A presente pesquisa tem como objetivo investigar causas, sintomas e estratégias utilizadas por estudantes de flauta do curso de Bacharelado em Música de Instituições de Ensino Superior para lidar com a ansiedade na performance musical de uma obra para flauta solo em recital de caráter avaliativo. Os procedimentos de coleta e análise de dados ocorreram à semelhança do estudo de Siw Nielsen (1999), isto é, através da observação do comportamento dos participantes em recital e de seus relatos verbais por meio da entrevista semiestruturada, cujas situações foram registradas em áudio e vídeo. Os dados obtidos foram analisados em quatro etapas, sendo a primeira e a quarta quantitativamente e as demais qualitativamente. Os dados coletados na pesquisa foram analisados quantitativamente no que se refere ao perfil dos participantes e ao final do cruzamento dos dados; e qualitativamente no que se refere à observação e aos relatos verbais. Por fim, foi realizado o cruzamento dos dados para fins de comparação entre as duas análises, bem como extrair conclusões sobre causas, sintomas e estratégias utilizadas por estudantes de flauta para lidar com a ansiedade na performance musical e comparação entre causas e sintomas de ansiedade de clarinetistas. / This research focuses on investigating causes, symptoms, and coping strategies for music performance anxiety of flute students from music colleges in the performance of an unaccompanied flute work in recital of evaluative character. The procedures of collection and analyses of data occurred as in the study by Siw Nielsen (1999), that is, through the behavioral observation of the participants, and verbal reports by semi-structured interview. Both situations were recorded in audio and video. The data were analyzed in four steps, the first and fourth quantitatively, and the others qualitatively. The first step aimed to determine the profile of the participants of this research, and at the ending of data crossing the total number of causes, symptoms, and coping strategies. The other steps sought to identify causes, symptoms, and coping strategies through the behavioral observation, and verbal reports analyses. Finally, we performed data crossing for comparison between the two data analyses, and arrived at conclusions about causes, symptoms, and strategies of flute students to cope with music performance anxiety, and comparison between causes and symptoms of anxiety in clarinet players.

A presente pesquisa acompanha o processo de aprendizagem da flauta doce de um grupo de dezessete sujeitos, com idades entre nove e treze anos, que participa de um projeto de extensão oferecido por uma escola pública de Ensino Fundamental e Médio em Porto Alegre, buscando compreender como se dá o desenvolvimento da musicalidade. Apóia-se na concepção de musicalidade como uma característica humana, constituída pela capacidade de geração de sentido musical através de uma performance expressiva. A metodologia de pesquisa possui abordagem qualitativa, com a realização de um estudo de caso em grupo por meio de observações de aulas e apresentações coletivas de flauta doce. Foram realizadas entrevistas semi-estruturadas como procedimento complementar. A coleta de dados aconteceu entre setembro de 2007 e agosto de 2008, totalizando 16 encontros, registrados em diário de campo e em arquivos de áudio. A observação dos indicadores sonoridade, fraseado, fluência na execução instrumental e interação musical otimizou a análise e interpretação dos resultados. O desenvolvimento da musicalidade dos sujeitos caracterizou-se por ser um processo dinâmico de aquisição gradativa de conhecimentos e habilidades musicais que promovem, a cada avanço, uma totalidade nova do saber-fazer que favorece a expressividade na performance. Os resultados demonstraram que o repertório, a prática e estudo, o contexto sociocultural, o acesso à técnica, criação e leitura musical e a ocorrência de apresentações musicais são fatores que influenciam o desenvolvimento da musicalidade. / The present research traces the recorder learning process in a group of seventeen people, between the ages of nine and thirteen, which participate in an extension program held by a public school in Porto Alegre city. This research aims to understand how musicality is developed, based on the concept that this is a human characteristic, constituted by the capacity of creating musical meaning through expressive performance. The methodology applied has a qualitative approach. A group case study was made through class observation and collective recorder presentations. Semi-structured interviews were conducted as a complementary procedure. Data collection occurred between September 2007 and August 2008 by a total of 16 meetings registered in a field diary and in audio files. The observation of indicators such as sonority, musical phrasing, instrumental fluency and musical interaction optimized the analysis and interpretation of the results. The development of musicality in these seventeen people was characterized by the dynamic process of gradual acquisition of musical knowledge and ability, which promotes, at every progress, a new know-how wholeness that favors performance expressivity. The results demonstrated that: repertoire; practice and study; sociocultural context; access to technique, composition, improvisation, and musical reading; and the occurrence of musical presentations are factors that influence musicality development.

