La Bruyère. We study the appropriation of a linguistic form and its revaluation as a stylistic trait. The comparative examination of the theoretical descriptions of the paradox, and their application to our corpus examples reveal the gradualness of the figure, and the variety of its discursive actualizations. By promoting a global, continuist and contextualized approach to the paradox, we stress out its functionality as well as its propensity to shape the reflection and the writing of the classical moralists.

Le but de ce travail de recherche est, en premier lieu, de définir les fonctionnalités externes et internes aux mathématiques du théorème de Thalès pour savoir, dans un second temps, si elles sont transmises au cours de l'histoire, dans l'enseignement actuel et si elles sont transmissibles dans le cadre d'une ingénierie au niveau collège. Après une étude épistémologique visant à étudier l'évolution du rapport à cet énoncé et des démonstrations associées dans l'histoire depuis l'Antiquité grecque, ont été cernées des difficultés rencontrées par les élèves dans la reconnaissance de configurations géométriques associées à ce théorème et dans son application. Ceci a notamment permis de montrer le rôle joué par les figures archétypes et les figures prototypes liées au théorème de Thalès et les erreurs qui se produisent dès que les figures proposées aux élèves s'en éloignent. En particulier, ces erreurs ont permis de définir des figures pathogènes. Les figures non reconnues, à tort, comme pouvant faire l'objet d'une application du théorème étant qualifiées de pathologiques. L'enseignement actuel de ce théorème a également été analysé et un certain nombre d'insuffisances ont été mises en évidence comme en particulier le faible niveau de problématisation des activités qui sont censées introduire le théorème et l'approche ostensive qui les caractérise. A partir de cet ensemble d'études, une ingénierie didactique a été conçue visant d'une part à motiver l'introduction de ce théorème par des problèmes de calcul de mesures de distances inaccessibles dans le méso-espace et d'autre part à organiser les rapports nécessaires entre le méso-espace et le micro-espace. Cette construction didactique, qui a tenu compte également d'une difficulté essentielle que constitue le passage à des rapports irrationnels, a été expérimentée et progressivement raffinée.

Le site de Teotihuacan, situé dans le bassin de Mexico et datant de 100 ANE à 650 DNE, s'impose aujourd’hui grâce à son architecture, ses pyramides de la Lune et du Soleil, son avenue des Morts, mais également ses nombreux complexes d'appartements, qui auraient pu contenir une population d'environ 150 000 habitants à son apogée. Outre cette architecture, Teotihuacan nous a laissé d’autres indices sur son histoire par le biais de son art : des murales, des sculptures, des encensoirs, des figurines d’argile entre autres, mais également des figures hôtes (host figures). L’étude présentée ici se concentre sur les figures hôtes. Ces dernières sont une classe de figurines d’argile creuses contenant une ou plusieurs petites figurines humaines en bas-relief. Bien que de nombreuses figures n’aient pas de provenance, certaines ont été retrouvées non seulement à Teotihuacan, mais également au Guatemala, au Michoacán et au Yucatán, mettant en avant les possibilités d'échanges culturels mésoaméricains et/ou d’implantations de colonies teotihuacanaises en Mésoamérique. Qu’elle était la signification de ces figures hôtes? À l’aide d’une description minutieuse de chaque figure, et malgré une large variabilité, il semblerait que les figures hôtes se divisent en deux groupes distincts. D’un côté, nous aurions les figures hôtes de style teotihuacanais possédant une ouverture simple sur le torse et contenant une ou deux figurines. De l’autre côté, nous aurions les figures hôtes de style maya-teotihuacanais, possédant une ouverture sur toute la longueur du corps et contenant de nombreuses figurines. La comparaison des figures hôtes avec d’autres artéfacts de Teotihuacan, tel les masques et autres figurines, indique que ces figures sont intimement liées à l’expression iconographique et stylistique de Teotihuacan. Pour ce qui est des figures hôtes de style teotihuacanais, leur fonction pourrait être reliée au culte des ancêtres. En revanche, les figures hôtes de style maya-teotihuacanais trouvées en dehors de Teotihuacan pourraient être associées à des rituels politiques de fondation qui est au cœur du pouvoir de l’État Maya. / Teotihuacan, dated between 100 BCE and 650 CE, is situated in the Basin of Mexico. It is known for its imposing monumental architecture, the Pyramid of the Moon, Pyramid of the Sun, and the Avenue of the Dead, but also for its many apartment compounds that could have contained a population of about 150 000 inhabitants at its peak. In addition to its architecture, Teotihuacan’s history can be understood through its art: murals, sculptures, masks, and ceramic figurines. This study concentrates on the latter with an emphasis on a rare figurine type known as host figurines. Host figures are a class of hollow figurines containing one or several small human figurines in bas-relief within its hollow cavity. Although many of these figurines are without provenience, some have been discovered not only in Teotihuacan, but also in Guatemala, in Michoacán and in Yucatán, pointing to the possibilities of Mesoamerican cultural exchanges and/or Teotihuacan colonies in Mesoamerica. What was the significance of these host figures? Through a meticulous description of every figurine, I find that the host figurines can be divided into two major style groups. One group is considered as a Teotihuacan style and is characterized with a simple opening on the torso, which contain one or two figurines. The other group is a Maya-Teotihuacan style and identified with an opening along the length of the body that contains numerous figurines. A comparison of the host figures with other artefacts from Teotihuacan, such as the masks and other figurines, indicate that these figurines are well-rooted within Teotihuacan iconographic and stylistic visual expression. The function of the Teotihuacan style host figurines seems to be connected with the cult of ancestors. In contrast, the Maya-Teotihuacan style figurines found outside Teotihuacan were likely associated with political rites of foundation central to the power of the Maya state.