Orientador: Paulo Mugayar Kuhl / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-17T10:52:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DiGiorgi_CamiloHernandez_M.pdf: 24336856 bytes, checksum: 4ffd57df4b4ac5b042834952ae1a899c (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Neste estudo, o duo formado pela flauta e tambor tocados pela mesma pessoa, conhecido também como tamboril, é abordado morfológica e historicamente em sua trajetória e situação atual na Europa e América Latina. Discute-se aspectos relativos à sua acústica, aos seus usos sócio-musicais e à sua representação na iconografia. Realiza-se também um levantamento e exame de informações sobre este conjunto em alguns dos tratados e obras enciclopédicas dos séculos XVI, XVII e XVII / Abstract: The tabor pipe duo, also known as tamboril, is approched morfologically and historically in its trajectory and present state in Europe and Latin America. Aspects relative to acustics, socialmusical uses and iconography are discussed. Issues about this ensemble in the XVI, XVII and XVIII centuries treatises and encyclopedical works are also raised, examined and discussed / Mestrado / Fundamentos Teoricos / Mestre em Música

Orientador: Edmundo Pacheco Hora / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Insstituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-12T16:10:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Aguilar_PatriciaMichelini_M.pdf: 3684123 bytes, checksum: 24e1c408f76195a26447f223c958eec2 (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Este trabalho investiga o uso da articulação na flauta doce durante a Renascença e o Barroco italiano através da análise dos tratados Fontegara (1535), de Silvestro Ganassi e Compendio Musicale (1677), de Bartolomeo Bismantova. Para uma compreensão abrangente do assunto, inicialmente procurou-se definir como se dá o processo de articulação na flauta doce, em seguida verificou-se o contexto musical e o papel do instrumento no período e nas cidades onde estes autores atuaram e finalmente foram estabelecidos paralelos com a fala e o canto contemporâneos. Na parte final as instruções sobre articulação de Ganassi e Bismantova foram transcritas, traduzidas e detalhadamente comentadas. O objetivo maior desta dissertação foi instruir o intérprete brasileiro sobre a forma de realizar tais articulações e de como adequá-las ao repertório, não exclusivamente ao daquele período. A metodologia utilizada foi o levantamento e leitura dos tratados e da bibliografia a eles relacionada associada à experiência da autora como intérprete de flauta doce. Foram utilizados conceitos de fonética para explicar a realização do processo de articulação na flauta doce, com o cuidado para que as explicações ficassem acessíveis ao leitor leigo no assunto. Constatou-se que os maiores indícios do uso da flauta doce na Itália durante os séculos XVI e XVII estão nas confrarias, academias e em situações informais; era um instrumento menos utilizado nos ambientes profissionais, mas muito apreciado por nobres amadores. Concluiu-se que a voz humana falada e cantada exercia influência na prática instrumental dos séculos XVI e XVII, que a língua utilizada como referência era o dialeto toscano e que a expressividade da língua era realçada no instrumento através do uso de dinâmicas e articulações irregulares. Constatou-se ainda que as principais sílabas de articulação indicadas nos tratados são te, de, re, le e che, principalmente nas combinações te-re, le-re e te-che. A maior diferença na realização destas sílabas entre intérpretes italianos e brasileiros é a predileção pela vogal [?] (pronuncia-se é) pelos primeiros e pela vogal [?] pelos últimos. / Abstract: This study investigates the use of syllable tonguing in recorder performance during the Italian Renaissance and Baroque periods through the analyses of the Fontegara (1535) treatise, by Silvestro Ganassi and the Compendio Musicale (1677) treatise, by Bartolomeo Bismantova. For a comprehensive understanding of this subject, first it was defined how recorder tonguing articulation occurs, then an analysis was conducted on the musical context and role of the instrument during the relevant period in the cities where these authors worked, and finally parallels were drawn against contemporary speech and singing. On the last part the instructions about tonguing syllables from Ganassi and Bismantova were transcribed, translated and comented in details. The major purpose of this study was to instruct Brazilian performers on how to implement such tonguing articulations and fit them into repertoires, which may include works not exclusively from that period. The methodology used for the analysis was an interpretation of the treatises and related literature that is associated with the author's experience as a performer. Phonetic concepts were used to explain the recorder tonguing articulations, and the descriptions were structured to be easily comprehensible by any reader. It was found that the most evidence of recorder use in Italy during the 16th and 17th centuries was apparent at religious orders, academies and informal situations; the instrument was used less frequently in professional settings, but was very appreciated by amateur noblemen. It was concluded that the spoken and sung voices influenced instrumental performance during the 16th and 17th centuries, that the language used as reference by performers was Tuscan dialect, and that the language expressiveness was emphasized in recorder performance through techniques of dynamics and irregular tonguing. It was also observed that the main tonguing syllables displayed in the treatises were te, de, re, le and che, specially the combinations te-re, lere and te-che. The most prominent difference between Italians' and Brazilians' use of tonguing syllables is the preference for the open vowel e [?] by the former and u [?] by the latter. / Mestrado / Mestre em Música

Submitted by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-08-11T13:45:46Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Stefânia Coppo Ribeiro Benatti - 2017.pdf: 4460944 bytes, checksum: f77a0b07b7c0327afed96785f4b1fa88 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-08-11T13:46:53Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Stefânia Coppo Ribeiro Benatti - 2017.pdf: 4460944 bytes, checksum: f77a0b07b7c0327afed96785f4b1fa88 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-08-11T13:46:53Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Stefânia Coppo Ribeiro Benatti - 2017.pdf: 4460944 bytes, checksum: f77a0b07b7c0327afed96785f4b1fa88 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2017-03-31 / The piccolo has been used just recently for recitals and chamber music all around the world. Therefore, its presence in the orchestral scene became notable mostly on 20th c. composers, such as Shostakovich. With the recent use of the instrument as a soloist within and without the orchestra, raises the necessity of a specific formation for piccolo, regardless of the flute. Lately, orchestras search for professional piccolo players, not flute players that can eventually play the piccolo when they are required. There is an extensive market out there for a good piccolo player, but it requires a deep knowledge about the instrument. On this paper, I display an investigation of the parameters of the embouchure, sonority, articulation and intonation, grounded in the methods for flute Méthode Complète de Flûte (1958) by Paul Taffanel and Phillipe Gaubert, De La Sonorite: Art et Technique (1934), by Marcel Moyse, and for piccolo The Mazzanti Method (2011), by Nicola Mazzanti and Practice Book for the Piccolo (1988), by Patricia Morris e Trevor Wye. After the research, made by this author, about the difference presented in the methods between the piccolo and flute parameters, were defined the differences in the application of these elements in the piccolo. The partial result was a study of excerpts of selected works for piccolo, considering the particularities found about the execution of the instrument. This research has as goal to help the flutist having a specific piccolo study, respecting its execution particularities and making possible a development that is both effective and independent of the flute. / O flautim é um instrumento de uso recente nos palcos de recitais e música de câmara de todo o mundo. Já a sua presença no quadro orquestral passou a ganhar destaque principalmente com compositores do século XX, como Shostakovich. Com a recente utilização do instrumento como solista dentro e fora da orquestra, surge a necessidade de uma formação específica do flautim independente da flauta. Atualmente, orquestras procuram flautinistas profissionais e não mais flautistas que tocam flautim quando necessário. O mercado de trabalho para um bom flautinista é muito extenso, mas isso exige que ele tenha um profundo conhecimento sobre o instrumento. Neste trabalho, apresento uma investigação a partir dos parâmetros embocadura, sonoridade, articulação e afinação, amparada pelos métodos de flauta Méthode Complète de Flûte (1958), de Paul Taffanel e Phillipe Gaubert, De La Sonorite: Art et Technique (1934), de Marcel Moyse, e de flautim The Mazzanti Method (2011), de Nicola Mazzanti e Practice Book for the Piccolo (1988), de Patricia Morris e Trevor Wye. Após análise das diferenças descritas nos métodos entre os parâmetros do flautim e da flauta, definiram-se as diferenças da aplicação desses elementos no flautim. O resultado parcial foi um estudo de trechos de obras selecionadas para flautim, levando-se em conta as particularidades encontradas sobre a execução do instrumento. Essa pesquisa tem como objetivo ajudar o flautista a um estudo específico do flautim respeitando suas particularidades de execução e possibilitando um desenvolvimento eficaz e independente da flauta.