Thesis (D.Th.)--University of South Africa, 2002.

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Chez Anne Hébert, le désir est la chance donnée à l'individu de s'émanciper. Mais il aveugle parfois au point de ruiner la responsabilité et la conscience. C'est par leur refus de la soumission que les protagonistes féminins affirment, dans un premier temps, leur différence. Une telle opposition engendre une agitation fiévreuse qui rappelle l'enfance sauvage. Le délire, avec sa violence inouïe, et les retours obsédants au passé excitent la colère au point où elle devient destructrice. L'épreuve de la maladie permet aux héroïnes de mieux préparer leur révolte, à l'abri du regard des autres. L'excès qui suit la réclusion ébranle; la rage qui accompagne cette ardeur s'observe même physiquement. Aussi la métamorphose de ces femmes conduit-elle, dans un deuxième temps, à l'émergence d'une force renversante. Sur ce point, la thèse s'inspire des idées de Georges Bataille, qui voit dans la révolte une possibilité de sortir de soi, par l'épreuve du ravissement, indissociable de la peur née au contact de l'interdit. Le désir fait partie de la part maudite de l'humanité, parce qu'il permet de s'affranchir des contraintes ou, pour reprendre une expression chère à Bataille, d'accéder à la souveraineté. Cette mise en mouvement d'une acuité déchirante se déploie dans la nouvelle « Le torrent » (1950), de même que dans les romans Les chambres de bois (1958), Kamouraska (1970), Les enfants du sabbat (1975), Héloïse (1980), Les fous de Bassan (1982), L'enfant chargé de songes (1992) et Un habit de lumière (1999). Dans ces oeuvres narratives, vient un moment où la préoccupation n'est plus de respecter les convenances familiales et sociales, mais d'être disponible à l'expérience de la liberté. Dans le premier chapitre, la thèse traite de la dynamique transgressive depuis l'assujettissement des héroïnes jusqu'à leur comportement désinvolte, lorsqu'elles rient, séduisent ou réclament une vie plus impétueuse. Par un retour sur l'enfance qui ravive le désir sauvage, le deuxième chapitre étudie les conduites et les épreuves, face à l'autorité maternelle, distinctes selon que le personnage soit un homme ou une femme. La reconnaissance de la part irrévérencieuse en soi est une forme d'acquiescement au désordre. Les conduites immodérées sèment incompréhensions et douleurs. Ces moments de bascule font l'objet du troisième chapitre qui présente un sujet aux prises avec la trace ou le remous de présences mortes. Les hommes, en particulier, se font autres dans le désir. Leur curiosité les entraîne dans un chaos au même titre que le délire. Le quatrième chapitre vise à mieux décrire les expériences subversives du fantasme et ses effets dans Les enfants du sabbat. Au contact de la sorcière, des traumatismes resurgissent. Ils empruntent les formes de l'ivresse, de l'horreur et de l'effusion érotique. Cette coïncidence du mouvement du mal avec celui de la liberté est étudiée dans le cinquième chapitre. Les personnages masculins tentent en vain de surmonter leurs impulsions. La frustration de ne pas y parvenir laisse place à la révolte et parfois même au meurtre. Ils prennent alors les attributs du diable et de la bête. La rage a l'éclat d'une jouissance aussi bien que d'un aveuglement. Elle mène à un «envers du monde» où les êtres sont confrontés au fantastique. Le sixième chapitre décrit cette zone sauvage auquel le corps répond par le surgissement violent du désir. Les forêts, les villes et les villages sont autant de lieux susceptibles de mettre en évidence le lien intime entre érotisme, agressivité et transformation physique.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.