O presente trabalho busca demonstrar de forma objetiva a influência das diferentes configurações de trato vocal na sonoridade da flauta. As alterações ocorridas na sonoridade do instrumento são, em geral, percebidas empiricamente pelos músicos a partir de imagens mentais acerca da configuração de seu trato vocal. Todavia, não há, entre os flautistas, uma visão mais clara e objetiva dos fenômenos ocorridos para que as alterações de timbre se viabilizem. Isso se deve, em grande parte, ao considerável número de variáveis envolvidas, como o ângulo de incidência do jato de ar no orifício do instrumento, movimentos de mandíbula, pressão do jato, entre outros. Considerando-se que as alterações de timbre são elemento essencial da interpretação musical e compõem não apenas o vocabulário técnico do instrumentista, mas, sobretudo, seu vocabulário criativo e sua sensibilidade musical, foi realizado um experimento que procurou mostrar com maior objetividade o papel do trato vocal nas alterações de timbre da flauta. O experimento consistiu em um aparato composto por um fonte de ar, um tanque/pulmão, modelos de trato vocal, embocadura artificial e o instrumento. Os resultados foram gravados e, posteriormente, analisados e comparados às medidas de impedância dos protótipos de trato vocal construídos para o experimento. Foram também realizadas entrevistas qualitativas com flautistas profissionais e professores com larga experiência na execução e no ensino do instrumento, que agregaram elementos à análise. A partir desses elementos, foram constatadas evidências contundentes de que as diferentes configurações do trato vocal são capazes de modificar a sonoridade da flauta. / The main objective of this research is to objectively demonstrate the influence of changes in the configuration of the vocal tract on the sound of the flute. These alterations are generally noticed empirically by musicians and are represented by mental images of the configuration of the vocal tract. The alterations of the vocal tract configuration are considered an important element of the musical interpretation. Nevertheless, there is not a clear and objective perception among flutists of how the vocal tract works to influence the sound of the flute. This is due to the considerable number of variables that are involved in this process, such as the angle and the pressure of the air jet on the instrument, the movements of the jaw, among others. In order to achieve the proposed objective, we designed an experiment whose main goal was to demonstrate the existence of vocal tract influence on the timbre of the flute. For this purpose we built an artificial blower that enables the elimination of the influence caused by modifications in the shape and position of lips and jaw. The results were recorded and analyzed in comparison with the measurement of the impedance of the prototypes of vocal tract that were built to the experiment. Moreover, we also conducted interviews with professional flutists and professors with extensive experience on the field, to aggregate elements to the final analysis. In conclusion, we were able to assert that there are compelling evidences that the different configurations of the vocal tract are able to modify the sound of the flute.

O ensino de flauta transversal está embasado em correntes pedagógicas divergentes, provenientes da experiência pessoal e profissional de flautistasprofessores que tinham pouco conhecimento a respeito da oclusão dentária, como Quantz (1752), Tromlitz (1791), Boehm (1871) e Mather (1981). O objetivo deste trabalho foi contribuir para a pedagogia da flauta transversal, tendo como premissa a consideração das classes de oclusão dentária dos flautistas. Para isso, apresentamos primeiramente uma introdução ao conceito de oclusão dentária, aplicado à prática da flauta transversal, e a revisão da literatura sobre o assunto. Depois dessa introdução, apresentamos estudos de caso, buscando elucidar a correlação entre a oclusão dentária e a embocadura de três flautistas com diferentes classes de mal-oclusões de Angle (1907). Finalizamos discutindo as implicações pedagógicas decorrentes. / The flute teaching is mostly based on divergent pedagogical trends, from the personal experience of flutists teachers who had little knowledge about the dental occlusion, as Quantz (1752), Tromlitz (1791), Boehm (1871) and Mather (1981). This thesis aims to develop a flute pedagogy premised on the consideration of flute players dental occlusion classes. To do this, first we present an introduction to the concept of occlusion, applied to the practice of flute, and a review of the literature on the subject. After this introduction, we present case studies to elucidate the correlation between dental occlusion and the embouchure of three flute players with three different types of malocclusion according to Angle´s classification (1907). We conclude with enumeration of the pedagogical implications.

Orientador: Suzi Frankl Sperber / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-20T08:02:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bittar_Valeria_D.pdf: 3915851 bytes, checksum: 3bdc67b5e7298b895d1d4e6d7c1d2681 (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: O presente trabalho é divido em três partes. A primeira é uma exposição crítica da formação do músico intérprete, forjada na metodologia do Conservatório pós-Revolução Francesa e estabelecida no Romantismo. Compara-se essa "mentalidade" à noção da "sociedade disciplinar", "sociedade dos corpos dóceis", desenvolvida por Michel Foucault (2007), como estrutura da formação musical, geradora de uma interpretação "transparente" (HAYNES, 2007), denominada nesta tese de "interpretação neutra". O eixo dessa formação concentra-se no texto musical como valor absoluto, na autoria do texto e na decodificação lógico-abstrata feita pelo intérprete neutro, através de um treinamento técnico automatizado. A segunda parte desta tese considerará que a Performance da Música Historicamente Informada HIP (Historically Informed Performance) e, ao mesmo tempo, o contato do músico intérprete com composições que contêm escrita de contornos "móveis" de autores contemporâneos, foram os principais fatores que desviaram o músico da interpretação musical "canonicista" consolidada no Romantismo e que ainda hoje, paradoxalmente, formata a performance musical. Ambos os fatores conduziram o performador musical a deslocar o eixo da interpretação textocêntrica, na qual o performador assumia o posto do "embaixador da vontade do autor da obra" (DUNSBY, 1995) e a musicologia assumia a função reguladora da performance. Sem desvalorizar o texto musical (seja escrito ou de transmissão oral), este deslocamento aciona a noção da performance como uma operação de ordem perceptiva, e não lógica, que ocorrerá no espaço de performance, no instante da performance, cujo eixo é o intérprete e a audiência. Na terceira parte deste trabalho propõe-se primeiramente intensificar a vivência do performador através do conceito de "movência" do texto, termo cunhado pelo medievalista Paul Zumthor (1993), perante a "intervocalidade" que estrutura os textos da Idade Média, denotando a mobilidade e os "contornos frouxos" do texto. Propõe-se a aplicação do conceito de "movência" para a leitura /interpretação de qualquer texto. Partindo da conscientização da mobilidade do texto é considerada a abertura de um diálogo, por parte do performador musical, com outras artes performáticas, o teatro e a dança contemporâneos. Sugere-se o encontro de denominadores comuns entre estas artes - em especial o encontro com os conceitos fundamentados no teatro de Jerzy Grotowski, na antropologia teatral de Eugenio Barba e na Técnica Klauss Vianna de "Escuta do Corpo". Neste diálogo é proposta como estruturação do performador para a performance musical perceptiva, a inclusão de fundamentos trazidos por este teatro e pela Técnica Klauss Vianna: acionamento da atenção que parte da desautomatização do corpo cotidiano e a consequente geração da dilatação e da presença do corpo do atuante no momento do Ato musical. Expõe-se a experiência da autora como flautista doce no trabalho com o Grupo ANIMA, como síntese das propostas trazidas nesta tese, que caminham para a vivificação do Ato musical através da presença viva do músico atuante e de seu corpo em comunhão com a audiência / Abstract: The present work is divided into three parts. The first is a critical exposition of the formation of the music performer, forged in the methodology of the Conservatory after the French Revolution and settled in Romanticism. Here it will be compare this "mentality" to the notion of "disciplinary society", "society of docile bodies", developed by Michel Foucault (2007), as the structure of musical training, giving rise to an "transparent" interpretation (HAYNES, 2007), called here "neutral interpretation". The axis of this training focuses on the musical text as an absolute value, the authorship of the text and the decoding logic abstraction made by the neutral interpreter, through an automated technical training. The second part will consider the Historically Informed Performance of music (HIP) and at the same time, the contact of performers with interpretation of compositions of contemporary authors containing instable contours, the main factors that deviated the musician from "canonical" interpretation settled in Romanticism and consolidated today. Both factors led the musical performer to shift the axis of 'textcentrical' interpretation, in which the performer took the post of "Ambassador of the will of the author" (DUNSBY, 1995) and musicology assumed the function of regulatory performance. Without detriment to the musical text (whether written or oral transmission), this displacement drives the notion of performance as an operation of perceptual order, not logical, which occur in the space of performance, at the moment of performance, whose axis is the interpreter and audience. In the third part of this study aims primarily to intensify the experience of the performer through the concept of 'mouvence' of the text, a term coined by medievalist Paul Zumthor (1993), facing the 'intervocalicality' which structures the texts of the Middle Ages, showing mobility and 'flexible edges' of the text. It is proposed to apply the concept of 'mouvence' for reading / interpretation of any text. Starting from the awareness of the mobility of the text, in the present work it will be considered the opening of a dialogue, by the musical performer, with other performing arts, contemporary theater and contemporary dance. It is suggested that the finding of common denominators between these arts - especially the meeting with the fundamental concepts in the theater of Jerzy Grotowski, the Theater Anthropology of Eugenio Barba and the KlaussVianna Technique of "Body Hearing." This dialogue will propose that the structure of the performer, for musical perceptive performance, should be based on the inclusion of the concepts developed in Grotowski and Barba's theater and in the principles of the KlaussVianna Technique as: drive the attention of the body through deautomatization of everyday body and the consequent generation of dilation of the body and the presence of the body in the musical Act. It will be exposed the author's experience as recorder player together with Grupo ANIMA, as a synthesis of the proposals brought in this theses, that conduce to a lively musical Act through the living presence of the musician and its body in communion with the audience / Doutorado / Artes Cenicas / Doutor em Artes

The main theme of the thesis is a musical instrument called transverse flute and its use in Chamber music subject in primary schools of art. The thesis focuses on chamber music in association with transverse flute, on an available music sheet and problems and benefits of chamber music at the primary school of arts from teachers' perspective. The paper is divided into three broad chapters. In the first chapter, the author focuses on the historical review, the structure and mechanics of the instrument and famous personalities who have influenced and contributed to the importance of transverse flute. In the second chapter, the author describes and characterizes chamber music and its history. She focuses on teaching students and on the method how to use the subject at primary schools of art. Part of this chapter is also a recommendation of specific literature for the students of primary schools of art. In the third chapter, the author addresses the research area which deals with the analysis of specific questions and answers of the questionnaire. She compares and evaluates the responses of teachers in Slovakia and Czech Republic. Keywords: flute, chamber music, teacher, teaching, student, bacis school of arts

Observa-se que a maioria das metodologias utilizadas no ensino da flauta doce, no Brasil, prioriza o desenvolvimento de habilidades de execução e leitura. Por outro lado, constata-se uma carência de publicações que abordem reflexões sobre processos de aprendizagem deste instrumento. Por estas razões, a presente pesquisa procurou sistematizar e analisar, dentre as práticas de ensino da autora, propostas voltadas para um ensino criativo, reflexivo, que buscam uma aproximação com a linguagem musical contemporânea e que poderiam contribuir para o alargamento de horizontes pedagógicos e colaborar com o ensino da flauta doce no país, contribuir para a produção de conhecimentos na área, além de desenvolver capacidades humanas. O trabalho apoia-se teoricamente nos princípios pedagógico musicais de dois grandes educadores musicais: Hans-Joachim Koellreutter (1915-2005) e Violeta Hemsy de Gainza (1930-), além do pensamento de outros educadores como Paynter (1992), Brito (2001, 2003, 2004, 2007, 2012), Schafer (1992), Self (1967), Fonterrada (2008), entre outros, que complementam e ampliam ainda mais estes princípios. De natureza qualitativa, dentre as diversas modalidades existentes, este estudo caracteriza-se como relato de experiência. Os dados foram coletados em duas instituições de ensino superior de música da cidade de São Paulo: Faculdade de Artes Alcântara Machado (FIAM-FAAM) e Faculdades Integradas Cantareira (F.I.C.), entre 2013 e 2014, com crianças da Escola Municipal de Iniciação Artística (EMIA-SP), entre 2008 e 2012, e com uma aluna de 7 anos, em aulas particulares, entre 2013 e 2014. Os resultados demonstraram que os diversos procedimentos pedagógicos apresentados contribuíram para o alargamento de práticas musicais, desenvolvendo a técnica do instrumento, tanto tradicional quanto contemporânea. Os resultados também evidenciaram que a aproximação com o repertório dos séculos XX e XXI, no início do aprendizado, foi uma experiência inusitada, interessante, enriquecedora e dilatadora de fronteiras para a maioria dos alunos. Em aspectos humanos, o conjunto de atividades colaborou para o desenvolvimento da atenção e da prontidão, promovendo a autonomia, a tolerância, a generosidade e o respeito, mostrando-se como uma possibilidade de ampliação de metodologias já existentes. / Most of the recorder teaching methods used throughout Brazil, as we could observe, chiefly contemplate the playing and reading skills development. Furthermore, there is a significant lack of publications specializing on the learning process study. Bearing these facts in mind and based on the author\'s experiments, this research is directed to systemize and analyze the attempts to come up with creative and reflexive plans, and look for approach to the contemporary musical language which would enlarging pedagogic horizons, contribute to the recorder teaching across the country, collaborate with the knowledge production in the area, as well as improving the development of human skills. This research is theoretically based on musical pedagogical principles by two major music educators: Hans-Joachim Koellreutter (1915-2005) and Violeta Hemsy of Gainza (1930-), complemented by other educators thoughts as Paynter (1992), Brito (2001 , 2003, 2004, 2007, 2012), Schafer (1992), Self (1967), Fonterrada (2008), among others who complemented and extended these principles. This research being a work of qualitative nature, among several existing studies, it is characterized as an experience report. The data were collected next to two advanced musical education institutions located in São Paulo: Faculdade de Artes Alcântara Machado (FIAM-FAAM) and Faculdades Integradas Cantareira (F.I.C.), between 2013-2014,as well as with children of the Arts Initiation Municipal School, Escola Municipal de Iniciação Artística (EMIA), between 2008-2012, and with a privately tutored 7- year old student, between 2013-2014.The outcome of those experiments showed that the various educational procedures presented have widened the musical practices, developing the technique of the instrument, both traditional and contemporary. It was also shown that the approach to the XX and XXI centuries\' repertoire when introduced early at the apprenticeship stage was an unusual experience, drawing interest and proving to be enriching and a border dilator to the most of the students. As far as human aspects are concerned, the activities contributed to the development of attentiveness, readiness, promoting autonomy, tolerance, generosity and respect, pointing up to the feasibility for the expansion of the existing methods.